Art Deco – Ein Überblick über die Art-Déco-Ära

Art Deco war eine Kunstbewegung, die erstmals 1925 auf einer Ausstellung in Paris vorgestellt wurde. Obwohl sie in den 1920er, 1930er und 1940er Jahren den Höhepunkt ihrer Popularität erreichte, war die Art Deco-Bewegung bereits mehr als ein Jahrzehnt vor ihrer Ankündigung in der Entwicklung. Als sehr dekorativer Kunststil betrachtet, experimentierten Art-Déco-Künstler schon bald mit den Genres Design, Malerei, Möbel, Architektur und Bauwesen innerhalb seines stilistischen Bereichs.

Was ist Art Deco?

Art Deco ist ein Kunststil, der sich durch leuchtende Farben und gewagte Geometrie auszeichnet und zu extrem luxuriösen und detaillierten Kunstwerken führt. Als Stil der bildenden Kunst, der sowohl Elemente der Architektur als auch des Designs umfasste, tauchte Art Deco erstmals kurz vor Beginn des Ersten Weltkriegs in Frankreich auf. Der Öffentlichkeit wurde diese Bewegung jedoch erst 1925 auf der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes vorgestellt, die lose an das Konzept der Weltausstellung angelehnt war.

Postkarte der Übersicht über die Weltausstellung der dekorativen und industriellen Künste 1925; SiefkinDR, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Art Decorates, wie sie manchmal genannt wurde, beeinflusste später das Design von Möbeln, Schmuck, Mode, Autos, Theatern, Zügen und sogar Gebäuden. Auch Alltagsgegenstände wie Staubsauger und Radios konnten sich dem Einfluss des Art Déco nicht entziehen und wiesen die typischen Merkmale des ikonischen Stils auf.

Durch die Integration fortschrittlicher Stile mit außergewöhnlicher Kunstfertigkeit und dekadenten Materialien stand das Art Déco für Opulenz, Eleganz, Vitalität und Vertrauen in den sozialen und technischen Fortschritt, der in seiner Blütezeit stattfand.

Von Anfang an war das Art Deco von den kühnen geometrischen Formen des Kubismus und den leuchtenden Farben des Fauvismus beeinflusst. Der Art-Déco-Stil brachte einen großen Sinn für Ordnung mit sich und präsentierte proportionierte und ausgewogene Designs in üppigen und fröhlichen Formen. Das Art-Déco-Design fand seinen Weg in viele Designformen des frühen 20. Jahrhunderts, wobei die Bewegung mit Elementen der Schönen Kunst, der Architektur, der Mode, der Möbel, der Verkehrsmittel und sogar mit Alltagsgeräten experimentierte.

Spiegelsaal im Carew Tower; Laura Mckenzie Waters, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Als Kunstbewegung waren die Merkmale, die Art Deco definierten, leicht zu erkennen. Deco-Kunst wurde in der Regel als ein Sammelsurium verschiedener Stile und als eine eklektische Verschmelzung verschiedener Einflüsse, Materialien und Formen angesehen. Aus diesem Grund kann es schwierig sein, den Art Deco-Stil von anderen ähnlichen Kunstschulen wie Art Nouveau, Art Moderne, der Bauhaus-Schule oder der Arts-and-Craft-Bewegung zu unterscheiden.

Dessen ungeachtet war die Art Déco-Periode unglaublich einflussreich, da ihre dekorative Art und Weise eine Vielzahl anderer Kunststile inspirierte.

Eine Geschichte der Art-Déco-Bewegung

Gegen Ende des 19^ten Jahrhunderts bemerkten viele französische Künstler, Architekten und Designer, die maßgeblich an der Entwicklung des Jugendstils beteiligt waren, dass die Bewegung sehr veraltet war. Als das 20^te Jahrhundert näher rückte und die Auswirkungen der Industriellen Revolution ins Spiel kamen, wurden die Kreativen dazu inspiriert, einen Kunststil zu schaffen, der von den Dächern „geschmackvoll und modern“ schreien würde. Die Art-Déco-Periode war fest entschlossen, Frankreichs Ruf als erstklassiger Schöpfer dekorativer Kunst wiederherzustellen.

Die Gründung des Salons oder der Société des artistes décorateurs in Frankreich, die Möbel, Innenräume und Kunstwerke entwarfen, trug dazu bei, den Respekt vor Kunstobjekten zu erhöhen.

Logo der Société des artistes décorateurs (SAD), entworfen von Gustave Miklos, 1930; Pierre gencey, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Diese Gesellschaft trug dazu bei, die Definition von Kunst über Malerei und Bildhauerei hinaus auf andere Bereiche auszudehnen, die zuvor nicht in Betracht gezogen worden waren, wie Glaswaren und Schmuck. Schließlich wurden diejenigen, die Art-Déco-Werke schufen, die vorher nicht als „schöne Kunst“ galten, plötzlich als Künstler und nicht mehr nur als Handwerker angesehen.

Der geschliffene und stromlinienförmige Stil des Art Déco entstand aus der Sehnsucht und dem selbstbewussten Wunsch, sich von der Vergangenheit zu befreien und die Zukunft in all ihrer fabrikmäßigen und maschinellen Brillanz zu begrüßen.

Zwischen den beiden Weltkriegen stieg und fiel die Bedeutung des Art déco, wobei der Stil eine wichtige Rolle bei der Gestaltung der modernen Vision des Westens spielte. Besonders auffällig war dies in Frankreich und den Vereinigten Staaten, wo der Einfluss des Art-Déco-Stils in den verschiedenen Architekturen zu sehen war.

Während die Art Deco die Merkmale Geschwindigkeit, Kraft und Fortschrittlichkeit betonte, wurden ihre Kunstwerke mit den leichteren und zarteren Elementen der vorangegangenen Art Nouveau Bewegung kontrastiert, um einen wirklich einzigartigen Stil zu schaffen. Der Jugendstil, der vor dem Ersten Weltkrieg vorherrschend war, war stark von der Natur inspiriert und bezog Dinge wie sich windende Ranken, Blütenblätter und fließende Wellen in seine Kunstwerke ein. Dieses Fest der organischen Formen unterschied sich stark von dem klaren und geometrischen Stil des Art déco.

