Vincent van Gogh – Kunst und Leben des Ausnahme-Malers

Vincent Willem van Gogh, der Inbegriff des gequälten Künstlers, war bestrebt, seinen psychologischen und metaphysischen Zustand in jedem seiner Meisterwerke wie Die Sternnacht und Van Goghs Blumengemälde auszudrücken. Vincent van Goghs Gemälde spiegeln den unverwechselbaren Charakter seines Schöpfers auf der Leinwand wider. Sie sind mit dick aufgetragenen, greifbaren Pinselstrichen in einer leuchtenden, luxuriösen Farbpalette gemalt. Jedes Kunstwerk von Vincent van Gogh vermittelt einen ganz eigenen Eindruck davon, wie der Meister jedes Szenario mit seinen Sinnen, Gedanken und Gefühlen interpretierte. Van Goghs Malstil war radikal einzigartig und emotional fesselnd, und er hat Maler und Trends das ganze 20. Jahrhundert hindurch und bis in die heutige Zeit hinein beeinflusst, was seine Relevanz für die denkbare Zukunft sicherstellt.

Das Leben von Vincent Willem van Gogh

Vincent van Goghs Kunstwerke wollten die dem Menschen innewohnende Spiritualität zum Ausdruck bringen, was in einer Synthese aus Ansatz und Inhalt gipfelte, die zu dynamischen, ausdrucksstarken und gefühlsbetonten Kompositionen führte, die viel mehr ausdrücken, als das scheinbare Äußere des Motivs.

In diesem Abschnitt werden wir uns mit dem Leben von Vincent Willem van Gogh beschäftigen und Fragen beantworten wie „Wann wurde Vincent van Gogh geboren?“ und „Wann lebte Vincent van Gogh?“. Wir werden uns auch mit seinen frühen Jahren und seiner Reifezeit beschäftigen. Das wird uns einen Einblick in die Erfahrungen geben, die Vincent van Goghs Gemälde beeinflusst haben.

Selbstporträt (1887) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Kindheit und frühe Ausbildung

Vincent Willem Van Gogh wurde im Süden der Niederlande als zweites von sechs Geschwistern in einem frommen Haushalt geboren. Theodorus Van Gogh, sein Vater, war Prediger, und Anna Cornelia Carbentus, seine Mutter, war das Kind einer Buchhändlerin. Van Gogh hatte als Jugendlicher unberechenbare Emotionen und begeisterte sich schon früh nicht für die Kunst, obwohl er sich in verschiedenen Internaten sprachlich auszeichnete. Er brach seine Ausbildung 1868 ab und nahm nie wieder ein formelles Studium auf.

Im Jahr 1869 begann Vincent Van Gogh seine Arbeit als Praktikant in den Pariser Büros des weltweit tätigen Kunsthändlers Goupil & Cie und arbeitete schließlich in der Haager Filiale der Firma.

Er war ein ziemlich kompetenter Kunsthändler, der mehr als ein Jahrzehnt in der Firma blieb. 1872 begann er, Briefe an seinen Bruder Theo zu schreiben. Dieser Kontakt dauerte bis zum Ende von Vincent van Goghs Leben. Theo wurde im folgenden Jahr Kunsthändler, während Vincent in die Büros von Goupil & Cie in London versetzt wurde. Van Gogh fühlte sich in dieser Zeit mutlos und gab sich Gott hin. Nach wiederholten Wechseln zwischen Paris und London wurde Van Gogh bei Goupil entlassen und entschied sich, Priester zu werden.

Ein Portraitfoto von Vincent van Gogh, 1873; G.Lanting, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Während er als mittelloser Missionar in Südbelgien lebte, verschenkte er sein gesamtes Vermögen an die örtlichen Kohlearbeiter, bis ihn die Kirche wegen seines übereifrigen Festhaltens an seinem Glauben entließ. Van Gogh beschloss 1880, dass er ein Künstler sein und gleichzeitig Gott dienen könne, indem er erklärte:

„Zu versuchen, die eigentliche Bedeutung dessen zu begreifen, was die großen Maler, die ernsten Meister, uns in ihren Werken lehren, das verbindet mit Gott; der eine hat es in einem Buch niedergeschrieben oder vermittelt, ein anderer in einem Gemälde.“

Van Gogh war immer noch ein Bauer, aber Theo gab ihm etwas Geld, damit er über die Runden kam. Da Vincent van Gogh mit seinen Gemälden so gut wie keine Einnahmen erzielte, unterstützte Theo seinen älteren Bruder sein ganzes Leben lang finanziell. Van Gogh war gezwungen, ein Jahr später, 1881, mit seiner Familie nach Hause zurückzukehren, wo er sich selbst die Kunst des Malens beibrachte. Mit der Unterstützung seines Bruders reiste Van Gogh nach Den Haag, mietete einen Arbeitsraum und studierte bei Anton Mauve, einem bekannten Mitglied der Haager Gruppe. Mauve machte Van Gogh mit den Werken von Jean-François Millet bekannt, einem französischen Künstler, der für seine Darstellungen einfacher Arbeiter und Bauern bekannt war.

