Berühmte griechische Gemälde von Göttern – Griechische Mythologie

Figuren aus klassischen Gemälden griechischer Götter sind untrennbar mit der modernen Kultur und dem heutigen Leben verbunden. Von klassischen Darstellungen der griechischen Mythologie bis zur modernen Kunst wurden die Geschichten dieser Gottheiten im Laufe der Jahre unzählige Male wiederholt und neu interpretiert. Im Folgenden erkunden wir diese mythologische Kunst anhand unserer Auswahl berühmter griechischer Göttergemälde.

Berühmte Gemälde griechischer Götter

Mit der Wiederentdeckung der antiken Welt in der griechischen Renaissancekunst übte Ovids Dichtung großen Einfluss auf die Gedankenwelt von Dichtern und Malern aus. Sie blieb eine wichtige Inspirationsquelle für die Vermittlung und Interpretation mythologischer Kunst. Gemälde der griechischen Mythologie waren nicht nur während der Renaissance besonders beliebt, sondern tauchten auch in den klassizistischen Epochen des 18. und 19. Jahrhunderts erneut auf.

Sehen wir uns nun die berühmtesten griechischen Göttergemälde an, die die Kunstgeschichte von der griechischen Renaissancekunst bis heute maßgeblich beeinflussten.

Pallas und der Kentaur (1482) von Sandro Botticelli

Viele Maler der frühen italienischen Renaissance stellten Themen aus der griechischen Mythologie mit verschleierten Bezügen zum Christentum dar, das in den Jahrhunderten vor dieser Bewegung die vorherrschende Religion der Region gewesen war. Pallas und der Kentaur ist ein Werk Botticellis, das vermutlich um 1482 entstand, als er in Rom intensiv an einigen seiner anderen Meisterwerke arbeitete.

Pallas und der Kentaur (1482) von Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Pallas wird mit Athene, der Göttin der Weisheit und Erfindungskraft, in Verbindung gebracht, während der Kentaur in der griechischen Mythologie gewöhnlich für unkontrollierbare Leidenschaft steht. Die Gegenüberstellung dieser beiden Figuren lässt verschiedene Deutungen zu, und Wissenschaftler sowie Historiker diskutieren über Botticellis Beweggründe für die Entstehung des Bildes.

Obwohl der Kentaur Athene untergeben zu sein scheint, vermuten manche, dass sie in dieser Szene die halb menschliche, halb tierische Gestalt zähmt.

Die Geburt der Venus (1486) von Sandro Botticelli

Sandro Botticelli war eine bekannte Persönlichkeit der italienischen Frührenaissance. Seine Gemälde zeigten überwiegend christliche Figuren sowie hoch angesehene Persönlichkeiten aus den zahlreichen italienischen Stadtstaaten. Botticellis Gemälde widmen sich jedoch auch der griechischen Mythologie, indem sie die Merkmale und Eigenschaften sagenhafter Wesen würdigen und zugleich die unterschiedlichen mit ihnen verbundenen Erzählungen hervorheben. Die Geburt der Venus gilt Historikern und Kritikern als eines der bekanntesten Gemälde Botticellis.

Dieses Gemälde aus dem Jahr 1486 zeigt eine Szenerie, die seit seiner Entstehung legendär geworden ist.

Die Geburt der Venus (1486) von Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Im Zentrum der Leinwand erscheint eindrucksvoll die Göttin Venus, die in der griechischen Mythologie auch Aphrodite heißt. Aphrodite war die Göttin der Schönheit, der Liebe und der Fortpflanzung. Auf beiden Seiten der Gottheit befinden sich weitere griechisch-römische Götter. Dazu gehört der Windgott Zephyr; über die Identität der anderen Götter und Göttinnen sind sich Historiker und Kritiker jedoch uneinig.

Das Werk soll von der mächtigen Familie Medici in Auftrag gegeben worden sein, die damals Florenz beherrschte, und behandelt zahlreiche Themen im Zusammenhang mit historischen Künstlern.

Der Triumph der Galatea (1514) von Raffael

Galatea ist die Göttin der ruhigen See und eine der 50 Nereiden. Polyphem, der einäugige Riese, hatte versucht, sie mit Melodien aus seinen einfachen Flöten sowie mit Milch- und Käsegeschenken zu umwerben. Sie wies seine Annäherungsversuche jedoch zurück und verliebte sich in Acis, einen Hirten vom Land.

