Romantik Bilder – Die 12 wichtigsten Bilder der Romantik Epoche

Die Romantik war eine Bewegung, die Europa in den späten 1800er Jahren dominierte. Sie war eine künstlerische, intellektuelle und literarische Bewegung, die als Reaktion auf den Klassizismus und Neoklassizismus entstand, die ihr vorausgegangen waren. Sie war eine deutliche Abkehr von den Trends des intellektuellen Denkens, der Industrialisierung, der Rationalisierung und der Verherrlichung der Wissenschaft. Die Romantik war gefühlsbetont und wollte die Fantasie anregen. Das zeigt sich in den fantastischen und inspirierten Gemälden, die in dieser Zeit entstanden. In diesem Artikel stellen wir die 12 berühmtesten Gemälde der Romantik vor.

Romantik: Ein kurzer Überblick

Die Romantik gab sich den Emotionen und der Fantasie des Künstlers hin und ließ diese Gefühle und Ideen auf den Betrachter übergreifen. Romantik wurde von verschiedenen Romantikern in Bezug auf ihre Musik, Literatur und bildende Kunst unterschiedlich interpretiert. Künstlerinnen und Künstler stellten Szenen der Liebe, der Schönheit, der Spannung, des Schreckens, der Wut und der Anbetung dar, die eine Flucht aus der Realität ermöglichen sollten.

Die Romantik dauerte von etwa 1790 bis 1880 und entstand aus der Unzufriedenheit mit den aufklärerischen Werten von Ordnung und Vernunft nach der Französischen Revolution von 1789. Obwohl die Romantik als Gegenpol zum Klassizismus und Neoklassizismus beschrieben wurde, gab es stilistische Überschneidungen zwischen den beiden Bewegungen.

Allerdings unterschied sich die Romantik in einigen Punkten von ihren Vorgängerbewegungen, denn sie zeichnete sich durch die Betonung von Gefühl und Leidenschaft aus, im Gegensatz zu den früheren Konventionen von Rationalität und Distanziertheit.

In der bildenden Kunst huldigten die Romantiker der Kraft der Natur und würdigten ihre Unberechenbarkeit und Schönheit. Das Katastrophenpotenzial der Natur war ein wichtiges Thema, ebenso wie die Darstellung von überwältigenden, ergreifenden Gefühlen, die Empathie auslösten. Die Romantiker verherrlichten Emotionen und Intuition gegenüber Logik und Intellekt. Die Kunst der Romantik war auf schöne Naturszenen und das Erhabene ausgerichtet und bezog die Gefühle der Menschen in der Natur mit ein.

Gefahr und Schönheit definierten die erhabene Ästhetik der Natur.

Im Gegensatz zum Rationalismus kleideten die Maler der Romantik ihre Kunstwerke in leuchtende Farben und energische Pinselstriche. Die Kunst der Romantik bevorzugte dynamische Kompositionen gegenüber statischen Bildern. Die Gemälde der Romantik sollten Individualität und Instinkt ausdrücken, anstatt idealisierte Darstellungen der klassischen Vergangenheit zu zeigen.

12 berühmteste Gemälde der Romantik

Die Kunst der Romantik bot eine fantastische Flucht aus der Realität des städtischen Lebens. Die Romantik konzentrierte sich auf Gefühle und den Zustand der Seele, der sich oft in der Natur widerspiegelte. Die Künstler der Romantik malten nicht einfach, was sie in einer Landschaft sahen, sondern malten das, was sie in der Landschaft empfanden. Die Künstler waren frei, kreativ zu sein, und nutzten die Inspiration ihrer Träume und ihres Bewusstseins, um fantastische Figuren oder unruhige Landschaften zu illustrieren. Hier ist unsere Auswahl der 12 berühmtesten Gemälde der Romantik.

Der Alptraum(1781) von Henry Fuseli

Henry Fusellis romantisches Kunstwerk Der Albtraum war das erste seiner Art und machte Fuseli zu einer Art Übergangsfigur, die den Übergang von der Kunst des Zeitalters der Vernunft zur Kunst der Romantik anführte. Fuselis eigenartiges und makabres Kunstwerk zeigt eine scheinbar verzauberte Frau im Tiefschlaf, die auf einem Diwan drapiert ist.

