Frida Kahlo – Das Leben und Schaffen der mexikanischen Malerin

Frida Kahlos Kunst bedient sich häufig der bildlichen Darstellung von körperlichem Leid, um psychische Traumata richtig zu verstehen. Eine der wichtigsten Fakten über Frida Kahlo ist, dass die Themen Trauer, Sterblichkeit und Individualität vor ihrem Werk von einigen männlichen Kunstschaffenden ziemlich erfolgreich erforscht wurden, aber nicht von einer weiblichen Künstlerin ernsthaft dekonstruiert wurden. In diesem Artikel werfen wir einen detaillierten Blick auf die Kunst und das Leben dieser unglaublichen Künstlerin und beantworten Fragen wie „Wofür ist Frida Kahlo bekannt?“ und „Wie ist Frida Kahlo gestorben?“

Eine Biografie von Frida Kahlo

Frida Kahlos Kunst machte sich nicht nur eine etablierte Kunstsprache zu eigen, sondern arbeitete diese auch weiter aus und machte sie sich zu eigen. Kahlo öffnete sich selbst, um ihr Inneres zu enthüllen und das Verhalten der Menschen an der Oberfläche zu veranschaulichen, indem sie die inneren Organe und ihre eigene Anatomie in einem verwundeten und beschädigten Zustand zeigte.

Portrait der mexikanischen Malerin, Frida Kahlo, 1932; Guillermo Kahlo, Public domain, via Wikimedia Commons

Frida Kahlos Porträts sind ikonisch und bieten lebenslange Traumatherapie. Ihr Einfluss ist nicht zu übersehen, denn sie war nicht nur eine „talentierte Malerin“, sondern auch eine Frau, die unsere Zuneigung verdient. Doch bevor wir die symbolischen Feinheiten ihrer Arbeit erforschen, wollen wir ihr Leben und ihre Karriere erkunden, indem wir Fragen wie „Wann wurde Frida Kahlo geboren?“ und „Wo wurde Frida Kahlo geboren?“ beantworten. Wir haben einen eigenen Beitrag für die bekanntesten Frida Kahlo Werke. Viele ihrer Aussagen wurden archiviert, du kannst diese in unserem Beitrag Frida Kahlo Zitate nachlesen.

Kindheit

Frida Kahlo wurde am 6. Juli 1907 in Coyoacan geboren, einem kleinen Dorf am Rande von Mexiko-Stadt. Wilhelm, Kahlos Vater, stammte ursprünglich aus Deutschland und war in seiner Jugend nach Mexiko ausgewandert, wo er den Rest seines Lebens verbrachte und schließlich das Fotogeschäft ihrer Familie übernahm. Ihre Mutter hingegen war eine Mischung aus mexikanischer und spanischer Abstammung und erzog ihre Kinder in einem disziplinierten religiösen Umfeld. 

Neben dem Konservatismus, dem religiösen Extremismus und der Neigung zum Ausbruch ihrer Familie, hatten zahlreiche andere Ereignisse in ihrer Erziehung einen tiefgreifenden Einfluss auf sie.

Kahlo erkrankte im Alter von sechs Jahren an Kinderlähmung; eine langwierige Rehabilitation trennte sie von anderen Kindern und verkrüppelte eines ihrer Beine irreversibel, so dass sie sich nach der Rehabilitation humpelnd fortbewegen musste. Alle ihre Geschwister besuchten eine Klosterschule, was darauf hindeutet, dass Kahlo ein Bedürfnis nach einem breit gefächerten Studium hatte, was ihren Vater dazu veranlasste, speziell für sie eine bestimmte Auswahl zu treffen. Wilhelm meldete die junge Frau an der Deutschen Hochschule an. 

Frida Kahlo, 15. Juni 1919; Guillermo Kahlo (26. Oktober 1871 – 14. April 1941) – Fotograf Geboren in Baden, Deutschland. Gestorben in Mexiko-Stadt, Mexiko. Details zum Künstler auf Google Art Project, Public domain, via Wikimedia Commons

Kahlo war dankbar dafür, und trotz ihrer steinigen Beziehung zu ihrer Mutter schrieb sie ihrem Vater immer ein enormes Einfühlungsvermögen und Intelligenz zu. Nichtsdestotrotz war sie von beiden Linien ihrer Vorfahren fasziniert, und ihre Mischung aus mexikanischer und europäischer Herkunft führte zu einer lebenslangen Neugierde auf ihre Kunst und ihr Leben. An der Deutschen Schule hatte sie eine schreckliche Begegnung, bei der sie körperlich belästigt wurde und gezwungen war, die Schule zu verlassen. Glücklicherweise hatte der Bildungsminister damals die Schulpolitik überarbeitet, so dass ab 1922 auch Frauen an der National Prep School aufgenommen wurden.

