Max Ernst - Biografie und Porträt des Provokateurs

Max Ernst war ein Abtrünniger, ein provokanter und erfinderischer Künstler, der seine Psyche erforschte und surreale Bilder schuf, die gesellschaftliche Normen in Frage stellten. Ernst, ein Veteran des Ersten Weltkriegs, war von seinen Erfahrungen zutiefst verstört und stand der westlichen Zivilisation sehr skeptisch gegenüber. Diese starken Emotionen führten geradewegs dazu, dass er die moderne Welt als unlogisch empfand, was die Grundlage für Max Ernsts künstlerische Arbeit bildete. Max Ernsts surrealistische und dadaistische Kunstwerke spiegeln seine ästhetische Vision ebenso wider wie seinen Witz und seine Kraft.

Inhaltsverzeichnis

Max Ernsts Biografie und Kunst

Max Ernsts Gemälde waren bahnbrechende Beispiele für den Dadaismus und den Surrealismus. Seine Auseinandersetzung mit der Psyche, seine Sozialkritik und seine weitreichenden Experimente in Bezug auf Thema und Methode haben bis heute Auswirkungen. Max Ernsts Kunstwerke stellten Kunstkulturen und -praktiken in Frage und zeigten gleichzeitig ein tiefes Verständnis der europäischen Kunstgeschichte. Max Ernsts surrealistische Gemälde waren ungegenständliche Werke ohne klare Themen, die die Reinheit der Kunst in Frage stellten, indem sie die religiöse Ikonografie kritisierten und neue Wege erfanden, um Kunstwerke zu schaffen, die den aktuellen Zustand vermitteln.

Nationalität	Deutsch-amerikanisch-französisch
Geburtsdatum	2. April 1891
Todesdatum	1. April 1976
Geburtsort	Brühl, Deutsches Reich
Verbundene Bewegungen	Surrealismus, Dada

Frühes Leben

Max Ernst wurde als drittes von neun Kindern in einer bürgerlichen katholischen Familie in Brühl bei Köln geboren. Philipp, sein Vater, war Lehrer für gehörlose Kinder und Amateurkünstler, ein glühender Christ und ein strenger Zuchtmeister. Er vermittelte Ernst den Wunsch, Autoritäten in Frage zu stellen, und seine Leidenschaft für das Malen und Zeichnen in der Natur veranlasste ihn, eine Karriere als Maler einzuschlagen.

Ernst erhielt außer dieser Einführung in die Amateurkunst zu Hause keinen offiziellen Kunstunterricht; daher war er für seine künstlerischen Fähigkeiten selbst verantwortlich.

Ernst schrieb sich 1909 an der Universität Bonn ein, um Kunstgeschichte, Philosophie, Psychologie, Literatur und Psychiatrie zu studieren. Er besuchte Sanatorien und war fasziniert von den Kunstwerken psychisch kranker Menschen. Im selben Jahr begann er auch zu malen, indem er Zeichnungen auf dem Gelände des Brühler Schlosses anfertigte sowie Bilder von seiner Schwester und sich selbst. Dann begegnete der Künstler August Macke und schloss sich 1911 der Malergruppe Die Rheinischen Expressionisten an und entschied sich, eine Karriere als Künstler zu verfolgen. 1912 besuchte er die Sonderbund-Ausstellung in Köln, wo ihn die Werke von Pablo Picasso und Postimpressionisten wie Paul Gauguin und Vincent van Gogh tief beeindruckten.

Portrait von Max Ernst, 1968; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, CC0, via Wikimedia Commons

Max Ernsts Kunstwerke wurden in diesem Jahr in der Galerie Feldman in Köln zusammen mit denen der Gruppe Das Junge Rheinland ausgestellt und dann 1913 in anderen Gruppenausstellungen. Ernst verwendete in dieser Zeit in seinen Werken eine satirische Technik, indem er abstoßende Elemente mit Motiven des Expressionismus und Kubismus verband. Max Ernst traf dann Hans Arp im Jahr 1914 in der Stadt Köln. Die beiden wurden treue Freunde und hatten eine 50-jährige Verbindung. Nachdem er seine Ausbildung im Sommer beendet hatte, wurde Ernsts Leben durch den Ersten Weltkrieg unterbrochen. Ernst wurde eingezogen und kam sowohl an der Ost- als auch an der Westfront zum Einsatz.