Die Frau hat die Arme unter sich ausgestreckt, während ein dämonenartiger Inkubus auf ihr hockt und den Betrachter bedrohlich anschaut. Teilweise verdeckt sehen wir eine geheimnisvolle Stute mit bezaubernden weißen Augen und geblähten Nüstern. In seiner schaurigen Darstellung malt Fuseli die Frau in einer idealisierten Weise, die mit den Prinzipien des Neoklassizismus übereinstimmt.

Allerdings wich er davon ab, indem er seine Malerei nutzte, um die dunkleren Tiefen der menschlichen Psyche zu erforschen, während die meisten mit der wissenschaftlichen Erforschung der physischen Welt beschäftigt waren.

The Nightmare (1781) von Henry Fuseli; Henry Fuseli, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl die Frau in helles Licht gehüllt ist, deutet Fuseli an, dass das Licht das alptraumhafte Reich des menschlichen Geistes nicht durchdringen kann. Die Beziehung zwischen der Frau, dem Inkubus und der Stute ist nicht explizit und bleibt daher suggestiv, um die beängstigenden Möglichkeiten zu unterstreichen.

The Nightmare erschreckte und schockierte sein Publikum, als es in der Londoner Royal Academy ausgestellt wurde. Es war anders als alles, was die Öffentlichkeit zu sehen gewohnt war, denn das Thema stammte weder aus der Bibel noch aus der Geschichte, noch wurde es geschaffen, um den Betrachter zu moralisieren.

Fusellis Malerei hatte einen weitreichenden Einfluss und veränderte die Kunstwelt. Außerdem inspirierte er Schriftsteller wie Edgar Allan Poe und Mary Shelly mit seiner Kombination aus Sexualität, Horror und Tod, die als entscheidende Elemente für das Gothic-Horror-Genre fungierten. 

Der obere Fall des Reichenbachs: Regenbogen (1810) von J. M. W. Turner

Joseph Mallord William Turner war einer der ersten westlichen Künstler, der in seinen romantischen Kunstwerken Atmosphäre und Stimmung einfing. Turner war ein außergewöhnlich einflussreicher Landschaftsmaler des 19^ten Jahrhunderts. Er war begeistert von den Reichenbachfällen, einem Wasserfall der Aare in der Nähe von Meiringen in der Schweiz, den er auf seinen Reisen im Jahr 1802 gesehen hatte. Oberer Fall des Reichenbachs: Regenbogen war eine Szene, die er sowohl in der Schweiz als auch in seinem Heimatland England mehrfach malte.

Turner drückte in seinen Gemälden den Begriff des „Erhabenen“ aus, ein Konzept, das der Philosoph Edmond Burke postulierte, indem er das Gefühl darstellte, das man empfindet, wenn man die überwältigende Kraft und Erhabenheit der Natur erlebt.

Das wird durch die schiere Größe der Berge im Vergleich zu der menschlichen Figur und den Tieren in der unteren linken Ecke des Bildes deutlich. Die winzigen Figuren verdeutlichen das Gefühl der Größe und zeigen, wie unbedeutend sie inmitten der gewaltigen Natur sind.

Oberer Fall des Reichenbachs: Regenbogen (1810) von J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Public domain, via Wikimedia Commons

Turner malte gekonnt in dünnen Lavierungen und Schichten und verwendete eine düstere Farbpalette, bei der er die Oberfläche des Papiers mit einem nassen Tuch abrieb und auskratzte, um die sich auflösende und tosende Gischt der Wasserfälle gegen die riesigen Felsen zu vermitteln. In dieser Phase seiner Karriere lag der Schwerpunkt eher auf Ton und Form, erst später wurde die Farbe für ihn wichtiger.

Turner führte die Landschaft als gleichwertigen Bestandteil der Genrekunst ein, mit Gemälden von alltäglichen Szenen des Lebens – für die damalige Zeit war das eine revolutionäre Entscheidung. Turner wurde als „der Maler des Lichts“ gefeiert, weil er es meisterhaft verstand, leuchtende Farben und Stimmungen darzustellen.

Seine Dynamik und Intensität stand in starkem Kontrast zu den vorherrschenden zeitgenössischen sorgfältig gemalten topografischen Szenen.