Sie gehörte zu den ersten 35 Schülerinnen, die eingeschrieben wurden, und sie begann mit dem Studium von Gesundheit, Gartenbau und Soziologie. Frida war eine hervorragende Akademikerin, die die mexikanische Kultur sehr schätzte und sich dann politisch und sozial engagierte.

Frühe Ausbildung

Als Kahlo 15 Jahre alt war, schuf Diego Rivera ein Wandgemälde im Amphitheater ihrer Schule. Als sie ihn malen sah, fühlte sich Kahlo sofort von ihm angezogen und war fasziniert, was sie später im Leben weiterverfolgen sollte. Gleichzeitig half sie ihrem Vater in seinem Fotogeschäft und nahm Skizzenunterricht bei Fernando Fernandez, dem Kollegen ihres Vaters, für den sie als Assistentin des Graveurs arbeitete.

Zur gleichen Zeit traf Kahlo auf die „Cachuchas“, eine rebellische Organisation von Schülern, die das trotzige Wesen der heranwachsenden Schöpferin bestätigten und ihr Interesse am Lesen und an Philosophie förderten.

Frida Kahlo, 1926; Guillermo Kahlo, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Jahr 1923 verliebte sich Frida Kahlo in ein anderes Mitglied der Gruppe, Alejandro Arias, und die beiden waren bis 1928 eng miteinander verbunden. Leider verunglückten die beiden 1925 auf der Heimfahrt bei einem Busunfall fast tödlich. Ihr Körper war am ganzen Körper gebrochen, einschließlich eines zertrümmerten Beckens, und eine Stange durchbohrte ihre Gebärmutter. Im Krankenhaus wurde sie vier Wochen lang ruhiggestellt und in ein Gipskorsett geschnürt, und danach war sie viele Monate lang zu Hause unbeweglich.

Während ihrer langwierigen Rehabilitation beschloss sie, sich mit kleinformatigen autobiografischen Porträts zu beschäftigen, wobei sie ihr Medizinstudium aus pragmatischen Erwägungen aufgab und ihre Konzentration auf die Malerei verlagerte.

Während ihrer Genesungszeit in der Einsamkeit richteten Kahlos Eltern einen maßgeschneiderten Arbeitsplatz ein, stellten ihr einen Satz Farben zur Verfügung und hängten ihr einen Spiegel über den Kopf, damit sie ihr eigenes Bild betrachten und Selbstporträts erstellen konnte. Sie verbrachte Stunden damit, über metaphysische Themen nachzudenken, die durch ihre Erfahrungen entstanden waren, wie z. B. die Entfremdung von ihrer Persönlichkeit, eine verstärkte Selbstbeobachtung und ein allgemeines Gefühl des bevorstehenden Todes.

Tagebuch von Frida Kahlo; SantinoDeMarquishi, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Sie lehnte sich an den intensiven grafischen Realismus an, den sie von den fotografischen Porträts ihres Vaters kannte, und ging ihre eigenen frühen Fotografien mit der gleichen emotionalen Sensibilität an. Während dieser Zeit zog Kahlo eine Karriere als medizinische Illustratorin in Betracht, weil sie darin eine Möglichkeit sah, ihre Talente in Kunst und Wissenschaft zu verbinden.

1927 war sie stark genug, um ihr Schlafzimmer zu verlassen und ihre Freundschaft mit der Cachuchas-Organisation wieder aufleben zu lassen, die zu dieser Zeit immer politischer geworden war. Sie trat in die Kommunistische Partei Mexikos ein und begann, sich mit den kulturellen und politischen Kreisen von Mexiko-Stadt vertraut zu machen.

Die Ankunft des Kommunisten Leo Trotzki in Mexiko. Hinter ihm stehen seine Frau Natalia und Frida Kahlo, 1937; Unknown authorUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Sie schloss gute Freundschaft mit der Fotografin Tina Modotti und dem kubanischen Rebellen Julio Antonio Mella. Im Juni 1928 wurde sie auf einer von Modottis häufigen Partys offiziell Diego Rivera vorgestellt, der wohl einer der anerkanntesten Maler Mexikos und eine sehr prominente Figur der PCM war.

