Pablo Picasso – Alles über den berühmten kubistischen Künstler

Pablo Picasso ist vielleicht die einflussreichste Figur in der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts. Die Vielfalt von Pablo Picassos Kunstwerken war nicht das Ergebnis drastischer Veränderungen seines Stils im Laufe seiner Karriere, sondern beruhte auf seinem Engagement, objektiv zu bewerten, welche Form und Methode am besten geeignet ist, um die gewünschte Wirkung für jedes Kunstwerk zu erzielen. Picassos Kunstwerke sind zweifellos dazu bestimmt, als einige der besten Kunstwerke aller Zeiten in die Geschichte der Menschheit einzugehen.

Das Leben und die Kunst von Pablo Picasso

Bevor er 50 Jahre alt wurde, hatte sich dieser berühmte Künstler als die bekannteste Figur der zeitgenössischen Kunst etabliert, mit der ausgeprägtesten Ästhetik und dem ausgeprägtesten Sinn für künstlerische Produktion. Vor Picasso hatte kein anderer Künstler einen derartigen Einfluss auf die Kunstwelt und genoss sowohl bei Bewunderern als auch bei Kritikern ein so hohes Ansehen.

In seiner langen Karriere schuf Picasso rund 20.000 Zeichnungen, Gemälde und Skulpturen, darunter auch andere Objekte wie Kostüme und Theaterkulissen.

Pablo Picasso, 1962; Argentinien. Revista Vea y Lea, Public domain, via Wikimedia Commons

Er gilt weltweit als einer der wichtigsten und bekanntesten Maler des 20. Jahrhunderts. Als künstlerischer Pionier gilt er zusammen mit Georges Braque als Gründungsmitglied der kubistischen Bewegung. Der Kubismus war eine kulturelle Bewegung, die die Landschaft der europäischen Bildhauerei und Malerei, aber auch die Architektur, die Musik und die Schriftstellerei für immer veränderte.

Kubistische Themen und Artefakte werden zerlegt und auf abstrakte Weise neu zusammengesetzt.

Als Picasso und Braque zwischen 1910 und 1920 in Frankreich den Grundstein für den Kubismus legten, war sein Einfluss so weitreichend, dass er Ableger wie Dada, Futurismus und Konstruktivismus in anderen Ländern inspirierte. Picasso wird auch für die Erfindung der gebauten Skulptur und die Miterfindung der Collagekunst anerkannt. Er gehört auch zu den drei Malern des 20. Jahrhunderts, die für die Entwicklung der Prinzipien der plastischen Kunst anerkannt sind.

Porträt von Pablo Picasso (1912) von Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Durch die aktive Manipulation von Substanzen, die zuvor nicht geschnitten oder geformt werden konnten, trieb diese innovative Kunstform die Zivilisation zu sozialen Verbesserungen in der Malerei, der Bildhauerei, dem Druck und der Töpferei. Diese Stoffe waren nicht einfach nur plastisch, sondern konnten auf irgendeine Weise geformt werden, in der Regel in drei Dimensionen. Gips, Metalle und Holz wurden von Künstlern verwendet, um bahnbrechende skulpturale Kunstwerke zu schaffen, die die Öffentlichkeit noch nie zuvor gesehen hatte.

Aber wann wurde Picasso geboren und wann ist Picasso gestorben? Werfen wir zunächst einen Blick auf die Biografie von Pablo Picasso, bevor wir uns weiter mit seinem Stil und Beispielen von berühmten Picasso-Gemälden beschäftigen.

Pablo Picassos Biografie

Picassos Neigung, Werke in einer Vielzahl von Genres zu schaffen, brachte ihm zu Lebzeiten ein hohes Maß an Anerkennung ein. Seine Bedeutung als Künstler und sein Einfluss auf andere Maler ist seit seinem Tod im Jahr 1973 nur noch gestiegen. Um zu verstehen, wie er zu Ruhm gelangte, werfen wir einen Blick auf seine Kindheit, Ausbildung und Kunstperioden.

Frühes Leben

Picasso wurde als Sohn von Don und Maria Picasso in Malaga, Spanien, geboren. Sein Vater, ein Künstler und Kunstlehrer, war schon sehr früh vom Maltalent des Jungen beeindruckt. Im Alter von sieben Jahren begann Picasso eine akademische Ausbildung bei seinem Vater.

Ruiz war der Meinung, dass der Unterricht aufgrund seiner konventionellen akademischen Ausbildung darin bestand, Meisterwerke zu reproduzieren und die menschliche Figur sowohl von lebenden Personen als auch von Gipsabgüssen zu skizzieren.

