Ansel Adams – Ein Blick auf das Leben des Fotografen

Der amerikanische Fotograf Ansel Adams ist eine der am meisten verehrten Figuren der Landschaftsfotografie. Während seiner rund 60-jährigen Karriere als Kunst- und Werbefotograf hat Adams die Erhabenheit der Natur erforscht und festgehalten. Seine raffinierten Techniken haben die Landschaftsfotografie weiterentwickelt und die moderne Bildtechnik beeinflusst.

Ansel Adams‘ amerikanische Blende

Die Fotografie von Ansel Adams ist geprägt von aussagekräftigen Schwarz-Weiß-Bildern, die allgegenwärtig sind und zu Standards in der zeitgenössischen Fotowelt geworden sind. Sie trugen dazu bei, die Schwarz-Weiß-Fotografie in der Dunkelkammer zu formalisieren.

Das Zonensystem, eine Technik, die Adams weltweites Ansehen einbrachte, ist ein zentraler Bestandteil der digitalen Fotografie.

Ansel Adams‘ Biografie

Adams wurde 1902 in eine wohlhabende Familie der Oberschicht in San Francisco geboren und war ein Einzelkind. Seine erwachsenen Eltern kümmerten sich rührend um ihn, und er war ein ziemlich hyperaktives Kind. So sehr, dass er in der 8. Klasse von der Schule verwiesen wurde. Er war der Klassenclown und hatte eine kurze Aufmerksamkeitsspanne, so dass seine Eltern Nachhilfeunterricht organisierten.

Foto von Ansel Adams (c. 1941); U.S. Civil Service Commission, Public domain, via Wikimedia Commons

Sein Vater kaufte ihm ein Klavier und er begann mit dem Klavierunterricht. Im Alter von 12 Jahren erhielt er Kompositionsunterricht und nahm seine musikalische Ausbildung immer ernster, was seinen Gemütszustand veränderte. Er war nicht mehr das widerspenstige Kind, sondern begann, über seine Erfahrungen und seine Umgebung zu schreiben.

Außerdem begann er, die Innenstadt von San Francisco zu fotografieren. Er begann, Fotomagazine zu lesen und trat lokalen Fotoclubs bei. Am Anfang benutzte er eine 5×7″ Kamera, die seiner Familie gehörte.

Im Jahr 1916, als er seine Begeisterung sah, kaufte ihm sein Vater seine eigene Kamera, eine Kodax Brownie Box Camera.

Ansel Adams‘ Yosemite

Gleich nachdem er 1916 seine neue Kamera bekommen hatte, nahm ihn seine Familie zu seinem ersten Besuch in den Yosemite National Park mit. Es gibt ein Foto von der Familie Adams, das auf dieser Reise aufgenommen wurde. Der 14-jährige Ansel mit seinem Vater zu seiner Linken, seiner Mutter und seiner Tante zu seiner Rechten.

In der Biografie von Ansel Adams heißt es, dass er sich während dieser ersten Reise in die Fotografie und den Yosemite verliebte.

Castle Geyser Cove, Yellowstone National Park (c. 1941) aufgenommen in Wyoming; aus der Serie „Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments“ (zusammengestellt 1941 – 1942); Ansel Adams, Public domain, via Wikimedia Commons

Ansel Adams machte zunächst Familienschnappschüsse, um Fotoalben zu erstellen, in die er und sein Vater die von Ansel aufgenommenen Fotos einfügten, um ihre Urlaube zu dokumentieren. Wie jedes Familienalbum enthielt es auch Bilder von seinen Familienmitgliedern. Es war klar, dass Adams zu diesem Zeitpunkt eine Art visuelles Tagebuch und keine Kunst machte.

Doch mit der Zeit, als Adams seine Brownie-Kamera immer wieder auf Familienausflüge in die Berge mitnahm, begann er, sich auf die Landschaft zu konzentrieren. Er war der Meinung, dass die „Felsen des Yosemite das Herz der Natur sind, die zu uns spricht“ und er nahm das nicht auf die leichte Schulter.

Er kehrte immer wieder in den Yosemite zurück, der zum wichtigsten Ort wurde, an dem er seine Liebe zur Natur und zur Fotografie pflegte.