Der Krieg hatte schreckliche Auswirkungen auf Ernst; in seinen Memoiren beschrieb er seine Zeit in der Armee wie folgt: „Am ersten August 1914 starb M[ax]. E[rnst]. gestorben. Er wurde am elften November 1918 wieder auferweckt“

Ernst wurde für eine kurze Zeit an der Westfront als Kartenzeichner eingeteilt, was es ihm ermöglichte, die Malerei wieder aufzunehmen. Max Ernst gehörte zu den berühmten Malern, die aus dem Krieg zurückkamen und emotional traumatisiert waren und sich geistig von den europäischen Sitten und konventionellen Überzeugungen entfernt hatten. Mehrere deutsche Künstler des Expressionismus, darunter Franz Marc und August Macke, fielen während des Krieges im Kampf.

Künstlerische Ausbildung

Obwohl Ernst größtenteils Autodidakt war, wurde er von den Gemälden von August Macke und Vincent van Gogh inspiriert. Giorgio de Chiricos Bilder weckten seine Neugierde für Traum-Ikonographie und das Surrealistische. Ernst nutzte seine Kindheits- und Militärerinnerungen, um lächerliche und erschreckende Szenarien zu schaffen. Ernst behielt während seiner gesamten Karriere eine rebellische Ader und stellte in einigen seiner Gemälde die Welt praktisch auf den Kopf.

Nachdem er nach dem Waffenstillstand nach Deutschland zurückgekehrt war, half Ernst zusammen mit dem Künstler und Dichter Jean Arp, die Dada-Gruppe in Köln zu gründen, während er gleichzeitig enge Beziehungen zur Avantgarde-Bewegung in Paris pflegte. Er heiratete die Kunstgeschichtsstudentin Luise Straus, die er 1914 kennengelernt hatte. Im Jahr 1919 besuchte Ernst Paul Klee in München und studierte die Werke von Giorgio de Chirico.

Porträt von Giorgio de Chirico, 1936; Carl Van Vechten, Public domain, via Wikimedia Commons

Im selben Jahr entstanden unter dem Einfluss von de Chirico, Lehrbüchern und anderen Quellen die ersten Collagen von Max Ernst, ein Stil, der sein kreatives Schaffen prägen sollte. Ernsts unlogische Bildgestaltung ermöglichte es ihm, die Welten der Träume, des Unterschwelligen und des Ungewollten sichtbar zu machen, während er sich in seinen eigenen Geist vertiefte, um sich zu motivieren und sein eigenes Leiden zu verarbeiten.

Ernst war in Köln und kuratierte Zeitschriften und half beim Aufbau einer Dada-Ausstellung in einer öffentlichen Toilette, wo die Kunden von einer hübschen jungen Dame begrüßt wurden, die schreckliche Gedichte spuckte.

Ernsts Skulptur war ebenfalls ausgestellt, ebenso wie eine Axt, mit der die Zuschauer aufgefordert wurden, das Kunstwerk anzugreifen und zu zerstören. Diese Veranstaltung zur Beteiligung des Publikums empörte das bürgerliche Empfinden. Ulrich Ernst, der Sohn von Ernst und Luise, wurde am 24. Juni 1920 geboren und wurde später Maler. Seine Ehe mit Luise endete mit einer Scheidung. Im Jahr 1921 lernte er Paul Éluard kennen, der ein Freund fürs Leben wurde. Éluard kaufte zwei von Ernsts Gemälden – Celebes (1921) und Oedipus Rex (1922) – und wählte sechs Collagen für seinen Gedichtband Répétitions.