Kurz darauf bat sie ihn offen darum, nach der Begutachtung eines ihrer Bilder zu beurteilen, ob ihre Kunst geeignet sei, um den Beruf als Malerin zu behalten.

Er war von der Aufrichtigkeit und Einzigartigkeit ihrer Kunstwerke überwältigt und überzeugte sie von ihren Fähigkeiten. Ungeachtet der Tatsache, dass Rivera schon einmal verheiratet war und ihm eine unstillbare Zuneigung zu Frauen nachgesagt wurde, gingen die beiden schnell eine leidenschaftliche Verbindung ein und heirateten 1929.

Diego Rivera und Frida Kahlo; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Reifezeit

Zu Beginn der 1930er Jahre hatte Frida Kahlos Kunst eine stärkere Wahrnehmung der mexikanischen Nationalität entwickelt, die aus ihrer Verbundenheit mit der zeitgenössischen indigenen Kultur Mexikos und ihrem Wunsch resultierte, die Mexicanidad während des aufkommenden Faschismus in Europa zu schützen. Ihr Wunsch, sich von ihrer deutschen Abstammung zu distanzieren, zeigt sich in der Umbenennung von Frieda in Frida, ebenso wie in ihrem Wunsch, die indigene Tehuana-Kleidung aus früheren matriarchalischen Zeiten zu übernehmen.

Zwei gescheiterte Schwangerschaften in dieser Zeit verstärkten Kahlos paradoxerweise brutalen und schönen Ausdruck der einzigartig weiblichen Situation durch Metapher und Autobiografisches.

In den frühen 1930er Jahren lebten Kahlo und Rivera in San Francisco, Detroit und New York, während Rivera an Wandbildern arbeitete. Sie schuf auch Schlüsselwerke wie Selbstporträt an der Grenze zwischen Mexiko und den Vereinigten Staaten (1932) und Frieda und Diego Rivera (1931), wobei ersteres ihre Eindrücke von der Konkurrenz zwischen Umwelt und Handel in den beiden Regionen vermittelt.

In dieser Zeit lernte sie Ansel Adams, Imogen Cunningham und Edward Weston kennen und freundete sich mit ihnen an. Während ihres Aufenthalts in San Francisco lernte sie auch Dr. Leo Eloesser kennen, den Arzt, der bis zu ihrem Tod ihr nächster Gesundheitsberater sein sollte. Kurz nach der Einweihung von Riveras riesigem und umstrittenem Gemälde für das Rockefeller Center in New York kehrte das Paar nach Mexiko zurück, weil Kahlo unglücklich war. Sie zogen in ein neues Haus in der wohlhabenden Gegend von San Angel um. Das Haus war in zwei Teile geteilt, die durch eine Brücke verbunden waren.

Dieses Arrangement war geeignet, weil ihre Ehe unter extremem Stress stand.

Rivera, der bereits ehebrecherisch gewesen war, hatte zu dieser Zeit ein Verhältnis mit Kahlos jüngerer Schwester Cristina, was Kahlo natürlich mehr verletzte als die vergangenen Indiskretionen ihres Mannes. In diesem Moment beschloss Kahlo, ihre eigenen ehebrecherischen Beziehungen zu verfolgen. Kurz nach ihrer Rückkehr aus den Vereinigten Staaten lernte sie Nickolas Muray kennen, einen Fotografen aus Ungarn, der gerade in Mexiko Urlaub machte. Die Beziehung der beiden dauerte zehn Jahre lang an und Muray gilt als derjenige, der Kahlo am lebendigsten auf der Kamera festgehalten hat.

Während sie nach der Beziehung mit ihrer Schwester in ihrer eigenen Wohnung in San Angel lebte, hatte Kahlo auch eine kurze Romanze mit dem Künstler Isamu Noguchi. Bis zu Kahlos Tod blieben die beiden sozial und politisch engagierten Maler gute Freunde. Während einer Reise nach Mexiko-Stadt im Jahr 1938 war André Breton, der Vater der surrealistischen Bewegung, von Frida Kahlos Kunst fasziniert und kontaktierte seinen befreundeten Kunsthändler Julien Levy, der Kahlo prompt bat, ihre erste Einzelausstellung in seiner Galerie zu organisieren.