Pablo Picasso mit seiner Schwester Lola, 1889; Anonymer unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Als Picasso zehn Jahre alt war, zog seine Familie nach A Coruna, wo sein Vater als Dozent an der Hochschule für Bildende Künste arbeitete. Sie blieben vier Jahre, in denen Ruiz dachte, dass sein Sohn ihn im Alter von 13 Jahren als Maler überholt hatte und beschloss, mit dem Malen aufzuhören. Obwohl Ruiz noch viele Jahre lang Bilder schuf, war er zweifelsohne von dem Talent und den Fähigkeiten seines Sohnes beeindruckt. Pablo Picassos Familie war schockiert, als seine kleine Schwester 1895 an Diphtherie verstarb.

Frühe Ausbildung

Sie zogen nach Barcelona um, wo Pablo Picassos Vater an der Schule der Schönen Künste zu arbeiten begann. Er überzeugte die Verwaltung davon, seinen Sohn zu einer Aufnahmeprüfung für eine Expertenklasse zuzulassen, und Picasso wurde im Alter von 13 Jahren eingeschrieben. Als er 16 Jahre alt war, wurde er in die Königliche Akademie von San Fernando, Spaniens renommierteste Kunstschule, aufgenommen. Picasso verachtete den formellen Unterricht und brach den Unterricht bald nach seiner Ankunft ab. Er verbrachte seine Tage im Madrider Prado, in dem Werke von El Greco und Goya zu sehen waren.

Picassos Werk ist umfangreich und reicht von seinen frühen Kindheitsjahren bis zu seinem Tod und bietet eine gründlichere Aufzeichnung seiner Entwicklung als wahrscheinlich jeder andere Künstler.

Plakat für eine retrospektive Kunstausstellung über Pablo Picasso und seine Werke im Art Institute of Chicago, zwischen 1936 und 1940; Work Projects Administration Poster Collection, Public domain, via Wikimedia Commons

Wenn man die Archive seiner ersten Studien studiert, wird berichtet, dass es einen Übergang gab, als der kindliche Aspekt seiner Zeichnungen verblasste, was auf den formellen Beginn seines Berufs hinweist. Dieses Jahr soll 1894 gewesen sein, als der junge Pablo Picasso gerade mal 13 Jahre alt war. Im Alter von 14 Jahren schuf er das Porträt der Tante Pepa, ein bemerkenswertes Bild, das als eines der größten Porträts in der Geschichte Spaniens gilt. Picasso schuf auch sein preisgekröntes Wissenschaft und Nächstenliebe im Alter von 16 Jahren. Seine Methode des Realismus, die ihm von seinem Vater und seiner frühen Erziehung eingeimpft worden war, erweiterte sich, als er sich mit symbolistischen Ideen auseinandersetzte.

Dies inspirierte Picasso dazu, seine eigene Interpretation der Moderne zu schaffen und seine erste Reise nach Paris zu unternehmen.

Picasso lernte Französisch von einem Pariser Bekannten, dem Dichter Max Jacob. Sie lebten in einer Wohnung, wo sie lernten, wie es war, ein „kämpfender Künstler“ zu sein. Sie waren kühl und arm und mussten ihre eigenen Werke verbrennen, um die Wohnung warm zu halten. Obwohl er in dieser Phase begann, Skulpturen zu entwickeln, bezeichnen Kritiker sie als seine Blaue Periode, benannt nach der blauen Farbpalette, die seine Leinwände charakterisierte.

Der Ton der Werke war ebenfalls unverkennbar melancholisch.

Die Trauer des Künstlers über den Selbstmord von Carlos Casegemas, einem Freund, den er in Barcelona kennengelernt hatte, kann als Ursprung dafür gesehen werden, während die Themen der meisten Werke der Blauen Periode von den Obdachlosen und Nutten abgeleitet wurden, die er auf den Straßen der Stadt traf. Der alte Gitarrist (1903) ist ein hervorragendes Beispiel für das Thema und die Ästhetik dieser Periode. Ab 1904 hellten sich Pablo Picassos Farben auf und er arbeitete ein Jahr oder länger in einer Art und Weise, die als seine Rosenperiode bekannt ist. Er konzentrierte sich auf Entertainer und Zirkusleute und änderte seine Farbpalette zu fröhlicheren Rosa- und Rottönen.

Und kurz nachdem er 1906 den Künstler Georges Braque kennengelernt hatte, vertiefte sich seine Farbpalette, seine Figuren wurden dichter und konkreter, und er begann, sich in Richtung Kubismus zu bewegen.

Reifezeit

Früher haben Kommentatoren die Ursprünge des Kubismus auf sein Frühwerk Les Demoiselles d’Avignon (1907) zurückgeführt. Obwohl dieses Werk heute als Zwischenprodukt angesehen wird (ihm fehlen die dramatischen Entgleisungen seiner späteren Arbeiten), war es aufgrund des starken Einflusses afrikanischer Skulpturen und alter iberischer Kunstwerke definitiv ein Schlüsselwerk für seine Entwicklung.

