Jean Michel Basquiat – Der ikonische Künstler

Jean Michel Basquiat wusste immer, dass er ein berühmter Künstler werden würde. Noch bevor er weltberühmt wurde, hatte er sich bereits einen Namen in der New Yorker Kunstszene gemacht. In den frühen 80er Jahren stand Basquiat in einer Reihe mit den Fab Five Freddy, Blondie, Keith Haring, Madonna und Andy Warhol. In der überwiegend weißen Kunstszene der damaligen Zeit wurde er schnell zu einer symbolischen Brücke zwischen hoher Kunst und Populärkultur. Auch nach seinem Tod bleibt er eine Schlüsselfigur der amerikanischen Popkultur.

Der blitzende Geist von Jean Michel Basquiat

Der Autodidakt Jean Michel Basquiat war nicht der erste westliche Künstler, der afrikanische Bilder in sein Werk einfließen ließ. Aber er war sicherlich der erste, der sich mit der komplexen Symbolwelt der afrikanischen Bildsprache auseinandersetzte.

Viele seiner Kritiker waren von seiner Bildsprache verwirrt und seine Arbeit wurde oft als „kindlich“ oder „primitiv“ bezeichnet. Wegen dieser unglücklichen Voreingenommenheit wird die Raffinesse seiner Arbeit oft verdunkelt, während die sachdienlichen Verweise auf eine reiche Vielfalt von Quellen übersehen werden.

Die frühen Jahre

Basquiat wurde am 22. Dezember 1960 in Brooklyn, New York, geboren. Sein Vater Gérard wurde in der Küstenstadt Port Au Prince in Haiti geboren und war Buchhalter. Seine in New York geborene Mutter Matilde Andradas war puerto-ricanischer Abstammung. Basquiat konnte bereits mit elf Jahren Englisch, Spanisch und Französisch sprechen. Jean Michel Basquiats Biografie ist kulturell reichhaltig und sollte sein künstlerisches Leben prägen.

Als er noch sehr jung war, ließen sich seine Eltern scheiden und sein Vater heiratete erneut. Aus diesem Grund und wegen der Tatsache, dass seine Mutter in eine psychiatrische Anstalt eingewiesen wurde, als er noch ein Teenager war, war Basquiats Beziehung zu seiner Mutter kompliziert. Aber Basquiat hatte schon immer ein Interesse an Kunstmuseen und Ausstellungen. Es war seine Mutter, die ihn ermutigte. Bereits mit sechs Jahren wurde er Mitglied im Brooklyn Museum, nachdem seine Mutter ihn zu einem Besuch dorthin mitgenommen hatte.

Im Jahr 1968, im Alter von acht Jahren, als Basquiat auf den Straßen von Brooklyn spielte, wurde er von einem Auto angefahren. Er wurde schwer verletzt und in ein Krankenhaus eingeliefert. Während seines Krankenhausaufenthalts brachte ihm seine Mutter ein Exemplar von Gray’s Anatomy mit, das mit detaillierten anatomischen Zeichnungen gefüllt ist. Das Buch hatte einen so großen Einfluss auf den jungen Basquiat, dass er später seine Industrial-Art-Noise-Band Gray nennen sollte. Es sollte auch seine Kunst beeinflussen.

Ein freigestelltes Foto von Jean-Michel Basquiat, der mit anderen Künstlern in New York posiert, aufgenommen 1984; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Den Einfluss seiner Mutter verehrte er sehr und bezog sich oft auf sie in seinen Bildern. 1972 arbeitete sein Vater in Puerto Rico. Als Basquiat zwölf Jahre alt war, zogen er und seine Schwester mit ihm dorthin und ließen ihre Mutter zurück, obwohl es ihre Heimat war. Sie lebten dort etwa anderthalb Jahre lang auf der Grundlage seiner Arbeit. Aber Basquiats Beziehung zu seiner Mutter sollte sich nie wieder erholen.

Die Vereinigten Staaten haben eine komplexe Beziehung zur Rasse. Als Kind von Einwanderern, das in einem multikulturellen Haushalt aufwuchs, verstand Basquiat die Wechselhaftigkeit der Identität.