Eröffnung der Max Ernst Ausstellung in der Galerie Au Sans Pareil, 2. Mai 1921. Von links nach rechts: René Hilsum, Benjamin Péret, Serge Charchoune, Philippe Soupault oben auf der Leiter mit einem Fahrrad unter dem Arm, Jacques Rigaut (verkehrt herum), André Breton und Simone Kahn; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Reifezeit

1922 zog Ernst nach Paris und arbeitete und lebte dort bis etwa 1941, als der Zweite Weltkrieg es ihm extrem schwer machte, in Europa zu bleiben. Mit der Veröffentlichung von André Bretons Erstem Surrealistischen Manifest (1924) verdrängte der Surrealismus in den nächsten Jahrzehnten den Dadaismus, und Ernst wurde zu einem wesentlichen Bestandteil der Gruppe.

Ernst und seine Künstlerkollegen begannen, das Potenzial von Autonomie und Visionen zu erforschen; seine kreativen Experimente wurden sogar durch Hypnotherapie und Halluzinogene erleichtert. 1925 begann Ernst mit der Frottage (Abreibungen mit Bleistift von Substanzen wie natürlichen Holzmaserungen, Stoffen oder Laub) zu experimentieren, um die Bilderflut seines Unterbewusstseins zu wecken, sowie mit der Dekalkomanie (der Praxis, Pigment von einem Material auf ein anderes zu übertragen, indem man die beiden gleichzeitig quetscht).

Seine Experimente und Fortschritte in der Technik führten zu fertigen Bildern, unbeabsichtigten Mustern und einzigartigen Texturen, die er anschließend in seine Gemälde und Skizzen einbaute.

Diese Betonung der materiellen Berührung und das Verändern alltäglicher Gegenstände, um ein Bild zu schaffen, das eine Art kollektives Bewusstsein repräsentiert, sollte für die Idee des Surrealismus, den Automatismus, entscheidend werden. Er erfand auch die Grattage-Methode, bei der Farbe über eine Leinwand gekratzt wird, um die Abdrücke der darunter liegenden Gegenstände zu zeigen. Diese Technik wurde in seinem bekannten Werk Forest and Dove (1927) eingesetzt.

https://youtu.be/yudsr21M15M?t=81

Im darauffolgenden Jahr arbeitete Ernst mit Joan Miró an verschiedenen Entwürfen für Sergei Diaghilev. Ernst erfand die Grattage, bei der er mit Hilfe von Miró Farbe von seinen Leinwänden abspachtelte. Ernst entwickelte eine Liebe zu Vögeln, die sich in seiner Kunst niederschlug. In Max Ernsts Gemälden hatte er einen Vogel als sein Alter Ego, den er Loplop nannte. Er sagte, dass sein Alter Ego eine Vergrößerung seiner selbst war, die aus einer frühen Verwechslung von Vögeln und Menschen resultierte.

Er behauptete, dass er als Kind eines Nachts aufwachte und feststellte, dass sein Lieblingsvogel umgekommen war; ein paar Augenblicke später verkündete sein Vater die Geburt seiner Schwester.

Loplop taucht häufig in Max Ernsts Collagen von Werken anderer Künstler auf, zum Beispiel in Loplop präsentiert André Breton. Max Ernsts Gemälde Die Jungfrau züchtigt das Jesuskind vor drei Zeugen (1926) löste viele Diskussionen aus. Ernst heiratete 1927 Marie-Berthe Aurenche, und man sagt, dass seine Beziehung zu ihr die sinnliche Thematik von Der Kuss und anderen Werken aus diesem Jahr beeinflusst hat. Luis Buñuel, ein Surrealist, führte bei Ernst in dem Film L’age d’Or von 1930 Regie.

Ernst begann 1934 mit der Bildhauerei und studierte bei Alberto Giacometti. Peggy Guggenheim, eine amerikanische Erbin und Kunstförderin, kaufte 1938 eine Reihe von Max Ernsts Werken und präsentierte sie in ihrer neuen Galerie in London. Ernst und Peggy Guggenheim heirateten irgendwann zwischen 1942 und 1946.

