Claude Monet – Das Leben und Schaffen des Impressionisten

Claude Monets Gemälde wichen von der anerkannten Kunst der Zeit ab, die eindeutige Formen und lineare Perspektiven darstellte, und erforschten stattdessen eine freie Handhabung, starke Farben und verblüffend unorthodoxe Anordnungen. In jedem Szenario seiner impressionistischen Gemälde verlagerte sich der Schwerpunkt von Claude Monets Kunstwerken von der Darstellung von Menschen auf den Ausdruck bestimmter Aspekte von Licht und Stimmung. In seinen letzten Lebensjahren konzentrierte sich der Künstler Monet zunehmend auf die ornamentalen Elemente von Farbton und Form.

Claude Monets Biografie

Claude Monet, der Künstler, war der Kopf des französischen Impressionismus und gab der Gruppe praktisch ihren Titel. Als inspirierende Persönlichkeit und Präsenz trug er maßgeblich dazu bei, die Gläubigen zusammenzubringen. Monet arbeitete gern im Freien und fing das natürliche Licht ein – wie man auf einem seiner berühmten Gemälde, Impression, Sonnenaufgang (1872), sehen kann.

Mit seinen Serienbildern, in denen er seine Eindrücke desselben Motivs zu verschiedenen Tageszeiten in mehreren Serien festhielt, wie z.B. Monets Gartenbilder, wurde diese Methode zu einem seiner bekanntesten Eckpfeiler. Claude Monets Kunstwerke aus seinen späteren Jahren erreichten häufig einen verblüffenden Grad an Abstraktion, was ihn für nachfolgende Generationen von abstrakten Künstlern bekannt gemacht hat.

Portrait von Claude Monet, vom Fotografen Nadar im Jahr 1899; Nadar, Public domain, via Wikimedia Commons

Frühes Leben von Claude Monet

Claude Oscar Monet wurde am 14. November, dem 6. November 1840, in Paris geboren und zog im Alter von fünf Jahren nach Le Havre, einer Stadt an der Küste im Norden Frankreichs. Sein Vater war ein erfolgreicher Ladenbesitzer, der später zum Spediteur wurde. Seine Mutter verstarb, als er 5 Jahre alt war. Die Gewässer und die zerklüfteten Küsten Nordfrankreichs prägten ihn schon früh und er nahm oft nicht am Unterricht teil, um an den Steilküsten und Dünen entlang zu wandern.

Das Zeichnen lernte er als Kind am College du Havre von einem Schüler des berühmten neoklassizistischen Malers Jacques-Louis David. Schon in jungen Jahren war er ein sehr künstlerischer und geschäftstüchtiger junger Mann, der in seiner Freizeit Karikaturporträts zeichnete und sie für 20 Francs pro Stück zum Verkauf anbot.

Er konnte eine beträchtliche Menge Geld aus dem Verkauf seiner Bilder sparen, indem er sich auf sein frühes Talent für Kunst konzentrierte.

Die Karriere von Monet, dem Künstler

Claude Monet war ein Künstler aus Frankreich und der Pionier der impressionistischen Malerei. Er gilt als bedeutender Vorläufer des Modernismus, vor allem in seinem Bemühen, die Natur so darzustellen, wie er sie sah. Während seiner langen Karriere war er der beständigste und prominenteste Vertreter der impressionistischen Theorie, nach der die Vermittlung von Gefühlen wichtiger ist als die genaue Darstellung der Natur in der Landschaftsmalerei. Der Name „Impressionismus“ stammt von dem Namen seines Werks Impression, Sonnenaufgang (1872).