Nachdem Polyphem die beiden jungen Liebenden zusammen entdeckt hatte, geriet er in rasende Wut und zerschmetterte den jungen Mann unter einem Felsblock. Von Trauer überwältigt, verwandelte die Nymphe ihren jugendlichen Geliebten in einen Fluss. Raffael entschied sich dafür, die Apotheose der Nymphe auf einem von zwei Delfinen gezogenen Muschelwagen darzustellen. 

Der Künstler wollte mit Galatea kein reales Wesen darstellen, sondern ideale Schönheit verkörpern, so der Kunsthistoriker Giorgio Vasari.

Der Triumph der Galatea (1514) von Raffael; Vicenç Valcárcel Pérez, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Narziss (1599) von Caravaggio

Die Erzählung von Narziss wurde in der Literatur vielfach wiederholt. Dichter wie Petrarca und Dante interpretierten sie neu, während Maler der Renaissance wie Caravaggio sie bildlich darstellten. Der Legende zufolge war Narziss für seine Schönheit bekannt. Als er eines Tages auf der Jagd Durst bekam, beugte er sich über einen Bach und sah sich selbst in der Blüte seines Lebens.

Ohne zu erkennen, dass es sein eigenes Spiegelbild war, verliebte er sich vollkommen darin und konnte sich der Verführung seines Bildes nicht entziehen. Als ihm bewusst wurde, dass seine Liebe nicht erwidert werden würde, erlag er seiner Sehnsucht und verwandelte sich in eine weiß-goldene Blume.

Narziss (1599) von Caravaggio; Caravaggio, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Dieses Bild zeigt Narziss in einem prächtigen Brokatwams, wie er sein verzerrtes Spiegelbild betrachtet. Es ist eines von zwei Werken Caravaggios zu einem Thema aus der klassischen Mythologie. Der junge Mann ist von Dunkelheit umgeben und mit seinem Spiegelbild in einem Kreislauf gefangen, der tiefe Trauer andeutet.

Leda und der Schwan (1600) von Peter Paul Rubens

Leda wurde in derselben Nacht, in der sie mit ihrem Ehemann zusammen gewesen war, von Zeus in Gestalt eines Schwans verführt. Später gebar sie Zeus‘ Kinder Polydeukes und Helena sowie Klytaimnestra und Kastor, die von ihrem Ehemann abstammten. Einigen Überlieferungen zufolge legte sie zwei Eier, aus denen die Kinder schlüpften.

Von Gottheiten bezauberte Frauen waren ein verbreitetes Thema in der Kunst der Renaissance und des Barock und wurden häufig auf sinnliche Weise dargestellt.

In diesem Gemälde von Rubens berührt der Schwan Leda an ihrer intimsten Stelle, während sein Hals zwischen ihren Brüsten liegt und der Künstler sie nackt darstellt. Der Schwan erscheint als elegantes Wesen mit der Fähigkeit, sie zu überwältigen.

Leda und der Schwan (1600) von Peter Paul Rubens; Peter Paul Rubens, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Der Sturz des Phaeton (1605) von Peter Paul Rubens

Das von Peter Paul Rubens gemalte Bild veranschaulicht die antike griechische Geschichte von Phaeton, ein häufiges Motiv in der bildenden Kunst. Phaeton war der Sohn von Klymene und Helios. Helios schwor, ihm alles zu geben, was er begehrte, wenn er ihm den Beweis liefere, dass er tatsächlich sein Sohn sei.

Als Phaeton darauf bestand, einen Tag lang den Sonnenwagen zu lenken, versuchte Helios vergeblich, ihn davon abzubringen.

Der Sturz des Phaeton (1605) von Peter Paul Rubens; Peter Paul Rubens, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Schließlich wurde ihm der Wagen anvertraut. Da er die Pferde jedoch nicht beherrschen konnte, kam er der Erde zu nahe, worauf Zeus ihn mit einem Blitz herabstürzte, um eine Katastrophe abzuwenden. Phaeton starb infolge des Sturzes vom Wagen auf die Erde. Rubens entschied sich dafür, den dramatischsten Augenblick der Erzählung zu zeigen, in dem Zeus‘ Blitze in Phaetons Wagen einschlagen.

Die Stunden und Jahreszeiten werden durch die weiblichen Figuren mit Schmetterlingsflügeln um ihn herum verkörpert. Sie reagieren panisch, als der Unfall den Wechsel von Tag und Nacht unterbricht.