Nachdem sein Vater für ein besseres Leben in die USA gezogen war, zog er es vor, sich von dem Entwicklungsland zu distanzieren. Vielmehr wollte er, dass seine Familie als französisch angesehen wird und zeigte kein Interesse daran, sein haitianisches Erbe mit seinen Kindern zu teilen. Basquiat wuchs in der Mittelschicht auf. Er war sehr belesen und kam schon früh mit den reichen Kunstsammlungen New Yorks in Berührung. Er ließ sich von den Meistern der westlichen Kunst inspirieren, die ihm halfen, sich ein Bild von dem Maler zu machen, der er sein wollte.

1977 brach Jean Michel Basquiat die High School ab, ein Jahr bevor er seinen Abschluss machen sollte. Sein Vater war so wütend, dass er ihn aus dem Haus warf. Mit 17 wurde er das, was man einen Straßenkünstler nennen könnte. Er zog durch die Straßen von New York, markierte öffentliche Plätze und verkaufte Postkarten und Sweatshirts mit seinen Bildern. Er lebte von billigem Rotwein und Cheetos. So entstand die künstlerische Persönlichkeit eines sich abmühenden Künstlers.

SAMO

1977, im selben Jahr, in dem Jean Michel Basquiat die Schule verließ, begannen er und sein Schulkamerad Al Diaz, U-Bahn-Züge und Gebäude in Brooklyn und Lower Manhattan mit Sprüchen mit der Aufschrift SAMO zu versehen. SAMO ist eine Abkürzung für „same old shit“ und war immer mit einem Copyright-Symbol versehen. Das Besondere daran war, dass es sich um kryptische Graffiti mit Copyright-Symbol handelte. Es wurde als eher literarisches Graffiti beschrieben, weil es viel mehr auf die Sprache ausgerichtet war.

Da es sich um eine Subkultur auf der Straße handelte, waren Graffiti-Tags wie eine Nummer oder ein Symbol, das mehr damit zu tun hatte, wo du wohnst, als mit deinen künstlerischen Gedanken. Al Diez und Jean Michel Basquiat machten SAMO zu einer Marke, die freche, düstere Kommentare zur Gesellschaft abgab, die an unerwarteten Orten auftauchten. Tags wie „Popeye Died of Syphilis“ waren das Produkt von zwei jungen Männern, die mutig genug waren, sich über die Kultur lustig zu machen.

SAMO xerox poster advertising a music performance and exhibition (October 1979); Ganskörperfutter, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Nach drei Shows war klar, dass SAMO an Zugkraft gewann, aber Basquiat und Diaz hatten unterschiedliche Vorstellungen davon, was sie für die Marke wollten. Sie zerstritten sich und 1980 signalisierten die Künstler ihre Auflösung, als an Gebäuden in der Stadt Schilder mit der Aufschrift „SAMO ist tot“ auftauchten. Aber Basquiat nahm SAMO als seine eigene künstlerische Persönlichkeit an, so dass Diaz sich verraten fühlte, frustriert war und sich ärgerte, dass er nur selten Anerkennung bekam. Selbst wenn er anerkannt wurde, nannten die Leute SAMO oft „Basquiat und dieser andere Typ“.

Es besteht kein Zweifel daran, dass Basquiats künstlerischer Werdegang von seinem Interesse an Graffiti beeinflusst wurde, aber das Image des Graffiti-Künstlers war so etwas wie eine Fata Morgana. Er war nicht unbedingt Teil der Straßenszene. Damals beschuldigte ihn ein Graffiti-Künstler, sich als einer von ihnen auszugeben („posing“). Nichtsdestotrotz erlangte er schnell öffentliche Aufmerksamkeit für seine Graffiti-Stylings.

Die New Yorker Szene

TV Party war Glenn O’Briens öffentliche Fernsehshow, in der Basquiat ab 1979 regelmäßig zu Gast war. Basquiat wurde damals SAMO einmal als „der sprachbegabteste aller Graffitikünstler“ vorgestellt. Zwei Jahre später spielte er die Hauptrolle in Downtown ’81, einem Film, in dem er einen kämpfenden Künstler spielte, ähnlich wie er selbst.

Im Jahr 1983 produzierte Basquiat die Rap-Platte „Beat Bop“, die eine Zusammenarbeit mit den Fab Five Freddy, Ramellzee und K-rod mit Al Diaz an den Percussions war.