Spätere Jahre

1933 hatten Hitler und die Nazis die Macht in Deutschland übernommen. Bis zum Herbst 1937 hatte Hitler rund 16 000 Avantgarde-Kunstwerke aus den staatlichen Museen Deutschlands zusammengetragen und 650 Gemälde für seine katastrophale Ausstellung (Entartete Kunst) nach München geschickt. Ernst scheint mindestens zwei Werke in der Ausstellung ausgestellt zu haben, die beide seither vollständig verschwunden sind oder höchstwahrscheinlich abgerissen wurden.

Als im September 1939 der Zweite Weltkrieg ausbrach, wurde Ernst als „unerwünschter Ausländer“ im Camp des Milles in der Nähe von Aix-en-Provence eingekerkert, zusammen mit seinem Landsmann, dem Surrealisten Hans Bellmer, der zuvor nach Paris geflohen war. Er wohnte bei seiner Partnerin und surrealistischen Malerkollegin Leonora Carrington, die keine andere Wahl hatte, als ihren Besitz zu verkaufen, um ihre Schulden zu begleichen und nach Spanien zu gehen, da sie nicht wusste, ob er zurückkehren würde.

Nachdem er als deutscher Untertan mehrmals inhaftiert wurde, gelang Ernst die Flucht aus Frankreich, während die Gestapo ihm auf den Fersen war.

Als Emigrant in New York förderte er neben prominenten europäischen Avantgarde-Künstlern wie Piet Mondrian und Marcel Duchamp eine völlig neue Schule amerikanischer Künstler. Ernsts Verachtung für konventionelle Malmethoden, Stile und Bilder (wie sie in der klassischen Tradition der Arbeiten seines Vaters zum Ausdruck kommen) faszinierte junge amerikanische Künstler, die wie Ernst einen frischen und unkonventionellen Ansatz in der Kunst etablieren wollten.

LINKS: Porträt von Piet Mondrian, 1899; Anonymer unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons | RECHTS: Porträt von Marcel Duchamp, 1927; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, gemeinfrei, via Wikimedia Commons

Er hatte einen besonders großen Einfluss auf Jackson Pollock, der von Ernsts Collage-Merkmalen und seiner Neigung, seine Kunst als Abstraktion seiner inneren Verfassung zu nutzen, fasziniert war. Ernsts Einfangen des Unterbewusstseins und des Zufälligen in seinem Kunstschaffen sowie seine gewaltigen surrealistischen Experimente mit Autonomie und spontanem Schreiben weckten die Neugier der neuen Künstler.

1942 arbeitete Ernst mit der ‚Oszillation‘, d.h. er malte, indem er einen mit Farbe gefüllten, mehrfach durchlöcherten Behälter über die Leinwand schleuderte; Pollock war davon besonders angetan.

Max Ernst lernte dann die lebhafte Peggy Guggenheim kennen, eine Galeriekuratorin und Kunstliebhaberin, die später auch seine dritte Frau werden sollte. Durch Guggenheims Popularität und ihre Beziehungen erhielt er engen Zugang zu den aufstrebenden New Yorker Kunstkreisen. Seine Ehe mit Guggenheim war jedoch nicht von langer Dauer. Im Oktober 1946 heiratete er Dorothea Tanning in Beverly Hills, Kalifornien, in einer Doppelhochzeit mit Man Ray und Juliet P. Browner.

Von 1946 bis 1953 lebte das Paar in Sedona, Arizona, wo die Landschaft der Hochwüste sie inspirierte und sie an Ernsts frühere Arbeiten erinnerte. Ungeachtet der Tatsache, dass Sedona isoliert war und nur 400 Hirten, Weinbauern, Händler und winzige indianische Dörfer beherbergte, trug ihre Anwesenheit dazu bei, das zu etablieren, was eine amerikanische Künstlergemeinschaft werden sollte.

