René Magritte – Alles Wissenswerte über den Surrealismus Maler

Der belgische surrealistische Künstler René Magritte ist der bekannteste Künstler aus seinem Land des vergangenen Jahrhunderts. Aber wofür ist René Magritte am bekanntesten und wie hat er eine solche Popularität erreicht? René Magrittes Bilder gehören zum Genre der surrealen Raumkunst, wie zum Beispiel sein bekanntestes Werk Der Menschensohn (1964). In diesem Artikel werden wir René Magrittes Biografie und Kunst erkunden, von seinen Gemälden bis hin zu seinen surrealen Fotografien.

René Magrittes Biografie und Kunstwerke

René Magritte wurde für seinen einzigartigen Beitrag zum Surrealismus weithin gewürdigt. Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, arbeitete er viele Jahre lang als professioneller Designer und entwarf Werbe- und Buchgrafiken, die ganz sicher seine bildende Kunst beeinflusst haben, die oft die verkürzte Wirkung einer Werbung hat.

Während andere Surrealisten aus Frankreich einen auffälligen Lebensstil führten, bevorzugte Magritte die ruhige Unauffälligkeit eines bürgerlichen Lebensstils, wie die Personen mit Bowlerhut zeigen, die häufig in seinen Werken auftauchen.

In der Folgezeit wurde er von seinen Kollegen für einige seiner Techniken gescholten (z. B. für seine Neigung, mehrere Reproduktionen seiner Fotografien anzufertigen), aber seine Popularität ist seit seinem Tod nur noch gewachsen. Theoretische Künstler liebten seine Verwendung von Text in Bildern, und Künstler in den 1980er Jahren schätzten einige seiner späteren Arbeiten für ihre konfrontative Ästhetik.

Frühes Leben von René Magritte

René Magritte wurde 1898 in Lessines, Provinz Hennegau, Belgien, geboren. Er war der älteste von drei Brüdern und stammte aus einem bürgerlichen Haushalt. Von seinem Vater ist bekannt, dass er in der Industrie arbeitete, während seine Mutter vor ihrer Heirat Schneiderin war. Magrittes Entwicklung als Künstler wurde durch zwei Schlüsselereignisse in seiner Kindheit inspiriert. Das erste war ein zufälliger Kontakt mit einem Maler, der auf einem Friedhof arbeitete, den er bei einem Ausflug mit einem Freund kennenlernte.

„Ich entdeckte inmitten von zerbrochenen Steinsäulen und aufgehäuftem Laub einen Künstler, der aus der Stadt angereist war und der für mich aussah, als würde er Zauberei betreiben“, erzählte Magritte später.

Seine Mutter beendete ihr eigenes Leben, indem sie sich am 12. März 1912 im Fluss Sambre ertränkte. Das war nicht ihr einziger Selbstmordversuch; sie hatte im Laufe der Jahre noch weitere unternommen, woraufhin ihr Mann Léopold sie in ihrem Zimmer einsperrte. Eines Tages floh sie und war mehrere Tage lang verschwunden. Ihre sterblichen Überreste wurden schließlich etwa eine Meile flussabwärts in einem benachbarten Fluss gefunden.

Der Überlieferung zufolge war der junge Magritte dabei, als ihre Überreste aus dem Meer geborgen wurden, aber neue Beweise haben diese Geschichte entkräftet, die möglicherweise von der Betreuerin der Familie stammt. Als seine Mutter entdeckt wurde, verdeckte ihr Kleidungsstück angeblich ihr Gesicht, ein Anblick, der als Inspiration für zahlreiche von Magrittes Gemälden aus den Jahren 1927 bis 1928 diente, auf denen Personen mit Stoffen zu sehen sind, die ihren Kopf verdecken, vor allem Les Amants (1928).

Künstlerischer Werdegang von René Magritte

Magritte wollte eine Technik etablieren, die frei von den stilistischen Ablenkungen ist, die einen Großteil der zeitgenössischen Kunst kennzeichnen. Während mehrere französische Surrealisten neue Methoden erforschten, entschied sich Magritte für einen trockenen, illustrierten Stil, der das Thema seiner Bilder klar kommunizierte.

Magritte nutzte die Wiederholung als Methode, die ihn nicht nur bei der Behandlung von Themen in einzelnen Gemälden inspirierte, sondern ihn auch dazu veranlasste, viele Reproduktionen von einigen seiner besten Werke anzufertigen.