Viele vermuten, dass Basquiats Kunst eine Zeit lang auf der Strecke blieb. Er mag mit seiner Außenseiterpersönlichkeit dazu beigetragen haben, aber ein Außenseiter war er sicher nicht. Jean Michel Basquiat wuchs in New York auf. Er fühlte sich schon immer von der experimentellen Kunst- und Musikszene angezogen und besuchte die angesagtesten Orte. Mit der Zeit lernte er einflussreiche Leute kennen und fand sich an einflussreichen Orten wieder. Leute wie die Hip-Hop-Legende Fab Five Freddy, so erinnerte sich Basquiat, nahmen ihn zu Treffen der Black Panther mit. Er hatte sogar eine romantische Beziehung zu Madonna.

Warhol

Jean Michel Basquiat und Andy Warhol sind wahrscheinlich das seltsamste Paar der Kunstgeschichte. Obwohl der junge, ehrgeizige Basquiat schon seit Jahren Andy Warhols Factory besuchte, in der Hoffnung, etwas zu bewirken, schenkte Warhol ihm wenig Beachtung. Schließlich wurden sie 1981 im Mr. Chow’s, einem beliebten Lokal in der Stadt, vorgestellt.

Zwei Stunden nach ihrem Treffen überreichte Basquiat Warhol Doz Cabezas (1981), ein noch feuchtes Porträt von ihnen beiden. Warhol war ungläubig, wie schnell und gut es ausgeführt wurde. Ihre Begegnung fiel in eine interessante Zeit, als Basquiats Stern aufging, während Warhols Karriere ins Stocken geraten war.

Foto von Jean-Michel Basquiat mit Künstlerkollegen Andy Warhol, Bruno Bischofberger und Francesco Clemente in New York City, 1984; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die für beide Seiten vorteilhafte Dynamik führte zu einer künstlerischen Zusammenarbeit, die sich von 1983 bis 1985 erstreckte. Ihre Zusammenarbeit war wie ein Gespräch über Generationen und kulturelle Milieus hinweg, das sich in Farbe manifestierte. Manche behaupten, Warhol sei in Basquiat verliebt gewesen, andere sagen, er sei eine Vaterfigur gewesen. Was auch immer es war, ihre sechsjährige Beziehung bleibt eine der fruchtbarsten Unternehmungen in der zeitgenössischen Kunst.

Kommerzieller Erfolg

Seine erste Ausstellung im DIY Times Square machte die Kunst von Basquiat erst richtig bekannt. Die Ausstellung fand in einem verlassenen Massagesalon in der 7^th Avenue statt und präsentierte einige der angesagtesten künstlerischen Talente der Zeit, darunter Jenny Holzer, Kenny Scharf, Kiki Smitha und Keith Haring. 1980, im Alter von 20 Jahren, wurde Basquiat eingeladen, seine erste Einzelausstellung in Italien zu präsentieren.

1981 stellte er seine erste amerikanische Einzelausstellung in der Annina Nosei Gallery aus, die seine Vertretung geworden war. Im selben Jahr stellte er in Los Angeles, Rom, Rotterdam und Zürich aus. Es war auch das Jahr, in dem er als jüngster Künstler an der renommierten internationalen Kunstausstellung Documenta teilnahm, wo seine Bilder sehr gut aufgenommen wurden. Seine Popularität fiel mit dem Aufkommen des Neo-Expressionismus zusammen.

Die 1980er Jahre waren bekanntlich von Gier und Konsumkultur durchdrungen. Basquiats künstlerische Persönlichkeit war eine widersprüchliche Verkörperung dessen. In vielen seiner Werke ging es damals um den Kapitalismus.

Seine Anspielungen auf Ölgesellschaften und Konzerne und seine häufige Verwendung von Urheberrechts- und Markensymbolen deuten auf eine kritische Auseinandersetzung mit Ideen von Eigentum und Ausbeutung hin. Als er immer mehr Geld verdiente, begann Basquiat, die Grenzen der Macht zu verwischen.

Von 1983 bis 1988 lebte Basquiat in der 57 Great Jones Street in NoHo, wo er starb. Vor dem Gebäude wurde 2016 eine Gedenktafel angebracht; Flintmichigan, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Er gab sein Geld verschwenderisch aus, kaufte teure Anzüge und warf es buchstäblich aus dem Fenster, indem er nur die besten Weine in den luxuriösesten Hotels trank. Sein Künstlerkollege und Freund Keith Haring sagte einmal, dass Basquiat „plötzlich zu dem wurde, was er kritisierte“.