Der Art Déco-Stil galt als sehr strukturiert und hatte eine sehr Gatsby-eske Selbstverliebtheit, wenn man die Art der geschaffenen Werke betrachtet. In Anlehnung an F. Scott Fitzgeralds Kultroman Der große Gatsby feierte der Art-Déco-Stil die Extravaganz, Frivolität und Dekadenz, die in den 1920er Jahren in Amerika aufkamen. Genauso wie die Figuren in Fitzgeralds Buch auf den Glanz und Glamour fixiert waren, der damals zum Lebensstil gehörte, feierte Art Deco alles, was als luxuriös und zukunftsorientiert galt.

Als Kunststil galt Art Deco als eine der aufregendsten Epochen des Designs.

Sie griff auf das florierende Nachkriegsamerika mit seinen neuen Erfindungen zurück, die auch für den Durchschnittsbürger erschwinglich waren, was dazu führte, dass der Geschmack der Verbraucher für Luxus durch die Decke ging. Daher musste sich der Art-Déco-Stil schnell entwickeln, um dieses berauschende Gefühl des Fortschritts widerzuspiegeln. Art Deco entwickelte sich auch zusammen mit anderen Avantgarde-Bewegungen und Aspekten der Kultur jener Zeit, was zu einer Mischung aus Kunst, Design, Mode und Performance führte.

Während der Weltwirtschaftskrise in den 1930er Jahren wurde die Deco-Kunst gedämpfter, da sich der Geschmack der Menschen auf weniger protzige Formen mit Materialien wie Edelstahl, Chrom und Plastik verlagerte. Während des Zweiten Weltkriegs kam der Stil jedoch schnell wieder aus der Mode.

In den 1960er Jahren wurde die Faszination des Art Déco-Designs wiederbelebt und bis heute ist Art Déco eine wichtige Motivation in den Bereichen dekorative Kunst, Mode und sogar Schmuckdesign.

Art Deco steht für den Modernismus, der in Mode umgesetzt wurde, und ist einer der ersten wirklich internationalen Stile. Das Ziel hinter den Kunstwerken war es, eine stilvolle und antitraditionelle Form der Raffinesse zu schaffen, die Reichtum und Raffinesse repräsentierte. Art Déco stand für eine Zeit des neu entdeckten Optimismus nach dem Ersten Weltkrieg und orientierte sich an der Zukunft und zeitgenössischen Vorstellungen von Fortschritt.

Die Gesellschaft der dekorativen Künstler (1901 – 2000er Jahre)

Der Art Deco erreichte 1925 seinen Höhepunkt, als die französische Regierung die Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes förderte. Die einzige wirkliche Voraussetzung, um auf dieser Messe auszustellen, war, dass alle Kunstwerke „durch und durch modern“ sein mussten, was den Schwerpunkt der Bewegung verdeutlichte. Die Ausstellung erfreute sich großer Beliebtheit und war sehr gut besucht, was dazu beitrug, den Art déco in der Kunstgeschichte zu verankern. Die Ausstellung gab auch den Anstoß für den offiziellen Namen der Bewegung: Arts Decorates.

Postkarte des Eiffelturms bei Nacht mit dem Wort „Citroën“ in Leuchtbuchstaben, Exposition des Arts Décoratifs, 1925; Rijksmuseum, CC0, via Wikimedia Commons

Dieser Gesellschaft gehörten berühmte Persönlichkeiten aus der Kunstwelt an, wie der Jugendstildesigner und Grafiker Eugene Grasset und der Jugendstilarchitekt Hector Grimard. Auch andere angehende Dekorationskünstler und Designer schlossen sich dieser Gruppe an und trugen zur Entwicklung des Stils bei. Die französische Regierung erwies sich als unglaublich unterstützend für diesen Kunststil und trug dazu bei, das Wachstum dieser künstlerischen Aktivität zu fördern.

Eines der Hauptziele dieser Gruppe war es, die hierarchische Organisation der bildenden Künste anzufechten, die die dekorativen Künstler im Vergleich zu den traditionelleren Formen der Malerei und Bildhauerei zu einem minderwertigen Status degradierte.

Das lag daran, dass der Art-Déco-Stil als das „Aschenputtel“ der Kunstwelt behandelt wurde – angeblich unzureichend im Vergleich zu den anderen Kunstformen, die es gab. Aus diesem Grund sollte die Ausstellung die neue Art der dekorativen Kunst vorstellen, die sich herausgebildet hatte, aber aus verschiedenen Gründen bis 1925 verschoben wurde.

Die Ausstellung, die offiziell den Beginn der Art-Déco-Bewegung einleitete

Die französische Regierung, die die Exposition International des Arts Decorates et Industrials Moderns ausrichtete, wurde für die Einführung des Art Déco-Stils in die Kunstwelt verantwortlich gemacht. Mehr als 15.000 Künstlerinnen und Künstler, Architektinnen und Architekten sowie Designerinnen und Designer präsentierten ihre Werke auf dieser Ausstellung, die sieben Monate lang lief und zu der über 16 Millionen Menschen aus aller Welt kamen, um sich die einzelnen Exponate anzusehen. Daher gilt diese Ausstellung als Katalysator, der den Beginn der Art-Déco-Bewegung einleitete.

Postkarte der Gesamt- oder Hauptansicht der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Paris, 1925; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine angemessene Art Deco Definition

Wenn es um eine angemessene Definition von Art Deco geht, wird die Tatsache, dass es sich um einen der einflussreichsten und dekorativsten Stile zu Beginn des 20^th Jahrhunderts handelt, in der Regel in die Interpretation einbezogen. Der Begriff „Art déco“, der seinen Namen von der Internationalen Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst erhielt, wurde erstmals 1858 in Frankreich verwendet, bevor man sich für die ikonische Bezeichnung „Art déco“ entschied. Sobald die Bewegung einen Namen hatte, setzte sie sich schnell auf der ganzen Welt durch.&nbsp

Anfänglich wurde der Begriff „Art Deco“ von dem modernistischen Architekten Le Corbusier verächtlich verwendet.