Es soll Braque dazu motiviert haben, seine eigene erste Serie von Kunstwerken zu schaffen, und in den folgenden Jahren begannen die beiden eine der außergewöhnlichsten Kooperationen in der zeitgenössischen Kunst, bei der sie mal begeistert voneinander lernten, mal versuchten, sich in ihrem rasanten und aggressiven Wettstreit gegenseitig zu übertreffen.

Während der Entwicklung dieses radikalen Ansatzes trafen sich Braque und Picasso regelmäßig, und Picasso bezeichnete sich und Braque als „zwei Bergsteiger, die miteinander verbunden sind“. Mehrere Blickwinkel auf einen Gegenstand werden in ihrer gemeinsamen Vision gleichzeitig gezeigt, indem sie in zersplitterte Formen aufgeteilt und neu angeordnet werden. Form und Raum waren die wichtigsten Aspekte, und deshalb beschränkten beide Maler ihre Paletten auf neutrale Töne, ganz im Gegensatz zu den leuchtenden Farben der Fauves vor ihnen.

Picasso arbeitete immer mit einem Individuum oder einem Kollektiv zusammen, aber wie der Braque-Historiker Alex Danchev es ausdrückt, war Picassos „Braque-Phase“ „die intensivste und produktivste seiner gesamten Karriere“.

Picasso hasste die Bezeichnung „Kubismus“, vor allem als die Kritiker begannen, zwischen den beiden Hauptmethoden zu unterscheiden, denen er angeblich folgte – der synthetischen und der analytischen. Er betrachtete sein Oeuvre als Ganzes. Es steht jedoch außer Frage, dass sich sein Werk nach 1912 veränderte. Er beschäftigte sich weniger mit der Darstellung der Anordnung von Gegenständen im Raum und interessierte sich mehr für die Verwendung von Formen und Motiven als Anhaltspunkte, um deren Existenz auf skurrile Weise anzudeuten.

Portraitfoto von Pablo Picasso vor seinem Gemälde Der Aficionado (Kunstmuseum Basel) in der Villa les Clochettes, Sorgues, Frankreich, Sommer 1912; Anonymer unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Er erfand die Collage-Methode, und von Braque lernte er die verwandte papiers colles-Methode, bei der ausgeschnittene Papierbögen mit Teilen von bereits vorhandenem Ausgangsmaterial kombiniert wurden. Aufgrund ihrer Abhängigkeit von verschiedenen Bezügen zu einem Gegenstand, um die Beschreibung desselben aufzubauen, wird diese Phase später als die „synthetische“ Phase des Kubismus bezeichnet.

Picasso nutzte diesen Ansatz, um dekorativere und humorvollere Arrangements zu schaffen, und seine Vielseitigkeit inspirierte ihn dazu, ihn bis weit in die 1920er Jahre hinein zu verwenden.

Doch das wachsende Interesse des Künstlers am Tanz verlagerte seine Arbeiten um 1916 auf neue Gebiete. Die Begegnung mit dem Schriftsteller, Maler und Filmemacher Jean Cocteau war dafür mitverantwortlich. Durch Cocteau lernte er Sergej Diaghilew kennen und entwarf daraufhin mehrere Bühnenbilder für die Ballets Russes. Picasso hatte einige Jahre lang mit klassischen Themen experimentiert, bevor er sie in den frühen 1920er Jahren voll ausleben konnte. Seine Figuren wurden viel größer und imposanter, und er stellte sie oft vor dem Hintergrund eines mediterranen Goldenen Zeitalters dar.

Foto von Picassos Familie neben einem Flugzeug mit Mitgliedern der Kompanie Ballets Russe; no date, no photographer, Public domain, via Wikimedia Commons

Sie werden seit langem mit den breiteren konservativen Tendenzen des sogenannten rappel a l’ordre in Europa in Verbindung gebracht, einer Kunstepoche, die heute als Zwischenkriegsklassizismus bezeichnet wird. Mitte der 1920er Jahre wurde er vom Surrealismus beeinflusst, was ihn dazu veranlasste, seinen Berufsweg zu überdenken. Seine Kunst entwickelte sich zu einer expressiveren, oft aggressiven oder provokativen Kunst. Dieser Moment in seiner Karriere entspricht der Zeit in seinem Privatleben, als seine Beziehung mit der Ballerina Olga Khokhlova zu zerbrechen begann und er eine neue Affäre mit Marie-Therese Walter begann.

Zweifellos haben Kritiker häufig festgestellt, dass die Veränderungen in Pablo Picassos Malerei oft mit den Veränderungen in seinen intimen Beziehungen zusammenfallen; seine Beziehung mit Khokhlova erstreckte sich über die Jahre seines Engagements im Tanz, und die darauffolgende Affäre mit Jacqueline Roque ist mit seiner späten Phase verbunden, in der er auf seinen Platz in der Geschichte neben den Alten Meistern fixiert war. In den späten 1920er Jahren begann er mit dem Bildhauer Julio González zusammenzuarbeiten.

