Kunstwerke von Raffaello Sanzio da Urbino – Komplette Übersicht

Raffaels Kunstwerke waren das Medium, in dem sich seine wahre Liebe zum Leben manifestierte. Er verstand es, die ästhetischen Vorstellungen der humanistischen Epoche der Renaissance auf verblüffend neue Weise zu vermitteln. Raffaels Gemälde werden in die gleiche prestigeträchtige Kategorie meisterhafter Werke eingeordnet wie die von Michelangelo und Da Vinci.

Eine Einführung in Raffaels Kunstwerk und Leben

Raffaels großes Talent als Maler war, angesichts seiner vergleichsweise kurzen Lebenszeit, das Ergebnis einer Ausbildung, die schon im Kindesalter begann. Von seiner Jugend, die er im Atelier seines Vaters verbrachte, bis hin zu seinen erwachsenen Jahren als Leiter eines der größten Ateliers seiner Art, etablierte er sich als einer der produktivsten Maler seiner Generation. Raffaels Gemälde gelten als einige der besten Beispiele für den humanistischen Impuls seiner Zeit, der darauf abzielte, den Wert des Menschen in der Welt durch Kunstwerke zu untersuchen, die absolute Eleganz betonten.

Raphael beherrschte nicht nur die Hochrenaissance-Malerei wie den Blickwinkel, die exakte anatomische Genauigkeit und den wahren emotionalen Ausdruck und die Artikulation, sondern er brachte auch eine einzigartige besondere Art und Weise ein, die für ihre Reinheit, lebendige Palette, einfache Anordnung und Pracht bekannt ist.

Mutmaßliches Selbstporträt von Raffael, im Alter von etwa 23 Jahren, zwischen 1504 und 1506; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl es die Gemälde sind, die Raphel berühmt gemacht haben, von denen einige derzeit im Vatikanpalast zu sehen sind, in dem die Fresken der Raphael-Räume sein ehrgeizigstes Projekt waren, war er auch Ingenieur, Drucker und brillanter Zeichner. Mit anderen Worten: Er war ein echter Mann der Renaissance. Im Vergleich zu einem seiner Hauptkonkurrenten, Michelangelo, war der Maler bekannt für seine Herzlichkeit, seine große Beliebtheit, sein freundschaftliches Wesen und seine große Bewunderung für Frauen.

Sein soziales Geschick und seine angenehme Art verschafften ihm einen Vorsprung vor seinen Zeitgenossen, was die Akzeptanz und die beruflichen Perspektiven betraf.

Raphaels berühmteste Gemälde

Was hat Raffael gemalt, das ihn zu einer so berühmten Künstlerpersönlichkeit machte? Kunstwerke wie Raffaels Schule von Athen und Raffaels Madonna werden als wichtig angesehen, aber es gibt so viele Gemälde Raffaels, die Aufmerksamkeit verdienen. Lass uns in einige von Raffaels berühmtesten Gemälden eintauchen und mehr über diesen künstlerischen Meister der Renaissance erfahren.

Die Vermählung der Jungfrau (1504)

Die Hochzeit von Josef und Maria ist auf diesem Bild zu sehen. Einer der beiden unzufriedenen rivalisierenden Verehrer ist abgebildet, wie er seine Rute zerschlägt, während Josef das Band an Marias Hand legt. Trotzdem blüht Josefs Rute, was darauf hindeutet, dass zwar alle Anwärter einen Holzstab tragen, aber nur der des auserwählten Bräutigams blühen kann. Im Hintergrund ist ein Schrein zu sehen, der im Stil des Architekten Bramante gebaut wurde.

Die Kombination aus leuchtenden Farbtönen und den gefühlsbetonten Emotionen der Figuren verleiht dem Bild eine schöne Haltung und vermittelt eher das Gefühl der übernatürlichen Gunst der Szene als ein angenehmes, vorübergehendes Fest.

Eine Tafel von Raffaels frühem Lehrer Perugino beeinflusste das Kunstwerk.