Dritter Mai 1808 (1814) von Francisco Goya

Francisco Goya gilt als einer der bedeutendsten spanischen Künstler des 18^ten und 19^ten Jahrhunderts. Er schuf lebendige und rätselhafte Kunstwerke, die die zeitgenössischen historischen Turbulenzen in Spanien reflektierten und kommentierten. Goyas bahnbrechende berühmte romantische Kunst, Der dritte Mai 1808, ist wohl sein berühmtestes Gemälde. Es zeigt, wie napoleonische Truppen Spanier als Vergeltung für den Aufstand gegen die Franzosen am Vortag öffentlich hinrichten.

Goyas grüblerische Farbgebung verstärkt die Gräueltaten und erzeugt ein Gefühl von überwältigender Dunkelheit.

Der spanische Arbeiter, der hingerichtet werden soll, wird in einer Weise dargestellt, die die Kreuzigung Christi imitiert. Die Figur kniet mit ausgebreiteten Armen auf dem Boden und seine rechte Hand ist mit Stigmata gezeichnet, die den Zeichen auf dem Körper Christi während der Kreuzigung ähneln. Die ausdrucksstarken Gesichter und die Körpersprache der Figuren vermitteln die Grausamkeit und den Aufruhr. Eine Laterne auf dem Boden ist die einzige Lichtquelle, die die Szene in Licht, das die Opfer beleuchtet, und Schatten, die die gesichtslosen Henker verzehren, teilt.

Dritter Mai 1808 (1814) von Francisco Goya; Francisco de Goya, Public domain, via Wikimedia Commons

Goya schuf berühmte Gemälde der Romantik, die entscheidend mit der Vergangenheit brachen. Die Malerei war mit ihrer unheroischen Darstellung, ihren körnigen und matten Pigmenten und der Flächigkeit der Perspektive revolutionär.

Zusammen mit Goyas Darstellung eines zeitgenössischen Ereignisses, das von gewöhnlichen Menschen erlebt wurde, widersprach dies den akademischen Normen, die zeitlose neoklassische Szenen bevorzugten.

Goyas Ziel war es, den spanischen Widerstand gegen Napoleons Armee zu bezeugen und in Erinnerung zu rufen. Er beeinflusste Generationen von Künstlern, die ihm folgten. Goyas revolutionäres Gemälde Der dritte Mai 1808 spielte eine entscheidende Rolle für den Aufstieg des Realismus und seine ehrlichen Darstellungen des Alltagslebens, beeinflusste Picassos Darstellungen der Schrecken des Krieges und förderte die Auseinandersetzung des Surrealismus mit traumähnlichen Inhalten. 

Wanderer über dem Nebelmeer(um 1818) von Caspar David Friedrich

Der deutsche Künstler der Romantik Caspar David Friedrich malte 1818 eines der ikonischsten Kunstwerke der Romantik, Wanderer über dem Nebelmeer. Friedrichs Kunstwerk zeigt einen jungen Forscher, der von hinten auf einem schroffen Felsvorsprung thront und über ein dichtes Nebelmeer blickt. Der Wanderer über dem Nebelmeer erzählt keine Geschichte, sondern ist Friedrichs Darstellung eines emotionalen Zustands, der Ideen des Umherschweifens und der Unendlichkeit, der Unvollkommenheit der Gefühle und der Seele darstellt.

Friedrichs Meisterwerk stellt den Menschen vor einen unheimlichen und geheimnisvollen Hintergrund und zeigt seine geringe Macht in der gewaltigen Größe des Lebens.

Wanderer über dem Nebelmeer (ca. 1818) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Friedrich nutzte den Raum geschickt, um die winzige Stellung des Menschen in der Natur zu veranschaulichen, eine einsame Figur inmitten der riesigen Landschaft. Die Landschaft besteht aus Kompositionen von Wahrzeichen aus dem Elbsandsteingebirge im Osten Deutschlands. Der Wanderer scheint über die Welt, die vor ihm liegt, nachzudenken.

Die Figur des Mannes nimmt eine zentrale Position auf dem Bild ein, was den Eindruck erwecken könnte, dass er die Welt vor ihm beherrscht. Doch während der Nebel subtil in den Horizont übergeht, werden wir uns der Größe der Landschaft bewusst, die sich unendlich vor ihm ausdehnt. Wir sehen, dass die Welt im Grunde unbekannt bleibt. Friedrichs ehrfurchtgebietendes Gemälde erhob die Landschaftsmalerei.