Dies war seine wichtigste kreative Zusammenarbeit seit der Arbeit mit Braque, und sie führte zu geschweißten Metallkunstwerken, die später immens einflussreich waren.

Eine Metallarbeit von Pablo Picasso mit dem Titel Eiserne Freundschaft, ausgestellt in einer Ausstellung von Julio González; DeuxPlusQuatre, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Politische Themen begannen Picassos Visionen im Laufe der 1930er Jahre zu verzerren, und das blieb auch noch eine Zeit lang so. 1937 wurde er durch die Bombardierung der Menschen im baskischen Dorf Guernica während des spanischen Bürgerkriegs zu dem Bild Guernica inspiriert. Während des Zweiten Weltkriegs hielt er sich in Paris auf, und die deutschen Behörden ließen ihn lange genug in Ruhe, damit er seine Arbeit wieder aufnehmen konnte.

Dennoch hatte der Krieg einen erheblichen Einfluss auf Picasso, denn die Nazis nahmen ihm seine Pariser Kunstsammlung weg und ermordeten einige seiner liebsten jüdischen Freunde.

Picasso schuf ihnen zu Ehren Werke, darunter Skulpturen aus harten, starren Materialien wie Metall in The Charnel House, einem besonders grausamen Nachfolger von Guernica (1945). Nach dem Krieg engagierte er sich stark in der Kommunistischen Partei, und zahlreiche große Filme aus dieser Zeit wie Krieg in Korea (1951) zeugen von seinem neu entdeckten Engagement.

Spätes Leben und Tod

In den 1950er und 1960er Jahren konzentrierte sich Pablo Picasso auf seine eigenen Repliken von großen Werken von Künstlern wie Diego Velázquez, Nicolas Poussin und El Greco. In seinen letzten Jahren suchte Picasso Schutz vor seinem Ruhm und heiratete 1961 Jacqueline Rogue.

Seine späteren Werke waren hauptsächlich Porträts mit fast grellen Farbpaletten.

Kritiker haben sie in der Regel als minderwertig gegenüber seinen früheren Arbeiten angesehen, doch in den letzten Jahrzehnten wurden sie positiver aufgenommen. In dieser späteren Phase schuf er auch eine große Anzahl von Keramik- und Metallskulpturen. 1973 starb er in Südfrankreich an einem Herzinfarkt.

Diving Seagull (1969) von Pablo Picasso, eine Skulptur des Künstlers in Kungshamra; Gumisza, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die verschiedenen Perioden von Picassos Kunstwerken

Picasso verbrachte den größten Teil seines Berufslebens in Frankreich. Sein Werk wurde grob in verschiedene Perioden eingeteilt, in denen er komplizierte Themen und Stimmungen zu einem einheitlichen Werk zusammenfügte. Die erste Periode wurde als die Blaue Periode bezeichnet.

Die Blaue Periode (1901-1904)

Picassos melancholische Phase, in der er sowohl die Not als auch die Auswirkungen der Entbehrungen auf die Menschen in seinem Umfeld unmittelbar erlebte, ist durch grundsätzlich monochrome Werke in Blau- und Blaugrüntönen gekennzeichnet, die nur manchmal durch andere Farben aufgehellt werden. Picassos Gemälde aus dieser Zeit zeigen Hunger, Prostitution und Porträts des Freundes Carlos Casagemas nach dessen Tod, die in dem düsteren allegorischen Bild La Vie (1903) gipfeln. La Vie stellt die innere Qual seines Freundes angesichts einer Freundin dar, die er zu ermorden versuchte.

Im Hinblick auf Picasso und seine Blaue Periode bemerkte der Journalist und Schriftsteller Charles Morice: „Ist dieser alarmierend frühreife Junge nicht dazu bestimmt, der unangenehmen Empfindung des Daseins, der Krankheit, an der er mehr als jeder andere zu leiden scheint, die Heiligkeit eines Meisterwerks zu verleihen?“

Die Rosenperiode (1904-1906)

Dem Begriff zufolge erlebte Picasso eine fröhlichere Zeit, in der er rosa und orange Farben und die lebendige Welt der Zirkusartisten und Harlekine einbezog, nachdem er einige Fortschritte erzielt und seine Verzweiflung überwunden hatte. Dann begegnete der Künstler Fernande Olivier, einer böhmischen Malerin, die auch seine Geliebte werden sollte. Sie taucht später in einigen dieser positiveren Werke auf. Pablo Picasso wurde von den Kunstsammlern Gertrude und Leo Stein sehr gut aufgenommen. Sie waren nicht nur seine Hauptsponsoren, sondern Gertrude war auch auf einem seiner bekanntesten Gemälde zu sehen, dem Porträt von Gertrude Stein.