Ernst errichtete ein kleines Haus an der Brewer Road inmitten der massiven roten Felsen, und er und Tanning hießen Intellektuelle und europäische Maler wie Yves Tanguy und Henri Cartier-Bresson willkommen.

Sedona inspirierte die Maler ebenso wie Ernst, der sein Buch Beyond Painting schrieb und sein bildhauerisches Meisterwerk Capricorn (1948) fertigstellte, während er in Sedona lebte. Das Buch und seine Popularität verhalfen Ernst zu finanziellen Erfolgen. Ernst und Tanning kehrten schließlich 1953 nach Frankreich zurück. Auf der renommierten Biennale von Venedig erhielt Ernst 1954 den großen Malereipreis. Ernst arbeitete bis zu seinem Tod im Jahr 1976 in Paris als Maler.

Max Ernsts Kunstwerk und Stil

Max Ernst brach mit den künstlerischen Traditionen und war gleichzeitig ein Kenner der europäischen Kunstgeschichte. Er stellte die Reinheit der Kultur in Frage, indem er ungegenständliche Kompositionen ohne offensichtliche Erzählung schuf, religiöse Bilder auf die leichte Schulter nahm und neue Ansätze zur Kunstproduktion entwickelte, um den bestehenden Status zu vermitteln. Ernst war fasziniert von den Kunstwerken der Geistesgestörten als einer Methode, um Zugang zu grundlegenden Gefühlen und ungezügelter Schöpfung zu finden.

Ernst war einer der ersten Maler, der die visionären Ideen Sigmund Freuds nutzte, um in seine eigene tiefe Psyche einzudringen, um die Quelle seiner eigenen Originalität zu entdecken.

Passage Noir (1923) von Max Ernst; Pedro Ribeiro Simões aus Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Dieser Wunsch, aus dem Unterbewusstsein heraus zu malen, manchmal auch als automatisches Malen bezeichnet, war wichtig für seine surrealistischen Kompositionen und beeinflusste die Abstrakten Expressionisten, die nach ihm kamen.

Kunstwerke

Mit seinen Collagen wie Hier schwebt alles noch (1920) entwickelte Max Ernst eine neue Realität, in der Unberechenbarkeit und Inkohärenz den Wahnsinn des Ersten Weltkriegs darstellten und die kapitalistische Wahrnehmung in Frage stellten. Diese Fotos stammen aus wissenschaftlichen Lehrbüchern, ethnografischen Zeitschriften und gewöhnlichen Handelsbroschüren der Jahrhundertwende. Trotz der vergeblichen Suche nach dem Sinn erwiesen sich diese spielerischen Werke am Ende als reizvoll und erfüllend.

„Die Collage wurde als eine Form des Verbrechens betrachtet, das heißt, man fügte der Natur Schaden zu“, sagte der Künstler später.

Max Ernsts Gemälde wie Celebes (1921) mit ihren bizarren Nebeneinanderstellungen verschiedener Gegenstände zeigen seine Hingabe zur Freudschen Traumtheorie. Trotz dieses Missverhältnisses – eine kopflose/nackte Frau, Teile der Ausrüstung – funktioniert das Bild als Gesamtkomposition. Max Ernsts Kunstwerk löst Unbehagen aus, weil sich die Betrachter/innen seiner Ziele nicht bewusst sind, aber auch Verachtung wegen der irrelevanten Darstellung der menschlichen Form (des kopflosen Körpers), die in der Kunstschaffenden Kunst hochgehalten wird (da der Mensch nach Gottes Ebenbild geformt ist).

Ernsts Werk wirft die Frage auf, ob die Realität die ‚wahre‘ ist: die der Nacht und der Visionen oder die des Wachbewusstseins.