Diesmal kam Kahlo ohne Rivera in die Vereinigten Staaten und erregte bei ihrer Ankunft großes Aufsehen. Ihre farbenfrohen und exotischen (aber wirklich traditionellen) mexikanischen Outfits zogen die Massen an, und ihre Show war ein Hit.

Eine der berühmten Besucherinnen, die bei Kahlos Vorstellung dabei waren, war Georgia O’Keeffe. Kahlo verbrachte viele Monate mit Partys in New York, bevor sie Anfang 1939 nach Paris segelte, um mit den Surrealisten aufzutreten. Diese Ausstellung war nicht so beliebt und sie langweilte sich schnell mit dem übermäßigen Intellektualismus der Surrealisten. Kahlo ging nach New York mit der Absicht, ihre Liebe zu Muray fortzusetzen, aber er beendete die Affäre, da er eine andere gefunden hatte. Daraufhin kehrte Kahlo nach Mexiko-Stadt zurück, und Rivera verlangte die Scheidung.

Frida Kahlo sitzend neben einer Agavenpflanze, aus einem Fotoshooting von 1937 für Vogue mit dem Titel „Señoras of Mexico“; Toni Frissell, Public domain, via Wikimedia Commons

Spätere Jahre und Tod

Nach ihrer Trennung kehrte Kahlo nach La Casa Azul zurück. Sie begann, an deutlich größeren Leinwänden zu arbeiten, nachdem sie ihre kleineren Werke aufgegeben hatte. Kahlo und Rivera heirateten 1940, und ihre Ehe wurde weniger turbulent, als Kahlos Gesundheit nachließ. Zwischen 1940 und 1956 musste die kränkelnde Künstlerin häufig stützende Rückenkorsetts tragen, um ihre Wirbelsäulenprobleme zu lindern; außerdem litt sie an einer ansteckenden Hautkrankheit und Syphilis. Ihre Verzweiflung und ihr Gesundheitszustand verschlimmerten sich nach dem Tod ihres Vaters im Jahr 1941.

Kahlo war danach oft ans Haus gefesselt, und sie entdeckte einfache Freude daran, von Haustieren umgeben zu sein und sich um die Gärten in La Casa Azul zu kümmern.

La Casa Azul, jetzt das Diego Rivera and Frida Kahlo Studio House Museum;  Matthias Bethke, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Sie musste von ihrer Arbeit leben und weigerte sich, die Wünsche ihrer Kunden zu erfüllen, wenn sie nicht mit ihnen einverstanden war. Für ihr Kunstwerk Moses (1945) wurde sie mit einem nationalen Preis belohnt, und Die beiden Fridas Kunstwerke wurden 1947 vom Museo de Arte Moderno gekauft.

Außerdem ging es der Künstlerin immer schlechter. Sie unterzog sich einem schwierigen Eingriff, um zu versuchen, ihre Wirbelsäule auszurichten, aber das klappte nicht, und ab 1950 war sie oft an den Rollstuhl gebunden.

Rollstuhl in Frida Kahlos blauem Haus in Coyoacan, Mexiko-Stadt; Juan Carlos Fonseca Mata, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

In ihren späteren Jahren schaffte sie es, recht umfangreich zu arbeiten und gleichzeitig politisch aktiv zu sein und die Atomtests der westlichen Regierungen zu verurteilen. Kahlo stellte 1953 zum letzten Mal in Mexiko aus, und zwar in der Galerie von Lola Alvarez Bravo, ihrer allerersten Einzelausstellung in diesem Land. Sie kam zu diesem Anlass in einem Krankenwagen an, wobei ihr Himmelbett auf der Ladefläche eines Lastwagens hinterhergefahren wurde. Das Bett wurde dann in die Mitte der Galerie gestellt, wo sie sich für die Dauer der Ausstellung zurücklehnen konnte. Kahlo starb 1954 in La Casa Azul. Als Todesursache wurde ein Blutgerinnsel angegeben, aber es wurde auch der Verdacht geäußert, dass es sich um einen absichtlichen oder unabsichtlichen Selbstmord handelte. Sie war zu diesem Zeitpunkt 47 Jahre alt.

Vermächtnis

Frida Kahlos Kunst wird dem Magischen Realismus, dem Primitivismus und dem Surrealismus zugerechnet, da sie sich von allen formalen ästhetischen Strömungen losgelöst hat. Frida Kahlos Kunstwerk hat sich nach ihrem Tod als immens wichtig für die feministische Forschung und postkoloniale Diskussionen erwiesen und sie ist zu einer globalen kulturellen Figur geworden.