Die Vermählung der Jungfrau (1504) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieses Werk markiert einen Wendepunkt in Raffaels künstlerischer Entwicklung, da es den ästhetischen Ansatz seines Mentors Perugino mit seiner eigenen zunehmenden Autorität verbindet. Wir können sehen, wie er beginnt, seine eigene Herangehensweise in Form von Arrangements, Perspektiven und der kühnen Verwendung von kräftigen Farbtönen einzubringen, die seine späteren Gemälde auszeichnen sollten.

Dieses Kunstwerk zeigt Raffaels Kühnheit, sich selbst als Künstler anzukündigen, denn es ist eines seiner ersten markanten Werke.

Es zeigt auch, dass er die Methoden der Renaissance beherrschte, wie z. B. die Dreipunktdarstellung, bei der die Proportionen der Menschen schrumpfen, wenn sie sich ins Bild zurückziehen, und den Gehweg, der uns zum Heiligtum führt.

Vision eines Ritters (1504)

Raffaels Vision eines Ritters zeigt einen jugendlichen Ritter in Rüstung, der unter einem Baum schläft, begleitet von einem Frauenpaar. Die eine trägt ein Lehrbuch und eine Waffe, die andere eine Wildblume. Dieses kleine Kunstwerk ist ein metaphorisches Werk.

Der wahrscheinlichste Ursprung ist eine Metapher auf Optionen, die auf einem Abschnitt in der Punica basiert, einem ikonischen Gedicht des lateinischen Autors Silius Italicus, das den Zweiten Punischen Krieg beschreibt.

Scipio, ein jugendlicher Krieger, entspannt sich im Schatten eines Lorbeerbaums, als er eine Vision von zwei Frauen hat, zwischen denen er wählen muss: Venus (Leidenschaft) und Minerva (Moral). Minerva war die Gottheit des Lernens und die Schutzherrin des Handwerks, des Handels und der Sicherheit. Hinter ihr befindet sich eine saubere Straße, die für fleißige Arbeit steht und zu einem Palast führt. Venus, die in lockere Gewänder gekleidet ist, ist die Gottheit der Liebe. Hinter ihr befindet sich ein höherer, rauer Weg, der über den Fluss zu fernen Orten oder zum Meer führt, wo Venus geboren wurde.

Vision eines Ritters (c. 1504) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Materialien, die die beiden in der Hand halten, spiegeln ihre Prinzipien wider: Die Bücher und Waffen symbolisieren die Ideen von Wissen, Gerechtigkeit und Schutz. Die Blüte steht für die Sehnsucht nach einer Geliebten, beides Dinge, an die ein Ritter in seiner Fantasie denken würde.

Die Lorbeerpflanze wurde zur Herstellung der Lorbeergirlande verwendet, die in der klassischen Antike ein Zeichen für hohen Rang war.

Die Belohnung beim Pythischen Sport war ein Kranz aus Lorbeerblättern, weil die Veranstaltungen zu Ehren von Apollo stattfanden und der Kranz eines seiner Symbole war. Ein Lorbeerkranz oder der Lorbeer auf den Helmen wäre ein Zeichen der Auszeichnung.

Heiliger Georg mit dem Drachen(1505)

Heiliger Georg mit dem Drachen, eine der beiden Interpretationen des Künstlers zu diesem Thema, war Teil einer Sammlung von kleinen Tafeln, die in Florenz für den berühmten Hof von Urbino hergestellt wurden. Der heilige Georg, ein katholischer römischer Ritter, rettete die Prinzessin des heidnischen Königs, indem er einen Drachen mit seinem Speer besiegte; die Prinzessin brachte das Ungeheuer daraufhin in die Stadt, wo der Held es mit seiner Klinge tötet und den Monarchen und seine Anhänger zum Christentum inspirierte. Der Kampf hat die Waffe des Heiligen Georgs zerbrochen, aber der tapfere Ritter wird den Drachen mit der Klinge erschlagen und damit das Mädchen befreien, das nach rechts flieht. Diese Tafel wurde in der Mitte des 16. Jahrhunderts mit Raffaels St. Michael gepaart.

Obwohl das andere Bild etwas früher entstanden ist, lässt die Tatsache, dass sie die gleiche Höhe haben und eine ähnliche Ikonografie aufweisen, darauf schließen, dass Raffael die Heiligen nebeneinander darstellen wollte.