Afrikanische Einflüsse (1907-1909)

Die Paul Cezanne-Ausstellung im Salon d’Automne ein Jahr nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1906 war ein Wendepunkt für Picasso. Obwohl Picasso Cezanne schon vor der Retrospektive kannte, erkannte er erst auf der Ausstellung das ganze Ausmaß seiner kreativen Brillanz. Picasso entdeckte in Cezannes Werken ein Modell, mit dem er das Wesentliche aus der Realität herausdestillieren konnte, um eine kohärente Oberfläche zu schaffen, die die besondere Perspektive des Künstlers vermittelte.

Ungefähr zur gleichen Zeit begannen die Qualitäten der einheimischen afrikanischen Skulptur einen starken Einfluss auf die europäischen Maler zu haben.

Picassos erstes Meisterwerk war Les Demoiselles d’Avignon. Auf dem Bild sind fünf nackte Frauen abgebildet, deren Körper aus flachen, gebrochenen Oberflächen bestehen und deren Gesichter von afrikanischen Masken beeinflusst sind. Eine bösartig angeschnittene Melone im Obststillleben am unteren Bildrand schwebt auf einer unnatürlich erhöhten Tischplatte; der enge Raum, den die Figuren bewohnen, scheint in scharfen Fragmenten nach vorne zu stoßen.

Picasso weicht in diesem Werk von der konventionellen europäischen Kunst ab, indem er den Primitivismus aufgreift und die Perspektive zugunsten einer flachen, zweidimensionalen Bildebene aufgibt. Als Les Demoiselles d’Avignon zum ersten Mal gezeigt wurde, schien es, als sei die Kunstwelt gefallen. Form und Darstellung, wie wir sie kannten, wurden völlig über Bord geworfen. Infolgedessen wurde es als „das erfindungsreichste Gemälde der modernen Kunstgeschichte“ betitelt.

Picasso entdeckte mit seiner neuen Malweise die Freiheit des Ausdrucks abseits der zeitgenössischen und traditionellen französischen Einflüsse und konnte sich seinen eigenen Weg bahnen. Formale Prinzipien, die in dieser Zeit entstanden, ebneten den Weg für die nachfolgende kubistische Periode.

Kubismus (1909-1912)

Um 1907 wurde Picasso durch eine Reihe von Einflüssen, die von Vincent van Gogh und Paul Cézanne bis hin zu antiken und Stammeskunstwerken reichten, dazu gebracht, seinen Figuren mehr Schwere und Form zu geben. Sie führten ihn schließlich zum Kubismus, in dem er die perspektivischen Standards, die die Malerei der Renaissance geprägt hatten, sprengte. In dieser Zeit verwendete der von Picasso und Braques etablierte Stil hauptsächlich neutrale Töne und konzentrierte sich darauf, Gegenstände zu „zerlegen“ und sie in Bezug auf ihre Formen zu „bewerten“.

Der Kubismus, insbesondere die zweite Variante, die als Synthetischer Kubismus bekannt ist, hatte einen erheblichen Einfluss auf die Entwicklung der westlichen Kunstwelt.

Die Werke dieser Phase betonen die Integration oder Synthese von Formen im Bild. Die Farbe wird in den Formen der Gegenstände immer wichtiger, je größer und schöner sie werden. Nicht gemalte Dinge wie Zeitungen oder Zigarettenpapier werden regelmäßig neben gemalten Bereichen auf die Leinwand geklebt – die Einbeziehung verschiedenster überflüssiger Materialien ist besonders mit Picassos revolutionärer Collage-Methode verbunden. Diese Collage-Methode hebt Texturkontraste hervor und wirft die Frage auf, was Wahrheit und Illusion in der Malerei ausmacht.

Picasso hat durch seine Verwendung von Farben, Formen und mathematischen Figuren sowie durch seine einzigartige Methode, Themen darzustellen, den Kurs der Kunst für zukünftige Generationen beeinflusst.

Neoklassizismus (Ende der 1910er – Anfang der 1920er Jahre) und Surrealismus (Mitte der 1920er Jahre)

Als Picasso 1917 zum ersten Mal nach Italien reiste, beherrschte er Technik und Talent wie kein anderer und begann sofort eine Phase der Hommage an den neoklassischen Stil. Er löste sich vom strengen Modernismus und schuf Zeichnungen und Gemälde, die an Ingres und Raffael erinnerten. Dies war nur ein Prolog zu Picassos Auftritt, der seine modernistischen Gedanken nahtlos mit seinen Fähigkeiten zu surrealistischen Meisterwerken wie Guernica (1937) verband, einer frenetischen und kraftvollen Stilmischung, die die Verwüstung des Krieges darstellt.

„Guernica“ wird oft als die verheerendste Antikriegsbotschaft der modernen Kunst angesehen.