Landschaft mit Dünen und Figuren (1882) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Reifezeit

Van Gogh begann 1884, nachdem er nach Nuenen in den Niederlanden gezogen war, die abgenutzten Handflächen, Gesichter und andere körperliche Merkmale von Arbeitern und Verarmten zu malen, mit der Absicht, ähnlich wie Millet ein Künstler des Landlebens zu werden. In seinem Privatleben herrschte Chaos, obwohl er eine berufliche Berufung entdeckt hatte.

Van Gogh kritisierte Theo dafür, dass er sich nicht genug für seine Kunstwerke einsetzte, worauf Theo antwortete, dass Vincents düstere Farbpalette im Vergleich zu der hellen und farbenfrohen Art der impressionistischen Maler, die zu dieser Zeit prominent waren, aus der Mode gekommen war.

Als ihr Vater am 26. März 1885 plötzlich an einem Schlaganfall verstarb, waren die Erwartungen an Van Gogh groß, eine erfolgreiche Karriere zu machen. Nach dieser Zeit vollendete er Die Kartoffelesser (1885), das allererste von van Goghs großformatigen Werken und Meisterwerken. 1885 verließ der junge Künstler die Niederlande und schrieb sich an der Akademie der Schönen Künste in Antwerpen ein.

Die Kartoffelesser (1885) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Dort entdeckte er die Werke des Barockkünstlers Peter Paul Rubens, dessen wirbelnde Formen und freie Pinselstriche einen großen Einfluss auf die Herangehensweise des jungen Künstlers hatten. Das strenge akademische Niveau der Schule gefiel dem Künstler jedoch überhaupt nicht und er verließ die Schule im darauffolgenden Jahr in Richtung Paris.

Er zog mit Theo nach Montmartre, dem Künstlerviertel von Paris, und studierte bei dem Maler Fernand Cormon, der ihn mit den Impressionisten bekannt machte.

Van Gogh wurde durch das Beispiel von Malern wie Camille Pissarro, Claude Monet und Georges Seurat sowie durch den Druck von Theo inspiriert, eine hellere Farbpalette zu verwenden. Van Gogh war von 1886 bis etwa 1888 von japanischen Grafiken besessen. Er begann, sie mit Leidenschaft zu erforschen und zu sammeln und organisierte sogar eine Ausstellung in einem Pariser Diner. Ende 1887 organisierte Van Gogh eine Ausstellung mit seinen Kollegen Henri de Toulouse-Lautrec und Emile Bernard, und Anfang 1888 stellte er im Theatre Libre d’Antoine mit den Neoimpressionisten Paul Signac und Georges Seurat aus.

Die Kurtisane (nach Eisen) (1887) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Spätere Jahre und Tod

Der Großteil von Van Goghs berühmtesten Gemälden entstand in seinen letzten Lebensjahren. Im Herbst und Winter 1888 lebten und produzierten Paul Gauguin und Vincent van Gogh in Arles, wo Van Gogh schließlich das „Gelbe Haus“ mietete, weil es die Farbe einer Grapefruit hatte. Der Umzug in die Provence begann als Idee für eine neue Künstlergemeinschaft in Arles als Alternative zu Paris und kam zu einem kritischen Zeitpunkt in den Berufen der beiden Künstler.

Van Gogh und Gauguin arbeiteten im „Gelben Haus“ eng zusammen und etablierten eine Vorstellung von Farbe, die für innere Emotionen stand und nicht auf der Natur beruhte.

Das gelbe Haus („Die Straße“) (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Trotz seines immensen Schaffens litt Van Gogh an Seelenkrankheit, zu der höchstwahrscheinlich Anfälle, psychotische Symptome, Halluzinationen und bipolare Erkrankungen gehörten. Gauguin zog nach Tahiti, auch um von Van Goghs zunehmend instabilem Verhalten wegzukommen. Nach einer besonders heftigen Konfrontation, bei der Van Gogh Gauguin mit einem Messer angriff und ihm schließlich einen Teil seines Ohrs abhackte, schlich sich der Künstler davon. Van Gogh brachte sich am 8. Mai 1889 absichtlich in eine psychiatrische Einrichtung in Saint-Remy, da er unter seinem abnehmenden Geisteszustand litt. Sein psychischer Zustand blieb in den folgenden Wochen stabil, und er konnte mit dem Schaffen beginnen.

Dies war eine seiner arbeitsreichsten Zeiten.