Impression, Sonnenaufgang (1872) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Frühe Ausbildung

1856 lernte Monet Eugéne Boudin kennen, einen Landschaftsmaler, der für seine Landschaften der nordfranzösischen Küstendörfer bekannt war. Dies war ein entscheidender Moment für Monet. Boudin drängte Monet, im Freien zu malen, und der en plein air Ansatz veränderte seine Ansichten darüber, wie Kunst entstehen kann:

„Es war, als ob ein Vorhang vor meinen Augen weggezogen worden wäre; ich hatte begriffen. Ich verstand, was Kunst sein könnte.“

Obwohl ein Stipendium abgelehnt wurde, reiste Monet 1859 mit Hilfe seiner Familie nach Paris, um zu lernen. Anstatt den traditionellen Weg eines Salonkünstlers zu gehen und sich an der École des Beaux-Arts einzuschreiben, trat Monet in die viel avantgardistischere Académie Suisse ein, wo er den Künstler Camille Pissarro kennenlernte.

Reifezeit

Monet musste seine Zeit in der Armee absitzen und wurde 1861 nach Algier geschickt. Die Atmosphäre in Nordafrika inspirierte Monet und beeinflusste seine künstlerische und persönliche Sichtweise stark. Als er nach seiner Dienstzeit nach Le Havre zurückkehrte, erteilte ihm der niederländische Landschafts- und Marinemaler Johan Jongkind die „letzte Schulung des Auges“.

Nach dieser Zeit kehrte er erneut nach Paris zurück, wo er im Atelier des Schweizer Künstlers Charles Gleyre bei Schülern – und zukünftigen Impressionisten – wie Alfred Sisley, Frédéric Bazille und Renoir in die Lehre ging. Der Pariser Salon wählte 1865 zwei von Monets Seestücken für die Ausstellung aus: Mündung der Seine bei Honfleur (1865) und Le pavé de Chailly (1865).

Mündung der Seine bei Honfleur (1865) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Künstler fühlte sich jedoch durch das Malen in einem Atelier eingeengt und zog es vor, in der Natur zu malen. Deshalb zog er in die Nähe von Paris an den Rand des Waldes von Fontainebleau. Seine kühne, riesige Frau im Garten (1867) war ein Zusammenfluss der Ideen und Themen seiner früheren Werke, für die er seine zukünftige Braut, Camille Doncieux, als einziges Modell verwendete. Monet hatte gehofft, dass das Kunstwerk auf dem Pariser Salon positive Resonanz finden würde, aber sein Auftreten brachte ihn in Konflikt mit den Richtern, und das Bild wurde abgelehnt, was Monet verzweifelt machte. Zu dieser Zeit bewunderte der formale Salon noch die Romantik.

Um das 50 Jahre alte Vergehen wiedergutzumachen, zwang Monet die französische Regierung 1921, das Kunstwerk für die schwindelerregende Summe von 200.000 Francs zu erwerben.

Frau im Garten (1866-67) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Monet glaubte, dass London Sicherheit vor dem Deutsch-Französischen Krieg 1870 bieten würde und schuf ikonische Bilder wie Die Themse unterhalb von Westminster (1871). Seine Frau und ihr neugeborenes Kind begleiteten ihn. Er besuchte Museen in London und sah sich Gemälde von J.M.W. Turner und John Constable an, deren romantischer Realismus seinen Umgang mit dem Licht entscheidend beeinflusste. Vor allem aber lernte er Paul Durand-Ruel kennen, den Besitzer einer jungen Galerie für moderne Kunst in der Bond Street. Durand-Ruel war ein überzeugter Bewunderer von Pissarro und Monet sowie von Degas, Renoir und anderen französischen Impressionisten.

The Thames Below Westminster (1871) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Nach dem Krieg kehrte Monet nach Frankreich zurück und ließ sich in Argenteuil nieder, einem Pariser Viertel in der Nähe der Seine. Im Laufe der nächsten sechs Jahre verfeinerte er seine Technik und schuf über 150 Gemälde, die die Veränderungen in der aufstrebenden Region festhielten, wie zum Beispiel Le bassin d’Argenteuil (1872).

Seine Erscheinung erregte die Aufmerksamkeit von Pariser Freunden wie Manet und Renoir.