Le Corbusier, 1964; Joop van Bilsen / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Der Name wurde in Artikeln verwendet, in denen er sich über den Stil wegen seiner Schnörkel lustig machte, die Le Corbusier in der modernen Architektur für überflüssig hielt. Während die Befürworter des Art-Déco-Stils ihn für seinen nüchternen Ansatz lobten, wurde der Name immer noch verhöhnt. Erst in den späten 1960er Jahren, als das Interesse an diesem Stil wieder zunahm, wurde die Definition des Art déco wieder eingeführt.

Der britische Kritiker und Kunsthistoriker Bevis Hillier verwendete den Begriff „Art Deco“ zum ersten Mal in einer positiven Weise. Seine definitive Verwendung des Begriffs „Art Deco“ in seinem ersten Buch, Art Deco of the 20s and 30s, hat den Namen in der Kunstgeschichte fest verankert.

Auf dieser Grundlage beschrieb die Art Deco-Definition die Bewegung als eine, die aus kühnen geometrischen Formen und kräftigen Farben bestand, die in einer Vielzahl von Kunstformen verwendet wurden, vor allem in der Architektur und bei Gegenständen.

Unterschiedliche Formen der Art Deco Kunst

Die Art-Déco-Periode zeichnete sich durch harmonische, saubere, geometrische, schlichte, meist unkomplizierte und optisch ansprechende Kunstwerke aus. Die wichtigsten visuellen Merkmale des Stils waren die sich wiederholenden linearen Formen, zu denen häufig Dreiecke, Trapeze, Zickzack- und Chevron-Muster gehörten. Ähnlich wie bei der Vorläuferbewegung Art Nouveau wurden Objekte wie Menschen, Tiere oder sogar Blumen stark stilisiert und stromlinienförmig dargestellt, um die allgemeine Ästhetik des Art Déco beizubehalten.

Gemälde im Art Deco-Stil, Schwarzer Panther im Bambus (1926) von Gaston Suisse; Dominique Suisse, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Um mit dem Schwerpunkt des Stils auf moderner Technologie Schritt zu halten, verbanden die Art-Déco-Künstler natürliche Materialien mit modernen und künstlichen wie synthetischem Kunststoff, Glas, Stahlbeton und rostfreiem Stahl. Wenn jedoch ein Hauch von Raffinesse in den Art-Déco-Kunstwerken gefragt war, arbeiteten die Designer daran, ungewöhnlichere Materialien wie Elfenbein, Horn und sogar Zebrafell in ihre Werke einzubauen, um ein wohlhabenderes Gefühl zu vermitteln.

Auf der Grundlage dieses Stils war die Art Deco-Bewegung weniger mit den traditionellen, vermeintlich höheren Formen der Kunst verbunden, die aus Malerei und Skulptur bestanden.

Da das Art-Déco-Design von der Industrialisierung und dem technischen Fortschritt in der Gesellschaft beeinflusst wurde, zeigten die Kunstwerke Zustimmung zur Modernität der Maschine und den angeborenen Designqualitäten von maschinell hergestellten Objekten. Dies führte dazu, dass der Art Deco vor allem in den Bereichen Design, Möbel, Architektur und Gebäude experimentiert wurde.

Art Deco Design

Als der Art-Déco-Stil zum ersten Mal aufkam, beeinflusste er die gesamte grafische Kunst der damaligen Zeit. Das geschah so, dass der Einfluss des italienischen Futurismus zum Vorschein kam, denn die Leidenschaft des Stils für Geschwindigkeit und seine Hingabe an die Maschine waren in den produzierten Werken zu sehen.

Die von den Künstlern des Futurismus berühmt gewordene Verwendung von Linien zur Darstellung von Bewegung wurde von den Art-Déco-Kreativen in Form von parallelen Linien und sich verjüngenden Formen verwendet, um das Konzept der Ausgewogenheit und Stromlinienförmigkeit darzustellen.

Art Deco-Stil fiktives Mars-Tourismusplakat im Auftrag von SpaceX. Dieses Poster wirbt für Olympus Mons, 2015; SpaceX, CC0, via Wikimedia Commons

Das Art-Déco-Design wies Mitte der 1930er Jahre viele Aspekte auf, die auf Bewegung hindeuteten, denn die Bewegung zeigte einen Einfluss der fortschrittlichen aerodynamischen Standards, die für die Luftfahrt und die Ballistik entwickelt wurden, um den Luftwiderstand bei hohen Geschwindigkeiten zu verringern. Formen, die Bewegung andeuten, wurden dann in vielen verschiedenen Art-Déco-Designs verwendet und sogar in Objekten, die eigentlich nicht dafür gedacht waren, sich zu bewegen, wie Kühlschränke und Gebäude.

Art Deco-Stil Japan Reiseplakat, Ontake Shosenkyo Valley (Nagoya Train Agency, 1930er Jahre); Nagoya Train Agency, Public domain, via Wikimedia Commons

Was die Bilder angeht, so lassen sich Art-Déco-Design-Elemente an den Grundformen und den großen Flächen mit einfarbigen Farben erkennen, die verwendet wurden. Diese Merkmale ähnelten den japanischen Holzschnitten, von denen sich die Künstler des Art déco inspirieren ließen. Der Zustrom japanischer Kunst nach Europa nach dem Ersten Weltkrieg hinterließ einen großen Einfluss auf die Länder, vor allem auf Frankreich.

Die Künstler fanden, dass die Schlichtheit dieser Holzschnitte den eindeutig modernen und eleganten Stil widerspiegelte, den die Art Deco zu schaffen versuchte.

Art Deco Möbel

Ein weiteres herausragendes Merkmal des Art Déco waren die Möbel, die während der Ära der Bewegung hergestellt wurden. Erst in den späten 1920er Jahren wurde das Konzept der Möbel überhaupt erforscht, wobei die avantgardistischen Möbelentwürfe des Jugendstils die aufstrebenden Art-Déco-Kreativen inspirierten. Die Möbel, die unter dem neuen Art-Déco-Stil entstanden, waren schlichter und weniger gewölbt, und Modernität war die Hauptaussage.