Der Prominentenstatus der Schöpferin hat dazu geführt, dass das Werk der Künstlerin für die lateinamerikanische Kunst im Allgemeinen steht und sich von den Nuancen von Kahlos sehr intimen Themen entfernt.

Kahlos Vermächtnis kann weder unter- noch überschätzt werden. Es ist nicht nur möglich, dass jede einzelne Malerin, die seit den 1950er Jahren gearbeitet hat, sie als Inspiration nennen würde, sondern sie inspiriert nicht nur Künstler und Kunstliebhaber. Ihre Arbeit hilft auch denjenigen, die unter einer Tragödie, einer Fehlgeburt oder einer zerbrochenen Ehe gelitten haben. Kahlo drückte komplizierte Erfahrungen in Bildern aus, machte sie erträglicher und gab den Betrachtern Hoffnung, dass Menschen überleben, sich erholen und neu anfangen können.

Frida Kahlo, 1932; Guillermo Kahlo, Public domain, via Wikimedia Commons

Frida Kahlos Kunststil und Einflüsse

Die Schätzungen darüber, wie viele Kunstwerke Kahlo im Laufe ihres Lebens geschaffen hat, reichen von weniger als 150 bis zu etwa 200. Ihre frühen Werke, die Mitte der 1920er Jahre entstanden, sind von Renaissance-Künstlern und europäischen Avantgarde-Malern wie Amedeo Modigliani beeinflusst.

Gegen Ende des Jahrzehnts war Kahlo von der mexikanischen Volkskunst fasziniert, weil sie Aspekte von „Magie, Unschuld und Besessenheit von Tod und Gewalt“

Einer von Kahlos frühen Unterstützern war der surrealistische Maler André Breton, der sie als Mitglied der Gruppe als eine Malerin bezeichnete, die ihren Stil „in absoluter Unkenntnis der Ideale, die meine Freunde und meine eigene Tätigkeit anregten, schuf.“ Bertram D. Wolfe stimmte dem zu und schrieb, Kahlos Werk sei eine „Art ’nave‘ Surrealismus, den sie für sich selbst konstruierte.“ Obwohl Breton sie in erster Linie als weiblichen Einfluss in der surrealistischen Bewegung sah, rückte Kahlo postkoloniale Probleme und Themen in den Vordergrund ihres surrealistischen Stils.  

Frida Kahlo Gemälde Selbstbildnis als Tehuana (1943); Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Breton betrachtete Kahlos Werk auch als „wunderbar gelegen an der Kreuzung der philosophischen Linie und der ästhetischen Linie“. Ihre Kunst verband die Realität mit surrealistischen Aspekten und zeigte häufig Leiden und Tod. Obwohl sie später in surrealistischen Ausstellungen auftrat, erklärte sie, dass sie „den Surrealismus verabscheute“, den sie als „bürgerliches Kunstwerk“ ansah und nicht als „echte Kunst, die die Massen vom Künstler verlangen.“

Einige Kunsthistoriker haben argumentiert, dass ihre Arbeit überhaupt nicht als Teil der Bewegung angesehen werden sollte.

Laut Andrea Kettenmann war Kahlo eine Symbolistin, der es mehr darum ging, ihre inneren Gefühle darzustellen. Emma Dexter ist der Meinung, dass Kahlos Werke eher dem magischen Realismus zuzuordnen sind, da sie ihre Kombination aus Fantasie und Realität hauptsächlich aus aztekischen Mythen und mexikanischen Traditionen bezog und nicht aus dem Surrealismus. Sie mischte Realismus und Fantasie und verwendete wie Kahlo abgeflachte Blickwinkel, fein gezeichnete Figuren und lebhafte Farben.

Die zerbrochene Säule (1944) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Mexicanidad

Wie viele andere zeitgenössische mexikanische Maler wurde Kahlo von der Mexicanidad, einer sentimentalen nationalistischen Ideologie, die nach der Revolution aufkam, tiefgreifend beeinflusst. Die Mexicanidad-Bewegung richtete sich gegen die „kulturelle Degradierung“ durch den Kolonialismus und betonte vor allem die indigenen Traditionen. Vor dem Aufstand wurde die mexikanische Volkskultur – eine Mischung aus indigenen und europäischen Komponenten – von der Aristokratie verspottet, die sich zu einer rein europäischen Abstammung bekannte und Europa als Vorbild für die Zivilisation betrachtete, dem Mexiko nacheifern sollte.