Frühere Periode

Magritte begann 1915 zu malen und wurde im darauffolgenden Jahr an der Académie des Beaux-Arts in Brüssel aufgenommen. Der Unterricht gefiel ihm jedoch nicht so gut, so dass er nicht mehr daran teilnahm. Er freundete sich mit einem anderen Schüler, Victor Servranckx, an, der ihn mit dem Kubismus, Futurismus und Purismus bekannt machte.

Magritte war besonders von den Werken von Fernand Leger und Jean Metzinger fasziniert, die beide einen großen Einfluss auf Magrittes erste Studien hatten, wie seine Versuche mit dem Kubismus, darunter sein Gemälde Bather (1925), zeigen. Magrittes frühe Werke, die um 1915 entstanden, waren in impressionistischer Manier gehalten. Gisbert Combaz, ein Künstler und Grafiker, unterrichtete ihn ebenfalls an der Académie Royale.

Reifezeit

1921 leistete Magritte seinen obligatorischen Militärdienst ab, bevor er 1922 nach Hause zurückkehrte und Georgette Berger heiratete, eine Frau, die er seit seiner Jugend kannte. Außerdem begann er als Zeichner in einem Tapetengeschäft unter der Leitung von Servranckx zu arbeiten. Diese Anstellung dauerte etwa ein Jahr, danach wurde Magritte freischaffender Plakat- und Werbezeichner. 1926 bekam er einen Vertrag mit der Galerie le Centaure in Brüssel und konnte für kurze Zeit seinen Lebensunterhalt als bildender Künstler bestreiten. Magrittes Werk erfuhr in dieser frühen Zeit bedeutende Veränderungen.

Um 1925 lernte er das Werk von Giorgio de Chirico kennen und begann, sich deutlicher im surrealistischen Stil zu bewegen.

René Magrittes Gemälde aus der Mitte der 1920er Jahre erinnerten nicht nur an die düsteren und rätselhaften Stimmungen von de Chiricos Werken, sondern der junge Künstler ging sogar so weit, einige von de Chiricos Lieblingsobjekten wie Kugeln, Lokomotiven und Gipsfiguren auf seine eigenen Bilder zu übertragen. Das Lied der Liebe (1914) von Giorgio de Chirico rührte Magritte zu Tränen, was er als „eine der bewegendsten Erfahrungen meines Lebens“ bezeichnete: „Meine Augen sahen zum ersten Mal das Denken.“

Magritte schuf 1926 sein erstes surreales Werk, Der verlorene Jockey, und veranstaltete im folgenden Jahr seine erste Einzelausstellung in Brüssel. Die Ausstellung wurde von den Kritikern verrissen. Frustriert von seinem Misserfolg zog er nach Paris, wo er André Breton kennenlernte und in der surrealistischen Bewegung aktiv wurde.

Magrittes Art des Surrealismus hat einen illusionistischen, fantastischen Aspekt.

Magritte hielt sich von 1927 bis 1930 in Paris auf, wo er sich der Gruppe der Pariser Surrealisten um André Breton anschloss, der auch Maler wie Salvador Dali und Max Ernst angehörten. Er begann, seine Werke mit obskureren organischen Formen zu versehen und mit typisch surrealistischen Themen wie Wahnsinn und Verrücktheit zu arbeiten. Dennoch wurde Magritte immer unzufriedener mit den „dunklen“ Themen seiner surrealistischen Zeitgenossen. Vor allem aber begann er in Paris, die Verwendung von Worten und Sprache in seinen Werken zu erforschen.

Die Unterschrift des belgischen surrealistischen Künstlers René Magritte; René Magritte, Public domain, via Wikimedia Commons

Magrittes vertragliche Einnahmen endeten, als die Galerie Le Centaure Ende 1929 schloss. Magritte ging 1930 nach Brüssel, nachdem er bereits in Paris wenig Eindruck hinterlassen hatte, und arbeitete weiter im Marketing. Zusammen mit seinem Bruder Paul gründete er eine Organisation, die ihm ein anständiges Gehalt sicherte. 1932 trat Magritte in die Kommunistische Partei ein, die er in den nächsten Jahren mehrmals verließ und wieder verließ.

