Alberto Giacometti – Der Schweizer Künstler im Portrait

Alberto Giacomettis erstaunliches Werk zeichnet die sich entwickelnden Leidenschaften der Kunst in Europa vor und nach dem Zweiten Weltkrieg nach. Alberto Giacomettis Skulpturen in den 1930er Jahren zeigten surrealistische und kreative skulpturale Formen, die manchmal an Spiele und Spielzeug erinnerten. Nach dem Krieg ebnete Giacometti als Existentialist mit seinen Gemälden den Weg für eine Form, die die Anliegen der Philosophie von Beobachtung, Isolation und Furcht aufgreift. Obwohl er malte und zeichnete, ist der in der Schweiz geborene Künstler vor allem für seine Skulpturen bekannt, wie zum Beispiel Giacomettis Walking Man, eine seiner teuersten Statuen.

Alberto Giacomettis Biografie

Giacometti ist vor allem für seine figurativen Werke bekannt, die dazu beitrugen, das Thema der gequälten menschlichen Figur als Darstellung der Nachkriegsangst populär zu machen. Giacomettis Werk aus den 1930er Jahren wird oft als der wichtigste Beitrag zur surrealistischen Skulptur angesehen. Er schuf eine Reihe von skulpturalen Objekten, die sich mit freudschen psychoanalytischen Themen wie Sexualität, Begehren und Trauma auseinandersetzen.

Einige wurden von primitiven Kunstwerken inspiriert, aber diejenigen, die Spielzeuge, Spiele und architektonische Modelle nachahmen, waren wohl die bemerkenswertesten. Sie wollen fast, dass der Betrachter sich körperlich mit ihnen auseinandersetzt, was zu dieser Zeit ein neues Konzept war.

Kindheit und frühe Ausbildung

Alberto Giacometti wurde 1901 in dem Ostschweizer Alpendorf Borgonovo geboren. Er war das älteste von vier Geschwistern des postimpressionistischen Künstlers Giovanni Giacometti und seiner Frau Annetta Giacometti-Stampa, deren Familie reiche Landbesitzer in der Region waren. Neben seinem Vater waren auch zahlreiche Verwandte aus Giacomettis weiterer Familie Maler, darunter der symbolistische Künstler Augusto Giacometti und der Fauvist Cuno Amiet, der Patenonkel von Alberto.

Als Giacometti gerade 11 Jahre alt war, begann er, seinem Patenonkel Amiet Bleistift- und Buntstiftskizzen zu schicken, von denen er die meisten aufbewahrte und die noch heute erhalten sind.

In den darauffolgenden Jahren experimentierte er mit Ölgemälden und Stillleben, wobei er häufig seine Verwandten als Modelle benutzte. Im Alter von 12 Jahren stellte er sein erstes Kunstwerk fertig. 1915 besuchte Giacometti die Evangelische Schule in Schiers, wo er in einer kleinen Privatwerkstatt weiter malte.

Eine Radierung von Alberto Giacometti von Jan Hladík; Jan Hladík, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Danach besuchte er die École des Arts Industriels in Genf, wo er bei dem Bildhauer Maurice Sarkissoff und dem Pointillisten David Estoppey Malerei, Skizzen und Bildhauerei studierte. Im Mai 1920 flog Giacometti mit seinem Vater nach Italien, wo er Giottos Gemälde in Padua, Jacopo Tintorettos Kunstwerke auf der Biennale in Venedig und die Kunst des alten Ägyptens im Archäologischen Museum in Florenz sah. Bald darauf zog er nach Paris, wo er an verschiedenen Malprogrammen teilnahm und sich für den Kubismus und die primitive Kunst interessierte.

„The Spoon Woman“ (1927), seine erste bedeutende Bronzeskulptur, wurde 1926 auf dem Salon des Tuileries gezeigt.