Van Gogh stellte während seiner Zeit in Saint-Remy fast 100 Gemälde fertig, darunter Die Sternschnuppe (1889). Die Anlage und ihre Gärten waren seine Hauptthemen, die er mit den kräftigen Pinselstrichen und satten Farben darstellte, die seine reife Phase kennzeichnen. Van Gogh vertiefte sich bei beaufsichtigten Exkursionen in die natürliche Umgebung und bildete schließlich die Olivenbäume, Zypressen, Schwertlilien und andere Pflanzen auf dem Gelände der Klinik aus dem Gedächtnis nach.

Die Sternennacht (1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh reiste kurz nach seiner Entlassung aus der Anstalt nach Auvers-Sur-Oise und begab sich in die Obhut von Dr. Gachet, einem Homöopathen und Hobbymaler. Der Arzt ermutigte Van Gogh, im Rahmen seiner Genesung zu malen, was er auch bereitwillig tat.

Er zeichnete seine Umgebung in Auvers akribisch auf und schuf in den letzten Monaten seines Lebens jeden Tag etwa ein Bild.

Als Theo jedoch seine Absicht verkündete, eine eigene Firma zu gründen und andeutete, dass das Geld für eine Weile knapp werden würde, verschlimmerte sich Van Goghs Traurigkeit dramatisch. Am 27. Juli 1890 betrat er ein benachbartes Weizenfeld und verletzte sich mit einer Pistole am Oberkörper.

Vermächtnis

In der gesamten Kunstgeschichte gibt es deutliche Spuren von Van Goghs enormem Einfluss. Die Fauves und die deutschen Expressionisten folgten Van Goghs Beispiel und machten sich seine persönliche und spirituell motivierte Verwendung von Farben zu eigen. Die Abstrakten Expressionisten der Mitte des 20. Jahrhunderts nutzten Van Goghs Technik der großen, gefühlsbetonten Pinselstriche, um den geistigen und körperlichen Zustand des Künstlers zu reflektieren.

Neo-Expressionisten wie Eric Fischl und Julian Schnabel ließen sich in den 1980er Jahren von seiner ausdrucksstarken Palette und seinen Pinselstrichen inspirieren. Sein Leben hat die Musik und mehrere Filme der Mainstream-Kultur beeinflusst. Van Goghs Ruhm entwickelte sich schnell unter Malern, Kritikern, Händlern und Sammlern, nachdem er in den späten 1880er Jahren erstmals ausgestellt wurde. 1887 stellte André Antoine Vincent Van Goghs Werke zusammen mit denen von Paul Signac im Théâtre Libre in Paris aus, und Julien Tanguy erwarb sechs von ihnen.

Albert Aurier definierte Vincent van Goghs Malstil 1889 in Le Moderniste Illustré als „Flamme, Leidenschaft, Sonnenlicht“

Vincent van Goghs Kunst soll den französischen Präsidenten Marie François Sadi Carnot in ihren Bann gezogen haben. Nach Van Goghs Tod wurden Gedenkausstellungen in Den Haag, Brüssel, Paris und Antwerpen veranstaltet. Seine Kunst wurde in verschiedenen hochkarätigen Ausstellungen gezeigt, darunter sechs Werke in Les XX und eine Retrospektive in Brüssel im Jahr 1891.

Octave Mirbeau stellte 1892 fest, dass Van Goghs Tod ein „weitaus größerer Verlust für die Kunst“ sei, denn „die Massen haben sich nicht zu einer prächtigen Gedenkfeier versammelt, und der verarmte Vincent van Gogh, dessen Untergang das Ende einer prächtigen Fackel des Glanzes bedeutet, ist so unbekannt und unbeachtet in den Tod verschwunden, wie er gelebt hat.“

Van Goghs Bekanntheit erreichte in Deutschland und Österreich vor dem Ersten Weltkrieg ihren Höhepunkt, was durch die Veröffentlichung seiner Briefe im Jahr 1914 begünstigt wurde. Seine Briefe sind leidenschaftlich und intelligent und gehören zu den besten ihrer Art im 19. Jahrhundert. Sie begründeten den Mythos von Van Gogh als leidenschaftlichem und engagiertem Künstler, der für seine Kunst kämpfte und starb.

Inspiriert von Van Goghs Briefen an Theo verfasste der Autor Irving Stone 1934 Lust auf Leben, ein historisches Buch über Van Goghs Leben. Dieses Werk und das Bild von 1956 steigerten seinen Bekanntheitsgrad, vor allem in den Vereinigten Staaten, wo Stone schätzte, dass vor seinem unerwarteten Bestseller nur ein paar hundert Menschen von Vincent van Goghs Gemälden gewusst hatten.