Max Ernsts surrealistische Gemälde nahmen den Status quo religiöser Themen oft spielerisch aufs Korn, wie zum Beispiel Die Jungfrau, die das Christkind versohlt (1926). Die Jungfrau Maria, die als erdverbundene, gereizte Mutter dargestellt wird, schlägt ihrem kleinen Sohn – dem rebellischen Jesuskind – hart auf den Hintern, der von ihrer strafenden Hand rote Flecken trägt. Paul Eluard, Andre Breton und der Künstler selbst beobachten das Geschehen durch das Fenster im Hintergrund und fungieren als Schaulustige.

Ernst untergräbt erfolgreich seinen eigenen katholischen Glauben mit seiner Widmung an Christi Mutter Maria, während er gleichzeitig einen Großteil der westlichen Kunstgeschichte mit ihrer Ausweitung von liebevollen Szenen zwischen der Heiligen Jungfrau Maria und dem Christuskind herabsetzt und die Doktrinen, die großbürgerliche Heiligkeit der Mutterschaft untergräbt. Ernsts Bild ist sowohl respektlos als auch scharfsinnig amüsant. Wie vorhergesagt, fand nicht jeder die Prämisse amüsant, und das Stück löste viele Debatten als Angriff auf das Christentum und die aktuelle Moral aus.

Ernst war auch ein Pionier einer neuen Maltechnik, die als „Grattage“ bekannt ist, wie man in seinem Werk Wald und Taube (1927) sehen kann. Dieses Gemälde zeigt Ernsts „Grattage“-Methode, bei der er Farbe über die Leinwand kratzte, um Objektabdrücke freizulegen, die er zusammen mit dem spanischen Surrealisten Joan Miro erfunden hatte. Durch die Grattage entsteht eine grobe Textur, die dem Gemälde eine weitere Schicht verleiht und die Dicke eines Waldes verstärkt. Es wäre töricht, Ernsts deutsche Wurzeln mit ihrem romantischen Erbe zu ignorieren und zu verkennen, wie sehr dies seine ausgeprägte Psychologie beeinflusst hat. In seinen apokalyptischen Werken schwingt die deutsche Idee der Ahnung oder der Furcht vor dem drohenden Untergang mit.

Er kannte sich gut mit den Wagnerschen Geschichten über seltsame und betörende deutsche Wälder aus; die Surrealisten machten sich schließlich Wälder und dunkle Ecken als Metaphern für den kreativen Geist zu eigen.

Während die meisten seiner Werke nicht gegenständlich waren, gibt es ein paar seltene Beispiele, in denen er direkt auf aktuelle politische Ereignisse reagierte, wie zum Beispiel The Fireside Angel (1937). Diese seltsame Kreatur sieht aus, als würde sie springen, Arme und Beine ausgestreckt und mit einem fröhlichen Grinsen im Gesicht. Die Figuren und ihre Gliedmaßen sind verfärbt und deformiert. Außerdem scheint ihr Glied ein anderes Wesen zu gebären, als ob sich eine bösartige Masse ausbreitet.

Der Maler wurde zu diesem Bild motiviert, nachdem Francos Faschisten das republikanische Lager im spanischen Bürgerkrieg besiegt hatten. Ernst versuchte, ein Bild zu schaffen, das den bevorstehenden Aufruhr widerspiegelt, der seiner Meinung nach über Europa hereinbrach und von seinem eigenen Deutschland ausging. Um auf den harmlosen und irreführenden Titel zurückzukommen: Ernsts Stück sollte das Publikum mit angenehmen Phrasen locken, nur um es dann durch die Benennung von Kreaturen, die wie Engel aussehen, an seinen eigenen Überzeugungen zweifeln zu lassen. Ein weiteres Stück mit politischer Aussagekraft war Europa nach dem Regen II (1942).

Europa nach dem Regen II legt Zeugnis ab von der unmöglichen Herrschaft des Konflikts, der Europa zu dieser Zeit dezimierte, und zwar aus der Perspektive der europäischen Geschichte des 20. Ernsts kreative Darstellung des Spanischen Bürgerkriegs und des Ausbruchs des Zweiten Weltkriegs ist in diesem Werk einzigartig. Die Grattage-Methode, mit der die Trümmerformen hergestellt werden, erinnert treffend an die katastrophale Katastrophe in Europa.