Dieses Kunstwerk der Romantik ist repräsentativ für die deutsche Romantik, die sich etwas anders entwickelt hatte als ihre italienischen und französischen Pendants.

Das Floß der Medusa (1818 – 1819) von Théodore Géricault

Théodore Géricaults berühmtes romantisches Kunstwerk Das Floß der Medusa stellte den Schiffbruch dar, der sich 1816 ereignete, als Hunderte von Soldaten der französischen Royal Navy zur Kolonisierung des Senegals entsandt wurden. Das Schiff begann zu sinken, nachdem es auf eine Sandbank geprallt war. Diejenigen, die überlebten, bauten ein Notfloß, um an Land zu kommen, waren aber schnell auf See verloren.

Géricault verbrachte Monate damit, das Ereignis zu recherchieren, mit Überlebenden zu sprechen und sie zu skizzieren, Leichen zu studieren und Freunde zum Modellieren aufzurufen, darunter den berühmten Eugène Delacroix.

Die emotionale Bedeutung von Géricaults Meisterwerk prägt sich dem Betrachter ein. Géricault hat Realität und Kunst miteinander verschmolzen, um bewusst ein künstlerisch und politisch konfrontatives Werk zu schaffen. Géricaults Entscheidung, einen schwarzen Mann an der Spitze der Komposition darzustellen, war äußerst umstritten, da er damit seine abolitionistische Gesinnung zum Ausdruck brachte.

Das Floß der Medusa (1818-1819) von Théodore Géricault; Théodore Géricault, Public domain, via Wikimedia Commons

Durch den Einsatz von Licht und Schatten und die diagonale Formation, die den Rahmen mit den verrenkten Körpern in der linken unteren Ecke teilt, entsteht ein intensives Spektakel, das den Blick des Betrachters entlang der grausamen Szene bis zur Zinnenfigur führt, die ein Tuch schwenkt und damit ein Zeichen der Hoffnung setzt. Entlang der Diagonale vom Segel zur rechten unteren Ecke sehen wir einen Körper, der teilweise verhüllt ins Meer gleitet.

Diese Komposition ist zusammen mit dem majestätischen und stürmischen Himmel bezeichnend für die Kunstwerke der Romantik und ihre Darstellungen des Erhabenen.

Géricaults Gemälde sorgte für erhebliche Kontroversen und Skandale, als es erstmals in Paris ausgestellt wurde. Die meisten Betrachter waren von dem Gemälde begeistert, aber viele waren von Géricaults Themenwahl abgestoßen. Das Gemälde wurde kritisiert, weil es sich vom Klassizismus entfernte und die Darstellung der „idealen Schönheit“ mit der Darstellung des Realismus missachtete. Als Géricault sein Werk in London ausstellte, wurde es wesentlich positiver aufgenommen und erhielt Anerkennung dafür, dass es eine neue Richtung in der französischen Kunst einleitete.&nbsp

The Hay Wain (1821) von John Constable

John Constable war ein englischer Künstler der Romantik, der sich mit pastoralen Landschaftsbildern beschäftigte. The Hay Wain ist wohl sein größtes Werk und seine einzigartige Fähigkeit, natürliche Landschaften zum Leben zu erwecken, brachte ihm große Anerkennung ein. The Hay Wain Dieses majestätische Gemälde zeigt eine einfache Szene englischer Bauern, die sich um ihre Arbeit kümmern. Es zeigt Constables Genialität, da er in einem Gemälde einfangen kann, wie die flüchtige Atmosphäre bestimmt, wie wir Landschaften sehen.

In diesem Gemälde beobachtet der Mensch die Natur nicht einfach nur aus der Ferne; Constable stellt ihn als einen Teil der Natur dar, genauso wie die Vögel und die Bäume – nicht getrennt von ihr.

The Hay Wain (1821) von John Constable; John Constable, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Figuren sind maßstabsgetreu mit der Umgebung gezeichnet, was auf Constables Bestreben hindeutet, die Einheit mit der Natur in seiner Malerei auszudrücken. The Hay Wain gilt als eines der außergewöhnlichsten Kunstwerke der Romantik, das eine Landschaft darstellt, und als eines der am meisten verehrten Werke eines englischen Künstlers.