Wissenschaftler diskutieren, ob Magritte sein Einkommen in dieser Zeit durch die Herstellung von Fälschungen bekannter Künstlerwerke und vielleicht auch durch Falschgeld aufbesserte. Trotzdem hatte Magritte von 1930 bis 1937 wenig Zeit, sich seinen eigenen Bildern zu widmen.

Seine erste Einzelausstellung in den Vereinigten Staaten fand 1936 in der Julien Levy Gallery in New York statt, 1938 folgte eine Schau in der London Gallery. Während seiner frühen Jahre konnte Magritte mietfrei im Haushalt des englischen Surrealisten Edward James in London wohnen, wo er über das Bauen forschte und produzierte. James kommt in zwei von Magrittes Gemälden aus dem Jahr 1937 vor, La Reproduction Interdite und Le Principe du Plaisir.

Spätzeit

Während des deutschen Einmarsches in Belgien im Zweiten Weltkrieg blieb er in Brüssel, was zu einer Spaltung mit Breton führte. Als Reaktion auf seine Gefühle der Isolation und des Verlassenseins durch den Aufenthalt im deutsch besetzten Belgien wandte er sich von 1943 bis 1944 vorübergehend einer hellen Maltechnik zu – eine Phase, die als seine „Renoir-Ära“ bezeichnet wird. Er schrieb: „Die Nazis erreichten viel effektiver den Eindruck der Unordnung, der Angst, den der Surrealismus kultivieren wollte, um alles in Zweifel zu ziehen. Als Antwort auf die überwältigende Negativität schlage ich jetzt eine Suche nach Freude und Erfüllung vor.“

Im Jahr 1946 gab er die Brutalität und Düsternis seiner früheren Werke auf und unterzeichnete mit zahlreichen anderen belgischen Künstlern die Erklärung „Surrealismus im vollen Sonnenlicht“.

Belgische Künstler im Haus von Victor Servranckx (Juni 1922). Von links nach rechts: (OBEN) René Magritte, E.L.T. Mesens, Victor Servranckx, Pierre-Louis Flouquet und Pierre Bourgeois, (UNTEN) Georgette Berger, Pierre Broodcoorens und Henriette Flouquet; JoJan, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Während seiner „Vache-Ära“, von 1947 bis 1948, arbeitete Magritte in einer konfrontativen und vulgären Fauve-Manier. Er schuf einen bewusst anstößigen, „barbarischen“ Stil, der als „Vache“ bekannt ist, der sich durch schmutzige Themen und grelle Farben auszeichnet und weithin als Parodie auf die Fauves anerkannt ist. Gemälde wie High Level Meetings (Les Grands Rendez-vous) und Philosophy in the Bedroom sind Beispiele für seine Werke im „vache“-Stil. Wie er vorausgesagt hatte, stießen Magrittes Bilder in dieser Art auf breite Ablehnung.

In dieser Zeit lebte Magritte von der Herstellung gefälschter Braques, Picassos und de Chiricos – ein betrügerisches Repertoire, das er später in den düsteren Nachkriegsjahren auf die Herstellung gefälschter Banknoten ausweiten sollte. Dieses Unternehmen wurde in Zusammenarbeit mit seinem Bruder Paul und seinem Surrealistenkollegen und „Ersatzsohn“ Marcel Marin durchgeführt, dem die Verantwortung für die Vermarktung der Fälschungen zugefallen war.

Magritte kehrte gegen Ende des Jahres 1948 zur Form und zu den Themen seiner surrealistischen Arbeiten aus der Vorkriegszeit zurück.

Magritte war ein politischer Linker, der auch nach dem Krieg weiterhin mit der Kommunistischen Partei sympathisierte. Dennoch stand er der formalistischen Politik der kommunistischen Linken skeptisch gegenüber und argumentierte: „Klassenpolitik ist so wichtig wie Brot; aber sie bedeutet nicht, dass die Arbeiter sich auf Wasser und Brot beschränken müssen und dass der Wunsch nach Huhn und Wein schädlich wäre.“ Während er der liberalen Linken treu blieb, setzte er sich für die künstlerische Individualität ein. Geistig war Magritte ein Agnostiker. Magrittes Werke erlebten in den 1960er Jahren einen Popularitätsschub, und seine Ikonografie hat den Pop, den Minimalismus und den Konzeptualismus beeinflusst.