Die dem Werk zugewiesene Zeitspanne zeigt, dass Ernst das Gemälde in Frankreich begann und in den Vereinigten Staaten fertigstellte, während der Krieg weiter tobte und das Schicksal Europas unbestimmt blieb.

Ernst hat auf diesem weltfremden Gemälde eine gewaltige Katastrophe heraufbeschworen. Ein gepanzertes, vogelköpfiges Wesen – vielleicht ein Soldat – stellt sich inmitten des zerstörten Geländes einer weiblichen Figur mit seinem Speer oder seiner beschädigten Standarte entgegen. Es wird vermutet, dass es sich bei den Figuren um riesige Gartenstatuen oder halbmythische Helden eines zukünftigen Konflikts handelt. Wie bereits erwähnt, könnte Ernsts Verwendung des Vogel-Mensch-Bildes selbstreferentiell sein.

Max Ernsts künstlerisches Vermächtnis

Noch zu Lebzeiten gelang Max Ernst das ungewöhnliche Kunststück, sich in drei Ländern (Frankreich, Deutschland und den Vereinigten Staaten) ein glänzendes Image und einen kritischen Ruf zu erarbeiten. Obwohl Ernst eher unter Kunsthistorikern und -wissenschaftlern bekannt ist als in der breiten Öffentlichkeit, ist sein Einfluss auf die Entwicklung der amerikanischen Kunst in der Mitte des Jahrhunderts unbestreitbar.

Ernst arbeitete mit den Abstract Expressionists zusammen, sowohl persönlich als auch durch seinen Sohn Jimmy Ernst, der nach dem Krieg durch seine Verbindung mit Peggy Guggenheim zu einem bekannten Künstler des Abstrakten Expressionismus wurde.

Ernst interessierte sich für die Kunst der Navajo-Indianer im Südwesten, die ihn kreativ beeinflusste, als er in Sedona lebte. Die späteren abstrakten Expressionisten, insbesondere Pollock, waren von der Kunst der Sandmalerei fasziniert, die eng mit Heilpraktiken und spirituellen Beschwörungen verbunden ist. Ernst bleibt eine Schlüsselfigur für Künstler, die sich stark mit der Methode, der Psychologie und dem Drang, zu schockieren und gesellschaftliche Normen in Frage zu stellen, beschäftigen.

Max Ernst bei der Arbeit in seinem Atelier, Datum unbekannt; National Archives at College Park – Still Pictures, Public domain, via Wikimedia Commons

In seiner Heimatstadt Brühl, Deutschland, wurde 2005 das Max Ernst Museum eröffnet. Es ist in einem spätklassizistischen Gebäude von 1844 untergebracht, das mit einem modernen Glaspavillon kombiniert wurde. Der alte Ballsaal war ein beliebter Treffpunkt für Ernst, als er jünger war.

Die Sammlung umfasst Leinwände, Skizzen, Frottagen, Assemblagen, praktisch alle seine lithografischen Arbeiten, über 70 Bronzeskulpturen und über 700 Papiere und Bilder von Henri Cartier-Bresson, Man Ray, Lee Miller und anderen.

1969 schenkte der Künstler der Stadt Brühl Werke, die den Grundstock der Sammlung bildeten. Nicht weniger als 36 Gemälde, die der Maler seiner vierten Frau Dorothea Tanning schenkte, werden von der Kreissparkasse Köln auf unbestimmte Zeit ausgeliehen. Zu seinen bemerkenswerten Werken gehören die Skulpturen Der Lehrstab für eine Mörderschule (1945) und King Playing with the Queen (1944). Auch die Werke anderer Künstler werden im Museum gezeigt.