Als Constables Meisterwerk zum ersten Mal ausgestellt wurde, galt es als provokant und unverschämt, da das große Gemälde scheinbar die gleichen Techniken mit kleinen Pinselstrichen verwendete wie die Impressionisten.

Für das Londoner Publikum war das ein Skandal, während die Franzosen diese Art der Malerei, die von Künstlern wie Géricault verwendet wurde, bewunderten. Als The Hay Wain in Paris ausgestellt wurde, erregte es großes Aufsehen. Es brachte Constable eine Goldmedaille von König Karl X. von Frankreich für die Wirkung seines Kunstwerks auf dem Pariser Salon ein.

Épisode des Journées de Septembre 1830 (1830) von Marie-Adélaïde Kindt

Leider ist nur sehr wenig über die künstlerischen Beiträge von Frauen während der Romantik bekannt. Das scheint sich wie ein roter Faden durch die Kunstgeschichte zu ziehen – Frauen, die sich der bildenden Kunst gewidmet haben, werden oft ignoriert und selten verstanden, aber sie mussten sich durchsetzen.

Eine dieser Frauen ist Marie-Adélaïde Kindt, eine belgische Malerin, die in den 1820er und 1840er Jahren eine führende Künstlerin war. Kindt war eine der wenigen Künstlerinnen, die aus ihrer Familie stammten.

Antoine Cardon, ein Graveur, bildete Kindt in der Kunst des Zeichnens aus. Danach erhielt sie eine neoklassische Ausbildung, als sie bei François-Joseph Navez Malerei studierte, aber ihre Werke wurden von der Romantik beeinflusst.

Épisode des Journées de Septembre 1830 (1830) von Marie-Adélaïde Kindt; Adèle Kindt, Public domain, via Wikimedia Commons

Kindts Werk umfasste viele historische Szenen. Ihr einflussreichstes Werk war Épisode des Journées de Septembre 1830, eine Darstellung der belgischen Revolution, die im selben Jahr stattfand. Ihr Meisterwerk befindet sich heute im Stadtmuseum in Brüssel.

Kindt wurde in ihrem künstlerischen Schaffen von namhaften Künstlern wie Jacques-Louis David gefördert. Sie malte ihr ganzes Leben lang weiter, aber ihre späteren Arbeiten waren weniger ehrgeizig, da sie sich mehr mit romantischen Porträts und Genrebildern beschäftigte und ihren Stil dem Geschmack des Publikums anpasste.

Kindt konnte nicht an den Erfolg ihrer früheren Karriere anknüpfen, aber ihr Vermächtnis lebt mit den Kunstwerken weiter, die sie hinterlassen hat. 

Die Freiheit führt das Volk(1830) von Eugène Delacroix

Eugène Delacroix gilt als der repräsentativste Maler der französischen Romantik. Delacroix‘ Meisterwerk, Die Freiheit führt das Volk, erinnert an eine Szene aus der Julirevolution 1830, bei der der abgedankte König Karl X. gestürzt wurde. Das Gemälde wurde im selben Jahr fertiggestellt, in dem das Ereignis stattfand. Es ist nicht zu verwechseln mit einer Darstellung der Französischen Revolution von 1789. Delacroix‘ Triumph steht für Freiheit, Revolution und den Sieg des Volkes.

Dieses fesselnde Werk ist eines der bekanntesten Kunstwerke aus der Zeit der Romantik.

Delacroix malte eine Allegorie der Revolution, anstatt eine tatsächliche Szene darzustellen. Lady Liberty wird dargestellt, wie sie die vereinte Gruppe von Menschen gegen den Unterdrücker anführt, als ein Akt des Patriotismus. Die soziale Schicht spielte keine Rolle, wie man an der Mischung der Menschen erkennen kann – die Botschaft war Einigkeit. Obwohl die Figur mit nacktem Oberkörper an das griechisch-klassische Ideal erinnert und ihr Kleid über ihren Körper drapiert ist, stellt Delacroix sie mit Haaren auf dem Unterarm dar, um anzudeuten, dass sie tatsächlich real ist und nicht nur ein Ideal.