Reifezeit

In den 1930er Jahren wurde Giacometti in surrealistische Kreise aufgenommen und stand Personen wie Joan Miró, Man Ray und Max Ernst sowie den Gründern der Bewegung, Louis Aragon und André Breton, nahe. Er veröffentlichte jedoch auch Material in Documents, einer Monatszeitschrift des Schriftstellers Georges Bataille, der zu dieser Zeit eine alternative Version des Surrealismus zu Breton vertrat.

Kritiker sind heute der Meinung, dass Batailles Theorien einige von Giacomettis Skulpturen beeinflusst haben, darunter „Schwebende Kugel“ (1931).

Alberto Giacometti (links) mit Erhard Wehrmann (rechts) auf der 31. Biennale Venedig, 1962; Kunststiftung Poll, CC BY-SA 3.0 DE, via Wikimedia Commons

Giacometti und sein Bruder Diego flohen im Juni 1940 mit dem Fahrrad aus Paris und entgingen nur knapp einer Konfrontation mit der vorrückenden deutschen Wehrmacht (am nächsten Tag beobachteten sie die Verwüstung der Stadt aus der Ferne). Während dieser Zeit blieb Giacometti in Frankreich und knüpfte Kontakte zu Simone de Beauvoir und Jean-Paul Sartre, Intellektuellen, die ihn später zu seinen figurativen Werken inspirieren sollten.

Nach der Emanzipation von Paris und seinem dreijährigen Sabbatical in Genf tauchte Giacometti 1946 wieder in der französischen Stadt auf. Annette Arm, seine alte Geliebte, kehrte noch im selben Jahr zu ihm zurück, und die beiden heirateten 1949. Arm posierte mehrfach für ihn, unter anderem auf dem Ölgemälde Annette mit Wagen (1950).

Giacometti entwickelte seine reife Art von ausgedehnten Figuren, während er sich in diesen Jahren in Paris aufhielt, angeblich nachdem er einige Zeit damit verbracht hatte, Passanten auf den Straßen der Stadt zu zeichnen.

Spätphase und Tod

Als Giacomettis Technik in den 1950er und 1960er Jahren reifte, wurden seine Bronzefiguren größer und komplizierter, von der Frau von Venedig II (1956), die etwa einen Meter groß war, bis zur Großen Frau II (1960), die über einen Meter hoch war. Er konzentrierte sich auch mehr auf Porträts, sowohl auf Gemälde als auch auf Skulpturen. Diego und Annette gehörten zu seinen häufigen Modellen, ebenso wie Isaku Yanaihara, ein japanischer Dozent und Autor, den er 1955 kennenlernte.

Giacometti war in den 1960er Jahren weltweit bekannt, aber seine Gesundheit verschlechterte sich.

Composition (Man and Woman) (1927) von Alberto Giacometti, in der Tate Modern im Vereinigten Königreich; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons

Er litt unter Herz- und Kreislaufproblemen. Trotzdem schuf er weiter, und in seinen letzten Wochen beschäftigte er sich mit einer Büste und einem Kunstwerk von Elie Lotar, einem engen persönlichen Freund und französischen Fotografen.

Annette Giacometti war die alleinige Verwalterin seines geistigen Eigentums geworden, da er keine Kinder hatte.

Sie bemühte sich, ein umfassendes Inventar der rechtmäßigen Werke ihres verstorbenen Mannes zusammenzustellen, Daten über den Standort und die Herstellung seiner Werke zu sammeln und gegen die wachsende Zahl gefälschter Werke anzukämpfen. Als sie 1993 starb, gründete die französische Regierung die Fondation Giacometti. Roland Dumas wurde im Mai 2007 verurteilt, weil er Giacomettis Gemälde unrechtmäßig an einen bekannten Auktionator verkauft hatte.