Persönliches Leben des belgischen surrealistischen Künstlers

Im Juni 1922 heiratete Magritte Georgette Berger. Georgette, das Kind eines Metzgers, lernte Magritte kennen, als sie erst 13 und er etwa 15 Jahre alt war. Sieben Jahre später, 1920, trafen sich die beiden in Brüssel wieder. Georgette, die sich ebenfalls der Malerei verschrieben hatte, wurde Magrittes Vorbild, Inspiration und schließlich seine Frau. Magrittes Beziehung wurde 1936 belastet, als er einer Künstlerin namens Sheila Legge begegnete und eine Beziehung mit ihr begann.

Magritte plante, dass sein Bekannter Paul Colinet Georgette amüsieren und ablenken sollte, aber das führte dazu, dass Georgette und Colinet eine Affäre hatten. Erst 1940 versöhnten sich Magritte und seine Ehefrau wieder. Magritte erlag am 15. August 1967 im Alter von 68 Jahren einem Bauchspeicheldrüsenkrebs und wurde auf dem Friedhof von Schaerbeek beigesetzt.

René Magritte fotografiert von Lothar Wolleh; Lothar Wolleh, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Das Vermächtnis von Magritte, dem Künstler

René Magrittes faszinierende Untersuchung der Launenhaftigkeit von Bildern hat einen bedeutenden Einfluss auf moderne Künstler gehabt. Ed Ruscha, John Baldessari, Andy Warhol, Jan Verdoodt, Jasper Johns, Martin Kippenberger, Storm Thorgerson, Duane Michals und Luis Rey gehören zu den Künstlern, die von Magrittes Bildern beeinflusst wurden. Einige der Werke des Künstlers haben klare Verbindungen, während andere moderne Perspektiven auf seine abstrakten Faszinationen bieten.

Die Verwendung einfacher visueller und alltäglicher Bilder durch Magritte wurde mit denen von Pop-Künstlern verglichen. Auch wenn Magritte selbst diese Verbindung abstreitet, ist sein Einfluss auf die Entwicklung der Pop-Art allgemein anerkannt.

Er betrachtete die Darstellung des „Universums, wie es ist“ als „ihren Fehler“ und verglich ihren Fokus auf das Vergängliche mit seinem Interesse für „den Sinn für das Echte, insofern es beständig ist“. In den 1960er Jahren wuchs das Interesse der Öffentlichkeit an Magrittes Kunst. Seine Bilder wurden regelmäßig in Anzeigen, Plakaten, Bucheinbänden und ähnlichem reproduziert oder nachgeahmt, weil er „ein gutes Gespür dafür hat, wie man Gegenstände auf eine sowohl provokative als auch herausfordernde Weise darstellen kann.“

Die Hauptheldin Hazel Grace Lancaster in John Greens fiktivem Roman (2012) und Film (2014)The Fault in Our Stars trägt ein T-Shirt mit Magrittes The Treachery of Images. Kurz bevor sie ihre Mutter verlässt, um sich mit ihrem Lieblingsautor zu treffen, spricht Hazel mit ihrer verwirrten Mutter über das Bild und erwähnt, dass das Werk des Autors „viele Magritte-Anspielungen“ enthält, offenbar in der Hoffnung, dass der Autor die Verbindung zu schätzen weiß.

René Magrittes Gemälde hatten einen bedeutenden Einfluss auf eine Reihe von Trends, die nach seinem Tod aufkamen, darunter der Konzeptualismus, der Pop und die Malerei der 1980er Jahre. Vor allem seine Kunstwerke wurden als Vorläufer der kommenden Kunstbewegungen angesehen, weil sie sich auf die Idee statt auf die Technik konzentrierten, eng mit der kommerziellen Kunst verbunden waren und die Aufmerksamkeit auf gewöhnliche Dinge richteten, die häufig im Bildraum dupliziert wurden.

Es liegt auf der Hand, warum Künstler wie Martin Kippenberger, Andy Warhol und Robert Gober Magritte als einen wichtigen Einfluss betrachten.