Schauspieler Kirk Douglas in der Rolle des Vincent van Gogh in Vincente Minnellis Film Lust auf Leben (1956), der auf Irving Stones gleichnamigem Roman von 1934 basiert; Kirk Douglas, Public domain, via Wikimedia Commons

Vincent van Goghs Kunststil und Werke

Während seiner Schulzeit skizzierte und kolorierte van Gogh mit Aquarellfarben, aber es gibt nur wenige Beispiele, und die Urheberschaft einiger ist umstritten. Als er als Erwachsener anfing, Malerei zu studieren, begann er auf einfachstem Niveau. Im Jahr 1882 bat Cornelis Marinus, der Besitzer einer bekannten Galerie für moderne Kunst in Amsterdam, um Skizzen von Den Haag.

Van Goghs Arbeit blieb hinter den Erwartungen zurück.

Marinus schlug einen zweiten Vertrag vor, diesmal mit einer sehr detaillierten Beschreibung des Themas, war aber erneut unzufrieden. Van Gogh blieb hartnäckig; in seinem Atelier spielte er mit der Beleuchtung, indem er verschiedene Fensterläden und verschiedene Skizzenmedien benutzte. Über ein Jahr lang konzentrierte er sich auf einzelne Figuren – unglaublich komplexe Studien in Weiß und Schwarz, die damals nur Spott auf sich zogen.

Gebet vor der Mahlzeit (1882) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Sie wurden später als bahnbrechende Meisterwerke anerkannt. Theo bot seinem Bruder im August 1882 Geld an, um Material für die Arbeit en plein air zu kaufen. Van Gogh erklärte, dass er nun „mit frischem Elan malen“ könne. Anfang 1883 begann er mit der Arbeit an mehrfigurigen Kompositionen. Er fotografierte einige von ihnen, aber als sein Bruder meinte, dass es ihnen an Lebendigkeit und Vitalität fehlte, verwarf er sie und wechselte zur Ölmalerei. Van Gogh suchte technische Hilfe bei bekannten Künstlern der Haager Schule wie Blommers sowie bei Malern wie Van der Weele.

Als er nach seiner Zeit in Drenthe nach Nuenen umzog, begann er zahlreiche riesige Werke, ruinierte aber die meisten davon.

Korb mit Kartoffeln (1885) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Nur Die Kartoffelesser und ihre Begleitstücke haben überlebt. Nach einem Besuch im Rijksmuseum schwärmte Van Gogh von den schnellen, effizienten Pinselstrichen der niederländischen Meister, insbesondere von Frans Hals und Rembrandt. Er erkannte, dass viele seiner Schwächen auf einen Mangel an Fachwissen und technischen Kenntnissen zurückzuführen waren. Deshalb reiste er im November 1885 nach Antwerpen und schließlich nach Paris, um seine Talente zu erwerben und zu erweitern.

Theo rügte Die Kartoffelesser wegen ihrer düsteren Farbgebung, die er für ein aktuelles Design für unangemessen hielt. Während seines Aufenthalts in Paris zwischen 1886 und 1887 versuchte Van Gogh, eine neue, hellere Farbpalette zu beherrschen. Sein Porträt von Père Tanguy (1887) zeigt, dass er mit einer lebhafteren Palette umgehen kann und dass er reifer geworden ist. Charles Blancs Abhandlung über Farben weckte seine Neugier und inspirierte ihn, mit Komplementärfarben zu experimentieren.

Porträt von Père Tanguy (1887) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh erkannte, dass der Einfluss der Farbe über das Analytische hinausgeht; er sagte, dass „Farbe etwas in sich selbst mitteilt“. Laut Van Gogh hat Farbe eine „emotionale und ethische Bedeutung“, wie die knalligen Grün- und Rottöne von Das Nachtcafé (1888) zeigen, einem Werk, mit dem er „die tragischen Impulse der Menschheit vermitteln“ wollte.

Gelb hatte für ihn die größte Bedeutung, da es die emotionale Realität repräsentierte. Er benutzte die Farbe Gelb, um Sonnenlicht, Gesundheit und Gott darzustellen.

The Night Café (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh strebte danach, ein Künstler des Landlebens und der Natur zu sein und nutzte seine neue Palette, um während seiner ersten Sommer in Arles Ausblicke und das traditionelle Landleben zu malen. Seine Überzeugung, dass es eine Kraft hinter der Natur gibt, zwang ihn dazu, in seinen Werken ein Gefühl für diese Kraft oder den Geist der Natur zu vermitteln, oft durch die Verwendung von Symbolen.

Van Goghs Sämannbilder, die er zunächst von Jean-François Millet nachahmte, stellen seine theologischen Überzeugungen dar: der Sämann als Christus, der unter der brennenden Sonne Lebenskraft verbreitet.