Künstlerische Analyse

Beide entscheidenden Perioden in Giacomettis Karriere brachten Durchbrüche, die sich auf ein breites Spektrum von Künstlern auswirkten. Die surrealistische Qualität von Giacomettis Skulpturen aus den 1930er Jahren beeinflusste zum Beispiel Henry Moore und schuf den Surrealismus, der zeitlebens ein wesentliches Element in Moores Werk sein sollte. Moores eigene Erfindungsversuche in den 1930er Jahren wären ohne Giacomettis Vorbild nur schwer vorstellbar.

Und in einer Zeit, in der die abstrakte Kunst herrschte, war Giacomettis gegenständliches Werk entscheidend dafür, dass die Form in der Nachkriegszeit wieder als lebensfähiges Thema etabliert wurde.

Alberto Giacometti in seinem Atelier in Montparnasse in Paris, fotografiert von seiner Frau, Annette Giacometti; FAAG Paris, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Vermächtnis und Leistungen

Seine schlanken Bronzefiguren, die durchbohrt und zerbrechlich aussehen, zerdrückt im Raum, sind visuelle Darstellungen existenzialistischer Ideen, Zeichen für den zerrütteten Zustand der modernen Menschheit. Giacometti wandte sich in den späten 1930er Jahren vom Surrealismus und der Abstraktion ab und konzentrierte sich zunehmend darauf, die menschliche Gestalt in einer fesselnden Illusion des realen Raums darzustellen.

Er wollte Figuren so darstellen, dass ein echtes Gefühl der räumlichen Distanz eingefangen werden konnte, so dass wir als Betrachter an dem eigenen Gefühl der Distanz des Künstlers zu seinem Thema oder zu der Begegnung, die das Werk inspirierte, teilhaben konnten.

Le Chien (Der Hund) (1951) von Alberto Giacometti; Ioana Jimborean, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Er entwickelte eine Methode, bei der er die Figuren auf die kleinstmöglichen Proportionen reduzierte. Viele Autoren, die sich dem Existenzialismus verschrieben haben, waren von Giacomettis Erfolg in der Nachkriegszeit fasziniert – er schuf ein Vokabular, mit dem die Figur im realen Raum beschrieben werden kann. Beide Ideologien haben Konzepte über das Selbstbewusstsein und den Umgang mit anderen Menschen, und Giacomettis Werk wurde als wirkungsvolle Darstellung der Melancholie, Isolation und Einsamkeit angesehen, die diese Überzeugungen implizierten.

Auch wenn die Kunstform in den 1950er Jahren die Kunstwelt sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten eroberte, wurde Giacomettis figurative Skulptur zu einem äußerst wichtigen Paradigma dafür, wie die menschliche Form in die Kunst zurückkehren kann.

Seine Figuren stellten Menschen dar, die allein in der Welt sind, nach innen gekehrt und unfähig, sich mit Gleichaltrigen zu beschäftigen, obwohl sie dies unbedingt wollen.

Kunststil-Analyse

Laut dem Metropolitan Museum of Art war Giacomettis bildhauerische Methode: „Drei gehende Männer (II), 1949, ist mit seinen rauen, abgenutzten, intensiv bearbeiteten Oberflächen typisch für seinen Stil. Die auf das Wesentliche reduzierten Figuren erinnern an einsame Bäume im Winter ohne Blätter. Giacometti wich selten von den drei Themen ab, die ihn interessierten – der flanierende Mann, die stehende, nackte Dame und die Büste – oder von allen dreien, gemischt in verschiedenen Gruppierungen – innerhalb dieses Stils.“

„Figuren waren nie eine dichte Masse, sondern wie eine durchscheinende Architektur“, erklärte Giacometti in einem Brief an Pierre Matisse.