Heiliger Georg mit dem Drachen (1505) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Die primäre visuelle Referenz für den kämpfenden Reiter ist Da Vinci, dessen Fokus auf einem sich aufbäumenden Reiterkollektiv auf seine Mailänder Jahre und vielleicht noch davor zurückgeht und in Florenz genau zu dem Zeitpunkt seinen Höhepunkt erreichte, als Raffael dort war: Da Vinci arbeitete damals an der Schlacht von Anghiari. Raffael war von diesem Werk fasziniert und könnte einige der vielen Skizzen gesehen haben, die Da Vinci dafür angefertigt hatte, wie eine Skizze belegt.

Das Endergebnis dieses kleinen Gemäldes ist jedoch ganz und gar Raffaels Original, das auf einer ausgewogenen Perspektive, Bewegung, Energie und der Integrität einer akkuraten Komposition beruht.

Drei Grazien(1505)

Das Bild stellt die drei Grazien dar, griechische Göttinnen aus der Mythologie, die Eleganz, Erfindungsreichtum und Wohlstand verkörpern sollen. Raffael stellt drei nackte Damen dar (vermutlich die früheste Darstellung der nackten weiblichen Figur in Vorder- und Rückenansicht, die sich gegenseitig zärtlich streicheln).

Die drei Damen tragen kugelförmige Gegenstände, zwei von ihnen tragen Schmuck. Manche halten sie für eine Frucht, aber bei genauerem Hinsehen sind die perfekten Kugeln eher vergoldete Kugeln. Es wird angenommen, dass Raffael die Grazien mit dem Mondlicht, der Göttin Venus, in Verbindung bringt, um die Bedeutung von Anmut, Weiblichkeit und Gebärfähigkeit zu betonen.

Als eines der frühesten Werke des Malers ist es nicht verwunderlich, dass das Bild einige der schönen Details vermissen lässt, die in seinen späteren Werken zu finden sind.

Drei Grazien (zwischen 1503 und 1508) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

In der Tat haben Experten für zeitgenössische Kunst darauf hingewiesen, dass das Werk einige der späteren Schöpfungen des Künstlers vermissen lässt. Sie stellen fest, dass Die drei Grazien unter bestimmten rudimentären Pinselstrichen leiden, vor allem in den vergleichsweise mangelhaften Merkmalen der in der Mitte des Bildes stehenden Grazie. Nichtsdestotrotz ist es ein Schlüsselwerk in seiner frühen Karriere. Das Kunstwerk wird manchmal einer beschädigten Marmorfigur zugeschrieben, die im Dom von Siena ausgestellt ist, aber das ist umstritten.

Es heißt, das Bild sei von der Ferrara-Schule beeinflusst, einer Gruppe von Malern, deren Werke sich durch eine Kombination von Inspirationen aus Orten wie Florenz und Venedig auszeichnen und keine Ähnlichkeit mit bekannten Skulpturen haben.

Die Grablegung (Die Absetzung Christi) (1507)

Mehr als 15 Skizzen zu diesem Gemälde sind erhalten geblieben, was es zum am gründlichsten erforschten Gemälde Raffaels macht und echte Einblicke in die Entwicklung von Raffaels Denken bei der Auseinandersetzung mit einem bestimmten Thema ermöglicht. Es war eine notariell beglaubigte Arbeit, die für die Kirche S. Francesco al Prato in Perugia bestimmt war und von Atalanta Baglioni in Auftrag gegeben wurde, einige Jahre nachdem ihr Kind, Grifonetto Baglioni, bei dem Versuch, die Macht der perugianischen Regierung zu erlangen, seine Partner getötet hatte – nur um einige Tage später selbst angegriffen und getötet zu werden, so der beste verfügbare Beweis.

Das Kunstwerk stellt daher die Trauer der trauernden Mutter dar und erinnert an sie.

Die Grablegung (Die Absetzung Christi) (1507) von Raphael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Die trauernde Maria, die nach rechts zusammenbricht, ist eine offensichtliche Anspielung auf Atalanta Baglioni und vermutlich auch eine Anspielung auf Maria als Miterlöserin Jesu, die sein Leiden wiederholt, ist einer der beiden Hauptgründe für dieses Bild. Das andere Motiv, das ganz links abgebildet ist, stellt das Tragen des Leichnams Christi zur Bestattung dar.