Als die Art-Déco-Bewegung weiterging, schien Émile-Jacques Ruhlmann der Vorreiter in Sachen Möbel zu sein.

Studie im Art-Deco-Stil des Maharadscha d’Indore Mobiliers von Jacques-Émile Ruhlmann, 1932; Jean-Pierre Dalbéra aus Paris, Frankreich, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Während seine Möbelstücke vom neoklassischen Stil des 18^th Jahrhunderts inspiriert waren, arbeitete er daran, so viel wie möglich von den Verzierungen zu entfernen und trotzdem die luxuriösen Materialien zu verwenden, die von den Jugendstildesignern bevorzugt wurden.

Zu diesen Materialien gehörten Mahagoni, Ebenholz, Elfenbein und sogar Schildpatt. Da sie für den Normalbürger völlig unerschwinglich waren, waren seine Möbel nur für die wohlhabendsten Bürger erhältlich.

Da Ruhlmanns Möbel zwischen Jugendstil und Art Deco schwankten, entstand auf dem Markt eine Lücke für einen definitiven Art Deco Möbeldesigner. Dies geschah in Form von Jules Leela, der vor der Entwicklung des Art Déco lediglich ein traditioneller Designer war. Nachdem er sich von dem neuen und aufregenden Art-Déco-Stil inspirieren ließ, entwarf Leela die Möbel für den großen Speisesaal des Elysée-Palastes in Paris – sein bekanntestes Projekt.

Art Deco Architektur

Die Architektur der Art-Déco-Periode ist wahrscheinlich eines der bekanntesten Merkmale der gesamten Kunstbewegung. Die Art Deco Architektur begann in Paris zwischen 1903 und 1904 mit dem Bau von zwei Wohnhäusern, die von Auguste Perret und Henri Savage entworfen wurden. Diese beiden Architekten arbeiteten zum ersten Mal mit Stahlbeton in Pariser Vorstadtgebäuden. Die klaren Linien, die rechteckigen Formen und das Fehlen von Verzierungen an der Fassade stellen eine deutliche Abkehr vom Jugendstil dar.

Architekt Auguste Perret, 1932; Nadine.bilis, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die Art-Déco-Architektur zeichnet sich daher durch kantige und oft reichlich verzierte Designs aus, die durch glänzende Metallakzente betont werden. Viele der Gebäude, die mit den Merkmalen der Art-Déco-Architektur entworfen wurden, haben eine aufrechte Betonung, da sie so gebaut wurden, dass sie die Augen derjenigen, die auf den Straßen gehen, nach oben ziehen sollten.

Die Gebäude in diesem Stil waren oft rechteckig, blockartig und geometrisch gegliedert, wobei geschwungene Zierelemente den beabsichtigten schlanken Effekt noch verstärkten.

Chrysler Building Lobby am Eingang 42nd Street, zentrale Aufzugsbank mit Art-Déco-Beleuchtung; „Axel Tschentscher“, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Zu den berühmtesten amerikanischen Beispielen für Art-Déco-Architektur gehören eine Reihe von Wolkenkratzern, die in New York City gebaut wurden, sowie mehrere pastellfarbene Gebäude, die in Miami errichtet wurden. In der Zwischenkriegszeit wurde der Art Déco schnell zum gängigsten und beliebtesten Architekturstil und verbreitete sich auch in anderen Teilen der Welt. Der Einfluss der Art-Déco-Architektur in der ersten Hälfte des 20^th Jahrhunderts ist noch immer zu erkennen, wenn man sich einige der vorherrschenden Gebäude ansieht, die heute noch in Amerika stehen.

Art Deco Gebäude

Einige der bekanntesten Gebäude in Amerika repräsentieren heute den Art-Déco-Stil und seine Muster in der Architektur. Nach dem Ersten Weltkrieg tauchten überall in den Großstädten Amerikas und Europas Art-Déco-Gebäude auf, die aus Stahl und Stahlbeton gebaut wurden. In Amerika wurden diese Gebäude in der Regel für Büros, Kinos, Bahnhöfe und Regierungsgebäude genutzt.

Art-Déco-Bauelemente wurden auch bei einigen Bauprojekten verwendet, vor allem bei den Türmen der Golden Gate Bridge in San Francisco.

Telefotoansicht der Turmspitze der Golden Gate Bridge, 1984; Lowe, JetVerwandte Namen:Strauss, Joseph BPacific Bridge CompanyJohn Roebling’s Sons CompanyBethlehem Steel Company IncorporatedJackson, Donald C, SenderYearby, Jean P, SenderJandoli, Liz, Sender, Public domain, via Wikimedia Commons

Zu den berühmtesten Art-Déco-Gebäuden, die heute noch in ihrer ursprünglichen Form existieren, gehören das Rockefeller Centre, das Empire State Building und das wahrhaft ikonische Chrysler Building, die alle in New York City stehen. Sie gelten als die bedeutendsten Ausdrucksformen des Art-Déco-Stils und waren zu ihrer Zeit die höchsten und bekanntesten zeitgenössischen Gebäude der Welt. Sie wurden im Wesentlichen entworfen, um das Ansehen der Erbauer durch ihre Höhe, ihre Form, ihre Farbe und ihre auffällige Ausstrahlung am Abend zu demonstrieren.

Wolkenkratzer galten als eine völlig moderne Schöpfung innerhalb der Art Deco Ära.

Diese Gebäude betonten saubere Linien und Stabilität in einer oft schwindelerregenden Höhe. Die Skyline von New York wurde 1930 durch das Chrysler Building drastisch verändert, das den Höhepunkt des Art-Déco-Baus darstellte. Mit 77 Stockwerken war es 11 Monate lang das höchste Gebäude der Welt, bis der Bau des Empire State Building begann. Das Chrysler Building existierte als große Werbung für Chrysler-Autos.

Eine Postkarte des Chrysler Building, 1932; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Was das Chrysler Building so symbolträchtig machte, war seine Art der Verzierung. Dreiecke um die geschwungenen Ränge schmückten die Spitze des Gebäudes, wobei diese Formen so platziert wurden, dass sie die Sonne nachahmten, die auf eine Spitze scheint. Auch die Wasserspeier des Art déco wurden als Ornamente verwendet, die der Kühlerfigur eines Autos nachempfunden waren.