Liberty Leading the People (1830) von Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Public domain, via Wikimedia Commons

Liberty trägt eine phrygische Mütze, das Symbol der Freiheit und des Strebens nach Freiheit, hält ein Bajonett und hisst die dreifarbige Flagge, während sie die rebellische Gruppe auf ihrem Weg zum Sieg ermutigt. Jedes Detail in Delacroix‘ Gemälde hat eine politische Bedeutung und verbindet sie mit heftigen Emotionen.

Die turbulente Szene hebt Tod, Leiden und Heldentum hervor, die archetypische Themen der berühmten romantischen Kunst sind.

Die Freiheit, die das Volk führt, war ein bedeutendes Kunstwerk der Romantik, das bemerkenswerte Werke wie Die Freiheit, die die Welt erleuchtet (1886), besser bekannt als die Freiheitsstatue von Frédéric Auguste Bartholdi, inspirierte. Delacroix‘ Gemälde gilt als Inspiration für den Roman Les Misérables von Victor Hugo aus dem Jahr 1862. Bis heute hat Liberty Leading the People Bedeutung und ist 2008 auf dem Cover des Coldplay-Albums Viva la Vida. zu sehen.

The Titan’s Goblet (1833) von Thomas Cole 

Thomas Coles Kunstwerk der Romantik, Der Kelch des Titanen, ist der Höhepunkt seiner romantischen Fantasien. Der Kelch des Titanen ähnelt Coles anderen berühmten Gemälden der Romantik. Es zeigt eine italienische Landschaft und veranschaulicht Themen, die sich mit der Größe vergangener Zeiten und der Bedeutung der Natur und ihrer Macht für Eingriffe beschäftigen. The Titan’s Goblet ist wohl Coles rätselhaftestes Gemälde unter seinen allegorischen Landschaftsbildern. Das Metropolitan Museum of Art hat zum Ausdruck gebracht, dass dieses großartige Gemälde „sich einer vollständigen Erklärung entzieht“.

Coles Gemälde gilt als „Bild im Bild“, da zwei Landschaften im Gemälde existieren. Der Fuß des Kelchs steht auf traditionellem Terrain, doch an seinem Rand existiert eine ganz andere Welt.

The Titan’s Goblet (1833) von Thomas Cole; Thomas Cole, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine üppige Vegetation zieht sich am Rand entlang. Zwei winzige Gebäude unterbrechen das Grün, eines ist ein italienischer Palast und das andere ein griechischer Tempel. Eine riesige Wasserfläche füllt den Kelch bis zum Rand und ist mit Segelbooten übersät. Das Wasser schwappt auf den Boden, der von einer anderen Zivilisation geprägt ist.

Die antiken Ruinen am Rande des Kelchs und die Segelboote, die durch das Wasser waten, werden mit der griechischen und nordischen Mythologie in Verbindung gebracht.

Da sie weit entfernt von der darunter liegenden Zivilisation liegen, wurde dies als Abgrenzung zur Gegenwart interpretiert. Eine andere Theorie setzt die in sich geschlossene Zivilisation mit einem Mikrokosmos der menschlichen Welt inmitten der herrschenden Natur in Verbindung. Der Stiel des Kelchs vereint dann die Vergangenheit und die Gegenwart. Der Kelch des Titanen ist als einzigartiges Kunstwerk anerkannt.

Die neunte Welle (1850) von Ivan Aivazovsky

Iwan Aiwasowski war ein russisch-armenischer Künstler der Romantik, der sich auf Meereskunst spezialisiert hat. Sein Triumph Die neunte Welle gilt als eine der außergewöhnlichsten Seestücke der romantischen Kunst. Das Gemälde zeigt gewaltige Wellen, die über einen unruhigen Ozean fegen. Das Wrack schwimmt im Vordergrund des Gemäldes.

Der Titel und das Thema des Gemäldes stammen aus einer alten Seemannsgeschichte, die vor 1800 jahrhundertelang geglaubt wurde und in der die neunte Welle als die gewaltigste und zerstörerischste galt.

Die Figuren klammern sich an die Trümmer des Schiffes, im Angesicht des Todes versuchen sie, sich zu retten. Es wird vermutet, dass die Wrackteile die Form eines Kreuzes haben, was auf einen religiösen Unterton in Aivazovskys Werk hindeutet. Im Christentum dient dieses Werk als Allegorie für die Erlösung von der Sünde.