Half Dome

Adams‘ frühe Fotografien begeisterten, ließen aber viel zu wünschen übrig, obwohl es Anzeichen dafür gibt, dass er lediglich durch die Kameratechnik, die ihm Anfang des 20. Jahrhunderts zur Verfügung stand, eingeschränkt war. Seine frühesten Fotos, die er mit seiner Brownie-Kamera aufnahm, zeigen, dass er trotz seiner rudimentären Ausrüstung und seiner begrenzten Erfahrung ein Fotograf war, der wirklich etwas drauf hatte.

Indem er ein absichtlich verdecktes Motiv abbildete, experimentierte Adams bereits mit der Komposition und setzte sich mit seinen Fähigkeiten und Grenzen als Fotograf auseinander.

In dem Album sind die Half Dome-Bilder von Westen nach Osten geordnet, was zeigt, dass Ansel schon mit 14 Jahren über die Anordnung und Logik seiner Arbeit nachdachte. Der Half Dome war für Adams wichtig, denn er war das Motiv eines Fotografen. Als er sich in der Szene der Landschaftsfotografen etablierte, lernte er durch die Gesellschaft, die er hatte.

Da dieser besondere Half Dome von zahlreichen Fotografen fotografiert worden war, nahm Ansel ihn oft in Angriff und wurde mit ihm in Verbindung gebracht, so dass wir häufig den Ausdruck „Ansel Adams‘ Yosemite-Fotos“ verwenden.

Ein Fotograf wird geboren

Ansel Adams zog den Begriff „Fotografieren“ dem „Fotografieren“ vor. Er fuhr fort, Fotos zu „machen“ und das Format des Fototagebuchs zu verwenden, und als Adams 19 Jahre alt war, wurden seine ersten offiziellen Fotos veröffentlicht. Mit 20 Jahren wurde er Hausmeister beim Sierra Club im Yosemite Valley.

Er begann, Abzüge in einer Galerie namens Best’s Studio im Yosemite Valley zu verkaufen, die der Familie seiner Freundin Virginia gehörte.

Adams wurde vom Touristen des Yosemite Parks zum Experten und Bergsteiger, der den Yosemite und die Sierra zu Fuß erkundete. Er begann, die Wildnis zu dokumentieren. Er besorgte sich sogar eine Gemeinde, um seine Ausrüstung zu transportieren, und reiste mit Mentoren, damit er etwas über die Flora und Fauna lernen konnte.

Adams wurde durch Versuch und Irrtum immer besser. „Mobile Sang Peak“ (1917) und „Mount Florence Through the Trees“ (1923) zeigen die Entwicklung seines Blicks für Komposition und Details, aber er war noch dabei, seinen Stil zu finden.

Visualisierung

Der 10. April 1927 war ein wichtiger Tag für Ansel Adams. Während eines Ausflugs, den er unter anderem mit seiner zukünftigen Frau Virginia zum Half Dome im Yosemite National Park unternahm, ereignete sich etwas. Er hatte sich auf den Weg zum sogenannten „Sprungbrett“ gemacht, wo Wanderer eine Facette der riesigen Granitkuppel betrachten können.

Als Adams mit der Kamera auf dem Stativ aus einem düsteren Winkel auf den Half Dome blickte, hatte er eine Vision davon, wie das Bild aussehen sollte. Ihm zufolge war dies das erste Mal, dass er die Technik der „Visualisierung“ einsetzte.

Mit dieser Vision im Kopf wandte Adams zunächst einen Gelbfilter an, der durch das Kameraobjektiv gewöhnlich aussah und nicht die Dramatik seiner Vision hatte. Dann stellte er die Belichtung auf F/22 ein, setzte einen Rotfilter ein und belichtete die Platte fünf Sekunden lang. Dadurch erschienen der Himmel und der Fels dunkler. Der abgedunkelte Himmel lädt das Bild mit Dramatik und Intensität auf. Ansel betrachtete Monolith, the Face of Half Dome (1927) aufgrund dieser Technik als einen Durchbruch.

Ansel Adams‘ Fotografie wurde dann zu einem Mittel, um das Bild vor seinem geistigen Auge zu manifestieren. Zuerst komponierte der Fotograf das Bild in seinem Kopf. Dann dachte er an die Tonwerte des endgültigen Abzugs. Weil er nach dem bestmöglichen Äquivalent für seine Vision suchte, konzentrierte sich Adams auf die Technik.