Der Stil von René Magritte, dem Künstler

Magrittes Kunstwerke zeigen in der Regel eine Gruppe von Alltagsgegenständen in einer merkwürdigen Umgebung und geben erkennbaren Gegenständen eine neue Bedeutung. Die Verwendung von Gegenständen als etwas anderes als das, was sie zu sein scheinen, wird in seinem Bild Der Verrat der Bilder (1929) deutlich, auf dem eine Pfeife abgebildet ist, die scheinbar für eine Werbeaktion eines Nikotinladens modelliert wurde. Magritte schrieb unter die Pfeife: „Dies ist keine Pfeife“, was paradox erscheint, aber in Wirklichkeit richtig ist: Das Kunstwerk ist keine Pfeife, sondern eher der Eindruck einer Pfeife. Es befriedigt nicht „gefühlsmäßig“ – auf die Frage nach diesem Bild sagte Magritte: „Natürlich ist es keine Pfeife, man versucht einfach, sie mit Tabak zu füllen.“

Bei einem Bild von einem Apfel, Das Hörzimmer (1952), wandte Magritte genau dieselbe Strategie an: Er bildete den Gegenstand ab und nutzte dann eine innere Untertitelung oder Rahmentechnik, um zu leugnen, dass es sich bei dem Objekt um eine Frucht handelt. Magritte betont in diesen „Ceci n’est pas“-Stücken, dass wir, egal wie rational wir einen Gegenstand beschreiben, niemals die Sache selbst erfassen. Unter Magrittes Gemälden befinden sich auch surrealistische Adaptionen anderer berühmter Werke, wie zum Beispiel Perspektive I (1963) und Perspektive II (1950), das eine Kopie von Manets Der Balkon (1868) ist, bei dem aber Menschen durch Gräber ersetzt wurden.

An anderer Stelle stellt Magritte die Frage nach der Vermittlung von Bedeutung durch Kunstwerke mit einem sich wiederholenden Bild einer Staffelei, wie zum Beispiel in seiner Serie The Promenades of Euclid (1955) oder The Human Condition (1935), in der die Türme einer Festung auf die alltäglichen Straßen „gemalt“ sind, die die Leinwand zeigt. Über das letztgenannte Werk sagte er in einem Brief an André Breton, dass es egal sei, ob sich der Blick hinter der Staffelei von dem, was darauf zu sehen ist, unterscheidet, „aber die Hauptsache ist, dass der Unterschied zwischen der Perspektive von außen und der vom Inneren eines Raumes aufgehoben wird.“ Einige dieser Bilder haben dicke Vorhänge, die die Fenster einrahmen, was auf ein theatralisches Thema hindeutet.

Magrittes Kunstwerke des Surrealismus sind figurativer als die „automatische“ Art von Malern wie Joan Miró.

Magrittes Verwendung von alltäglichen Dingen in ungewöhnlichen Umgebungen hängt mit seinem Ziel zusammen, poetische Bilder zu schaffen. Er charakterisierte den Akt des Schaffens wie folgt: „die Kunst, Farben so nebeneinander zu stellen, dass ihr wahres Merkmal verschleiert wird, so dass bekannte Objekte – Himmel, Menschen, Pflanzen, Hügel, Möbel, Konstellationen, solide Konstruktionen, Straßenkunst – in einem einzigen künstlerisch disziplinierten Bild verschmelzen Die Poesie dieses Bildes ist frei von jeglichem symbolischen Wert, ob alt oder modern.“

René Magrittes surreale Raumkunst wurde definiert als „offensichtliche Bilder, die nichts verbergen; sie erzeugen Verwunderung, und sicherlich fragt man sich, wenn man eines meiner Werke betrachtet: ‚Was bedeutet das eigentlich?‘ Es hat keine Bedeutung, denn das Rätsel hat keine Bedeutung, da es unbekannt ist.“

Magrittes ständiges Experimentieren mit Wahrheit und Wahrnehmung wurde auf den frühen Tod seiner Mutter zurückgeführt. Psychologen, die trauernde Kinder untersuchten, behaupteten, dass Magrittes Hin- und Her-Spiel mit Fakten und Fantasie sein „ständiges Hin- und Herbewegen zwischen dem, was er sich wünscht, nämlich dass seine Mutter noch lebt, und dem, dass seine Mutter gestorben ist“, widerspiegelt.