Während der Renaissance war die Grablegung Christi ein äußerst beliebtes Thema. Neben Raffael hatten auch Michelangelo und Caravaggio Kunstwerke zu diesem Thema.

Unter den metaphorischen Elementen, die aus Raffaels florentinischer Ausbildung stammen, scheinen die von Michelangelo abgeleiteten in seinen letzten florentinischen Werken am weitesten verbreitet zu sein. Die Grablegung ist das Werk, in dem der Wert Michelangelos für Raffael am deutlichsten wird.

Canigiani Heilige Familie (1508)

In den ersten Jahren des 16. Jahrhunderts beschäftigten sich Raffael, Michelangelo und Da Vinci mit der Aufgabe, das Thema Madonna und Kind in innovative kreative Gruppierungen einzubinden. Bald darauf wurde das Thema erweitert und umfasste nicht nur den jungen Johannes den Täufer, sondern auch den Heiligen Josef. Raffael lehnte sich, wie in zahlreichen Werken aus dieser Zeit, stark an die beiden älteren Florentiner Künstler an, aber das Endprodukt ist höchst eigenständig und unverwechselbar raffaelesk.

Raphael kombiniert in diesem Gemälde Motive von Leonardo und Michelangelo mit einer ausgesprochen nordischen Szene und exquisiten koloristischen Perioden, die sich durch schimmernde Farben auszeichnen.

Canigiani Heilige Familie (1508) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Pyramide, in die die Figuren ordnungsgemäß eingeschlossen sind, basiert zwar immer noch auf Da Vincis Entwürfen, aber die Interaktionen zwischen den einzelnen Personen, die durch die Blicke, die sie austauschen, und die ruhigen Gefühle, die sie ausdrücken, entstehen, heben das Arrangement auf eine sanft beschreibende Ebene. Die Stimmung des Kunstwerks ist so ganz anders als Da Vincis straffer und frenetischer Stil.

Raphaels unübertroffene Ausdrucksfähigkeit erlaubt es ihm, ein Bild zu schaffen, das reich an menschlicher Interaktion und klarer Ruhe ist.

Disputation des Heiligen Sakraments (1510)

Dieses Fresko ist eines von vier Wandgemälden im Raphaelsaal des Vatikanpalastes, die die Bereiche Logik, Literatur, Religion und Gesetzgebung einzeln darstellen. Die Mitglieder einer katholischen Religion werden in diesem berühmten Raffael-Kunstwerk unter der Weite des Himmels über ihrem geheiligten Altar dargestellt.

Das Gemälde stellt den Triumph des Christentums über die Logik dar, die auf der anderen Wand in Raffaels „Die Schule von Athen“ (1511) gezeigt wird.

Jesus steht in der Mitte des Himmels, mit der Jungfrau Maria an seiner Seite und Johannes dem Täufer an seiner anderen Seite. Über Christus ist Gott abgebildet, der über den Himmel herrscht, flankiert von Jakob und Adam. Mose trägt die Steine mit den zehn Geboten, während der Heilige Geist zu den Füßen Jesu dargestellt ist. Engel halten die vier heiligen Schriften zu beiden Seiten des Heiligen Geistes.

Disputation des Heiligen Sakraments (1510) von Raphael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raffaels erster großer Auftrag, die Renovierung der Privaträume von Papst Julius II., fand statt, als er gerade einmal 27 Jahre alt war, und er schuf dieses Gemälde während dieses Auftrags. Leider musste er dafür Fresken anderer großer Renaissancekünstler wie Perugino und Piero Della Francesca übermalen.

Raphael erhielt den Auftrag, die vier Räume gegenüber von Michelangelo, der zu diesem Zeitpunkt an der Sixtinischen Kapelle malte, sowie von Leonardo da Vinci mit Fresken zu versehen.

Dies soll Michelangelo wütend gemacht haben, der Raffael später beschuldigte, zu kopieren, und Berichte verbreitete, dass Raffael sich in die Sixtinische Kapelle geschlichen hatte, um Michelangelos Werk aus erster Hand zu sehen. Der Ursprung des Streits war wahrscheinlich nichts anderes als die Rivalität zwischen zwei außergewöhnlich fähigen Experten, die um die Gunst desselben Kunden kämpften.