Adams wollte, dass das Bild so entsteht, wie der Künstler es sich vorgestellt hatte, bevor er das Bild machte. Die Technik würde nützlich sein, weil sie nahezu perfekte Negative ermöglichen würde. Als Monolith, the Face of Half Dome entwickelt wurde und es seiner inneren Visualisierung entsprach, widmete er sich dieser Arbeitsweise.

Auf diese Weise begann Adams mit der Technik und den Möglichkeiten des Mediums zu experimentieren.

1928 hatte Adams Virginia geheiratet, eine Karriere als Konzertpianist endgültig aufgegeben und wurde offizieller Fotograf des Sierra Clubs und 1930 des Yosemite Nationalparks. Seine Bilder erschienen in Souvenirs, Broschüren und in der Werbung. Die Zeit, die er in der Werbung verbrachte, lehrte ihn, wie man klare Bilder macht, die eine starke Botschaft vermitteln.

Signatur-Stil

Adams‘ Kompositionen sind maßvoll. Er dachte an Platzhalter und machte meist nur ein Bild, manchmal zwei für die Versicherung, aber die beiden waren oft identisch. So viel Präzision und Vertrauen in sein Handwerk hatte er. Als Fotograf musste er instinktiv Entscheidungen treffen und fühlte sich wohl, wenn er mit der Vorstellung von eingefrorener Zeit arbeitete.

Zu den charakteristischen Merkmalen der Fotografie von Ansel Adams gehören der Panoramablick auf eine Landschaft und ein allwissender Blickwinkel.

Er platzierte die Horizontlinie oft weit oben im Bild, um den Maßstab zu vermitteln. Seine Arbeiten geben die Atmosphäre und den Maßstab dieser Berglandschaften wieder. Eine starke „S“-Kurve taucht in seinen Landschaften oft als Leitlinie auf, die ein Gefühl der Bewegung vermittelt. Ansel Adams nutzt oft den Fluss, um diesen Effekt zu erzielen.

Nahaufnahme von Blättern direkt von oben, aufgenommen im Glacier National Park in Montana (zwischen 1933 und 1942), aus der Serie „Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments“ (zusammengestellt 1941 – 1942); Ansel Adams, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Motive von Ansel Adams‘ Fotografien scheinen aus dem Rahmen zu platzen. Seine enge Rahmung und sein sorgfältiger Bildausschnitt ließen nur wenig Spielraum an den Rändern der Fotos, so dass seine Motive wie aus dem Nichts auftauchten. Er verwendete Verbindungslinien, die das Motiv einrahmten, oder parallele Linien, die der Komposition Tiefe verliehen.

Ob es die Oberfläche massiver Berge oder die Details eines winzigen Baumes waren, die seltsamen Texturen der Natur waren ein wichtiges Kompositionsmittel in Ansel Adams‘ Fotografie. Er hielt Holz, Stein, Schnee und eine Reihe anderer Texturen fest, wobei er Details hervorhob, um die Illusion von Substanz zu vermitteln, und oft den Maßstab seiner Fotos verstärkte.

Auf Ansel Adams‘ Fotos sehen wir Sturmwolken, die Berggipfel einhüllen, oder leichten Sommerregen. Adams bevorzugte dramatische Landschaften und fotografierte oft gegen oder kurz nach einem Sturm. Daher enthalten viele seiner Bildtitel das Wort „Sturm“. In seinem visuellen Stil setzte er Wettereffekte ein, um die dramatischen Qualitäten des Bildes zu verstärken.

Blick über den Wald auf Berge und Wolken im Glacier National Park in Montana (1942), aus der Serie „Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments“ (zusammengestellt 1941 – 1942); Ansel Adams, Public domain, via Wikimedia Commons

Adams‘ instinktiver Umgang mit Tonwertabstufungen und Kontrasten verlieh seinen Bildern eine einnehmende Kraft. Leuchtende Lichtpassagen wurden durch Bereiche mit dichter Dunkelheit unterbrochen oder ergänzt. Seine Bilder hatten einen vollen Tonwertumfang von Weiß bis Schwarz, wodurch sie ausgewogen wirkten. Adams nutzte die Schattendichte und das Licht als Mittel der Enthüllung und verstärkte die Beleuchtung, indem er Bereiche des Bildes in den Schatten fallen ließ. Er setzte bewusst den negativen Raum in seinen Bildern ein.