Kahlos kreatives Ziel war es, für das mexikanische Volk zu schaffen, und sie behauptete, dass sie hoffte, „mit meinen Werken den Bürgern, die ich repräsentiere, und dem Glauben, der mich befähigt, würdig zu sein.“

Um diesen Eindruck zu verstärken, verbarg sie ihr Kunststudium vor ihrem Vater und Ferdinand Fernandez, ebenso wie ihre Ausbildung an der Vorbereitungsschule. Stattdessen stellte sie sich als „autodidaktische und ungebildete Künstlerin“ dar. Als Kahlo in den 1920er Jahren ihren Beruf als Malerin begann, beherrschten die Muralisten die mexikanische Kunstlandschaft. Sie schufen große öffentliche Werke im Stil der Renaissance-Künstler und der russischen sozialistischen Realisten: Sie stellten häufig Menschenmengen dar und ihre politischen Aussagen waren einfach zu verstehen.

Selbstporträt an der Grenze zwischen Mexiko und den Vereinigten Staaten (1932) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Ihre Ästhetik wurde vor allem von Votivbildern beeinflusst, die in den 1930er Jahren von Amateurmalern im Postkartenformat angefertigt wurden. Ihr Ziel war es, den Heiligen für ihren Schutz während einer Tragödie zu danken, und sie zeigten oft ein Ereignis, wie z. B. eine Krankheit oder einen Unfall, vor dem ihr Auftraggeber beschützt worden war. Der Schwerpunkt lag auf den dargestellten Personen, und sie enthielten selten realistische Perspektiven oder eine reiche Umgebung, sondern reduzierten die Handlung auf das Wesentliche.

Kahlo trug eine große Sammlung von Retablos zusammen, die sie an den Wänden von La Casa Azul anbrachte.

Laut Peter Wollen erlaubte das Retablo-Design Kahlo, „die Grenzen des einfach nur Ikonischen auszuloten und erlaubte ihr, Geschichte und Metapher einzubauen.“ Einige von Frida Kahlos Porträts ähneln den traditionellen Brustporträts, die während der Kolonialzeit verwendet wurden, aber sie brechen mit der Norm, indem sie die Person weniger schön zeigen, als sie in Wirklichkeit ist. Gegen Ende der 1930er Jahre verlagerte sie ihren Schwerpunkt immer mehr auf dieses Genre und spiegelte damit die Veränderungen in der mexikanischen Kultur wider.

Eines von Frida Kahlos Retablos, Votivgabe zu Ehren der Jungfrau von Talpa (1934); Frida Kahlo Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Mexikaner lehnten den Geist des Sozialismus zugunsten der Individualität ab, waren von den Folgen der Revolution enttäuscht und hatten mit den Auswirkungen der Großen Depression zu kämpfen. Dies spiegelte sich in den „Personenkulten“ wider, die um mexikanische Filmschauspielerinnen wie Dolores del Ro entstanden.

„Frida Kahlos Porträts erinnern an die zeitgenössische Beschäftigung mit der Nahaufnahme weiblicher Schönheit und dem Geheimnis der weiblichen Besonderheit im Film Noir“, so Schaefer.

Kahlo ließ sich von der Darstellung von Göttern und Heiligen in der einheimischen und katholischen Kultur inspirieren, indem sie immer wieder die gleichen Gesichtszüge wiederholte. Unter den mexikanischen Volksmalern ließ sich Kahlo besonders von Hermenegildo Bustos inspirieren, dessen Bilder das mexikanische Erbe und das bäuerliche Leben zeigten, und von José Guadalupe Posada, dessen Werke Unfälle und Kriminalität persiflierten.

Selbstportrait mit Affen (1943) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kahlo ließ sich auch von den Gemälden von Hieronymus Bosch inspirieren, den sie als „genialen Mann“ bezeichnete, und von Pieter Bruegel dem Älteren, dessen Blick auf das bäuerliche Leben sich mit ihrem eigenen Interesse am mexikanischen Volk deckte. Eine weitere Inspiration war die Dichterin Rosario Castellanos, deren Gedichte häufig die Situation der Frau in der patriarchalischen mexikanischen Kultur, die Beschäftigung mit dem weiblichen Körper und Geschichten über extreme körperliche und seelische Qualen beschreiben.