Der gefesselte Prometheus (1612) von Peter Paul Rubens und Frans Snyders

Peter Paul Rubens war ein bekannter Künstler des 17. Jahrhunderts, der in seinen Gemälden sagenhafte Figuren aus der griechischen und römischen Mythologie darstellte. Er gilt als einer der bedeutendsten Künstler des Barock und war mit vielen anderen Meistern der Bewegung befreundet und arbeitete mit ihnen zusammen, darunter Diego Velázquez und weitere. Der gefesselte Prometheus gehörte zu Rubens‘ Lebzeiten zu seinen beliebtesten Gemälden.

Das Gemälde wurde 1612 vollendet und entstand in Zusammenarbeit mit einem weiteren bekannten Künstler, Frans Snyders.

Der gefesselte Prometheus (1612) von Peter Paul Rubens und Frans Snyders; Philadelphia Museum of Art, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Es ist eines der frühesten Werke des Künstlers, das große Anerkennung fand. Rubens malte die Figur des Prometheus, während Snyders den riesigen Adler ausführte. Seit seiner Entstehung wird das Bild für seine Eigenständigkeit und den außergewöhnlichen Realismus gelobt, mit dem es die sagenhafte Geschichte von Prometheus darstellt, dessen Leber täglich von Adlern gefressen wird.

Schlafende Venus (ca. 1630) von Artemisia Gentileschi

Die künstlerische Technik ihres Vaters und die seines berühmten Partners Michelangelo Merisi da Caravaggio beeinflussten Artemisia Gentileschis Werke. Diese zeichnen sich durch die dramatische Gegenüberstellung von Licht und Dunkelheit sowie unverwechselbare, eindrucksvolle Kompositionen aus.

Ihre Motive umfassen häufig kunstvoll inszenierte Darstellungen von Frauen, etwa als Protagonistinnen oder Opfer.

Venus und Amor (ca. 1630) von Artemisia Gentileschi; Artemisia Gentileschi, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Artemisia Gentileschi malte eine prachtvolle Darstellung der Venus, die unter einem Samtvorhang schlummert. Ihre Bettdecke ist mit Ultramarin gefärbt, einem kostbaren Pigment aus zermahlenem Lapislazuli. Hinter ihr hält Amor einen Fächer aus Pfauenfedern, um Insekten davon abzuhalten, sie zu stören oder zu wecken. Links ist eine hügelige Landschaft mit einem kleinen Rundtempel zu sehen, der an den Venustempel nahe Hadrians Residenz in Tivoli vor den Toren Roms erinnert.

Telemach und die Nymphen der Kalypso (1782) von Angelika Kauffmann

Angelika Kauffmann stammte ursprünglich aus der Schweiz, erlangte jedoch in England und Italien Bekanntheit, wo sie zu den Gründungsmitgliedern der Royal Academy of Arts gehörte. Dieses Gemälde und sein Gegenstück wurden für Monsignore Onorato Caetani geschaffen, dessen Porträt die Künstlerin im selben Jahr anfertigte.

Spätere Porträts Caetanis von Batoni aus dem Jahr 1782 veranschaulichen den engen, internationalen Charakter der akademischen Kreise im Rom des 18. Jahrhunderts.

Die Darstellung zeigt Telemachs Ankunft auf Kalypsos Insel. Ihre Nymphen begrüßen ihn mit Speisen, Wein und Blumen. Die als alter Mann verkleidete Göttin Athene war sein Ratgeber und wird links gezeigt, wie sie von den Naturgeistern weggeführt wird.

Telemach und die Nymphen der Kalypso (1782) von Angelika Kauffmann; Angelica Kauffmann, CC0, via Wikimedia Commons

Ödipus und die Sphinx (1864) von Gustave Moreau

Gustave Moreaus 1864 geschaffenes Ölgemälde auf Leinwand bietet eine neue Interpretation der sagenhaften Begegnung zwischen den beiden mythischen Figuren auf dem Weg nach Delphi, die in Sophokles‘ Theaterstück König Ödipus berühmt dargestellt wurde. Auf seiner Reise zwischen Delphi und Theben erfuhr Ödipus, dass König Laios vor Kurzem ermordet worden war und das Königreich der Willkür der Sphinx ausgeliefert war.