Dieser der Schwerkraft trotzende Wolkenkratzer, wie er damals genannt wurde, wies alle wesentlichen Art-Déco-Bauelemente auf und beschwor in seiner Architektur den modernen Kampf Mensch gegen Natur herauf.

Die wichtigsten Errungenschaften des Art Déco

Als moderner Gestaltungsstil versuchte Art Deco, funktionale Gegenstände mit künstlerischen Akzenten zu verbinden. Das ist einer der Aspekte, die das Art Déco so sehr von anderen Kunststilen wie Malerei und Bildhauerei unterscheiden, denn die Kunstwerke hatten keinen anderen wirklichen Zweck oder Nutzen, als den Betrachtern als faszinierendes Objekt zu dienen.

Mit dem Aufkommen einer weit verbreiteten Industrie konnten die Künstler des Art Déco das Aussehen ihrer in Massenproduktion hergestellten funktionalen Objekte verbessern, so dass sie für jeden in der Gesellschaft zugänglich waren.

Eine der größten Errungenschaften der Art-Déco-Bewegung war die Tatsache, dass fast alles als Kunst angesehen werden konnte, von so einfachen Dingen wie Uhren, Glaswaren und Aschenbechern bis hin zu komplexeren Kreationen wie Autos und Gebäuden.

Art Deco-style glassware, c. 1899-1930; Nationalbibliothek von Norwegen, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Art Deco-Bewegung strebte danach, die Schönheit in allen Bereichen des Lebens zu finden. Das Ziel der Bewegung spiegelte die beträchtliche Originalität und den massenhaften Einsatz der maschinellen Technologie wider, die es zu dieser Zeit gab. Dies gelang der Art Deco-Bewegung, indem sie sich auf die Eleganz und Attraktivität von Gegenständen konzentrierte, die bereits um uns herum existierten. Eine weitere Errungenschaft der Art Deco-Ära war ihr wahrhaft demokratisches Ziel. Die Künstler versuchten, selbst die schlichtesten und unedelsten Gegenstände, wie zum Beispiel maschinell hergestellte Objekte, so ästhetisch wie möglich zu gestalten.

Art Deco in Amerika

In Amerika wurde die Art-Déco-Bewegung mit einer ganz anderen Einstellung aufgenommen. Herbert Hoover, der damals Handelsminister war, erklärte, dass keine amerikanischen Künstler und Designer ihre Werke auf der Exposition International in Frankreich ausstellen durften. Das lag daran, dass Hoover der Meinung war, dass sie noch keinen explizit amerikanischen Kunststil entwickelt hatten, der „neu genug“ war.

Als Reaktion darauf schickte er eine Gruppe nach Frankreich, um die Kunstwerke auf der Weltausstellung zu begutachten und Ideen mit nach Hause zu bringen, die sich im Sinne einer modernen amerikanischen Kunst und Architektur anwenden ließen.

Zu dieser Reisegruppe gehörten Hoover wichtige Vertreter des Metropolitan Museum of Art und des American Institute of Architecture sowie einige Mitarbeiter der New York Times. Diese Reise nach Europa inspirierte die künstlerische Innovation und das künstlerische Schaffen in den Vereinigten Staaten fast augenblicklich.

Art Deco-style Hall of the Mirrors im Carew Tower, Ohio; EEJCC, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Der amerikanische Art-Déco-Stil unterschied sich stark von dem ursprünglichen Stil, der sich in Frankreich entwickelte. Mit dem Spitznamen „Streamline Moderne“ war der amerikanische Art Deco eine reduziertere und schlichtere Version im Vergleich zum komplexen und regelmäßig maßgeschneiderten europäischen Art Deco-Stil.

Durch die Betonung des technologischen Fortschritts der Epoche wuchs der amerikanische Art Deco schnell und fand in den Vereinigten Staaten eine viel größere Anhängerschaft und Verwendung als in Europa.

Das Vorhandensein eines einzigartigen Art-Déco-Stils trug dazu bei, dass das Vertrauen und der Glaube an den gesellschaftlichen Fortschritt in Amerika zurückkehrten, denn die geschaffenen Kunstwerke galten als Ausdruck des Nationalstolzes. Auf den Amerikanischen Weltausstellungen in Chicago (1933) und New York City (1939) wurden vor allem Art-Déco-Designs gezeigt, da Hollywood den Stil übernahm und ihn im ganzen Land bekannt machte. Das rasante Wachstum des amerikanischen Art déco brachte mit seinen Entwürfen einen Ausdruck von Demokratie zum Ausdruck, der auch für den normalen Bürger zugänglich war.

Spätes Art Deco

Um 1925 existierten innerhalb der Art-Déco-Bewegung zwei völlig unterschiedliche und miteinander konkurrierende Schulen nebeneinander. Diese Schulen bestanden aus den Traditionalisten und den Modernisten. Zu den Traditionalisten, die ursprünglich die Society of Decorative Artists gegründet hatten, gehörten der Möbeldesigner Emile-Jacques Ruhlmann, der Innenarchitekt Jean Dunant, der Bildhauer Antoine Bordello und der Designer Paul Poirot.

Diese Schule des Art Déco war bekannt für die Kombination von fortschrittlichen Formen mit konventionellen Techniken und teuren Materialien.

Auf der anderen Seite zeichneten sich die Modernisten durch ihre eklatante Ablehnung der Vergangenheit aus. Die Künstler dieser Art-Déco-Gruppe versuchten, einen künstlerischen Stil zu finden und zu schaffen, der auf neuen technologischen Entwicklungen, Einfachheit, dem Fehlen von Dekoration und der Verwendung von billigeren Materialien und Massenproduktion basierte.