Aufhängen von Picassos Guernica (1937) im Stedelijk Museum, 1956; Herbert Behrens / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Damit wollte Picasso seine Unterstützung für das Ende des Krieges und seine generelle Ablehnung des Nationalsozialismus zeigen. Picasso entschied sich, die Tragödie von Guernica nicht von Anfang an realistisch oder romantisch darzustellen. Schlüsselfiguren wie eine Dame mit ausgebreiteten Armen, ein Stier und ein gequältes Pferd werden in einer Skizze nach der anderen ausgefeilt, bevor sie auf das großflächige Gemälde übertragen werden, das er auch mehrmals umgestaltet. Die düstere Farbgebung und das monochrome Thema wurden verwendet, um die schwierigen Zeiten und die Trauer darzustellen, die man empfand. Guernica stellt den heroischen Charakter der Schlacht in Frage und zeigt sie als grausamen Akt der Selbstzerstörung.

Das Werk war nicht nur ein funktionaler Bericht oder ein Gemälde, sondern es bleibt auch ein starkes politisches Bild in der modernen Kunst, das nur von einigen Fresken des mexikanischen Künstlers Diego Rivera übertroffen wird.
 

Berühmte Picasso-Gemälde

Pablo Picassos Engagement für den Kubismus führte zur Entwicklung der Collage, in der er das Konzept des Bildes als Fenster zu den Dingen der Welt ablehnte und begann, es nur als eine Ansammlung von Signalen zu betrachten, die verschiedene, oft metaphorische Techniken verwendeten, um sich auf diese Dinge zu beziehen. Auch das sollte weitreichende Folgen für die nächsten Jahrzehnte haben.

Picasso hatte eine vielseitige Einstellung zur Form, und obwohl sein Werk typischerweise von einer einzigen dominierenden Herangehensweise geprägt war, wechselte er häufig zwischen verschiedenen Stilen hin und her – gelegentlich sogar innerhalb desselben Werks.

Seine Erfahrungen mit dem Surrealismus beeinflussten nicht nur die zarten Formen und die sanfte Sinnlichkeit der Bilder seiner Freundin Marie-Therese Walter, sondern auch die scharf gezackte Ikonografie von Guernica (1937), dem bekanntesten Antikriegs-Kunstwerk des Jahrhunderts. Picasso war immer darauf bedacht, sich in der Geschichte zu verankern, und einige seiner berühmtesten Werke, wie Les Demoiselles d’Avignon (1907), spielen auf eine Fülle von Vorgängern an – auch wenn sie sie unterlaufen.

Als er älter wurde, war er zunehmend darauf bedacht, sein Erbe zu sichern, und sein späteres Werk zeichnet sich durch eine offene Auseinandersetzung mit alten Meistern aus.

Die Suppe(1903)

Die Suppe ist ein Beispiel für die düstere Traurigkeit von Picassos Blauer Periode. Es entstand zur gleichen Zeit wie eine Reihe anderer Gemälde, die sich mit Themen wie Entbehrung, Alterung und Behinderung befassen. Das Kunstwerk drückt Picassos Sorge über die beklagenswerten Zustände aus, die er erlebte, als er in Spanien aufwuchs, und es wurde zweifellos von der religiösen Kunst inspiriert, mit der er aufwuchs, insbesondere von El Greco. Dennoch repräsentiert das Kunstwerk den allgemeinen symbolistischen Trend dieser Zeit.

Picasso betrachtete seine Werke der Blauen Periode schließlich als „nichts als Gefühl“; die Kritiker schlossen sich ihm in der Regel an, obwohl viele dieser Bilder klassisch und natürlich ziemlich teuer sind.

https://youtu.be/pQYJqqoR59c?t=95

Porträt von Gertrude Stein (1905)

Gertrude Stein war Picassos Autorin, persönliche Freundin und sogar Mäzenin, und sie war entscheidend für seine Entwicklung als Künstler. Dieses Bild, auf dem Stein in ihren geliebten braunen Samtmantel gekleidet ist, wurde kaum ein Jahr vor Les Demoiselles d’Avignon fertiggestellt und stellt einen wichtigen Schritt in seinem reifenden Stil dar.

Im Vergleich zu den flachen Gemälden der Blauen und Rosa Periode wirken die Formen in diesem Porträt fast wie geschnitzt und wurden durch das Studium der antiken iberischen Skulptur inspiriert.

Picassos gesteigertes Interesse an der Darstellung eines menschlichen Gesichts als eine Abfolge von flachen Ebenen ist praktisch greifbar. Stein sagte, dass sie 90 Mal vor Picasso saß, und obwohl das übertrieben sein mag, hatte Picasso zweifellos lange Zeit Probleme damit, ihren Kopf darzustellen. Nachdem er es auf verschiedene Arten versucht hatte und daran gescheitert war, strich er ihn eines Tages ganz aus und sagte: „Ich kann dich nicht mehr wahrnehmen, wenn ich dich anschaue“, und gab das Bild schließlich auf.