The Teaching Staff for a School of Murderers (1945) von Max Ernst; Hans Weingartz / Leonce49, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Ausstellungen und Ehrungen

Von 1970 bis 1972 tourte eine Retrospektive mit 104 Gemälden von Max Ernst aus der Menil Collection aus den Jahren 1920 bis 1968 durch Europa. Die Ausstellung wurde im April 1971, an Max Ernsts 80. Geburtstag, in Paris uraufgeführt und durch 44 Werke aus verschiedenen Sammlungen ergänzt. Hier sind einige weitere bemerkenswerte Ausstellungen und Ehrungen des Künstlers:

1954 – Großer Preis für Malerei – Biennale Venedig
1959 – Grand Prix national des arts – Musée National d’Art Moderne Paris
1961 – Museum of Modern Art, New York
1962 – Tate Gallery London
1969 – Moderna Museet, Stockholm

Berühmte Kunstwerke

Max Ernsts Gemälde waren Vorläufer der dadaistischen und surrealistischen Kunst. Sein Interesse an der Psychologie, seine Gesellschaftskritik und sein breites Experimentieren mit Themen und Herangehensweisen wirken bis heute nach. Max Ernsts Kunstwerke hinterfragten Kunstkulturen und -praktiken und zeigten gleichzeitig ein tiefes Bewusstsein für die europäische Kunstgeschichte. Hier ist eine Liste mit einigen seiner wichtigsten Werke:

Crucifixion (1913)
Stadt mit Tieren oder Landschaft (1916)
Aquis Submersus (1919)
Fiat Modi (1919)
Es geht ihm nicht gut, dem haarigen Hufpferd(1920)
Mordendes Flugzeug(1920)
Alle Freunde zusammen(1922)
Die schwankende Frau (1923)
Ubu Imperator (1923)
Paris Dream (1925)
Loplop stellt ein junges Mädchen vor(1930)
Die Riesenschlange(1935)

Max Ernst war ein Abtrünniger, ein provokanter und erfinderischer Künstler, der seine Psyche erforschte und surreale Bilder schuf, die gesellschaftliche Normen in Frage stellten. Ernst, ein Veteran des Ersten Weltkriegs, war von seinen Erlebnissen furchtbar verstört und stand der westlichen Zivilisation sehr skeptisch gegenüber. Diese starken Emotionen führten geradewegs dazu, dass er die moderne Welt als unlogisch empfand, was die Grundlage für Max Ernsts künstlerische Arbeit bildete. Max Ernsts Surrealismus- und Dada-Kunstwerke spiegeln seine ästhetische Vision, aber auch seinen Witz und seine Kraft wider.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Max Ernst und warum war er berühmt?

Max Ernst war ein deutscher Maler und Bildhauer, der sich stark für den Wahnsinn in der Kunst einsetzte und der Begründer der surrealistischen Automatismus-Bewegung war. Er schaffte es, sowohl in den Vereinigten Staaten (1948) als auch in Frankreich (1958) eingebürgert zu werden. Ernst beschäftigte sich zunächst mit Psychologie und Philosophie, brach aber sein Studium an der Universität Bonn ab, um sich der Malerei zu widmen.

Welchen Stil hatten Max Ernsts Kunstwerke?

Ernst blickte nach innen und interagierte gleichzeitig mit dem kollektiven Unbewussten durch gemeinsame Traumbilder. Ernst strebte danach, einen präverbalen Zustand zu erreichen, indem er frei aus seinem inneren Bewusstsein heraus malte und danach strebte, die Quelle seiner eigenen Kreativität aufzudecken. Infolgedessen konnte er seine grundlegenden Gefühle artikulieren und seine innersten Erfahrungen in seinen Collagen und Leinwänden offenlegen. Dieser Drang, aus dem Unterbewusstsein heraus zu malen, der oft als automatisches Malen bezeichnet wird, war für seine surrealistischen Werke von zentraler Bedeutung und beeinflusste die Abstrakten Expressionisten, die ihm folgten.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.

Max Ernst – Biografie und Porträt des Provokateurs