Die Neunte Welle (1850) von Ivan Aivazovsky; Russisches Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Palette des Gemäldes verwendet warme Töne, die die Wildheit des Meeres abmildern und ein Gefühl der Hoffnung und der Überlebenschance vermitteln. Aivazovsky zeigt meisterhaft die Schönheit und Verwüstung der Natur;

Aivazovskys Talente brachten ihm internationale Anerkennung ein und führten dazu, dass er einer der wenigen russischen Maler war, die zu Lebzeiten einen solchen Erfolg erzielten.

Bis heute ist er einer der bedeutendsten Marinekünstler, was für die Wirkung seiner künstlerischen Leistungen spricht. Anton Tschechow, ein berühmter russischer Schriftsteller, beschrieb einmal etwas als „würdig des Pinsels von Aivazovsky“, was dann zur Standardformulierung wurde, wenn es darum ging, etwas zu beschreiben, das überwältigend schön war.&nbsp

Der Kuss (1859) von Francesco Hayez

Francesco Hayez war ein berühmter Künstler der italienischen Romantik und sein Gemälde, Der Kuss, gilt als sein bekanntestes Werk. Alfonso Maria Visconti di Saliceto gab das Gemälde in Auftrag und schenkte es später der Pinacoteca di Brera. Der Kuss stellt einen Mann und eine Frau dar, die sich in einem leidenschaftlichen Kuss umarmen, ineinander verschlungen, ihre Gesichter bleiben verborgen.

Die Figuren stellen ein Paar aus dem Mittelalter dar, wie ihre Kleidung vermuten lässt. Sie bleiben jedoch unerkennbar, denn Hayez wollte, dass der Fokus auf dem Akt ihrer Umarmung bleibt.

Der Kuss zeigt Hayez‘ unglaubliches Können, denn er hat sein Gemälde mit so viel Liebe zum Detail gemalt. Hayez verschmolz Szenen von außergewöhnlicher Schönheit mit politischen Berichten. Die unterschwellige Botschaft, die Hayez dem Betrachter vermittelt, ist die einer nationalen Vereinigung, denn das Gemälde stand stellvertretend für das Risorgimento, die „Italienische Einigung“.

Der Kuss (1859) von Francesco Hayez; Francesco Hayez, Public domain, via Wikimedia Commons

Hayez wollte den Franzosen huldigen, weil sie mit Italien verbündet waren. Daher die Farbpalette des Gemäldes mit dem Rot der Strumpfhose des Mannes und dem Weiß und Blau des Kleides der Frau, die auf die französische Flagge anspielen.

Dieses Gemälde ist ein symbolisches Meisterwerk, das für die italienische Romantik steht.

Hayez gilt als Italiens berühmtester Künstler der Romantik. Sein künstlerisches Schaffen reicht von prächtigen romantischen Porträts bis hin zu monumentalen historischen Gemälden. Sein Einfluss hat die nachfolgenden Generationen von Künstlern in Italien entscheidend geprägt. Der Kuss wurde von seiner ersten Ausstellung an populär. Der italienische Regisseur Luchino Visconti ließ sich von Der Kuss für eine Szene in seiner 1954 entstandenen Produktion Senso. inspirieren.

Kaaterskill Creek (um 1870) von Susie M. Barstow

Susie M. Barstow war ein Mitglied der Hudson River School, einer amerikanischen Kunstbewegung in der Mitte des 19. Jahrhunderts, die von einer Klasse von Landschaftsmalern getragen wurde, deren Bildkompositionen stark von der Romantik beeinflusst waren. Das Hudson River Valley wurde von den Künstlern regelmäßig abgebildet, ebenso wie die umliegenden Gebiete, zu denen auch die Catskill Mountains gehörten. Barstow war bekannt für ihre leuchtenden Landschaften, wie zum Beispiel ihr majestätisches Kaaterskill Creek Gemälde.

Barstows Landschaften waren von Licht durchdrungen und strahlten Gelassenheit und die Schönheit der Natur aus.