Er beendete den Kopf erst viel später, aber ohne das Subjekt vor sich zu haben.

Les Demoiselles d’Avignon (1907)

Dieses Kunstwerk verblüffte selbst Picassos liebste Künstlerkollegen, sowohl was den Inhalt als auch die Technik angeht. Das Thema der nackten Frauen war nicht ungewöhnlich, aber Picassos Darstellung der Mädchen als Prostituierte in unverhohlener sexueller Haltung war neu. Picassos Faszination für die iberische und indigene Kunst wird besonders in den maskenartigen Gesichtern von drei der Frauen deutlich, die andeuten, dass ihre Sexualität nicht nur gewalttätig, sondern auch ursprünglich ist.

Pablo Picasso ging bei seinen räumlichen Erkundungen noch einen Schritt weiter, indem er den Renaissance-Eindruck der Dreidimensionalität zugunsten einer dramatisch abgeflachten, in geometrische Fragmente zerlegten Bildebene verwarf, eine Technik, die Picasso teilweise von Paul Cézannes Pinselführung übernahm.

Das Bein der Dame auf der linken Seite ist zum Beispiel so gemalt, als würde man es aus mehreren Perspektiven gleichzeitig sehen. Es ist schwierig, das Bein von dem es umgebenden negativen Raum zu unterscheiden, sodass der Eindruck entsteht, dass beide im Vordergrund stehen.

Als das Bild schließlich 1916 in der Öffentlichkeit gezeigt wurde, wurde es weitgehend als unmoralisch angesehen.

Braque gehörte zu den wenigen Malern, die das Bild 1907 gründlich studierten, was direkt zu seiner kubistischen Partnerschaft mit Picasso führte. Weil Les Demoiselles einige Züge des Kubismus vorwegnahm, wird das Werk als Proto- oder Prä-Kubismus angesehen.

Stillleben mit Stuhlschlag (1912)

Dieses berühmte Kunstwerk gilt als die früheste Collage der modernen Kunst. Picasso hatte schon früher Gegenstände an seine Gemälde angehängt, aber dies ist das erste Mal, dass er dies mit einer so humorvollen und dramatischen Absicht tat. Die Stuhlleinen auf dem Bild sind aus bedrucktem Wachstuch und nicht aus echten Stuhlleinen, wie der Titel vermuten lässt.

Das Seil, das um die Leinwand gewickelt ist, ist dagegen sehr echt und trägt dazu bei, die geschnitzte Umrandung eines Cafétisches zu imitieren.

Außerdem kann sich der Betrachter die Leinwand als einen Glastisch vorstellen und die Stuhllehne als die tatsächliche Sitzfläche des Stuhls, die durch den Tisch wahrgenommen wird. Dadurch kontrastiert das Bild nicht nur den visuellen Raum erheblich, wie es für Picassos Experimente charakteristisch ist, sondern es verzerrt auch unsere Wahrnehmung dessen, was wir sehen.

Schale mit Obst, Geige und Flasche (1914)

Dieses Werk ist repräsentativ für seinen Synthetischen Kubismus, in dem er zahlreiche Techniken einsetzt, um auf die dargestellten Dinge anzuspielen, wie gemalte Punkte, Schatten und Sandkörner. Diese Kombination aus Farbe und gemischten Medien ist ein Beispiel dafür, wie Picasso Textur und Farbe „synthetisierte“ – er erfand ein Ganzes, nachdem er die vorhandenen Gegenstände kognitiv zerlegt hatte.

Picasso verdrängte während seiner analytisch-kubistischen Periode die Farbe, um sich mehr auf die Formen und Dimensionen der Objekte zu konzentrieren, und diese Logik prägte sicherlich seine Vorliebe für Stillleben während dieser gesamten Periode.

Das Caféleben fasste für den Maler zweifellos das moderne Pariser Leben zusammen – er verbrachte dort viel Zeit damit, sich mit anderen Malern zu unterhalten -, aber die grundsätzliche Anordnung der Dinge garantierte auch, dass Bedenken bezüglich Metapher und Referenz in Schach gehalten werden konnten.

Ma Jolie (1912)

In diesem Gemälde lotet Picasso die Grenze zwischen hoher Kunst und Alltagskultur aus und dringt mit seinen Experimenten in neue Bereiche vor. Picasso bewegt sich auf die Abstraktion zu, indem er die Farbe reduziert und die Illusion einer Flachrelief-Skulptur verstärkt und die geometrischen Umrisse von Les Demoiselles d’Avignon erweitert.

Picasso hingegen brachte gemalten Text auf die Leinwand.

Der Satz „ma Jolie“ auf dem Cover verdichtet nicht nur den Raum, sondern bringt das Kunstwerk durch die Verwendung einer Werbeschrift auch mit einem Plakat in Verbindung. Es ist das erste Mal, dass ein Maler öffentlich Elemente der Populärkultur für die Schaffung hoher Kunst verwendet hat.