Basquiat erkannte die Klischees, die ihm auferlegt wurden, und machte sich daran, eine Persönlichkeit zu schaffen, die die Abhängigkeit der Öffentlichkeit von diesen Beschränkungen sowohl befriedigte als auch kritisierte. Sein Spiel mit dem Narrativ des untrainierten, rauen, primitiven Schwarzen schürte das Feuer seiner Karriere. In Wirklichkeit gehörte er zur Mittelschicht, war künstlerisch gebildet und notorisch ehrgeizig, aber er hielt es nicht für nötig, seine Tarnung aufzugeben, wenn diese Fassade ihn reich und berühmt machte. Er sagte einmal: „Ich bin kein echter Mensch. Ich bin eine Legende.“

Er schien seinen kommerziellen Erfolg zu feiern, aber er wusste auch, dass nur bestimmte Arten von schwarzen Künstlern in die Kunstelite aufgenommen werden konnten. Also kultivierte er eine Persona, in der er Armut vortäuschte oder das Primitive spielte. Selbst nachdem er unglaubliche Summen verdient hatte, ging er weiterhin in Lumpen zu seinen Eröffnungen.

1982 lebte und arbeitete Jean Michel Basquiat ein Jahr lang im Keller des neuen Hauses von Larry Gagauzian in der Market Street in Venedig. Während sich die Presse auf die Tatsache konzentrierte, dass es sich um einen Keller handelte, vergaß sie zu erwähnen, dass dieser fünfzehnhundert Fuß groß war, vier saubere weiße Wände und zehn Fuß hohe Decken hatte. Sie erwähnten auch nicht, dass Madonna, seine damalige Freundin, für ein paar Monate ebenfalls dort wohnte. Basquiat las einmal etwas, in dem er als „der Sklave im Keller“ bezeichnet wurde, woraufhin er antwortete: „Wenn ich weiß wäre, würde man mich einen Künstler in Residence nennen.“

Basquiat begann seine Arbeit oft am frühen Nachmittag und arbeitete bis spät in die Nacht hinein. Sein Atelier war gefüllt mit einer Vielzahl von Materialien und Referenzen, die er für seine Gemälde verwendete. Selbst wenn er nicht im Atelier malte, war das alles Teil des Prozesses. Auf dem Boden seines Ateliers lag eine Matratze, daneben stand ein Ghettoblaster. Egal, ob es sich um Materialien oder Motive handelte, er konsumierte und verschlang alles, was um ihn herum war.

Die Art, wie Basquiat die Farbe auftrug, war fließend und intuitiv. Manchmal begann er mit abstrakten Farbschichten. Ein anderes Mal begann er mit einer Zeichnung, einem Bild, einem Text oder einer Collage. Er trug etwas auf und zerstörte dann das meiste davon, sodass nur noch ein Bruchteil des ursprünglichen Bildes übrig blieb.

Die Gemälde an den Wänden seines Ateliers befanden sich in verschiedenen Stadien. Einige wiesen nur wenige Spuren auf, während andere mit mehreren Schichten überarbeitet worden waren. Trotz dieses Prozesses arbeitete Basquiat in einem schnellen Tempo. Er bewegte sich ständig zwischen seinen Leinwänden, arbeitete und überarbeitete.

Kunst und Bedeutung

Ein Großteil von Jean Michel Basquiats Frustration über seine künstlerische Person lag in einem Gefühl der Entfremdung in der Kunstwelt der 1980er Jahre begründet. Obwohl er kommerziell sehr erfolgreich war, wurde er wegen seiner exotisch „kindlichen“ Technik oft als Wunderkind angesehen.

Die wahren Folgen dieser unbegründeten Primitivisierung werden nie ergründet werden, aber es kann mehr getan werden, um seine konzeptionellen Grundlagen zu hinterfragen und diesem gelehrten Künstler die Anerkennung zukommen zu lassen, nach der er zu streben schien.

Sprache, Text und Kontext

Da er mehrsprachig war, interessierte er sich für das Konzept der Sprache. Vor allem für ihre Verwendung als Mittel, um zwischen Gemeinschaften zu wechseln. Er konzentrierte sich auf die Fähigkeit der Sprache, eine Vielzahl von Bedeutungen zu durchdringen und sich auf verschiedene Zielgruppen zu beziehen. Er benutzte oft bestimmte Wörter auf Spanisch, Französisch oder Kreolisch, um Andeutungen für ganz bestimmte Zielgruppen zu machen.