Dies waren Themen und Ideen, die er immer wieder aufgriff, um sie zu überdenken und zu verbessern. Vincent van Goghs Blumenbilder sind reich an Symbolik, aber anstatt konventionelle christliche Bilder zu verwenden, schuf er seine eigenen, in denen das Leben unter dem Sonnenlicht erlebt wird und die Arbeit ein Sinnbild für das Leben ist. Nachdem er in Arles Frühlingsblumen gemalt und versucht hatte, strahlenden Sonnenschein einzufangen, konnte er Der Sämann (1888) ausführen.

Der Sämann (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh zog es vor, im „Gewand der Wahrheit“ zu malen, und er verachtete übermäßig stilisierte Werke. Später bemerkte er, dass die Abstraktion in Sternnacht zu weit fortgeschritten war und der Realismus „zu sehr in der Ferne verblasst war.“ Hughes beschreibt es als eine Zeit tiefer visueller Ekstase: Die Lichter befinden sich in einem großen Strudel, der an Hokusais Große Welle erinnert, die Bewegung im Himmel oben wird von der Bewegung der Zypresse auf dem Boden unten widergespiegelt und die Wahrnehmung des Künstlers wird „in einen dicken, kraftvollen Strom von Farbe verwandelt.

Francis Bacon schuf 1957 eine Sammlung von Werken auf Repliken von Der Maler auf dem Weg nach Tarascon. Van Goghs Original ist leider im Zweiten Weltkrieg verloren gegangen. Bacon wurde durch ein „geisterhaftes“ Bild motiviert und sah Van Gogh als geächteten Außenseiter, eine Position, die ihm entgegenkam. Bacon stimmte mit Van Goghs Malideen überein und bezog sich auf Bemerkungen, die an Theo gerichtet waren:

„Wahre Künstler stellen die Dinge nicht so dar, wie sie sind, sondern wie sie sie wahrnehmen.“

Zeichnung von Der Maler auf dem Weg nach Tarascon (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh schien zwischen 1885 und seinem Tod im Jahr 1890 ein Werk zu skizzieren, eine Sammlung, die seine eigene Vision zum Ausdruck brachte und wirtschaftlich erfolgreich sein konnte. Blancs Vorstellung von Stil, dass ein echtes Gemälde den perfekten Einsatz von Farbe, Perspektive und Pinselstrich erfordert, beeinflusste ihn. Van Gogh benutzte den Begriff „zielgerichtet“, um Werke zu beschreiben, die er seiner Meinung nach perfektioniert hatte, im Gegensatz zu Studien.

Er malte eine Reihe von Studien, von denen die meisten Stillleben waren, von denen viele als Farbexperimente oder als Geschenke für Freunde entstanden.Der Sämann, Das Nachtcafé, Erinnerung an den Garten in Etten und Sternnacht gehörten zu den Werken, die er für die wichtigsten aus dieser Zeit hielt.

Gemälde des Gartens in Etten (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Große Serien

Van Goghs ästhetische Fortschritte hängen in der Regel mit der Zeit zusammen, die er an verschiedenen Orten in Europa verbrachte. Er neigte dazu, sich in die einheimischen Bräuche und Lichtverhältnisse zu integrieren, behielt aber dennoch eine ganz eigene ästhetische Perspektive bei. Seine Entwicklung als Künstler verlief schleppend, und er war sich seiner Grenzen als Maler bewusst.

Er reiste viel umher, vielleicht um sich neue visuelle Reize zu verschaffen und dadurch seine technischen Kenntnisse zu erweitern.

Melissa McQuillan, eine Kunsthistorikerin, sagt, dass die Verschiebungen auch spätere Stilentwicklungen darstellen und dass Van Gogh sie benutzte, um Konfrontationen zu vermeiden und als Bewältigungstechnik, wenn der optimistische Künstler mit der Realität seiner aktuellen Lebensumstände konfrontiert wurde.

Porträts

Die Porträts boten Van Gogh seine beste Gelegenheit, Geld zu verdienen. Sie waren „das Einzige in der Kunst, das mich tief berührt und mir ein Gefühl des Unendlichen gibt“, behauptete er. Er erzählte seiner Schwester, dass er Porträts schaffen wollte, die Bestand haben würden und dass er die Gefühle und Persönlichkeiten der Menschen mit Farben darstellen würde, anstatt sich um fotografischen Realismus zu bemühen.

Van Goghs Porträts sind in der Regel ohne die Menschen, die ihm am nächsten standen; Van Rappard, Theo oder Bernard hat er selten abgebildet.