Manet war zwar zehn Jahre älter und hatte sich als Maler deutlich früher hervorgetan als Monet, aber in den 1870er Jahren hatten beide den jeweils anderen stark beeinflusst, und Monet hatte Manet 1874 tatsächlich für das Kunstschaffen im Freien gewonnen. Um ihren Protest gegen das Salonsystem fortzusetzen, veranstalteten Monet und seine Freunde 1874 eine eigene Ausstellung, die im verlassenen Atelier des Fotografen und Karikaturisten Nadar gezeigt wurde.

Le bassin d’Argenteuil (c. 1872) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Sie wurde die „Erste Impressionisten-Ausstellung“ genannt. Diese Maler, darunter Degas, Renoir und Pissarro, gehörten zu den ersten, die sich als Gruppe an die Veränderungen in ihrer Stadt anpassten. Die breiteren Boulevards, die benötigt wurden, um den steigenden Trends des öffentlichen Lebens und dem aufkeimenden Konsum gerecht zu werden, spiegelten die Modernisierung von Paris wider. Monet gab der Bewegung mit seinem 1873 entstandenen Werk Impression, Sonnenaufgang unwissentlich ihren Namen, auch wenn dieser Ausdruck zunächst von Autoren verwendet wurde, um diese Art von Werken zu verurteilen.

Der Künstler Monet wuchs zwar in einer bürgerlichen Familie auf, aber sein verschwenderischer Lebensstil führte dazu, dass er den größten Teil seines Lebens in verschiedenen Stadien der Verschuldung und Not verbrachte.

Selbstporträt im Beret (1886) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Claude Monets Kunstwerke waren keine verlässliche Einnahmequelle für ihn, und er musste sich häufig Geld von Freunden leihen. Nachdem Monet in den 1870er Jahren viele Aufträge erhalten hatte, war er wirtschaftlich einigermaßen abgesichert, aber gegen Ende des Jahrzehnts hatte er große Probleme. 1877 lebten die Monets mit Alice Hoschede und ihrem halben Dutzend Kinder in Vetheuil.

Die Hoschedes waren enge Bekannte und Unterstützer von Monets Kunstwerk, aber das Geschäft des kämpfenden Ehemannes scheiterte und er war gezwungen, seine Familie zu verlassen.

Folglich musste Monet ein preisgünstiges Zuhause für seine ziemlich große Familie finden. 1878 bekam Camille einen weiteren Sohn, Michel, der in den Wehen lag. Als Camille ein Jahr später starb, veränderten sich Monets Gemälde und konzentrierten sich mehr auf den Fluss der erlebten Zeit und die mäßigenden Einflüsse der Umgebung und des Charakters auf das Thema, wie zum Beispiel Treibendes Eis auf der Seine (1880).

Die Familie Monet-Hoschedé feiert die Hochzeit von Marthe Hoschedé und Théodore Butler. Pierre Sisley sitzt rechts auf dem Boden; Seine Schwester Jeanne steht hinter ihm; Monet steht auf den Stufen links. Kollektion Jean-Marie Toulgouat, Giverny, 1900; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Alice blieb bei Monet und heiratete ihn 1892 zum zweiten Mal. Monet suchte 1883 ein Zuhause für Alice und ihre acht Kinder. Er fand ein Haus in der friedlichen, kleinen Gegend von Giverny, die nur etwa 300 Einwohner hatte. Er fühlte sich sehr zu einem Haus hingezogen, das er mieten konnte, bis er es 1890 kaufte (und erheblich erweiterte). Monets wichtigste Inspirationsquelle in den letzten 30 Jahren seines Lebens war das Anwesen in Giverny. Dort legte er einen japanischen Garten zur Besinnung und Entspannung an, mit einem Teich voller Seerosen und einer Bogenbrücke.

Er war berühmt für seine Worte: „Mein Garten ist mein schönstes Kunstwerk. Was ich wirklich brauche, sind Blumen. Immer. Mein Herz wird immer in Giverny sein, und vielleicht bin ich nur wegen der Blumen Künstler geworden.“

Monet erzielte in Giverny seine größten Erfolge. Seine impressionistischen Gemälde wie Der Garten des Künstlers in Giverny (1900) begannen sich in den Vereinigten Staaten, England und in seinem eigenen Land zu verkaufen. Er wurde zum Adligen und stellte eine große Gruppe von Angestellten in seiner Residenz ein, darunter sechs Gärtner, die sich um seinen Seerosenteich und seinen geliebten Garten kümmerten.