Die Schule von Athen (1511)

Trotz des Namens bezieht sich Die Schule von Athen auf Intellektuelle aus der klassischen Ära und nicht auf eine bestimmte Denkschule. Die Bewegungen der Philosophen, die auf dem Gemälde zu sehen sind, waren Gegenstand vieler wissenschaftlicher Analysen und Diskussionen, obwohl unklar ist, wie viel von ihren Ideen Raffael gekannt haben könnte.

Bezeichnend ist, dass Raffael die bedeutendsten antiken Denker in einem prächtigen Renaissancebauwerk versammelt hat, das auf Bramantes Ideen für den zukünftigen Petersdom anspielt.

Viele der Intellektuellen können anhand ihrer Bilder identifiziert werden, die zu dieser Zeit sehr bekannt waren und auf Büsten basieren, die bei archäologischen Ausgrabungen ausgegraben wurden. In der Mitte sind Aristoteles und Platon zu sehen, die ihre bekannten Bücher Ethik und Timeus in der Hand halten.

Die Schule von Athen (1511) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Pythagoras steht im Vordergrund, Euklid an der Seite, Zarathustra trägt die Himmelskugel, Ptolemäus die Erdkugel und Diogenes steht auf den Stufen und trägt eine Schale. Der Gelehrte, der sich über Pythagoras beugt, soll der arabische Denker Averroes sein, dem man zuschreibt, dass er die Lehren von Platon und Aristoteles in das Abendland gebracht hat.

Die Geschichte besagt, dass Raffael seinen größten Widersacher Michelangelo verspottete, indem er sein Bild als das Antlitz des Gelehrten Heraklit darstellte, das auf einem Steinblock ruhte.

Wegen des melancholischen Tons seiner intellektuellen Philosophie wird Heraklit manchmal als der weinende Philosoph bezeichnet, was dem Status von Michelangelo als Riesenbaby entspricht. Auf dem Kunstwerk ist auch ein Selbstporträt von Raffael mit einer dunklen Baskenmütze abgebildet. Er posiert neben Il Sodoma, der zu den Malern gehörte, deren Kunstwerke Raffael nachmalen musste.

Sixtinische Madonna (1512)

Das Kind und die Madonna stehen in der Mitte von Raffaels Sixtinischer Madonna, wobei die Heilige Barbara und der Heilige Sixtus zu beiden Seiten sitzen. Da ihre sterblichen Überreste in der Kirche geehrt wurden, wurde die Heilige Barbara in das Kunstwerk integriert. Der heilige Sixtus tritt stellvertretend für das Publikum ein, wie man an seiner rechten Hand erkennen kann, die zu uns hinunter gestikuliert, während er zur Madonna hinaufschaut. Die beiden Engel am unteren Rand des Bildes blicken zu ihnen auf und lassen die Verehrung der Heiligen, die Ernsthaftigkeit der Jungfrau und die Reinheit des Jesuskindes vermissen. Die päpstliche Krone von Papst Sixtus ist in der unteren linken Ecke des Kunstwerks zu sehen.

Raphaels Vermischung von Renaissance-Themen mit seiner persönlichen Technik wird in diesem religiösen Werk wieder aufgenommen.

Sixtinische Madonna (1512) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raffael verwendete eine pyramidenförmige Strukturform, die zu dieser Zeit sehr beliebt war. Die Vorhänge, die scheinbar zurückgezogen werden, um den Blick auf den Himmel freizugeben, tragen zur Einheit des Kunstwerks mit dem Altar bei, für den es angefertigt wurde. Der illusorische Bereich, in dem sich die himmlischen Gestalten befinden, unterstreicht die himmlische Bedeutung des Segensgebets, das die Menschenmenge in Ehrfurcht versetzen soll. Die Mütze des Papstes und die Terrasse, auf der die Engel liegen, sind die einzigen irdischen Andeutungen auf dem Bild.

Das Werk ist aus mehreren Gründen bedeutsam: Es war die letzte von Raffaels „Madonnen“, die geschaffen wurde, und es hat auch eine faszinierende Herkunft und Wirkung in Deutschland.