La Berceuse (Porträt von Madame Roulin) (1888-1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Porträts seiner Mutter wurden aus Bildern erstellt. Im Dezember 1888 malte er La Berceuse, eine Figur, die er für ebenso großartig hielt wie seine Sonnenblumen. Es zeichnet sich durch eine eingeschränkte Palette, vielfältige Pinselstriche und geradlinige Formen aus. Es scheint eine Sammlung von Porträts der Familie Roulin zu sein, die er im November und Dezember desselben Jahres in Arles gemalt hat. Die Porträts zeigen einen stilistischen Übergang von Der Postbotes fließenden, kontrollierten Pinselstrichen und gleichmäßiger Textur zu Madame Roulin mit Babys rasender Art, rauer Oberfläche, breiten Pinselstrichen und der Verwendung eines Spachtels.

Der Postbote (Joseph-Étienne Roulin) (1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Selbstporträts

Zwischen 1885 und 1889 malte Van Gogh mehr als 43 Selbstporträts. Sie wurden häufig in Gruppen fertiggestellt, wie zum Beispiel Mitte 1887 in Paris, und dauerten bis zu seinem Tod im Jahr 1890. Im Allgemeinen handelte es sich bei den Porträts um Studien, die in introspektiven Momenten entstanden, wenn er zögerte, sich unter Menschen zu mischen, oder wenn er nur wenige Modelle hatte und sich selbst malen musste.

Die Selbstporträts offenbaren ein extrem hohes Maß an Selbstkritik.

Sie entstanden häufig zum Gedenken an wichtige Ereignisse in seinem Leben; die Pariser Serie von Mitte 1887 zum Beispiel wurde zu der Zeit gemalt, als er auf Paul Cézanne, Claude Monet und Signac aufmerksam wurde. Auf dem Selbstporträt mit grauem Filzhut breiten sich schwere Farbstränge über die Leinwand aus. „Mit seiner sorgfältig geregelten, sich wiederholenden Pinselführung und der eigentümlichen Aura, die aus dem Arsenal der Neoimpressionisten stammt, war es das, was Van Gogh selbst ein „absichtliches Werk“ nannte. Sie umfassen ein breites Spektrum an physiognomischen Darstellungen.

Selbstporträt mit grauem Filzhut (1887) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Goghs geistige und körperliche Gesundheit ist in der Regel sichtbar: Er wirkt zerzaust, ungepflegt oder hat einen struppigen Bart, tief eingesunkene Augen, einen geschwächten Kiefer oder fehlende Zähne. Manche beschreiben ihn mit großen Lippen, einem länglichen Gesicht mit breitem Schädel oder spitzen, wachen Zügen. Sein Haar ist in der Regel rot, obwohl es manchmal auch aschfarben sein kann.

Van Goghs Blick ist selten auf den Betrachter gerichtet. Die Intensität und die Farbe der Bilder variieren, und die leuchtenden Farben, vor allem in denen, die nach Dezember 1888 entstanden, zeigen die müde Blässe seines Teints.

Auf einigen Bildern trägt der Künstler einen Bart, auf anderen nicht. Auf Bildern, die unmittelbar nach seiner Verletzung am Ohr aufgenommen wurden, ist er mit Gaze zu sehen. Nur auf einer Handvoll von ihnen ist er als Maler zu sehen. Diejenigen, die in Saint-Rémy entstanden sind, zeigen den Kopf von der rechten Seite. Das wäre die Seite direkt gegenüber seinem verletzten Ohr gewesen, da er sich in seinem Spiegelbild dargestellt hätte.

Selbstporträt (1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Vincent van Goghs Blumengemälde

Van Gogh schuf verschiedene blumenreiche Landschaften, darunter Flieder, Rosen, Schwertlilien und natürlich Sonnenblumen. Einige seiner Werke veranschaulichen seine Studien in der Sprache der Farben. Es gibt zwei Gruppen von Sonnenblumen, die am Verblassen sind. Die erste, 1887 in Paris gemalt, zeigt Blumen auf dem Boden. Die zweite Gruppe, die Blüten in einer Vase im frühen Morgenlicht, wurde ein Jahr später in Arles fertiggestellt.

Beide sind aus dicht geschichteten Gemälden aufgebaut, die laut der Londoner National Gallery das „Aussehen von Samenköpfen“ hervorrufen.“

Van Gogh ging es in diesen Serien nicht darum, seine Werke mit Subjektivität und Gefühlen zu füllen; vielmehr sollten die beiden Serien Gauguin, der zu Besuch kam, sein technisches Können und seine Arbeitsmethoden demonstrieren.