Monets Gemälde interessierten sich mehr für das Ambiente und die Umgebung als für den Modernismus.

Der Garten des Künstlers in Giverny (1900) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Als seine Serie von Getreidestapeln, wie Weizenstapel (Ende des Sommers) (1890-1891), die zu unterschiedlichen Tageszeiten entstanden, in der Durand-Galerie ausgestellt wurde, erntete Ruel viel Lob von Kritikern, Käufern und der breiten Öffentlichkeit. Danach konzentrierte er sich auf die Kathedrale von Rouen, wo er die Auswirkungen der wechselnden Atmosphäre, Beleuchtung und Stimmung auf die Fassade zu verschiedenen Tageszeiten untersuchte.

Als Folge davon entstanden Dutzende von Gemälden mit schillernden, etwas übertriebenen Farbtönen, die ein visuelles Archiv der gesammelten Wahrnehmungen bilden.

Wheatstacks (End of Summer) (1890-1891) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Spätere Jahre und Tod des Künstlers

Monet zog es vor, mit der Natur allein zu sein und zu schaffen, anstatt sich in der kreativen und kulturellen Umgebung von Paris in philosophische oder kritische Auseinandersetzungen zu begeben. Nachdem er in den 1880er und 1890er Jahren Orte wie Venedig, London, Norwegen und ganz Frankreich bereist hatte, ließ er sich 1908 für den Rest seines Lebens in Giverny nieder. Die zweite Frau des Künstlers, Alice, starb 1911, und sein Sohn starb ein Jahr später. Nach diesen tragischen Ereignissen, den Nachwirkungen des Ersten Weltkriegs und der Bildung einer Zyste über einem seiner Augen stellte Monet die Malerei fast vollständig ein.

In dieser Zeit ermutigte der französische Staatschef Georges Clemenceau, der auch mit Monet befreundet war, Monet, ein Werk zu schaffen, das das Land aus der Melancholie des Großen Krieges herausführen würde.

Monet sagte zunächst, er sei zu alt und ungeeignet für die Aufgabe, aber Clemenceau holte ihn allmählich aus seiner Trauer heraus, indem er ihn drängte, ein wunderbares Kunstwerk zu schaffen – das, was Monet als Grandes Décorations bezeichnete, besser bekannt als die Seerosen des Musée de l’Orangerie (1927). Als ein Reich innerhalb eines Universums stellte Monet eine kontinuierliche Abfolge von Wasserlandschaften in einem ovalen Salon dar. Aus diesem Grund wurde ein neues Atelier mit einer Glaswand mit Blick auf den Garten eingerichtet. Trotz seines grauen Stars konnte der Künstler Monet eine bewegliche Staffelei durch den Raum manövrieren, um das ständig wechselnde Licht und den Blickwinkel auf seine Blumen einzufangen.

TOP: Vier der Seerosen von Claude Monet im Musée de L’Orangerie in Paris. Von links nach rechts: Die Seerosen: Klarer Morgen mit Weiden, Die Seerosen: Trees Reflections, Die Seerosen: Morgen mit Weiden, Die Seerosen: The Two Willows, und dann Clear Morning with Willows wiederum; Brady Brenot, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons | UNTEN: Vier der Seerosen von Claude Monet im Musée de L’Orangerie in Paris. Von links nach rechts: Die Seerosen: Morgen, Die Seerosen: Untergehende Sonne, Die Seerosen: Die Wolken, Die Seerosen: Green Reflections, und dann wieder Morning; Brady Brenot, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das Orangerie-Museum ließ schließlich zwei elliptische Kammern einrichten, um Monets Seerosengemälde unterzubringen. Das All-Over-Design der Werke und der Kammern vermittelte dem Besucher den Eindruck, als würden sie im Wasser schwimmen und von allen Seiten von Pflanzen umgeben sein. Viele Kommentatoren lobten die Endinstallation. Monet starb am 5. Dezember 1926 im Alter von 86 Jahren an Lungenkrebs und wurde auf dem Friedhof der Kirche von Giverny beigesetzt. Monet bestand darauf, die Feier bescheiden zu halten, so dass nur etwa fünfzig Menschen an der Zeremonie teilnahmen.