Die Sphinx stellte Ödipus ein Rätsel, das er lösen musste, um passieren zu dürfen. Ein Scheitern hätte sowohl seinen Tod als auch den der gefangenen Thebaner zur Folge gehabt.

Ödipus und die Sphinx (1864) von Gustave Moreau; Gustave Moreau, CC0, via Wikimedia Commons

Als Ödipus das Rätsel richtig löste, opferte sich die Sphinx, indem sie sich ins Meer stürzte, und Ödipus wurde der neue König. Moreau entschied sich bewusst für eine altertümliche Maltechnik und ein mythisches Motiv und wandte sich damit gezielt gegen den vorherrschenden Realismus der Mitte des 19. Jahrhunderts. Im Werk greift die Sphinx an und klammert sich an Ödipus, dessen Sieg im Kampf noch nicht gesichert ist.

Pygmalion und Galatea (1890) von Jean-Léon Gérôme

Jean-Léon Gérôme war ein bekannter französischer Maler, der sich auf Gemälde der griechischen Mythologie spezialisierte. Er lebte im 19. Jahrhundert, war jedoch im Gegensatz zu vielen seiner Kollegen nicht eng mit populären Bewegungen wie dem Impressionismus verbunden.

Gérôme schuf mehrere Werke, die zu den bekanntesten bis heute erhaltenen Gemälden griechischer Götter zählen. Eines seiner hervorragendsten Meisterwerke gilt jedoch als das bedeutendste von allen.

Pygmalion und Galatea (1890) von Jean-Léon Gérôme; Jean-Léon Gérôme, CC0, via Wikimedia Commons

Pygmalion und Galatea ist der Titel des 1890 vollendeten Bildes. Es zeigt eine Szene aus einem bekannten Gedicht Ovids. Das Gemälde stellt den Bildhauer Pygmalion dar, wie er die zum Leben erwachende Göttin Aphrodite küsst, so wie es in der Ilias beschrieben wird.

Das Werk ist wie viele andere Arbeiten Gérômes äußerst detailreich, und zahlreiche Kritiker sind der Ansicht, dass es das tatsächliche Atelier des Künstlers mit mehreren seiner Skulpturen genau wiedergibt.

Die Klage um Ikarus (1898) von Herbert James Draper

Ein weiterer für seine vorwiegend auf griechische Mythen ausgerichtete mythologische Kunst bekannter Künstler ist Herbert James Draper. Der 1863 in England geborene Draper war ein angesehener Maler, der sich auf die Darstellung von Personen und Themen aus der griechischen und römischen Mythologie spezialisierte.

Viele Werke Drapers gehören zu den bekanntesten klassizistischen Meisterwerken des 19. Jahrhunderts.

Die Klage um Ikarus (1898) von Herbert James Draper; Herbert James Draper, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Das Kunstwerk soll um 1898 gegen Ende einer Phase entstanden sein, in welcher der Maler seine Aufmerksamkeit auf Szenen aus der griechischen Mythologie richtete. Während viele bekanntere Gemälde der Geschichte von Ikarus den Augenblick seines Sturzes zeigen, konzentriert sich Drapers Bild auf die Zeit nach seinem Tod.

Ikarus ist von Nymphen umgeben, und mehrere der bedeutendsten Kunstkritiker des späten 19. Jahrhunderts betrachteten dieses Gemälde als eines der besten Werke Drapers.

Perseus und Andromeda (1891) von Frederic Leighton

Andromedas mythisches Schicksal wird auf spektakuläre Weise dargestellt. Die Szene an einer felsigen Küste schildert die Erzählung. Auf seinem geflügelten Pferd Pegasus fliegt Perseus über Andromedas Kopf hinweg. Aus der Luft schießt er einen Pfeil auf das Seeungeheuer, das seinen Kopf hebt, um sich dem Helden entgegenzustellen. Die Flügel der schwarzen Kreatur beschatten Andromedas fast nackte, verdrehte Gestalt und geben einen visuellen Hinweis auf das drohende Unheil. Zugleich bildet ihre anmutige Figur einen Kontrast zur schwarzen Masse des unregelmäßigen und schroffen Körpers des Monsters.

Andromedas weißer Körper wird in makelloser und unversehrter Reinheit dargestellt, was auf ein ungerechtes Opfer für eine göttliche Vergeltung hindeutet, die ihrer Mutter und nicht ihr selbst galt.