Sonnenblumen (1887, Paris) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Kunstwerke von 1888 entstanden in der ungewöhnlichen Zeit des Optimismus des Künstlers. Im August 1888 schrieb Vincent van Gogh an Theo: „Ich arbeite mit dem Enthusiasmus eines Marseillais, der Bouillabaisse verschlingt, was dich nicht verwundern wird, wenn es darum geht, riesige Sonnenblumen darzustellen. Wenn ich diesen Entwurf umsetze, wird es etwa ein Dutzend Tafeln geben. Dadurch wird das Ganze zu einer blau-gelben Symphonie. Ich arbeite jeden Morgen daran, beginnend bei Sonnenaufgang. Denn die Blumen verwelken schnell, und es ist am besten, alles auf einmal zu erledigen.“

Stillleben: Vase mit vierzehn Sonnenblumen (1888, Arles) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

In Vorbereitung auf Gauguins Ankunft entstanden die Sonnenblumen als Wandschmuck, und Van Gogh stellte einzelne Werke im Gästezimmer des Gelben Hauses in Arles auf. Gauguin war begeistert und kaufte schließlich zwei der Pariser Repliken. Heute gehören die großen Werke der Serie zu seinen bekanntesten. Sie sind bekannt für die ekelerregenden Implikationen der Farbe Gelb und ihre Verbindung mit dem Gelben Haus, den abstrakten Expressionismus der Pinselführung und die Gegenüberstellung der Bilder vor oft düsteren Hintergründen.

Leben und Zypressen

In Arles verliebte er sich in die Zypressen, die er in 15 Gemälden darstellte. Er hauchte den Bäumen, die zuvor als Symbole des Todes dargestellt worden waren, neues Leben ein. Er begann seine Zypressenserie in Arles mit den Bäumen im Hintergrund, als Windschutz auf Wiesen; in Saint-Rémy rückte er sie in den Vordergrund.

„Zypressen beschäftigen mich immer noch, ich würde gerne etwas mit ihnen machen, wie meine Bilder mit Sonnenblumen“, schrieb Vincent van Gogh im Mai 1889 an Theo und fügte hinzu: „Sie sind großartig in Form und Proportionen wie ein ägyptischer Obelisk.“

Weizenfeld mit Zypressen (1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh fertigte Mitte 1889 auf Geheiß seiner Schwester Wil viele kleinere Kopien von Weizenfeld mit Zypressen an. Wirbel und stark gemalter Impasto kennzeichnen die Werke, zu denen auch Die Sternennacht gehört, bei dem die Zypressen im Vordergrund stehen. Weitere bedeutende Gemälde zu Zypressen sind Straße mit Zypresse und Stern (1890) und Zypressen mit zwei Figuren (1890).

Straße mit Zypresse und Stern (1890) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

In den letzten sechs Monaten des Jahres 1889 vollendete er außerdem mindestens fünfzehn Gemälde mit Olivenbäumen, ein Thema, das ihn herausforderte und faszinierte. Zu diesen Gemälden gehört Olivenbäume mit den Alpillen im Hintergrund (1889), über das Van Gogh in einem Brief an seinen Bruder sagte: „Endlich habe ich eine Olivenlandschaft.“

Van Gogh verbrachte viel Zeit außerhalb der Einrichtung in Saint-Rémy und malte Bäume in den Olivengärten.

Das natürliche Leben wird in diesen Gemälden als verdreht und arthritisch dargestellt, als ob es eine Personifizierung der natürlichen Welt wäre. „Ein kontinuierliches Kraftfeld, das die Schöpfung darstellt“, so Hughes.

Olive Trees with the Alpilles in the Background (1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Obstgärten

Die blühenden Obstgärten war eines der ersten Gemälde, die van Gogh nach seinem Aufenthalt in Arles im Februar 1888 malte. Die 14 Gemälde sind heiter, fröhlich und beschreiben anschaulich den nahenden Frühling. Sie sind außerordentlich sensibel und ohne Leben. Er malte schnell, und während er eine Art Impressionismus zu dieser Serie beitrug, begann sich in dieser Zeit ein starkes Gefühl für seinen eigenen Stil zu entwickeln.

Die Vergänglichkeit der blühenden Bäume und das Vergehen der Jahreszeit schienen seinem Gefühl der Unbeständigkeit und der Hoffnung auf einen Neuanfang in Arles zu entsprechen.

The Flowering Orchard (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, CC0, via Wikimedia Commons

Während der Frühlingsblüte der Bäume entdeckte er „ein Universum von Themen, die japanischer nicht hätten sein können.“ In dieser Zeit perfektionierte Van Gogh den Einsatz von Licht, indem er die Schatten dämpfte und die Bäume so darstellte, als wären sie die Lichtquelle – fast auf eine religiöse Art und Weise. Im nächsten Jahr schuf er ein weiteres, kleineres Gemälde mit dem Titel „Ansicht von Arles, blühende Obstgärten“. Van Gogh war von der Umgebung und dem Grün Südfrankreichs fasziniert und besuchte häufig landwirtschaftliche Gärten in der Nähe von Arles.

Seine Farbpalette wurde durch das brillante Licht der mediterranen Umgebung wesentlich verschärft.