Im Jahr 1966 schenkte Michel Monets Wohnhaus, Gärten und Seerosenteiche der französischen Akademie der Schönen Künste.

Nach der Renovierung wurden das Haus und das Gelände 1980 durch die Fondation Claude Monet der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Zusammen mit Erinnerungsstücken an Monet und anderen Gegenständen aus seinem Leben beherbergt das Haus seine Galerie mit japanischen Holzschnitten. Das Haus und die Gärten sowie das Museum des Impressionismus sind herausragende Sehenswürdigkeiten in Giverny, das Besucher aus der ganzen Welt anzieht.

Claude Monet vor seinem Haus in Giverny, 1921; Musée d’Orsay, Public domain, via Wikimedia Commons

Claude Monets Vermächtnis

Monets außergewöhnlich langes Leben und sein umfangreiches künstlerisches Schaffen sind der Größe seiner heutigen Anziehungskraft angemessen. Der Impressionismus, dessen Eckpfeiler er ist, ist nach wie vor eine der populärsten kreativen Bewegungen, wie der enorme Massenkonsum von Tagebüchern, Karten und Bannern beweist. Natürlich werden Monets Gemälde hoch geschätzt und einige von ihnen gelten als unbezahlbar; tatsächlich befinden sich Monets Kunstwerke in jedem größeren Museum der Welt.

Trotz der Tatsache, dass seine Bilder heute verehrt werden, war Monet nach seinem Tod viele Jahre lang nur in wenigen Gruppen von Kunstliebhabern bekannt.

Monet in seinem Atelier, 1920; Grand Palais, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Abstrakten Expressionisten verhalfen seiner Kunst in New York zu einem enormen Aufschwung. Monets riesige Gemälde und halbabstrakte, flächendeckende Kompositionen beeinflussten Künstler wie Jackson Pollock und Rothko. Monets Heuhaufen wurden auch von Pop-Künstlern in Werken wie Andy Warhols wiederkehrenden Porträts aufgegriffen. Ebenso übernahmen mehrere Minimalisten das gleiche Konzept in ihrer seriellen Präsentation von Gegenständen.

In der Tat gelten der Impressionismus und Monet heute als Grundlage für die gesamte zeitgenössische und aktuelle Kunst und sind damit grundlegend für fast jede historische Studie.

Claude Monets Kunststil und Methode

Monet wird als „der Impulsgeber des Impressionismus“ bezeichnet. Das Erkennen der Einflüsse des Lichts auf die lokale Farbe der Dinge sowie die Wirkung von Farbkontrasten war für die Kunst der impressionistischen Künstler entscheidend. Seine lockere Art und sein Umgang mit Farben wurden als „fast ätherisch“ und als „Vorbild der impressionistischen Technik“ bezeichnet.

„Impression, Sonnenaufgang“ veranschaulicht die „grundlegende“ Idee des Impressionismus, nur das darzustellen, was klar sichtbar ist.

Monet interessierte sich für die Auswirkungen des Lichts und war der Meinung, dass sein einziger „Wert darin liegt, direkt vor der Natur gearbeitet zu haben und zu versuchen, meine Wahrnehmungen der vergänglichsten Phänomene zu vermitteln.“ Er vermischte häufig aktuelle Themen des Lebens mit dem Licht der Natur, um „die Luft zu malen“.