Ansel Adams schien monochromatische Bilder zu bevorzugen. Er fand Grün und Blau langweilig, ja sogar unansehnlich auf Drucken. Was er in der Natur sah, war viel komplexer. Schwarz-Weiß ermöglichte es ihm, die Schatten dramatischer zu gestalten. Indem er in Schwarz-Weiß fotografierte, manipulierte er die Realität und brachte den Betrachter näher an das Reich der Fantasie.

Obwohl sie in der Natur verwurzelt sind, stellen Adams‘ Bilder eine idealisierte, heroische Version dessen dar, was existierte. Seine Fotos zeigen nicht, was er sah, sondern was er fühlte. Er gab zu, dass diese Vorstellung romantisch war, aber seine dramatischen Szenen in der südlichen Sierra zeugten von seiner besonderen Barrierefreiheit in der vom Menschen unberührten Natur, die seinen Bildern eine legendäre Qualität verlieh.

Pure Fotografie

Ansel Adams‘ Erfolg stellte sich Mitte der 1920er und Anfang der 1930er Jahre richtig ein. Er fotografierte an neuen Orten und freundete sich in New Mexico mit vielen Künstlern aus dem Umfeld von Alfred Stieglitz an, darunter Paul Strand und Georgia O’Keefe. Strand hatte großen Einfluss auf Adams und ermutigte ihn, sein Handwerk zu verfeinern. 1931 hatte Adams seine erste museale Einzelausstellung im Smithsonian, die äußerst erfolgreich war und hervorragende Kritiken erhielt. Im Jahr darauf hatte er eine Gruppenausstellung im D Young Museum in San Francisco.

Im Jahr 1932, auf dem Höhepunkt seiner Karriere, schloss sich Adams‘ einigen anderen Fotografen aus der Bay Area einer neuen Bewegung an, die sich vom Pictorialismus distanzierte, der als Nachahmung der Malerei angesehen wurde.

Adams hatte schon vorher mit Techniken des Pictorialismus experimentiert. Wie bereits erwähnt, hatte er den Weichzeichner und andere Techniken wie die Radierung und das Bromölverfahren verwendet. Jetzt hatte Adams Zugang zu neuen Kameratechnologien und -techniken, mit denen er neue Effekte erzielen konnte.

Blick auf einen schneebedeckten Berg im Rocky Mountain National Park in Colorado (1941), aus der Serie „Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments“ (zusammengestellt 1941 – 1942); Ansel Adams, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Reine Fotografie richtete sich gegen die inszenierte, falsche Vorstellung vom Leben, die der Pictorialismus, der siegreiche Stil der Kunstfotografie in den frühen 1900er Jahren, geschaffen hatte. Diese jungen Künstlerinnen und Künstler wollten die uneingeschränkte Fotografie als Kunstform anerkennen. Ihr Manifest für das, was sie „Reine Fotografie“ nannten, war jedoch bis zu einem gewissen Grad widersprüchlich, weil sie immer noch Manipulationstechniken verwendeten, wenn auch zu anderen Zwecken.

Ihr Ziel war es, die fotografische Qualität der Fotos zu verbessern, indem sie glänzende, scharfe Bilder produzierten. Sie wollten Objekte mit einem Minimum an Aufwand abbilden – so wie sie waren und nicht mit einer romantischen Vorstellung von ihnen. Das Ziel war ein klares Bild des Objekts, das das Licht nutzt, um jede natürliche Textur einzufangen.

Diese Gruppe von Fotografen an der Westküste nannte sich Gruppe F/64, weil sie es vorzogen, mit F/64 zu fotografieren, einer sehr engen Blende, die das Bild durch eine gute Tiefenschärfe scharf hält.

Zu den bekanntesten Mitgliedern der Gruppe F/64 gehörten Paul Strand, Edward Weston und Imogen Cunningham. Die Gruppe F/64 machte auf die neue südkalifornische Fotografenschule aufmerksam, aber sie war auch ein wichtiger Teil der Geschichte der Fotografie insgesamt.