Triumph der Galatea (um 1512)

Dieses Gemälde erzählt die Geschichte von Galatea, dem Kind der Meeresgottheit Nereus, die sich in einen Bauern namens Acis verliebt. Polyphem, der Zyklop und Kind des Poseidon, soll Galatea angebetet haben. Als er sie und ihren Geliebten Acis bei einer Umarmung entdeckte, tötete er ihn in einem Anfall von Wut. Galatea segelt auf einem von zwei Delfinen gezogenen Wagen über die Wellen und versucht zu entkommen. Bei dieser aufregenden Flucht wird die Protagonistin von mythischen Meerestieren und Nymphen umringt. Der Triumph der Galatea wurde geschaffen, um die Villa Farnesina von Raffaels Finanzier und Kollegen Agostino Chigi zu schmücken, und ist das einzige Werk des Malers, das auf der griechischen Mythologie basiert.

Dieses Gemälde von Raffael wurde durch Angelo Polizianos Gedicht „Stanza per la Giostra“ motiviert. Das Gedicht beschreibt, wie Galatea Polyphem trotz seines Liebesgesangs zurückweist und mit ihrem Gefolge von Seegeistern davonsegelt.

Triumph der Galatea (c. 1512) von Raphael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl weder seine lyrische Sequenz noch die erwarteten Fresken, die das Anwesen schmücken sollten, fertiggestellt wurden, haben wir das Glück, in diesem Werk ein großartiges Beispiel für Raffaels präzises schöpferisches Talent und seine kreativen Interpretationen zu finden.

Raphaels Fähigkeit, Vorstellungen von Großartigkeit so spektakulär zu gestalten, zeigt sich in der rohen Emotion des Gemäldes.

Alle Figuren des Arrangements sind miteinander verbunden und bilden ein einheitliches Ganzes. Jede Bewegung wird mit einer entsprechenden Bewegung begrüßt, die unsere Aufmerksamkeit auf die zentrale Schönheit von Galateas Gesichtszügen lenkt, von der der Maler behauptet, dass sie eher seinem Geist als einer Person entsprungen ist. Galateas fließendes Gewand, die tauchenden Delphine und die großartigen Körperformen der anderen Personen sorgen für einen frenetischen Bewegungsfluss, der exquisite Manipulationen an der Figur zeigt.

Frau mit Schleier (La Donna Velata) (um 1514)

Vielleicht verdeutlicht kein anderes Kunstwerk Raffaels Begeisterung für die Darstellung von Schönheit in all ihren idealistischen Formen mehr als Raffaels Porträt seiner angebeteten Margherita Luti, das im Original den italienischen Titel La Donna Velata trägt. Die Perle in ihren Locken ist eine Anspielung auf ihren Vornamen, der „Perle“ bedeutet. Das Kunstwerk wurde aus Liebe zu der Dargestellten und nicht als Auftrag angefertigt.

Margheritas Gesichtszüge erinnern an das Gesicht mehrerer Madonnen von Raffael, und sie strahlt eine Schönheit aus, die von der männlichen Vision gewährt wird.

Die makellose Perfektion ihres Teints, die verführerische Mandelkurve ihrer Augen und das fein modellierte Antlitz in einer sonst unerreichbar exquisiten Haltung machen dieses Werk zu einem unvergesslichen Denkmal der Liebe. Raffaels Beherrschung von Leonardo da Vincis sfumato Methode, eine verschwommene, unscharfe Verschmelzung von Farbtönen zu erzeugen, ist in diesem Werk offensichtlich.

Frau mit Schleier (La Donna Velata) (c. 1514) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raffael übernahm auch da Vincis Idee, Porträts in halber Länge anzufertigen, was es ihm ermöglichte, sich auf die Darstellung des reichhaltigen, glitzernden Stoffes der Kleidung seines Gegenübers zu konzentrieren. So wie andere auf die üppige Sinnlichkeit der Blumenbilder von Georgia O’Keeffe anspielen, bemerkte die Kunstkritikerin Julia Addison eine amorphe Sinnlichkeit in der Lockerheit, mit der sie präsentiert wird. Das Kunstwerk ist immer noch ein bedeutender Teil von Raffaels Gesamtwerk.