Ikonografie und Symbolik

Frida Kahlos Kunstwerke enthalten häufig Wurzelbilder, mit Wurzeln, die aus ihrem Körper sprießen und sie mit der Erde verbinden. Dies unterstreicht das Thema des persönlichen Fortschritts im positiven Sinne; das Feststecken an einem bestimmten Ort, zu einer bestimmten Zeit und in einer bestimmten Position im schlechten Sinne; und ein unklares Gefühl, wie sich Erinnerungen an die Vergangenheit auf die Gegenwart auswirken – zum Guten oder zum Schlechten. In Meine Großeltern und ich, stellt sich Kahlo als Zehnjährige dar, die ein Band trägt, das sich von einem alten Baum ausdehnt, der Fotos ihrer Großeltern und anderer Vorfahren trägt, während ihr linker Fuß ein großer Baum ist, der aus der Oberfläche zu wachsen beginnt.

Dies spiegelt Kahlos Wahrnehmung der Vereinigung der Menschheit mit dem Planeten sowie ihr eigenes Gefühl der Solidarität mit Mexiko wider.

Bäume erscheinen in Kahlos Werken als Sinnbild für Optimismus, Kraft und eine Verbindung, die Generationen überspannt. Außerdem erscheinen Haare in Kahlos Gemälden als Zeichen der Entwicklung und des Weiblichen. In Selbstporträt mit abgeschnittenem Haar stellt sich Kahlo in der Kleidung eines jungen Mannes dar und schert sich ihr langes Haar ab, das sie gerade abgeschnitten hat. Sie hält die Schere bedrohlich nahe an ihren Genitalbereich, was als Drohgebärde gegenüber Rivera – dessen regelmäßige Untreue sie verärgerte – oder als Wagnis, ihren eigenen Körper auf die gleiche Weise zu gefährden, wie sie ihr eigenes Haar abgeschnitten hat, gedeutet werden kann.

Dies war ein Zeichen dafür, wie Frauen ihre Wut auf andere häufig auf sich selbst projizieren.

Außerdem drückt das Bild Kahlos Unzufriedenheit nicht nur mit Rivera, sondern auch mit den mexikanischen patriarchalischen Idealen aus, denn die Schere steht für eine bösartige Vorstellung von Männlichkeit, die verspricht, Frauen zu „zerreißen“, sowohl metaphorisch als auch praktisch. Traditionelle spanische Macho-Normen wurden in Mexiko weitgehend akzeptiert, aber Kahlo war mit dem Machismo immer unzufrieden. Als Folge des Busunfalls in ihrer Kindheit verbrachte Kahlo einen Großteil ihres Lebens in Krankenhäusern und ließ sich operieren, oft von „Quacksalbern“, von denen Kahlo glaubte, dass sie sie in den Zustand vor dem Unfall zurückversetzen könnten.

Viele von Frida Kahlos Kunstwerken befassen sich mit medizinischen Bildern, die sich in Form von Qualen und Schmerzen ausdrücken, wobei Kahlo blutet und ihre klaffenden Wunden zeigt.

Mehrere von Kahlos medizinischen Gemälden, vor allem die, die sich mit Entbindungen und Fehlgeburten befassen, enthalten ein großes Schuldgefühl, das Gefühl, sein Leben auf Kosten von jemandem zu verbringen, der gestorben ist, damit man leben kann. Obwohl Kahlo sich selbst und Situationen aus ihrem Leben in ihre Werke einbezog, war die Botschaft oft vage.

Sie nutzte sie nicht nur, um ihre Subjektivität zu demonstrieren, sondern auch, um die mexikanische Kultur und die Herstellung von Identifikation innerhalb dieser Kultur zu problematisieren, einschließlich Geschlecht, ethnischer Zugehörigkeit und sozioökonomischer Klasse. Kahlo konstruierte eine ausgeklügelte Ikonografie, um diese Probleme in ihrem Werk zu thematisieren, wobei sie präkolumbianische und christliche Symbolik und Folklore stark in ihre Werke integrierte.

In den meisten Porträts von Frida Kahlo zeigt sie ihr Gesicht wie eine Maske, aber es wird von visuellen Signalen begleitet, die dem Betrachter erlauben, tiefere Bedeutungen zu verstehen.

Die aztekische Mythologie spielt in Kahlos Werken eine große Rolle, mit Motiven wie Affen, Knochen, Skeletten, Blut und Herzen; diese Motive spielten häufig auf die Geschichten von Quetzalcoatl, Coatlicue und Xolotl an. Hybridität und Dualität waren zwei weitere Schlüsselkonzepte, die Kahlo dem aztekischen Mythos entnahm.