Buste de Diego (Büste Diego) (um 1964/1965) von Alberto Giacometti; Ioana Jimborean, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Alberto Giacometti schreibt in dem Brief, wie sehr er sich nach dem Realismus und den klassischen Büsten seiner Jugend sehnte, und beschreibt die Geschichte des existenziellen Dilemmas, das zu dem Stil führte, für den er bekannt wurde. „Ich entdeckte meinen Wunsch wieder, figürliche Kompositionen zu schaffen. Dazu musste ich (schnell, dachte ich mir; im Vorbeigehen) ein oder zwei Zeichnungen nach der Natur anfertigen, nur genug, um den Entwurf eines Kopfes, einer ganzen Figur zu erfassen, und ich nahm 1935 ein Modell. Diese Recherche sollte zwei Wochen dauern, dachte ich mir, und dann würde ich meine Kompositionen fertigstellen können.

Von 1935 bis 1940 verbrachte ich jeden Tag mit dem Modell. Nichts lief wie geplant. Ein Kopf wurde für mich zu einem völlig unbekannten und dimensionslosen Gebilde“. Alberto Giacomettis Schwierigkeiten, sich als Erwachsener der Form wieder anzunähern, werden oft als Hinweis auf den existenziellen Kampf um den Sinn gesehen und nicht als technisches Manko, denn er erreichte mit Leichtigkeit einen exquisiten Realismus, als er in seinen frühen Teenagerjahren Büsten schuf.

Obwohl Giacometti eine entscheidende Figur der surrealistischen Bewegung war, entzieht sich sein Werk einer Klassifizierung.

Alberto Giacometti auf der 31. Biennale in Venedig 1962, fotografiert von Paolo Monti; Paolo Monti, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Einige nennen es formalistisch, andere sagen, es sei expressionistisch oder habe etwas mit Deleuzes „Gefühlsblöcken“ zu tun. Selbst nach seinem Ausschluss aus der surrealistischen Gruppe spiegelten seine Skulpturen seine emotionale Reaktion auf das Thema wider, auch wenn das Ziel typischerweise die Mimikry war. Er versuchte, seine Modelle so darzustellen, wie er sie sah und wie sie seiner Meinung nach gesehen werden sollten.

Er sagte einmal, dass er „den Schatten, der geworfen wird“, und nicht die menschliche Form modelliert.

Die abgeschwächten Formen von Giacomettis Figuren repräsentieren laut dem Wissenschaftler William Barrett die Sichtweise des Existenzialismus des 20. Jahrhunderts, dass die moderne Existenz zunehmend hohl und bedeutungslos wird. „Alle Skulpturen von heute, wie auch die der Vergangenheit, werden irgendwann zerbrochen sein. Deshalb ist es wichtig, dass man sein Werk bis ins kleinste Detail ausarbeitet und jedem Atom Leben einhaucht.“

Berühmte Beispiele von Giacomettis Gemälden und Skulpturen

Alberto Giacometti ist vor allem für seine Bronzeskulpturen von großen, schlanken menschlichen Figuren bekannt, die er zwischen 1945 und 1960 schuf, darunter Giacomettis Walking Man, eine seiner teuersten Statuen. Die Eindrücke, die er von den in der riesigen Metropole herumwuselnden Menschen bekam, beeinflussten Alberto Giacomettis Werk. „Eine Abfolge von Momenten der Stille“, so beschrieb er die Menschen in Bewegung. Die ausgemergelten Gestalten werden häufig als Symbole für die Existenzangst, die Bedeutungslosigkeit und die Einsamkeit des Menschen verstanden.

Diese Statistik spiegelt die angstvolle Atmosphäre wider, die in den 1940er Jahren und im Kalten Krieg herrschte. Es ist deprimierend, einsam und schwer, Anschluss zu finden.

Gazing Head (1928)

Alberto Giacometti hatte in seinen frühen Jahren große Schwierigkeiten, nach dem Leben zu modellieren. In seiner Verzweiflung begann er, aus dem Gedächtnis zu arbeiten. Das Ergebnis dieses Versuchs ist die frühe Gipsbüste „Blickender Kopf“, die möglicherweise das erste vollständige Originalwerk des Künstlers ist.