Ansicht von Arles, blühende Obstgärten (1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Weizenfelder

Während seiner Reisen in die Region um Arles unternahm Van Gogh verschiedene Malexpeditionen. Er malte Ernten, Weizenfelder und andere ländliche Sehenswürdigkeiten in der Region, wie zum Beispiel Die alte Mühle (1888), ein hübsches Gebäude, das die Weizenfelder umrandet. Van Gogh hat die Szene von seinem Fenster in Den Haag, Antwerpen und Paris aus gemalt, und zwar zu verschiedenen Zeiten. Aus diesen Gemälden entstand die Serie Das Weizenfeld, die den Blick aus seinem Krankenhauszimmer in Saint-Rémy festhielt.

Viele der späteren Werke sind düster, aber letztlich erbaulich, und sie zeigen Van Goghs Bestreben, bis zu seinem Tod eine klare geistige Gesundheit wiederzuerlangen. Nichtsdestotrotz deuten einige seiner späteren Werke auf seine wachsenden Zweifel hin.

Die alte Mühle (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh schrieb im Juli 1890 in einem Brief aus Auvers, dass er „in die riesige Ebene vor den Hügeln, endlos wie das Meer, herrlich golden“ eingetaucht war. Im Mai, als der Weizen neu und grün war, wurde Van Gogh von den Feldern angezogen. Seine Weizenfelder bei Auvers mit weißem Haus zeigen eine gedämpfte Palette von Gelb- und Blautönen, die eine exquisite Harmonie schaffen.

Van Gogh beschrieb Theo um den 10. Juli 1890 „riesige Weizenfelder unter einem unruhigen Himmel“.

Weizenfeld mit Krähen (1890) schildert den geistigen Zustand des Künstlers in seinen letzten Tagen, den Hulsker als „unheilvolles Bild mit bedrohlichen Wolken und unheilverkündenden Krähen“ beschreibt.

Die dunkle Farbe und die dicken Pinselstriche erwecken ein Gefühl der Vorahnung.

Weizenfeld mit Krähen (1890) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Berühmte Kunstwerke

Wie wir gesehen haben, hat Vincent van Gogh viele Arten von Kunstwerken geschaffen. Aus seinem Gesamtwerk ragen jedoch einige Kunstwerke heraus. Hier ist eine Liste von Vincent van Goghs Gemälden, die beliebt und bekannt sind.

• Die Kartoffelesser(1885)
• Aufgänge (1889)
• Die sternenklare Nacht (1889)
• Selbstporträt(1889)
• Mandelblüte (1890)
• Weizenfeld mit Krähen(1890)
• Bauernhöfe bei Auvers (1890)

Mandelblüte (1890) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Wir hoffen, dass dir dieser ausführliche Einblick in das Leben und die Kunst des unglaublichen Vincent van Gogh gefallen hat. Vincent Willem Van Gogh, der Prototyp des unglücklichen Künstlers, versuchte in all seinen Werken, darunter Sternschnuppe und Van Goghs Blumenbilder, seinen psychologischen und geistigen Zustand zu vermitteln. Vincent van Goghs Gemälde mit ihren dick aufgetragenen, taktilen Pinselstrichen in einer leuchtenden, üppigen Farbpalette fangen die ausgeprägte Persönlichkeit des Künstlers auf der Leinwand ein. Jedes Gemälde von Vincent van Gogh vermittelt eine bestimmte Vorstellung davon, wie der Meister die jeweilige Szene mit seinen Sinnen, Gedanken und Gefühlen wahrgenommen hat. Van Goghs Malstil war grundlegend anders und emotional ansprechend und hat Maler und Bewegungen im gesamten 20. Jahrhundert und bis in die Gegenwart hinein maßgeblich beeinflusst, was seine Bedeutung für die absehbare Zukunft sicherstellt.

Häufig gestellte Fragen

Wann hat Van Gogh gelebt?

Wann wurde Vincent van Gogh geboren? Sein Geburtsdatum war am 30. März 1853. Er verstarb am 29. Juli 1890 durch Selbstmord.

Was war Van Goghs Malstil?

Viele Menschen betrachten Van Goghs Schriften als eine zusätzliche Art von Kunstwerk, da sie Zeichnungen von Werken enthalten, an denen er arbeitete oder die er gerade fertiggestellt hatte. Diese Skizzen zeigen van Goghs Entwicklung und die Weiterentwicklung seines Meisterwerks. Zu Beginn seiner Karriere malte van Gogh in düsteren Farben, die zu seinen damaligen Themen passten, vor allem Bergleute und Landarbeiter. Doch als er 1886 in Paris ankam, änderte sich sein Stil dramatisch, inspiriert von den Werken der Impressionisten und Neoimpressionisten.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.