Obwohl es sich um ein Gemälde von großer Eleganz handelt, ist dieses Kunstwerk Raffaels insofern bemerkenswert, als es eine echte Frau zeigt und nicht nur eine dargestellte Abstraktion von Eleganz.

Raffael liefert uns nicht nur eine makellose Hingabe an die Attraktivität und seine berühmte Liebe zu Frauen, sondern auch eine Darstellung seiner Leidenschaft für das Thema, die ihn so nahbar macht, indem er ein Porträt schuf, das von einer so intimen Geschichte durchdrungen ist.

Christus, der auf dem Weg nach Golgatha fällt (um 1515)

Es zeigt das immer wiederkehrende Thema von Christus, der das Kruzifix zu seiner Hinrichtung trägt, an dem Punkt, an dem er stürzt und seine Eltern einen qualvollen Anfall erleiden  Die ganze Leidenschaft des Kunstwerks konzentriert sich auf die Vorderseite, während der Hintergrund an ein Bühnenbild erinnert, mit entfernten Gruppierungen von Personen und dem Kruzifix. Der Mann im Vordergrund links ist eine umgekehrte Version einer Person in Raffaels Kunstwerk Das Urteil des Salomo.

Das Tragen des Kruzifixes wurde in der italienischen Malerei häufig auf eine Predella verlegt, da die gestalterische Struktur zwangsläufig eine horizontale Richtung hatte.

Christus, der auf dem Weg zum Kalvarienberg fällt (ca. 1515) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raphael hat das Arrangement abweichend von der üblichen Darstellung des Themas vertikal angeordnet, um das Thema stärker in den Vordergrund zu rücken und dem Zweck des Kunstwerks als Altarbild gerecht zu werden. Christus wird gezeigt, wie er nach links aus dem Bild herausgeht; die Straße, die er bald zurücklegen würde, ist zu sehen, wie sie in den Bildausschnitt einbiegt und schließlich zu dem Hügel führt, auf dem in der Mitte bereits zwei Kreuze aufgestellt sind.

Raphael hat einen großen Teil des Werks selbst gemalt, und es ist eines der gewagtesten seiner ganzen Karriere.

Baldassare Castiglione (1515)

Raffaels Porträt seines guten Bekannten Baldassare Castiglione ist voller Wärme und Leidenschaft und stellt einen kultivierten Mann dar. Sein Blick ist kraftvoll und doch bescheiden und zollt der Art von Stärke, die er ohne Eitelkeit oder Prahlerei erreicht, Respekt. Er sieht aus wie ein Mann, der sich seiner Intelligenz sicher ist und sich für die großen Ziele des Humanismus einsetzt, der zu dieser Zeit die wichtigste Ideologie war. Der braune Hintergrund trägt zur Ernsthaftigkeit des Bildes bei, indem er die Farben des mit Pelz und dunklen Bändern gesäumten Wamses abschwächt. Die emotionale Zerbrechlichkeit des Dargestellten verbirgt sich in dem stillen Raum seiner Anwesenheit.

Castiglione war Politiker und Autor eines Werks über königliche Etikette und Umgangsformen, das im 16. Jahrhundert zu einem bedeutenden kulturellen Einflussfaktor wurde.

Porträt von Baldassare Castiglione (1515) von Raphael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raffaels Gemälde mit seiner exquisiten Empfindsamkeit war ein Beispiel für die kontrollierte Raffinesse des Höflings, die er in seinem Buch als notwendig propagierte. Baldassare war so angetan von dem Kunstwerk, dass er es in ein Gedicht an seine Frau aufnahm, in dem er seine bemerkenswerte Ähnlichkeit und das menschliche Wesen, das es ausstrahlt, lobte. Das Gemälde, das den Dargestellten im Dreiviertelprofil zeigt, wie er den Betrachter in einem in der Renaissance beliebten Pyramidenmuster anstarrt, ähnelt der Mona Lisa, der Raffael angeblich begegnete, bevor Leonardo da Vinci nach Frankreich abreiste.

Dieses Kunstwerk ist eines der bekanntesten Porträts der Hochrenaissance und hat im Laufe der Jahre große Anerkennung gefunden.