Die Büste ist sowohl abstrakt als auch figurativ, weil Gesicht und Kopf abgeflacht sind und Giacometti sparsam mit glatten Vertiefungen zur Abgrenzung umgeht.

Trotzdem fordert das zentrale Motiv des Werks, der Blick, den Betrachter dazu auf, darüber nachzudenken, ob das, was er sieht, in Wirklichkeit ein Spiegel ist. Als Gazing Head 1929 in Paris ausgestellt wurde, erregte es die Aufmerksamkeit der französischen Surrealisten und leitete eine Beziehung ein, die für den Rest von Giacomettis Karriere andauern sollte.

Schwebender Ball (1931)

Die Surrealisten wurden von Giacomettis Skulpturen wie dem Gazing Head angezogen, aber es war der Suspended Ball, der 1930 in der Galerie Pierre gezeigt wurde und André Breton dazu inspirierte, Giacometti zu bitten, die Gruppe zu repräsentieren. Die weiße Kugelform der Skulptur, die frei zu schweben schien, während sie gleichzeitig in einem Käfig eingesperrt war, sowie der kryptische Teil darunter, verdeutlichten die traumhaften und sinnlichen Aspekte, die die Surrealisten schätzten. Beeinflusst von Suspended Ball, schrieb Salvador Dalí nach der Gruppenausstellung 1930 einen Aufsatz über surrealistische Artefakte für Bretons Zeitschrift.

Trotz der Verbindung von Alberto Giacomettis Skulpturen mit Bretons Kollektiv haben Kritiker sie mit den Konzepten von Bretons Rivalen Georges Bataille in Verbindung gebracht.

Es wurde behauptet, die Elemente der Skulptur seien absichtlich verwirrend, weil sie zwar eine sexuelle Begegnung darzustellen scheinen, es aber unklar ist, welches Element männlich und welches weiblich ist. Es wurde behauptet, dass Batailles Konzept der Formlosigkeit in diesem Wirrwarr von Kategorien zum Ausdruck kommt.

Hände, die die Leere halten (1934)

Nach seinem kurzen Engagement bei den Surrealisten begann Alberto Giacometti, sich von der Gruppe abzuwenden, wie dieses Werk zeigt. Es wurde zum Gedenken an den tragisch verstorbenen Vater des Künstlers geschaffen und verkörpert die „metaphysische Realität“, wie der Kritiker Carl Einstein es ausdrückte. Bestimmte prähistorische und ägyptische Motive sind darin enthalten. Das Vakuum, das die Figur umklammert, könnte die Seele oder kâ sein, wie sie bei den Ägyptern bekannt war.

Die Surrealisten begrüßten dieses Werk, doch die gegenständlichen Komponenten zeigen, dass sich der Künstler über sie hinaus bewegte.

Stadtplatz(1948)

Obwohl es nicht Alberto Giacomettis erster Versuch war, die kauzigen Figuren zu schaffen, für die er besser bekannt ist, ist der vielfigurige Stadtplatz eine bemerkenswerte Lektion darin, das Gefühl einer großen Umgebung zu vermitteln. Die Figuren, die Sartre als „bewegte Umrisse“ bezeichnete, scheinen aus dem Nichts aufzutauchen, während sie durch eine leere Umgebung laufen.

„Giacomettis Ziel ist es, die Verbindung von Mensch und Umwelt mit der Erde herzustellen“, sagte Fairfield Porter 1960 in einer Rezension für The Nation, „und er sieht die Menschheit und alles andere auch als eine Verbindung zwischen der Erde und der Unendlichkeit, mit einer dualistischen Verbindung zur Umwelt.“

Zu dieser Zeit hatte Giacometti den Existenzialismus studiert, und „City Square“ kann in diesem Licht gelesen werden. Es zeigt die Menschheit als einen blassen Schatten ihrer selbst, der auf halbem Weg zwischen Existenz und Nichts lebt.