Magritte wollte eine Haltung zeigen, die frei von den ästhetischen Hindernissen ist, die viele Kunstwerke der Moderne auszeichnen. Magritte entschied sich für einen düsteren, illustrierten Ton, der das Thema seiner Bilder wirkungsvoll vermittelte, während mehrere französische Surrealisten mit neuen Methoden experimentierten. Sein Interesse an diesem Konzept mag zum Teil der Freudschen Psychoanalyse entsprungen sein, die die Wiederholung als Symptom eines Traumas betrachtet.

Seine Tätigkeit in der Welt der kommerziellen Malerei könnte ihn jedoch auch dazu veranlasst haben, das übliche Konzept der Moderne vom einzigartigen, originellen Kunstwerk in Frage zu stellen. Magritte nutzte die Wiederholung als Methode, die ihn nicht nur bei der Bearbeitung von Themen in einzelnen Gemälden inspirierte, sondern ihn auch dazu brachte, viele Kopien von einigen seiner besten Werke anzufertigen.

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Die bildhafte Natur von Magrittes Gemälden führt häufig zu einem gewaltigen Zwiespalt: Bilder, die in ihrer Reinheit und Klarheit wunderschön sind, können aber auch verstörende Gefühle hervorrufen. Sie scheinen zu verkünden, dass sie kein Rätsel verbergen, aber sie sind auch fantastisch seltsam. Wie der Magritte-Historiker David Sylvester so treffend formulierte, rufen seine Werke „die Art von Staunen hervor, die man bei einer Sonnenfinsternis empfindet“. Magritte interessierte sich für die Zusammenhänge zwischen sprachlichen und visuellen Botschaften, und einige seiner berühmtesten Gemälde verbinden beides miteinander.

Während solche Bilder häufig die Aura des Geheimnisvollen teilen, die die meisten seiner surrealistischen Werke auszeichnet, scheinen sie auch von einem Gefühl der intellektuellen Untersuchung – und des Erstaunens – über die Irrtümer, die in Worten stecken könnten, inspiriert zu sein.

Männer mit Melone, die häufig in Magrittes Gemälden zu sehen sind, können als Selbstporträts betrachtet werden. Auch Charakterisierungen der Ehefrau des Künstlers, Georgette, und Ansichten der bescheidenen Brüsseler Wohnung des Paares sind in seinen Werken weit verbreitet. Obwohl dies auf persönliches Material in Magrittes Gemälden hindeuten könnte, ist es wahrscheinlicher, dass es sich auf die alltäglichen Ursprünge seiner Inspirationen bezieht. Es scheint, als ob er der Meinung war, dass wir nicht lange nach dem Fremden suchen müssen, da es überall lauert, selbst im alltäglichsten Leben.

Ausstellungen und Sammlungen

Das Magritte-Museum in Brüssel wurde am 30. Mai 2009 für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Es befindet sich in dem neoklassizistischen, fünfstöckigen Hotel Altenloh und zeigt 200 authentische Gemälde, Skizzen und Skulpturen von Magritte, vor allem Scheherazade, Die Rückkehr und Das Reich des Lichts. Diese multimodale Dauerausstellung verfügt über die weltweit größte Magritte-Sammlung, wobei die meisten Werke direkt von Magrittes Witwe und seiner wichtigsten Mäzenin, Irene Hamoir Scutenaire, stammen.

Magrittes Studien mit surrealer Fotografie ab 1920 sowie seine surrealistischen Kurzfilme ab 1956 sind ebenfalls im Museum zu sehen.

Ein weiteres Museum ist in Magrittes früherem Wohnhaus in der Rue Esseghem 135 in Brüssel untergebracht, wo er von 1930 bis 1954 mit seiner Ehefrau wohnte. Olympia (1948), ein Nacktbild von Magrittes Frau, das angeblich einen Wert von über 1,1 Millionen US-Dollar hat, wurde am 24. September 2009 von zwei bewaffneten Männern aus dieser Einrichtung entwendet. Im Januar 2012 wurde es dem Museum gegen eine Auszahlung von 50.000 Euro durch die Versicherung der Einrichtung übergeben. Die Einbrecher haben sich offenbar auf das Geschäft eingelassen, da sie das Kunstwerk wegen seiner Beliebtheit nicht auf dem Schwarzmarkt verkaufen konnten.

Die Menil Collection in Houston, Texas, beherbergt eine der bedeutendsten Galerien surrealistischer Kunst in den USA, in der Dutzende von Ölgemälden, Gouachen, Skizzen und Skulpturen von René Magritte zu sehen sind.