Perseus und Andromeda (1891) von Frederic Leighton; Frederic Leighton, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Ein Lichtschein umgibt Pegasus und Perseus und verbindet sie symbolisch mit dem weißen Körper der an den Felsen gefesselten Königstochter. Bevor Leighton mit dem Gemälde begann, fertigte er als Studie eine kleine bronzefarbene Gipsfigur der Andromeda an.

Die Figur war nackt, doch Leighton bedeckte sie mit feuchten Stoffen, um das für sein Werk gewünschte Erscheinungsbild zu erzielen.

Odysseus und die Sirenen (1891) von John William Waterhouse

John William Waterhouse war ein weiterer englischer Künstler, der die Ästhetik der akademischen Schule übernahm, jedoch vor allem für seine Gemälde sagenhafter Wesen in Kostümen und anderer Kleidung bekannt war, die damals in England Mode war. Odysseus und die Sirenen zählt zu Waterhouses berühmtesten Werken. Das Bild aus dem Jahr 1891 zeigt die bekannte Geschichte von Odysseus, der an den Mast des Schiffes gebunden ist, um zu verhindern, dass er der Verführung durch die Sirenen erliegt.

Waterhouse stellte die dämonischen Sängerinnen als schwebende vogelartige Wesen mit Frauenköpfen dar.

Odysseus und die Sirenen (1891) von John William Waterhouse; John William Waterhouse, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Ariadne (1913) von Giorgio de Chirico

In der griechischen Mythologie war Ariadne eine Prinzessin, die sich leidenschaftlich in Theseus verliebte. Dieser versprach, den Minotaurus zu töten, ein fantastisches Wesen mit dem Körper eines Menschen und dem Kopf eines Stiers, das Poseidon als Tribut zu Minos gebracht hatte. Um ihm bei seiner Aufgabe zu helfen, gab sie ihm eine Klinge und eine Garnrolle, mit deren Hilfe er seinen Weg aus dem Labyrinth des Minotaurus zurückverfolgen konnte.

Nachdem Theseus das Ungeheuer getötet hatte, entehrte sie ihren Vater und ihr Land, indem sie mit ihm floh. Er ließ sie jedoch schlafend auf der Insel Naxos zurück, wo Dionysos sie fand und heiratete. 

Giorgio de Chirico zeigte Ariadne in diesem Werk des frühen 20. Jahrhunderts schlafend auf einem menschenleeren öffentlichen Platz. Nach Angaben des Metropolitan Museum of Art spiegelt das Bild de Chiricos persönliche Gefühle der Einsamkeit wider, nachdem er 1911 nach Paris gezogen war.

Damit endet unser Überblick über die berühmten griechischen Göttergemälde, die nicht nur die griechische Renaissancekunst beeinflussten, sondern bis heute auf Künstler wirken. Mit der Entdeckung klassischer Altertümer in der griechischen Renaissancekunst übte Ovids Dichtung großen Einfluss auf die Gedankenwelt von Dichtern und Malern aus und blieb eine bedeutende Inspirationsquelle für die Vermittlung und das Verständnis mythologischer Kunst. Gemälde der griechischen Mythologie waren nicht nur während der Renaissance beliebt, sondern tauchten auch in den klassizistischen Epochen des 18. und 19. Jahrhunderts wieder auf.

Häufig gestellte Fragen

Was ist mythologische Kunst?

Mythologische Bilder, die traditionell als eine Form der Historienmalerei gelten, beruhen auf Themen aus der Mythologie, also auf sagenhaften Erzählungen, die einen bestimmten Glauben, ein bedeutendes Ereignis oder eine Naturwahrheit erklären sollen. Fabeln, Sagen und historische Geschichten können allesamt als Inspiration für mythologische Darstellungen dienen. Unabhängig von ihrem Ursprung zeigen diese Bilder typischerweise Figuren und werden im Allgemeinen in großem Format ausgeführt.

Warum stellten Künstler griechische Götter dar?

Die griechische Mythologie stand schon lange vor der italienischen Renaissance im Mittelpunkt des Interesses von Künstlern unterschiedlicher Strömungen. Die Menschen im klassischen Griechenland verehrten und bewunderten Gottheiten mit interessanten Persönlichkeiten und Merkmalen, die sie voneinander unterschieden. Im Laufe der Geschichte stützten zahlreiche Maler ihre Werke auf die Geschichten und Überlieferungen griechischer Sagengestalten.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.