Das Porträt von Auguste Perret im großen Treppenhaus des Palais d’Iéna, Paris, Frankreich, im Stil des Art déco. Die Treppe liegt gegenüber dem Eingang zum Konferenzraum und dient als Scharnier zwischen den Enden des Nord- und Südflügels des Palastes. Beachte, dass die Stahlbetonsäulen nach unten verjüngt sind, um „die strukturelle Natur des Materials“ auszudrücken; Jean-Pierre Dalbéra aus Paris, Frankreich, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Die Modernisten gründeten 1929 ihre eigene Organisation, die sich „Französische Union der Modernen Künstler“ nannte. Zu den Künstlern dieser Gruppe gehörten Pierre Chateau, Francis Jourdain, Le Corbusier und Sonia Delaunay.

Die modernistische Art-Déco-Gruppe kritisierte den traditionellen Art-Déco-Stil, der ihrer Meinung nach nur für die Wohlhabenden geschaffen worden war.

Diese Gruppe vertrat die Ansicht, dass gut gemachte Gebäude für jeden zugänglich und bequem sein sollten, unabhängig von seinem finanziellen Status, und dass die Form automatisch der Funktion folgen sollte. Die Eleganz und der Charme eines Objekts oder Gebäudes hingen demnach davon ab, ob es seine Funktion perfekt erfüllte, und nicht davon, welches Kunstpublikum die Werke am ehesten betrachten würde.

Berühmte Art-Déco-Künstler

An der Art-Déco-Bewegung waren viele Künstler beteiligt, darunter Maler, Bildhauer, Innenarchitekten, Möbelhersteller und Architekten. Im Folgenden werfen wir einen Blick auf einige bemerkenswerte Kreative, die in der Zeit des Art Déco bedeutende Kunstwerke geschaffen haben und deren Einfluss noch heute diskutiert wird.

René Lalique (1860 – 1945)

Der französische Designer René Lalique ist als einer der weltweit bekanntesten Glaskunstdesigner des späten 19^th und frühen 20^th Jahrhunderts in die Geschichte eingegangen. Sein Vermächtnis als Art-Déco-Künstler ist bis heute ungebrochen, denn seine Glaskunstwerke sind bei Sammlern immer noch sehr beliebt. Während seiner Karriere war Lalique vor allem für seine wunderschönen Parfümflaschen, Schmuckstücke, Vasen, Kronleuchter, Uhren und Motorhaubenverzierungen bekannt.

Lalique wurde schnell zu einem der bekanntesten Schmuckdesigner des Jugendstils und arbeitete später für bekannte französische Juweliere wie Cartier und Boucheron.

In den 1920er Jahren, nachdem Lalique seine Glaskunstkreationen verfeinert hatte, lehnte er den Stil des Jugendstils ab und interessierte sich für fließende und organische Formen. Das führte dazu, dass er sich die Techniken des aufkommenden Art Déco-Stils zu eigen machte und seine Kunstwerke immer schlichter wurden. Lalique experimentierte mit einer Vielzahl neuer Materialien, doch am liebsten arbeitete er mit Glas.

Portrait von René Lalique, 1906; Aaron Gerschel, Public domain, via Wikimedia Commons

Da er innerhalb der Art-Déco-Bewegung tätig war, dominierte sein Stil der Glasherstellung die Schmuckindustrie. Laliques Triumph war auch einer älteren Methode des Glasgusses zu verdanken, die bis zu diesem Zeitpunkt nur selten angewandt wurde und es ihm ermöglichte, mühelos mehrere Exemplare desselben Designs herzustellen. Neben seinen zierlichen Parfümflaschen und Schmuckstücken gehören zu Laliques monumentalen Art-Déco-Werken auch die Wände aus beleuchtetem Glas und die Glassäulen für den Ozeandampfer Normandie.

Eine der bekanntesten Glasskulpturen von Lalique war jedoch „Victoire“, die er 1928 schuf.

Als gläserne Motorhaubenverzierung für ein Auto gedacht, stellt Victoire eine weibliche Figur im Wind dar. Ihr Gesicht ragt scharf hervor und ihr Haar baumelt hinter ihr wie ein einzelner, spitzer Flügel. Damit nimmt die Skulptur Bezug auf die antike griechische Skulptur Geflügelte Siegessäule, die sich im Louvre befindet. Da Victoire sowohl Kunst als auch Skulptur ist, scheint sie alles zu verkörpern, was das Art Déco aufgrund seines wahrhaft amerikanischen Stils ausmachte.

„Spirit of the Wind“ oder „Victoire“ Maskottchen von Lalique, 1928; Ingrid Taylar aus Seattle, WA, USA, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Émile-Jacques Ruhlmann (1879 – 1933)

Einer der bekanntesten Möbel- und Innenarchitekten der Art-Déco-Bewegung war der Franzose Émile-Jacques Ruhlmann. Seine Möbeldesigns wirkten unglaublich stromlinienförmig, da er sehr extravagante und ausgefallene Materialien verwendete, die er mit seiner außergewöhnlich feinen Handwerkskunst verarbeitete. In der Blütezeit der Bewegung wurde Ruhlmann zum Symbol für die Opulenz und Zeitgenossenschaft, die mit dem Art déco-Stil verbunden ist.

Émile-Jacques Ruhlmann, 1930er; Olivier Old, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Ruhlmanns üppiger Stil rief bei verschiedenen Art-Déco-Designern und Architekten unterschiedliche Reaktionen hervor. Vor allem Le Corbusier reagierte auf die Art der Kunstwerke Ruhlmanns mit der Forderung, stattdessen unkomplizierte und praktischere Möbelstücke zu entwerfen. Ruhlmann war jedoch der festen Überzeugung, dass die Bewahrung der Kunst allein in den Händen der Oberschicht lag, und seine Entwürfe fingen den sensationellen und prächtigen Geist der Zeit perfekt ein.

Obwohl er in Sachen Verzierungen restriktiv war, fertigte Ruhlmann seine Möbelstücke aus den exotischsten Materialien der Zeit. Als fester Bestandteil des Nachkriegsbürgertums entwarf Ruhlmann Möbel, die den neu gewonnenen Reichtum und den Geschmack der gerade entstehenden aristokratischen Gesellschaft zur Schau stellen konnten.