Die Dunkelkammer

Obwohl er Teil der Bewegung für reine Fotografie war, behauptet Ansel Adams in seinen Büchern, dass er kein Purist sei. Er war dafür bekannt, dass er für jeden Abzug Stunden in der Dunkelkammer verbrachte und versuchte, seine Vorstellungen technisch umzusetzen. Adams betrachtete das Negativ als etwas Formbarem mit zahlreichen Möglichkeiten.

Er druckte ein Foto nie zweimal auf die gleiche Weise ab und überarbeitete Abzüge desselben Negativs, um perfekte Bilder von bemerkenswerter Tonwerttreue zu erzielen. Er sagte oft, dass sich die verschiedenen Abzüge genauso unterscheiden wie jede Vorstellung.

Um möglichst viele scharfe Details im gesamten Bild zu erhalten, bearbeitete er den Kontrast in der Dunkelkammer, oft noch lange nachdem das Foto aufgenommen wurde. Er bearbeitete jedes einzelne Foto, indem er alle seine Landschaftsaufnahmen akribisch abwedelte und abbrannte. Er hat diese Techniken nicht erfunden und war auch nicht der einzige Künstler, der damit experimentierte, aber er hat sie auf eine neue Ebene gebracht.

Um ein Foto abzulichten, benutzte er einen undurchsichtigen Gegenstand, um das Licht in einem bestimmten Bereich des Bildes zu blockieren. Je weniger Licht auf diesen Teil des Bildes fiel, desto dunkler wurde es. Um ein Foto zu verbrennen, konnte er das gleiche Objekt mit einem kleinen Loch verwenden, um einen bestimmten Bereich mit zusätzlichem Licht zu versorgen und ihn so heller zu machen.

Die Begriffe „Abwedeln“ und „Verbrennen“ sind wichtige Werkzeuge in modernen Bildbearbeitungsprogrammen wie Photoshop und haben die gleiche Funktion, nämlich die Lichtdichte für Druck- oder Anzeigeprozesse zu verändern.

Das Zonensystem

Die genaue Belichtung der verschiedenen Elemente in der Szene war Adams so wichtig, dass er eine Technik entwickelte, mit der er seine Vorstellungen verwirklichen konnte. Zusammen mit Fred Archer entwickelte Adams das Zonensystem, das die Werte von null bis zehn danach einstufte, wie dunkel oder hell sie auf dem Druck erscheinen sollten.

Adams hielt wichtige Werte auf der Belichtungsskala fest und ordnete jedem Element in einer Komposition eine Blendeneinstellung zu.

Mit dieser akribischen Technik konnte ein Fotograf polymetrische Messungen vornehmen, die dabei halfen, Details zu erfassen. Dies ermöglichte eine genaue Einschätzung der Belichtung und des Bearbeitungsbedarfs, was wiederum bedeutete, dass man in einer größeren Bandbreite von Größen drucken konnte. So konnten die Fotografen das Aussehen des Bildes schon vor der Aufnahme gut einschätzen.

Ob im Freien oder in der Dunkelkammer, die Fähigkeit, verschiedene Elemente genau zu belichten, ermöglichte es den Fotografen, die Beleuchtung und den Kontrast einer Szene zu manipulieren. Die wunderschöne Wiedergabe von Farbtönen ermöglichte es Adams, Portfolios mit Originalabzügen zu erstellen, die selbst schon Kunstwerke waren.

Adams‘ Zonensystem wird auch heute noch für die Belichtung, Farbabstufung und als Grundlage für die moderne Kamera und die Art und Weise, wie Kameras Licht verarbeiten, verwendet.

Nationalparks und nationale Identität

1940 beauftragte der Innenminister Adams damit, die Nationalparks und Monumente der Vereinigten Staaten zu fotografieren. Aus seinen Bildern sollte eine Auswahl getroffen werden, die als Wandbilder für das damals neue Innenministerium in Washington dienen sollten. Ansel Adams erhielt einen bescheidenen Lohn von 5 Dollar pro Tag und 4 Cent pro Meile, aber das reichte ihm, um seine kommerzielle Arbeit für einige Monate auf Eis zu legen und sich der Fotografie und dem Reisen zu widmen. Er reiste bis nach Alaska und in den pazifischen Nordwesten.