Monet machte das Licht zum Hauptthema seiner Gemälde. Um dessen Nuancen einzufangen, malte er manchmal ein Bild in einer einzigen Sitzung, oft ohne jegliche Vorbereitung. Er wollte zeigen, wie das Licht die Farbe und die Perspektive der Realität verändert. Seine Faszination für Licht und Reflexionen begann in den späten 1860er Jahren und hielt für den Rest seines Lebens an. Bei seinem ersten Besuch in London lernte er die Verbindung zwischen dem Künstler und den Motiven kennen – das, was er den „Umschlag“ nannte. Er benutzte Bleistiftskizzen, um Ideen und Themen schnell zu notieren, damit er sie weiterverwenden konnte.

Monets Landschaftsbilder betonten industrielle Aspekte wie Züge und Fabriken, während seine frühen Seestücke eine düstere Natur mit gedeckten Farben und einheimischen Menschen darstellten.

Théodore Duret, ein Kritiker und Bekannter von Monet, stellte 1874 fest, dass ihn „ländliche Bilder wenig fesselten. Er fühlte sich besonders zur Natur hingezogen, wenn sie geschmückt ist, und zu großstädtischen Schauplätzen, und so porträtierte er wahlweise Blumengärten, Parks und Haine.“ Wenn er Menschen und Landschaften zusammen darstellte, wollte Monet, dass die Umgebung nicht nur eine Kulisse ist und dass die Figuren die Komposition nicht erdrücken.

Adolphe Monet im Garten von Le Coteau bei Sainte-Adresse (1867) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Monet schimpfte Renoir, weil er Monets Anweisung, Landschaften auf diese Weise zu malen, nicht befolgte. Er stellte häufig Vorstädte und ländliche Freizeitaktivitäten in Paris dar und versuchte sich als jugendlicher Maler an Stillleben. Ab den 1870er Jahren entfernte er sich immer mehr von den Städten und malte sie nur noch, um sein Studium des Lichts zu vertiefen.

Moderne Gelehrte – und spätere Forscher – glaubten, dass er mit der Darstellung von Belle Île den Wunsch äußerte, sich von der kultivierten Gesellschaft der impressionistischen Gemälde abzuwenden und sich der rauen Natur zuzuwenden. Nach seiner Begegnung mit Boudin widmete sich Monet der Suche nach neuen und besseren Mitteln des bildlichen Ausdrucks.

Um dieses Ziel zu erreichen, besuchte er als junger Mann den Salon und machte sich mit den Werken älterer Künstler vertraut, aber auch mit anderen kreativen Menschen.

Die fünf Jahre, die er in Argenteuil verbrachte, wo er einen Großteil seiner Tage in einer bescheidenen schwimmenden Werkstatt auf der Seine verbrachte, waren entscheidend für seine Erforschung der Wirkung von Licht und Reflexionen. Er begann, in Farben und Formen zu denken, anstatt in Situationen und Objekten. Er verwendete leuchtende Farben in Form von Farbklecksen, Punkten und Klecksen.

Brücke von Argenteuil (1874) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Nachdem er die akademischen Vorlesungen im Atelier von Gleyre abgelehnt hatte, befreite er sich von der Theorie und erklärte: „Ich ziehe es vor, so zu malen, wie ein Vogel singt.“ Monet wurde von Boudin, Courbet, Corot und Jongkind beeinflusst und arbeitete häufig im Einklang mit den ästhetischen Fortschritten der Avantgarde.

Monet untersuchte 1877 in einer Sammlung von Werken im Bahnhof St-Lazare, wie Ruß und Dampf Farbe und Transparenz beeinflussen, da sie oft undurchdringlich oder manchmal durchsichtig sind.

Er wollte diese Forschung nutzen, um die Auswirkungen von Nebel und Regen auf die Landschaft darzustellen. Die Erforschung der Einflüsse der Atmosphäre sollte zu einer Reihe von Monets berühmten Gemälden führen, in denen er dasselbe Motiv (z. B. seine Seerosenserie) in unterschiedlicher Beleuchtung, zu verschiedenen Tageszeiten und im Wechsel der Wetter- und Jahreszeiten darstellte. Diese Praxis begann in den 1880er Jahren und dauerte bis zu seinem Tod im Jahr 1926. In seiner späteren Karriere „transzendierte“ Monet den impressionistischen Stil und begann, die Grenzen der Malerei zu überschreiten.