Die größte Errungenschaft von Ruhlmanns Karriere soll daher seine Fähigkeit gewesen sein, den klassischen Stil der Vergangenheit mit dem fortschrittlicheren Stil der modernen Welt zu verschmelzen.

„État“ Cabinet von Émile-Jacques Ruhlmann, 1922; Jacques-Émile Ruhlmann, CC0, via Wikimedia Commons

Eines von Ruhlmanns bemerkenswerten Möbelstücken, das 1922 entstand, war das État Cabinet. Es weicht in seiner Symmetrie und seiner eingeschränkten Farbpalette vom typischen Jugendstil ab. Ruhlmann verwendete ein starkes Holz, das in starkem Kontrast zu dem komplizierten Elfenbeindesign stand. Trotzdem lehnten sich die kunstvollen floralen Elemente stark an den Jugendstil an. Das État Cabinet ist ein moderneres und vereinfachtes Objekt, das zwischen den beiden Stilen Jugendstil und Art déco zu stehen scheint.

William Van Alen (1883 – 1954)

Der vielleicht wichtigste Künstler der Art-Déco-Periode war der amerikanische Architekt William Van Alen, der das ikonische Chrysler Building in New York City entworfen hat. Der in Brooklyn geborene Van Alen studierte sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in Paris Architektur, bevor er sich auf einen bestimmten Baustil festlegte. Nach seiner Rückkehr aus Paris zeigte Van Alen 1910 sein großes Interesse am Stil des Modernismus, der angeblich von den Anfängen der sich noch entwickelnden Art-Déco-Bewegung inspiriert war.

Viele der bedeutenden Gebäude in New York wurden während des Höhepunkts der Art-Déco-Bewegung gebaut. Das berühmte Chrysler Building, das die Skyline der Stadt veränderte, wurde in den späten 1920er Jahren von Van Alen entworfen und 1930 fertiggestellt.

Ein Foto des Chrysler Building, 2012; L Latumahina, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Das Chrysler Building wurde im Viertel Turtle Bay an der East Side von Manhattan gebaut und ist als einer der markantesten Wolkenkratzer der Stadt bekannt. Dieser Baustil erwies sich als unglaublich populär und wurde bis in die 1960er Jahre hinein verwendet.

In weniger als zwei Jahren wurden angeblich etwa vier Stockwerke pro Woche gebaut, was für die damals verfügbaren Maschinen erstaunlich schnell war.

Das Gebäude wurde von Walter P. Chrysler finanziert und sollte einen Bezug zu den Chrysler-Automobilen herstellen. Van Alens ursprünglicher Entwurf enthielt viele modernistische Stilelemente, wie z. B. die geschwungenen Fenster an den Ecken. Zwei der bekanntesten Aspekte des Gebäudes sind die berühmten Wasserspeier und die sieben bogenförmigen Kronen an der Spitze des Turms.

Sonia Delaunay (1885 – 1979)

Eine der wenigen Künstlerinnen, die in der Art-Déco-Bewegung tätig waren, war die in Russland geborene französische Künstlerin Sonia Delaunay. Als Mitbegründerin der Kunstbewegung des Orphismus soll Delaunay zu den anderen namhaften Art-Déco-Designern gehört haben, die noch heute einen starken Einfluss auf verschiedene Modetrends haben. Inspiriert von den kubistischen und fauvistischen Bewegungen, arbeitete Delaunay eng mit anderen Surrealisten und Dada-Künstlern zusammen und perfektionierte ihren Stil. Dies führte dazu, dass sie die erste Designerin wurde, die abstrakte Inspiration in die Welt der Mode brachte.

Sonia Delaunay trägt Kreationen von Casa Sonia, Madrid, um 1918-1920; Anonym Unbekannter Autor, möglicherweise von Zockoll, Public domain, via Wikimedia Commons

Delaunay war fasziniert von der Idee des geometrischen Designs, das sich zwischen 1920 und 1930 als modern und vor allem modisch erwies. Als Textildesignerin und Malerin schuf Delaunay in dieser Zeit einige ihrer bemerkenswertesten Modestücke. Farbe war ein wichtiger Aspekt in ihren Werken, die sie als „dynamische Kunst“ bezeichnete.

Delaunays kühne Farb- und Textilkombinationen brachten ihr auf der Weltausstellung 1925 in Paris den Titel „Designerin der modernen Mode“ ein.

Ihr bekanntestes Kleidungsstück sind vielleicht ihre Patchwork-Kleider, die als Experimente des „Simultanismus“ existierten. Indem sie eine Vielzahl von Farben und Materialien mischte, nutzte Delaunay verschiedene kühne Farbblöcke und knallige geometrische Formen, die ihre Kleider auffällig machten. Ihr Erfolg in der Mode ist zum Teil auf die Befreiung der weiblichen Silhouette nach dem Ersten Weltkrieg zurückzuführen. Ihre Kreationen und ihre Kunst beeinflussen noch heute moderne Modehäuser wie Christian Dior und Yves Saint Laurent.

Tamara de Lempicka (1898 – 1980)

Eine weitere sehr wichtige Künstlerin, die während der Art Déco Periode Kunstwerke schuf, ist Tamara de Lempicka. Die in Polen geborene Lempicka ist wahrscheinlich eine der angesehensten und bekanntesten Künstlerinnen, die aus der Art Déco-Bewegung hervorgingen. Sie ist vor allem für ihre raffinierten und trendigen Art Déco-Darstellungen der wohlhabenden Klasse und ihre unglaublich stilisierten Aktgemälde bekannt. Als sie sich nach der russischen Revolution in Paris niederließ, war Lempicka fasziniert von dem nonkonformistischen Pariser Lebensstil der 1920er Jahre.

Lempickas Porträts brachten ihr Lob von der Kritik und großen Reichtum ein. Ihr Malstil stellte perfekt einen Lebensstil von Luxus und Glamour dar, wobei sie sich von anderen Bewegungen wie dem Kubismus inspirieren ließ.