Die Kombination aus jahrzehntelanger fotografischer Praxis und der Freiheit, sich auf die Fotografie zu konzentrieren, zementierte den charakteristischen Stil von Ansel Adams‘ Fotografien, die sich durch eine spektakuläre Licht- und Detailwiedergabe auszeichnen.

Detail eines Kaktus im Saguaros National Park in Arizona (1941), aus der Serie „Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments“ (zusammengestellt 1941 – 1942); Ansel Adams, Public domain, via Wikimedia Commons

Leider griffen die Japaner nach nur zwei Monaten, in denen er in den Nationalparks fotografierte, Pearl Harbor an und der Zweite Weltkrieg brach aus. Adams‘ Auftritt wurde abgesagt, und die Wandbilder wurden nie gemacht. Adams setzte das Projekt jedoch mit der Idee fort, weitere schöne amerikanische Landschaften zu fotografieren, um den Patriotismus zu wecken.

Er bekam ein Stipendium von der Guggenheim Foundation, um sein Projekt zu beenden, was ihm sogar eine neue Ausrüstung ermöglichte. In dieser Zeit entstanden einige seiner bekanntesten Bilder.

Mondaufgang über Hernandez

Mondaufgang, Hernandez, New Mexico (1941) entstand, als er mit seinem achtjährigen Sohn Michael und seinem Freund Cedric Wright auf dem Highway unterwegs war. Sie waren auf dem Rückweg nach Santa Fe von einem Besuch bei Ansels Freundin, der Künstlerin Georgia O’Keefe, im Tal in New Mexico. Adams war fasziniert von dem Anblick der untergehenden Sonne, die die weißen Kreuze auf dem Friedhof von Hernandez beleuchtete.

Eilig hielt er den Wagen an, stieg auf die Kameraplattform, die er genau für solche Momente montiert hatte, und wies seine Begleiter an, ihm zu helfen, seine acht mal zehn Zoll große Kamera, das Stativ, das Objektiv, die Objektivplatte, das dunkle Tuch, den geladenen Filmhalter und den Belichtungsmesser herauszuholen. In der Hektik konnte der Belichtungsmesser nicht gefunden werden.

Als die Novembersonne hinter ihm unterging, wusste Adams, dass er schnell handeln musste, um das Bild zu erfassen, zu fokussieren und die Aussicht einzufangen. Er schätzte die Helligkeit des Vollmonds aus dem Gedächtnis ab und ermittelte so die ungefähre Belichtung. Adams drückte den Auslöser und als er den Film umdrehte, um ein zweites Sicherungsnegativ zu machen, war die Sonne untergegangen und die Gelegenheit vorbei.

Es stellte sich heraus, dass eine einzige Aufnahme kein perfektes Negativ war, aber Adams manipulierte das Bild in der Dunkelkammer und verstärkte den Kontrast, so dass der gerade Abzug kaum noch der bearbeiteten Version ähnelte. Das Zonensystem erleichterte es Adams, die Belichtung von festen Bereichen des Abzugs zu manipulieren.

In dem Panoramabild Mondaufgang, Hernandez füllte Adams den Rahmen mit einer riesigen Himmelsfläche und platzierte die Kapelle und den mit Kreuzen übersäten Friedhof im Mittelgrund einer mit Büschen übersäten Ebene. Der Mond schwebt über fernen Wolken und die späte Nachmittagssonne taucht unter den Horizont einer niedrigen Gebirgskette jenseits der kleinen Stadt Hernandez im Westen.

Natürlich hätte keines dieser Merkmale so ausgesehen, wie es auf dem Bild zu sehen ist. Als Adams das Bild aufnahm, wusste er bereits, dass er in seinem Probedruck von Moonrise, Hernandez, New Mexico eine dunkle Weite über einer jenseitigen Grabstätte erfinden würde. Adams hatte das fertige Kunstwerk visualisiert und wollte den Mondaufgang so darstellen, wie er vor seinem geistigen Auge existiert hatte. Bei den folgenden Abzügen würde er den Himmel immer dunkler drucken.