Das ewig Offensichtliche (1930), Der Sinn der Nacht (1927), Die Vergewaltigung (1934), Golconda (1953) und Der Hörraum (1952) gehören zu den wichtigsten Ölgemälden in der Menil Collection, von denen normalerweise jeweils eine Handvoll im Wechsel mit anderen surrealistischen Werken ausgestellt wird.

Magrittes Kunst wurde in vielen Retrospektiven in Frankreich ausgestellt, zuletzt im Centre Georges Pompidou (von 2016 bis 2017). In den Vereinigten Staaten waren seine Werke in drei Retrospektiven ausgestellt: im Metropolitan Museum of Art (2013), im Museum of Modern Art (1965) und im Metropolitan Museum of Art (1992). Im Jahr 2018 zeigte das San Francisco Museum of Modern Art eine Ausstellung mit dem Titel The Fifth Season , die sich auf seine spätere Karriere konzentrierte.

Berühmte Kunstwerke

René Magritte war ein sehr produktiver Künstler. Im Laufe seines Lebens schuf er ein großes Werk an surrealer Raumkunst und surrealer Fotografie. Sehen wir uns einige seiner bemerkenswertesten Werke an.

• Landschaft (1920)
• Sechste Nocturne (1923)
• Der Badende (1925)
• Der verlorene Jockey(1926)
• Die verzauberte Pose (1927)
• Der Verrat der Bilder(1929)
• The Universe Unmasked (1932)
• Der menschliche Zustand (1933)
• Die Vergewaltigung (1934)
• Die Zukunft der Statuen (1937)
• Der Bruch in den Wolken(1941)
• Die guten Omen (1944)
• Persönliche Werte (1952)
• Der Jungbrunnen (1957)
• Die goldene Legende (1958)
• Die Memoiren eines Heiligen(1960)

Eine Kopie des Gemäldes The Human Condition (1933) von René Magritte, das sich an der Außenfassade der neuen Mittelschule in Liebenau, Bezirk Freistadt, befindet;  René Magritte, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Damit ist unser Blick auf die faszinierende und surreale Weltraumkunst von Magritte, dem Künstler, beendet. Der belgische surrealistische Künstler René Magritte ist der bekannteste Künstler seines Landes aus dem vergangenen Jahrhundert. René Magrittes Gemälde gehören zum Genre der surrealen Weltraumkunst, wie zum Beispiel sein bekanntestes Werk „The Son of Man“ (1964). Magrittes Kunst beeinflusste eine Reihe von Genres, die sich nach seinem Tod entwickelten, darunter den Konzeptualismus, den Pop und die Malerei der 1980er Jahre. Vor allem seine Kunst wurde als Vorbote aufkommender Kunsttrends angesehen, weil sie das Konzept über die Technik stellte, eine enge Beziehung zur kommerziellen Kunst hatte und sich auf alltägliche Objekte bezog, die sich häufig im visuellen Raum wiederholten.

Häufig gestellte Fragen

Wofür ist René Magritte bekannt?

René Magritte war der weltweit bekannteste surrealistische Maler aller Zeiten, aber erst im Alter von 50 Jahren konnte er eine Art Erfolg und Anerkennung für seine Arbeit erlangen. Rene Magritte definierte seine Werke wie folgt: Meine Bilder sind visuelle Bilder, die absolut nichts verbergen; sie erzeugen Rätsel, so dass man sich, wenn man einem meiner Werke begegnet, nur fragt: Was bedeutet das alles wirklich? Es hat keine Bedeutung, da das Geheimnis keine Bedeutung hat und unbekannt ist.

Wie kann man Magrittes Kunstwerke beschreiben?

René Magritte schuf surreale Raumkunst und surreale Fotografie. Er hatte einen witzigen und respektlosen Sinn für Humor, der sich in vielen seiner Gemälde niederschlug und zu einigen seiner bekanntesten Kompositionen wurde, die er im Laufe seiner Karriere schuf. Er entwickelte eine Serie von Pfeifenbildern, die dies veranschaulichen. Wenn du die gesamte Serie als zusammenhängendes Werk betrachtest, anstatt die Bilder einzeln zu betrachten, kannst du deutlich erkennen, dass er sich mit einer widersprüchlichen Realität auseinandergesetzt hat.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.