Annette mit Wagen(1950)

Obwohl die Skulptur Giacomettis bekanntestes Medium ist, war er auch ein geschickter Maler. Dieses Beispiel von Alberto Giacomettis Gemälden aus dem Jahr 1950 zeigt seine Fähigkeit, auf einer flachen Oberfläche ein Gefühl von enormer Tiefe zu erzeugen.

Die Ehefrau des Künstlers, Annette, ist hier das Thema, und sie ist aus denselben Bögen und Strichen konstruiert, die verwendet werden, um den umgebenden Raum zu zeigen, als ob sie einfach ein weiteres Objekt wäre.

Annette tritt jedoch diskret aus dem Arrangement hervor und zeigt so ihre Menschlichkeit trotz der allgemein faden Ordnung des Raumes, ähnlich wie Giacomettis skulpturale Strichmännchen. Alberto Giacomettis ausgereifte Werke waren ein Gegenmittel gegen die Abstraktion, wie einige der prominenten existenzialistischen Philosophen seiner Zeit anmerkten.

Frauen von Venedig II (1956)

„Der Mensch allein – zu einem Faden degradiert – in der Verwahrlosung und dem Leid der Erde – der für sich selbst sucht – aus dem Nichts heraus beginnend. Der Mensch auf einem Bürgersteig wie glühendes Eisen; der seine schweren Füße nicht erheben kann“, sagte Francis Ponge 1951 in einem Beitrag für Cahiers d’Art. Wie frühere Gemälde in einem ähnlichen Genre zeigt auch Frau von Venedig II eine einsame Person, deren Körper bis an den Rand des Zusammenbruchs zerschmettert ist, die aber dennoch aufrecht und gerade steht.

Das Thema des menschlichen Anstands und der Wunsch der Menschheit, sich in einer riesigen Welt zu behaupten, die darauf aus zu sein scheint, sie zu zerstören, stand im Mittelpunkt solcher Kunstwerke.

Frau von Venedig VII (1956) von Alberto Giacometti, in der Art Gallery of New South Wales in Sydney, Australien; Alberto Giacometti, CC0, via Wikimedia Commons

Alberto Giacometti ist bekannt für seine Bronzeskulpturen von geisterhaften, ausgemergelten Gestalten, die ihn zu einer bedeutenden Figur der surrealistischen Bewegung machten. Der Zweite Weltkrieg war auch ein entscheidender Moment für die gesamte Moderne. Giacometti begann 1936, sich auf den Kopf zu konzentrieren und den Blick der Figur in den Mittelpunkt zu rücken, was seinen Werken schließlich einen extrudierten Aspekt verlieh.

Häufig gestellte Fragen

Wer ist Alberto Giacometti?

Alberto Giacomettis unglaubliche Karriere zeichnet die wechselnden Leidenschaften für Kunst in Europa vor und nach dem Zweiten Weltkrieg nach. In den 1930er Jahren zeigten Alberto Giacomettis Skulpturen surrealistische und erfinderische skulpturale Formen, die manchmal an Spiele und Spielzeug erinnerten. Als Existentialist waren Giacomettis Gemälde nach dem Krieg wegweisend für eine Form, die das Interesse der Philosophie an Beobachtung, Einsamkeit und Furcht widerspiegelt.

Was zeichnet die Skulpturen von Alberto Giacometti aus?

Nach dem Krieg gab es parallele Veränderungen im Werk des Künstlers: Seine häufig veränderten Figuren wurden immer hagerer und losgelöster von ihrer Umgebung. Er begann, sich auf ausgedehnte Einzelfiguren zu konzentrieren, die oft schlendernd oder stehend sind, sowie auf figürliche Ensembles in verschiedenen räumlichen Kontexten. Giacomettis ausgeprägte Perspektive reduzierte seine Themen auf aufwendig gearbeitete, aber hauchdünne Formen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.