Aus dem Rohmaterial der Hernandez-Landschaft schuf Adams mit seinen Dunkelkammertechniken ein faszinierendes Bild, das an Magie und Mystik grenzt. Bei diesem Bild konnte Adams auf mehr als zwei Jahrzehnte fotografischer Erfahrung zurückgreifen, um sein ikonischstes Bild zu schaffen. Im Jahr 1944 wurde es im Museum of Modern Art in New York ausgestellt und im Laufe der Jahrzehnte fertigte Adams über 1300 einzigartige Abzüge von „Moonrise“ an.

Tetons and the Snake River (1942)

Tetons and the Snake River (1942) ist ein weiteres seiner berühmten Bilder, die er auf der Straße aufgenommen hat. Während die Fotos von Ansel Adams oft so aussehen, als wären sie tief in der Wildnis entstanden, sind es Aufnahmen, die Adams von der von Menschen befahrenen Straße aus gemacht hat.

So war es auch bei „Tetons and the Snake River“, das besonders schwer zu fotografieren war, weil die Sonne in die falsche Richtung zeigte.

Nichtsdestotrotz erreichte Adams starke Verschiebungen und ein Gleichgewicht der Kontraste, indem er jede Tonwertzone in seinem System darstellte, von der Zone Null, die das Schwarz im Schatten der Berge ist, bis zur Zone Zehn des Lichts, das vom Fluss reflektiert wird.

The Tetons and the Snake River (1942) von Ansel Adams, aufgenommen im Grand Teton National Park in Wyoming; Ansel Adams, Public domain, via Wikimedia Commons

In Tetons and the Snake River, überziehen detailreiche Gewitterwolken den schimmernden Himmel, und auf der linken Seite glitzern entfernte Berge mit hellen Schneeflecken. In der Mitte des Bildes macht der silbrige Snake River eine S-förmige Kurve. Der Mond leuchtet im Hintergrund und die baumbestandenen Ufer sind mit Schatten im unmittelbaren Vordergrund detailliert dargestellt.

Adams nutzte stilistische Mittel, um Tetons and the Snake River als heroische Vision der amerikanischen Wildnis zu präsentieren. Er wählte einen Panoramablick, weil dieser Blickwinkel seinem Motiv ein Gefühl von Macht und Autorität verleiht.

Adams‘ Aufmerksamkeit und Timing, kombiniert mit seinem Talent für Schnitt und visuelle Effekte, ermöglichten es ihm, die spektakuläre, magische Schönheit der nationalen Natur einzufangen.

Ausklang

Beim Vergleich von Wald im Yosemite Valley (ca. 1920), das entstand, als der Fotograf Ansel Adams etwa 18 Jahre alt war, mit Aspens, Northern New Mexico (1958), das zu seinem reifen Werk gehört, sehen wir die Entwicklung von den Bildern eines neugierigen jungen Mannes mit einem anständigen Auge zu der phänomenalen Qualität eines gestandenen Profis.

Aber gegen Ende seiner Karriere kehrte der Fotograf Ansel Adams immer wieder zu seinen Wurzeln am Half Dome zurück, dem Motiv seiner Kindheitsalben. Die letzten Fotografien von Ansel Adams aus den 1960er Jahren zeigen, dass er nie aufgehört hat, den Halfdome zu visualisieren. Auf seinen letzten Half Dome-Bildern gibt es weder Wolken noch Wetter. Diese Fotografie war so rein wie möglich. Es war der Mond, es war Ansel, und es war Half Dome.

Abend, McDonald Lake, Glacier National Park (1933), aufgenommen in Montana; Ansel Adams, Public domain, via Wikimedia Commons

Nach den 1960er Jahren kam Adams‘ fotografisches Schaffen zum Erliegen. Er war damals älter und seine Gesundheit verschlechterte sich. Die Aussicht auf eine Wanderung in der High Sierra war in weite Ferne gerückt. Aber er hatte immer noch die Dunkelkammer und bastelte weiter an Tausenden von Negativen, um sich an die überwältigende Zeit zu erinnern, die er beim Durchqueren und Umsetzen des Wilden Westens erlebt hatte.

Ein bleibendes Vermächtnis

In den 1970er Jahren wurde Adams von Präsident Jimmy Carter beauftragt und wurde damit zu einem Pionier in der Liste der Präsidentenfotografen, zu denen auch Yoichi Okamoto (1915 – 1985) und Michael Evans (1944 – 2005) gehören sollten. Im Jahr 1974 wurde ihm eine große Retrospektive im Metropolitan Museum of Art gewidmet.