Ihre einzigartige Herangehensweise an die Art-Déco-Malerei ermöglichte es ihr, Werke zu präsentieren, die sowohl extravagant als auch sauber und präzise waren. Die Kühnheit von Lempickas Farben und ihr kantiger Stil verweisen auf einige der Hauptmerkmale des Art-Déco-Stils, was dazu geführt hat, dass ihre Werke als die beste Darstellung der Art-Déco-Malerei angesehen werden.

Zu ihren ikonischen Werken gehört Junge Dame mit Handschuhen, das 1930 gemalt wurde und eines ihrer bekanntesten Werke ist. Es zeigt eine modisch bescheidene Dame in einem grünen Kleid, das durch den dezent dazu passenden weißen Hut und die Handschuhe noch betont wird. Ihr leuchtend roter Lippenstift lässt sie trotz ihrer scheinbaren Schüchternheit auffallen.

Die scharfen, fast gebrochenen Farbflächen, mit denen die Gesichtszüge und der Stoff des Kleides dargestellt wurden, sind Lempickas unverkennbarer Stil, der auch das Zusammenspiel von Kubismus und Art Deco auf ihren künstlerischen Stil zeigt.

Auch heute noch werden Lempickas Porträts und Gemälde mit der gleichen Begeisterung aufgenommen wie damals. Obwohl ihre Kunstwerke ursprünglich für ein elitäres Publikum gedacht waren, haben sie in allen Gesellschaftsschichten Diskussionen ausgelöst und werden von vielen bevorzugt. Lempicka galt als eine der bedeutendsten Porträtmalerinnen ihrer Generation. Die klaren Linien und die schlichte Eleganz ihrer Kunstwerke sind perfekte Beispiele für den Art-déco-Stil.

Das Vermächtnis des Art Déco

Die gleichen Merkmale, die die Art-Déco-Bewegung anfangs so populär machten, wie z. B. die exquisite Handwerkskunst, die reichen Materialien und die Verzierungen, führten schließlich zu ihrem Niedergang. Die Weltwirtschaftskrise, die 1929 in den Vereinigten Staaten begann und bald darauf auch Europa erreichte, förderte langsam das Gefühl des Verfalls der Kunstbewegung.

Dieser verheerende wirtschaftliche Schlag verringerte die Zahl der wohlhabenden Kunden, die sich damals Art-Déco-Möbel und -Gegenstände leisten konnten, was dazu führte, dass der Stil schnell ausstarb.

Der Ausbruch des Zweiten Weltkriegs schien den Niedergang des Art Déco zu besiegeln. In den Kriegsjahren ließ die Zurückhaltung der Gesellschaft den Art-Déco-Stil noch dekadenter erscheinen, als er ohnehin schon war, was in einer so feierlichen Zeit der Geschichte nicht passte. Das begrenzte Angebot an Metall, das gewonnen werden konnte, wurde für den Bau von Militärwaffen und Ausrüstung verwendet, anstatt Gebäude und Innenräume zu schmücken. In einer Gesellschaft, die zu dieser Zeit so ernst war, wurden Gegenstände wie Möbel nicht mehr als wichtige Statusgegenstände angesehen.

Außerdem lenkte der Börsenkrach von 1929 die Art-Déco-Bewegung auf das Konzept der Massenproduktion um. Verschiedene technologische Fortschritte ermöglichten eine erschwinglichere Produktion von grundlegenden Konsumgütern, wodurch der Bedarf und die Beliebtheit der bestehenden Art-Déco-Designer zurückgingen. In den frühen 1930er Jahren entwickelte sich die Stromlinienmoderne als Reaktion auf die Art-Déco-Ideale in Amerika, wobei sich dieser neue Stil auf die Vereinfachung des Designs von Gegenständen, Möbeln und Architektur konzentrierte.

In den 1960er Jahren erlebte das Art Deco mit dem Beginn der Konsumkultur eine Wiederbelebung. Seitdem ist das Interesse an der Art-Déco-Bewegung ungebrochen und lässt sich an den verschiedenen Kunststilen und Designs ablesen, die allesamt Anklänge an die stromlinienförmige Ästhetik des Art déco zu haben scheinen. Obwohl sich das Art Deco als eine Bewegung entwickelte, die der Vergangenheit entfliehen wollte, ist es heute eine sentimentale und liebevolle Erinnerung an einen klassischen Stil, der sich als untrennbar mit der Vergangenheit verbunden hat.

Als ein Kunststil, der auch heute noch Auswirkungen hat, war die Entwicklung des Art Deco Designs wirklich bemerkenswert. Obwohl er schon vor fast einem Jahrhundert populär wurde, gilt Art Deco als einer der ersten Stile der modernen Architektur, der die Kunstwelt wirklich beeinflusst hat. Auch heute noch lässt man sich von dieser Quintessenz inspirieren, so dass diese dekorative Art von Kunst wieder in Mode gekommen ist. Egal, wie viel Zeit vergangen ist, die markanten geometrischen Formen der Deco-Kunst werden immer ikonisch bleiben.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Art Deco?

Art Deco, das in den frühen 1920er Jahren auf der Kunstszene auftauchte, war ein Kunststil, der sich durch seine Faszination für die Modernität auszeichnete. Diese Idee zeigt sich in den leuchtenden Farben und den kühnen geometrischen Mustern, die verwendet wurden, um üppige und opulente Kunstwerke zu schaffen. Der Art Deco ist vor allem für seinen Beitrag zur Architektur berühmt.

Was sind die Hauptmerkmale des Art-Déco-Stils?

Das Hauptmerkmal des Art Déco-Stils war die pure Bewunderung für das Konzept der Moderne sowie der Respekt vor dem Fortschritt von Maschinen und Technologie. Häufig wurden Elemente verwendet, die Einfachheit, Wiederholung und Symmetrie betonten, was den Kunstwerken des Art Deco eine klare und stromlinienförmige Ästhetik verlieh.

Was sind einige der ikonischsten Art-Déco-Stücke?

Die Art-Déco-Architektur hat sich als das bedeutendste Genre des Stils erwiesen, denn sie hat einige der bekanntesten modernen Gebäude hervorgebracht. Dazu gehören das Rockefeller Centre, das Empire State Building und das absolut atemberaubende Chrysler Building, die alle in New York City gebaut wurden.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.