In den 1870er Jahren änderte Monet seine Farbpalette und vermied sorgfältig tiefere Töne zugunsten von Pastellfarben, wie in Frau mit Sonnenschirm (1875) zu sehen ist. Dies entsprach seinem sanfteren Stil, bei dem er kleinere und abwechslungsreichere Pinselstriche verwendete.

Frau mit Sonnenschirm (1875) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

In den 1880er Jahren änderte sich seine Farbpalette erneut und er legte mehr Wert auf ein ausgewogenes Verhältnis zwischen warmen und kühlen Tönen als zuvor, wie man an der Waterloo Bridge, London, in der Abenddämmerung (1904) sehen kann. Nach seinem optischen Verfahren im Jahr 1923 kehrte Monet zu seinem früheren Stil zurück. Er vermied grelle Farben oder „grobe Behandlung“ zugunsten von blau-grünen Farbpaletten.

Waterloo Bridge, London, at Dusk (1904) von Claude Monet; Claude Monet, CC0, via Wikimedia Commons

Während er mit dem Grauen Star kämpfte, wurden seine Werke ausladender und abstrakter – ab den späten 1880er Jahren reduzierte er seine Arrangements und wählte Themen, die eine große Bandbreite an Farben und Tönen zuließen. Nach seiner Rückkehr aus dem Urlaub in Venedig begann er, mehr Rot- und Gelbtöne zu verwenden.

Der Stilwechsel war wahrscheinlich eher eine unbeabsichtigte Folge der Krankheit als eine bewusste Entscheidung.

Aufgrund der Schädigung seines Augenlichts arbeitete Monet häufig auf großen Leinwänden, und 1920 erklärte er, dass er sich zu sehr an die breite Malerei gewöhnt hatte, um zu kleinen Leinwänden zurückzukehren. Die Auswirkungen seines Grauen Stars auf seine Produktivität sind unter Gelehrten umstritten, die behaupten, dass die Entwicklung der Degeneration ab den späten 1860er Jahren zu einem Verlust der scharfen Linien führte. Gärten waren ein wiederkehrendes Thema in seinem Werk, das vor allem in den letzten 19 Jahren seines Lebens an Bedeutung gewann. Daniel Wildenstein sah in seinen Werken eine „stromlinienförmige“ Kontinuität, die er als „durch die Notwendigkeit verstärkt“ bezeichnete.

Der Rosenweg in Giverny (vor 1922) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Von den 1880er bis zu den 1890er Jahren versuchte Monet mit einer Reihe von Werken zu verschiedenen Themen, die vielfältigen Umstände von Licht und Klima einzufangen. Da sich Licht und Wetter im Laufe des Tages änderten, wechselte er zwischen den Gemälden hin und her und malte manchmal an acht Gemälden gleichzeitig, für die er jeweils eine Stunde benötigte. 1895 stellte er 20 Gemälde der Kathedrale von Rouen aus, auf denen er die Fassade bei verschiedenen Licht-, Wetter- und Stimmungsbedingungen darstellte.

Die Gemälde konzentrieren sich auf die Bewegung von Licht und Schatten auf der Oberfläche des riesigen mittelalterlichen Bauwerks und verändern den massiven Stein. Für diese Serie versuchte er sich an der Herstellung eigener Gerüste.

In seiner ersten Ausstellung zeigte er Heuhaufen, die er aus verschiedenen Perspektiven und zu verschiedenen Tageszeiten gemalt hatte. Im Jahr 1891 wurden 15 der Werke in der Galerie Durand-Ruel gezeigt. Im Jahr 1892 schuf er 26 Ansichten der Kathedrale von Rouen. Zwischen 1883 und 1908 reiste Monet ans Mittelmeer und hielt Monumente, Ausblicke und Küstenlinien fest, darunter auch eine Reihe von Werken in Venedig. In London schuf er vier Serien: The Houses of Parliament, London (1901), Charing Cross Bridge (1901), Views of Westminster Bridge (1871), und Waterloo Bridge (1903).