Viele ihrer Werke zeigen polare Gegensätze, wie Tod und Leben, europäisch und mexikanisch, männlich und weiblich. Zusätzlich zu den aztekischen Traditionen stellte Kahlo in ihren Kunstwerken regelmäßig zwei wichtige weibliche Figuren aus der mexikanischen Mythologie dar: La Llorona und La Malinche, die mit schwierigen Situationen, Kummer, Unglück oder Verurteilung, als katastrophal, elend oder „de la chingada“ in Verbindung gebracht werden.

Die Liebesumarmung des Universums die Erde, Mexiko, ich, Diego und Senor Xolotl (1949) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nach ihrer Fehlgeburt stellte sie sich zum Beispiel schluchzend, mit zerzaustem Haar und einem ungeschützten Herzen dar, alles Dinge, die als Teil des Aussehens von La Llorona gelten, einer Frau, die ihre Kinder tötet. Ursprünglich wurde das Bild als eine einfache Darstellung von Kahlos Angst und Schmerz über ihre verlorene Schwangerschaft angesehen.

Durch die Interpretation der Symbolik in dem Kunstwerk und Daten aus Kahlos Briefen über ihre wahren Gedanken zur Elternschaft wurde das Bild jedoch so interpretiert, dass es die unorthodoxe und verbotene Entscheidung einer Frau zeigt, in der mexikanischen Kultur kinderlos zu bleiben.

Kahlo bezog ihren eigenen Körper häufig in ihre Werke mit ein und stellte ihn in verschiedenen Zuständen und Verkleidungen dar, z. B. verletzt, zerschmettert, als Kind oder in verschiedenen Kleidern, z. B. in einem Männeranzug oder in europäischer Kleidung. Sie nutzte ihren Körper als Symbol, um ihre Rolle in der Gesellschaft zu untersuchen. Ihre Gemälde zeigten den weiblichen Körper häufig in ungewöhnlichen Situationen, wie zum Beispiel bei einer Fehlgeburt, einer Entbindung oder beim Cross-Dressing. Indem sie den weiblichen Körper grafisch darstellte, versetzte Kahlo den Betrachter in die Rolle des Voyeurs und „machte es dem Betrachter praktisch schwer, nicht mit einer bewussten Haltung zu reagieren.“

Selbstporträt mit Zopf (1941) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Durch ihre Werke machte sich Kahlo selbst zur Hauptfigur ihrer eigenen Geschichte, als Frau, als Mexikanerin und als Mensch in Qualen. Sie verstand es, jede einzelne Figur in eine Metapher oder ein Symbol zu verwandeln, das den immensen spirituellen Kampf der Menschheit und ihre wunderschöne Sexualität zum Ausdruck bringt. Die breite Palette an Themen, Ideen, Gedanken und Emotionen, die von zwei wichtigen Ikonen des zeitgenössischen Mexiko entwickelt wurden: Sie nutzte ihren Körper als Metapher, um ihren Platz in der Gesellschaft zu analysieren. In ihren Gemälden stellte sie den weiblichen Körper meist in seltsamen Situationen dar, wie zum Beispiel bei einer Fehlgeburt, einer Entbindung oder beim Cross-Dressing. Kahlo versetzte den Betrachter in die Rolle des Voyeurs, indem sie den weiblichen Körper grafisch darstellte und „es dem Betrachter fast unmöglich machte, nicht mit einer absichtlich aufrechterhaltenen Haltung zu reagieren.“

Häufig gestellte Fragen

Wie ist Frida Kahlo gestorben?

1954 starb Kahlo in La Casa Azul. Als Todesursache wurde ein Blutgerinnsel angegeben, aber es wurden Zweifel an einem absichtlichen oder unabsichtlichen Selbstmord geäußert. Zu diesem Zeitpunkt war sie 47 Jahre alt.

Für was ist Frida Kahlo bekannt?

Frida Kahlo erfand sich durch ihre Werke als Feministin, als Mexikanerin und als Frau im Todeskampf neu und ist die zentrale Figur in ihrer eigenen Mythologie. Sie verstand es, jedes ihrer Werke in ein Symbol oder Zeichen zu verwandeln, das den immensen spirituellen Widerstand der Menschheit und ihre großartige Sexualität zum Ausdruck bringt. Frida Kahlos Kunstwerke stellen typischerweise physiologische Qualen bildlich dar, um psychologische Traumata angemessen zu verstehen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.