La Fornarina (1520)

La Fornarina, eines der bekanntesten Auftragswerke Raffaels, ist ein Gegenstück zu La Donna Velata und zeigt die starke Zuneigung des Künstlers zu Margherita Luti. Das Bild zeigt eine sitzende, halbnackte Frau, die den Betrachter in einem nicht zugeknöpften Gewand, das die untere Hälfte ihrer Figur verdeckt, anstarrt.

Ihre rechte Hand streichelt ihren Busen, während ihre linke Hand auf ihrem Schoß liegt. Obwohl der Schleier ein Zeichen der Demut ist, verdeckt er nicht ihren üppig zur Schau gestellten Oberkörper. Das dunkle Gelände im Hintergrund unterstreicht die tonale Qualität des Bildes und die Schönheit ihres Kopfschmucks.

Mit ihrem perfekten Teint und ihrem strahlenden Gesicht starrt sie direkt durch uns hindurch und grinst jemanden auf der rechten Seite an, und angesichts ihrer Freundschaft mit Raphael haben wir keinen Zweifel, dass sie ihn anstarrte, als er sie porträtierte.

La Fornarina (1520) von Raphael; Galleria Nazionale d’Arte Antica, Public domain, via Wikimedia Commons

Raffael hat dieses Bild in den Ring an ihrem Handgelenk eingraviert und damit vielleicht angedeutet, dass er sie besitzt. Späteren Restaurierungsarbeiten zufolge trug die Frau zuvor einen Ehering. Da der Ehering übermalt worden war, wurde angenommen, dass Raffael Margherita heimlich geheiratet hatte. Doch aufgrund ihres jeweiligen Standes und der Tatsache, dass er bereits mit Maria Bibbiena liiert war, musste das Paar seine Beziehung im Geheimen genießen.

Die Verwendung von Bewegung, um die Bedeutung des Stücks auszudrücken, zeigt den Einfluss von Leonardo da Vinci auf Raffael. Sie symbolisiert auch das Ziel des Künstlers, nur die größten Vorstellungen von Perfektion darzustellen.

Die Verklärung(1520)

Dies war das letzte Gemälde Raffaels. Der Vertrag entfachte die Rivalität zwischen den beiden Malern neu. Raffaels Kunstwerk war zum Zeitpunkt seines Todes noch nicht fertiggestellt, obwohl der größte Teil davon von seiner eigenen Hand stammte. Giulio Romano, sein Schüler, und Gianfrancesco Penni, sein Gehilfe, sollten es später fertigstellen. Es stellt den Höhepunkt von Raffaels kreativem Erfolg in seinem kurzen Leben dar und wurde erst nach Raffaels Tod von der Öffentlichkeit und von Wissenschaftlern geschätzt.

Das Kunstwerk wurde in Raffaels Werkstatt ausgestellt, während er in seinem Zustand lag, und es wurde an der Spitze seiner Beerdigungszeremonie getragen, die von einer großen Versammlung von Trauernden begleitet wurde.

Die Verklärung (1516-1520) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieses Gemälde, das von Giorgio Vasari als Raffaels „erlesenstes und heiligstes Meisterwerk“ bezeichnet wurde, diente Malern bis heute als Quelle des Wissens und des Einflusses. Turner bezog sich in einem Kompositionskurs darauf, und Caravaggio bewunderte es für seine Verwendung von chiaroscuro (der Eindruck von kontrastierenden Schatten und Licht), eine Methode, die Caravaggio später perfektionierte.

Die intensiven ästhetischen Spannungen in der unteren Hälfte des Bildes werden oft als ein hervorragender Indikator für den Manierismus angesehen, eine Schule der europäischen Kunst, die um die Zeit von Raffaels Tod entstand und bis zum Ende des 16.

Und damit sind wir am Ende unserer Liste von Raffaels berühmtesten Gemälden angelangt. Raffaels Kunstwerke gehören zu den am meisten verehrten Gemälden der Geschichte. Raffaels Gemälde gelten als einige der besten Beispiele für den humanistischen Impuls seiner Zeit, der darauf abzielte, den Wert des Menschen in der Welt durch Kunstwerke zu untersuchen, die absolute Eleganz betonten.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.