Helen Gardner hat geschrieben: „Monet hat eine unvergleichliche und konkurrenzlose Aufzeichnung des Vergehens der Zeit geschaffen, wie sie im Fluss des Lichts über ähnliche Formen gesehen wird.“

Eine Liste von Monets berühmten Gemälden

Claude Monet war berühmt für seine impressionistischen Gemälde. Diese Kunstwerke inspirieren Künstler bis heute.  Wir haben eine Liste mit einigen seiner berühmtesten Werke erstellt.

• Frauen im Garten (1867)
• Westminster Bridge (1871)
• Frau mit Sonnenschirm (1875)
• Getreidestapel, Ende des Tages, Herbst (1891)
• Rouen Kathedrale: Die Fassade bei Sonnenuntergang(1894)
• Morgen an der Seine (1898)
• Charing Cross Bridge (1899)
• Grand Canal, Venedig (1908)
• Wasserlilien(1919)

Wasserlilien (1919) von Claude Monet; Claude Monet, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons

Claude Monets Gemälde brachen mit der traditionellen Kunst seiner Zeit, die auf geradlinige Darstellung von Formen und lineare Ansichten setzte, und experimentierten stattdessen mit freier Handhabung, kräftigen Farben und verblüffend unkonventionellen Gruppierungen. Der Schwerpunkt von Claude Monets Kunstwerken verlagerte sich von der Darstellung von Personen auf die Vermittlung verschiedener Licht- und Stimmungsqualitäten in jedem Szenario seiner impressionistischen Gemälde. In seinen späteren Jahren wurde Monet als Künstler empfänglicher für die dekorativen Qualitäten von Farbe und Form.

Häufig gestellte Fragen

Welchen Stil hatten die Kunstwerke von Claude Monet?

Der Künstler Monet und seine Impressionistenkollegen wollten das Leben auf eine Art und Weise darstellen, wie es noch nie zuvor geschehen war. Im impressionistischen Stil standen die Farben und das Licht, das sie erzeugte, im Vordergrund des Bildes. Menschliche Charaktere und epische Erzählungen traten in den Hintergrund, und die Art und Weise, wie die Sonne oder der Mondschein Objekte in verschiedenes Licht tauchte, wurde entscheidend.

Warum wurde Monets Kunstwerk verehrt?

Monets Ansatz war ausschlaggebend für diesen Trend, da der Künstler danach strebte, Farbe und Licht auf neue und erfinderische Weise darzustellen. Sein Wunsch, diesen Aspekt der Kunst einzufangen, führte ihn an das Mittelmeer und zahlreiche Orte in Mitteleuropa. Das Ergebnis dieser Erkundungen war die Geburt und der Ursprung einer kreativen Bewegung, die noch heute hoch angesehen ist.

Was sind impressionistische Gemälde?

Eine Philosophie oder Technik in der Malerei, vor allem unter französischen Malern um 1870, die das natürliche Aussehen der Dinge mit Tupfern oder Strichen aus unvermischten Primärfarben darstellt, um das reflektierte Licht wahrheitsgetreu wiederzugeben. Die Beschreibung (wie in der Literatur) einer Szene, einer Emotion oder eines Charakters mit Hilfe von Details, die eine Lebendigkeit oder Wirksamkeit erzeugen sollen, indem sie subjektive und sensorische Wahrnehmungen hervorrufen, anstatt eine objektive Realität wiederzugeben. Claude Monets Kunstwerk Impression Sonnenaufgang (1872) ist das erste Beispiel für ein impressionistisches Gemälde. Impressionistische Gemälde stellen lebensnahe Themen dar, die in einem breiten, schnellen Stil mit sichtbaren Pinselstrichen und leuchtenden Farben gemalt wurden.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.