Ansel Adams war ein begeisterter Naturschützer, der sich im Kongress für die Einrichtung weiterer Nationalparks eingesetzt hat. Die Ansel Adams Wilderness und der Mount Ansel Adams im Yosemite wurden nach ihm benannt.

Fotoporträt des Naturfotografen Ansel Adams (ca. 1950) mit einer Zeiss Ikon Universal Juwel Kamera, erschienen im Jahrbuch der Yosemite Field School 1950; J. Malcolm Greany, Public domain, via Wikimedia Commons

Aber Adams lebte in turbulenten Zeiten, in denen andere Fotografen sozioökonomische Fragen für vorrangig hielten und seinen Fokus auf den Naturschutz kritisierten. Der einflussreiche Fotograf Henri Cartier-Bresson schrieb: „Die Welt geht in die Brüche und alles, was Adams und Weston fotografieren, sind Felsen und Bäume“. Im Nachhinein könnte man sagen, dass es der Fotograf Ansel Adams war, der das größere Bild gesehen hat. Er zeigte die Erde als mehr als nur Felsen und Bäume und demonstrierte, dass Fotografie mehr ist als nur Zeigen und Schießen.

Ansel Adams‘ Biografie endete, als bei ihm Krebs diagnostiziert wurde und er 1984 im Alter von 82 Jahren an Herzversagen starb, aber sein Einfluss ist unendlich. Heute sind Kameras weit verbreitet und innerhalb eines halben Jahres werden mehr Fotos aufgenommen, gefiltert und gepostet als es Sterne in der Galaxie gibt. Adams‘ Beitrag hat eine neue Generation von Zufallsfotografen beeinflusst, für die Fotomanipulationstechniken wie das Abwedeln und Verbrennen so zugänglich sind, dass sie praktisch transparent geworden sind.

Häufig gestellte Fragen

Was würde Ansel Adams über das digitale Zeitalter und seine Möglichkeiten der Fotomanipulation denken?

Da er so sehr an Kontrolle interessiert war und jede Technologie, die ihm dabei half, mit großem Eifer annahm, ist es schwer vorstellbar, dass er von der digitalen Technologie und der Möglichkeit, ein Bild auf Pixelebene zu manipulieren, nicht begeistert war.

Hat Ansel Adams Farbfotografien gemacht?

Ja, es gibt Tausende von Farbabzügen von Ansel Adams. Er experimentierte mit diesem Format, stellte aber fest, dass er beim Farbdruck nicht so viel Kontrolle hatte. Da er sich so sehr für die Technik und die Mechanik interessierte, frustrierten ihn die Einschränkungen der Farbfotografie.

Hat Ansel Adams Menschen fotografiert?

Ja. Er ist zwar nicht für seine Porträtfotografie bekannt, aber er hat Menschen fotografiert, was ihm nichts ausmachte. Allerdings waren Ansel Adams‘ Fotografien auf Kontrolle angewiesen, was das Gleichgewicht zwischen gestellten und ungestellten Bildern erschwerte.

Hat Ansel Adams Georgia O’Keeffe fotografiert?

Ja. In seiner bemerkenswerten Stegreifaufnahme von Georgia O’Keeffe sitzt sie und ihr Gesicht, das direkt in die Kamera blickt, könnte man sagen, dass es einer Landschaft ähnelt. Adams fotografierte auch O’Keeffes Ehemann Alfred Stieglitz in Farbe, wobei das Licht ganz subtil durch ein Fenster einfiel.

Wie viel kosten die Drucke von Ansel Adams?

Auf dem Höhepunkt seiner Karriere konnte Moonlight für etwa 350 $ verkauft werden. Bis 1980 lag der Preis bei 13.000 bis 15.000 $ pro Abzug. Auf dem heutigen Markt werden diese Drucke routinemäßig für 30.000 bis 50.000 $ verkauft. Als sein kommerzieller Erfolg rasant anstieg, erzielten die Abzüge von Ansel Adams so hohe Preise, dass er beschloss, nur noch an Museen und Institutionen zu verkaufen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.