„Ma Jolie“ war damals auch der Titel eines beliebten Liedes und Picassos Spitzname für seine Freundin, was das Gemälde zusätzlich mit der Populärkultur verbindet.

Die drei Musikanten(1921)

Es gab zwei Versionen von Pablo Picassos Gemälde der Musiker. Die etwas kleinere Version ist im Philadelphia Museum of Art ausgestellt, obwohl beide für Picassos kubistische Phase außergewöhnlich groß sind. Möglicherweise entschied er sich für einen so großen Maßstab, um an das Ende seines Synthetischen Kubismus zu erinnern, der ihn über ein Jahrzehnt lang beschäftigt hatte.

Er schuf es in demselben Sommer, in dem er auch das extrem unähnliche, klassische Bild Drei Frauen im Frühling schuf. Manche haben die Bilder als nostalgische Reminiszenzen an Picassos frühe Tage betrachtet; Picasso sitzt wie immer in der Mitte, der Harlekin, mit seinen alten Bekannten Guillaume Apollinaire und Max Jacob, von denen er sich entfremdet hatte, auf jeder Seite.

Drei Frauen an der Quelle (1921)

Für dieses Gemälde, seine aufwändigste Darstellung eines klassischen Themas, hat Picasso umfangreiche Recherchen angestellt. Es ist eine Hommage an ältere Werke von Poussin und Ingres, zwei Titanen der klassischen Malerei, aber es nimmt auch Anleihen bei der griechischen Skulptur, und das enorme Gewicht der Figuren wirkt geradezu skulptural.

Kritiker sagen, das Thema habe ihn wegen der Geburt seines ersten Sohnes gereizt, und die feierliche Haltung der Figuren lässt sich durch die aktuelle Besessenheit Frankreichs verstehen, der Toten des Ersten Weltkriegs zu gedenken.

Guernica (1937)

Picasso malte dieses Gemälde als Reaktion auf die Bombardierung des baskischen Dorfes Guernica am 26. April 1937, mitten im Spanischen Bürgerkrieg. Es wurde innerhalb eines Monats fertiggestellt und diente als Mittelpunkt des spanischen Pavillons auf der Weltausstellung 1937 in Paris.

Während der Ausstellung sorgte es für Aufsehen, aber in Spanien durfte es bis zur Absetzung des militaristischen Tyrannen Francisco Franco im Jahr 1975 nicht mehr gezeigt werden.

Es wurde viel Arbeit darauf verwendet, die Bedeutung des Kunstwerks zu entschlüsseln, und einige sind der Meinung, dass das leidende Pferd in der Mitte der Leinwand sich auf die Bürger Spaniens bezieht. Der Minotaurus könnte sich auf den Stierkampf beziehen, einen beliebten nationalen Zeitvertreib in Spanien, aber er hat auch eine tiefe persönliche Bedeutung für den Künstler.

Obwohl „Guernica“ ohne Frage die ikonischste Reaktion der modernen Kunst auf einen Konflikt ist, sind sich die Kritiker über die Wirkung des Gemäldes uneins.

Picassos Neigung, Werke in einer Vielzahl von Genres zu schaffen, brachte ihm im Laufe seiner Karriere große Anerkennung ein. Lass uns diesen Artikel mit ein paar weiteren berühmten Picasso-Zitaten abschließen, um einen Einblick in den Geist dieses eigenwilligen und kreativen Künstlers zu bekommen: „Jeder junge Mensch hat das Potenzial, ein Künstler zu sein. Die Frage ist nur, wie man ein Künstler bleibt, wenn man älter wird“ und „Ich tue immer das, was ich nicht kann, damit ich herausfinden kann, wie ich es tun kann.“

Häufig gestellte Fragen

Wann wurde Picasso geboren und wann ist Picasso gestorben?

Pablo Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in eine kreative Familie geboren. Er wurde in Spanien, in der Stadt Malaga, geboren. Im Jahr 1973 starb er an einem Herzinfarkt in Südfrankreich.

Wer war Pablo Picasso?

Picasso verbrachte die meiste Zeit seines beruflichen Lebens in Frankreich. Sein Werk wird grob in Zeitabschnitte eingeteilt, in denen er komplexe Ideen und Gefühle zu einem kohärenten Gesamtwerk verarbeitete. Die erste Phase wurde als die Blaue Periode bezeichnet. Das vielfältige Spektrum von Pablo Picassos Kunstwerken ist nicht das Ergebnis signifikanter Veränderungen seines Stils im Laufe seiner Karriere, sondern vielmehr seiner Hingabe an eine objektive Bewertung der Form und des Ansatzes, die am besten geeignet sind, um die von ihm beabsichtigte Wirkung für jedes Kunstwerk zu erzielen;

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Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.