Kaaterskill Creek (um 1870) von Susie M. Barstow; Susie M. Barstow, Public domain, via Wikimedia Commons

Ihre Arbeiten wurden u.a. in der National Academy of Design, der Pennsylvania Academy of the Fine Arts und der Brooklyn Art Association ausgestellt. Zu ihrer Zeit hatten Frauen nicht die gleichen Möglichkeiten, ihre Werke auszustellen, was dazu führte, dass viele ihrer Werke unbemerkt blieben, bis Kunsthistoriker die Beiträge der Künstlerinnen der Hudson River School neu beleuchteten.&nbsp

Der Titel eines Amateurkünstlers war für Frauen und Männer gleichermaßen zugänglich, aber jeder Titel, der auf einen professionellen Künstler hinwies, war im Allgemeinen Männern vorbehalten und für Frauen weit weniger zugänglich.

In Anbetracht unglaublicher Künstlerinnen wie Barstow sollten wir uns davor hüten, die Aufzeichnungen über ihre Arbeit als selbstverständlich anzusehen. Der Mangel an Informationen über Künstlerinnen lässt uns glauben, dass Barstow die Ausnahme war, anstatt einfach anzuerkennen, dass ihre Arbeit ebenso außergewöhnlich war wie die ihrer Zeitgenossinnen. Vor allem diejenigen, die aufgrund ihres Geschlechts mit vielen Barrieren konfrontiert waren, die ihren Leistungen nicht die gebührende Aufmerksamkeit schenkten.

Diese berühmten Gemälde der Romantik, die wir für unsere Liste ausgewählt haben, sind wahrhaft großartige Beispiele für die fantasievollen und temperamentvollen Kunstwerke, die Künstlerinnen und Künstler zu dieser Bewegung beigetragen haben. Ihr Einfluss hält bis heute an, denn sie prägten die nachfolgenden Bewegungen und Generationen von Künstlern, die auf sie folgten. Wenn du mehr über Kunstgeschichte erfahren möchtest, dann stöbere auf unserer Website, wo du sicher noch mehr Artikel findest, die dein Interesse wecken!

Häufig gestellte Fragen

Was ist Romantik?

Die Bewegung der Romantik beherrschte Europa im späten 18^ten Jahrhundert. Sie war eine künstlerische, intellektuelle und literarische Bewegung, die als Reaktion auf den Klassizismus und Neoklassizismus entstand, die ihr vorausgegangen waren. Sie war ein deutlicher Bruch mit den Trends des intellektuellen Denkens, der Industrialisierung, der Rationalisierung und der Verherrlichung der Wissenschaft. Die Romantik war gefühlsbetont und wollte die Fantasie anregen. Das zeigt sich in den fantastischen und inspirierten Gemälden, die in dieser Zeit entstanden.

Was sind die Merkmale der Kunst der Romantik?

Die Romantik gab den Emotionen und der Fantasie des Künstlers nach und ließ diese Gefühle und Ideen auf den Betrachter übergreifen. Die Gemälde der Romantik betonten das Individuelle, das Persönliche, das Subjektive, das Fantasievolle, das Emotionale, das Transzendentale, das Visionäre und das Erhabene.

Wie wird die Romantik in der Kunst dargestellt?

In den Porträts der Romantik und den Kunstwerken der Romantik stellten die Künstler Szenen der Liebe, der Schönheit, der Spannung, des Schreckens, der Wut und der Anbetung dar, die eine Flucht aus der Realität ermöglichen sollten. Die Gemälde der Romantik waren eine Hommage an die Kraft der Natur, ihre Unberechenbarkeit und Schönheit. Das Katastrophenpotenzial der Natur wurde in der Kunst hervorgehoben, ebenso wie die Darstellung von überwältigenden, ergreifenden Gefühlen, die Empathie auslösten. Die Romantiker verherrlichten Emotionen und Intuition gegenüber Logik und Intellekt. Die Kunst der Romantik war auf schöne Naturszenen oder das Erhabene ausgerichtet und bezog die Gefühle der Menschen in der Natur mit ein. Gefahr und Schönheit bestimmten die erhabene Ästhetik der Natur. Die Porträts der Romantik und die Kunstwerke der Romantik zeichnen sich durch leuchtende Farben und energische Pinselstriche aus. Berühmte romantische Kunst bevorzugte dynamische Kompositionen gegenüber statischen. Die Gemälde der Romantik sollten Individualität und Instinkt ausdrücken, anstatt idealisierte Darstellungen der klassischen Vergangenheit zu zeigen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.