In seinem Werk The History of Black People (1983) sehen wir ein großes schwarzes Schiff in der Mitte der Leinwand und zwei Blöcke an der Seite. Auf der rechten Seite befindet sich eine Vignette, in die Basquiat das Wort „Memphis“ in einen Kasten geschrieben hat. Darüber steht das Wort „Thebes“ und darunter „Tennessee“, was sich auf das Memphis des alten Ägyptens bezieht. Basquiat zeigte damit, dass er sprachlich in der Lage ist, Ägypten und Amerika und vielleicht auch den Übergang zwischen den beiden Ländern zu bezeichnen.

Während es klar war, dass er ein Wortschmied war, der sich um Sprache und Bedeutung kümmerte, benutzte er Worte auch als Bilder. Er setzte oft eine visuelle Technik für sprachliche Zwecke ein. So zeichnete er z.B. ein Gesicht und schrieb statt der Zähne das Wort Zähne oder er zeichnete eine Figur und schrieb Füße dorthin, wo wir die Füße erwarten würden.

Der 1988 geschlossene Vertrag über die Fiktion zwischen Jean-Michel Basquiat und Helmut C. Diez; Diez, Public domain, via Wikimedia Commons

In Undiscovered Genius of The Mississippi Delta (1983) siehst du ein weiteres Beispiel dafür, wie er Wörter als Bildsprache verwendet. Basquiat schrieb, strich durch und wiederholte Wörter, um einen Rhythmus zu schaffen. Er sprach davon, dass das Durchstreichen von Wörtern die Menschen dazu bringen sollte, sie mehr zu lesen. Aber er nutzte die Wiederholung auch, um bestimmte Wörter zu entmachten.

Auf dem Bild wird der Name Mark Twain wiederholt. Ein Autor, dessen Buch Die Abenteuer des Huckleberry Finn einem Protagonisten über den Mississippi folgt. Es spielt zwanzig Jahre nach der Abschaffung der Sklaverei und ist eine beißende Satire auf die Einstellung zum Rassismus in Amerika. Durch die Wiederholung der Wörter „Mississippi“ und „Neger“ bringt Basquiat die traumatische nationale Geschichte der Sklaverei und des Rassismus in den Vereinigten Staaten auf den Punkt. Die Worte werden ihrer Autorität und Bedeutung beraubt.

Viele der Werke sind unbetitelt, so dass die Namen, die sie tragen, von den Worten herrühren, die Basquiat auf sie schrieb. Man muss sich fragen, ob das Teil seines Plans war. Basquiats Werke fordern uns auf, uns an der Interpretation und Bedeutungsgebung zu beteiligen. Der Künstler schafft einen Dialog mit uns und lässt dem Betrachter genug Rätsel auf, um seine Bilder auf so viele Arten zu interpretieren.

Equals Pi (1982) kann wie die meisten Werke Basquiats auf das ungeübte Auge chaotisch wirken. Dieses Gemälde, das wie eine Tafel aussieht, auf die Basquiat seine Gleichungen kritzelt, basiert auf den Abmessungen eines Kegels. „Knowledge of the Cone“ (Wissen über den Kegel) sind die Worte, die oben auf dem Gemälde stehen, um uns darauf aufmerksam zu machen, was die Gleichung bedeutet. Der Kegel hat viele Bedeutungen, aber vor allem gibt er uns die Möglichkeit, Farbe zu sehen. Farbe ist im Grunde gebrochenes Licht. Er weckt in uns den Wunsch, die Zapfen in ihren verschiedenen Dimensionen zu betrachten, denn die Wahrnehmung ist der Schlüssel. Licht ist Information. Information ist Bewusstsein.

Die schwarze Erfahrung

Es gibt kaum Anhaltspunkte dafür, dass Basquiat mit anderen afroamerikanischen bildenden Künstlern in Verbindung stand. Sie hatten zwar nicht annähernd den Erfolg, den er hatte, aber Künstler wie Romare Barden und David Hammons lebten und arbeiteten zu seinen Lebzeiten. Auch scheint er nicht viele Bezüge zur Harlem Renaissance, einer in den 1920er Jahren in New York entstandenen Kunstbewegung, hergestellt zu haben.

Jean Michel Basquiat wurde jedoch von den Vorurteilen geplagt, die er gegenüber schwarzen Männern hatte. Selbst als er berühmt wurde, war er täglich mit Rassismus konfrontiert, auch in der Kunstszene. Er erzählte einmal, wie er die Eröffnungsnacht einer erfolgreichen Ausstellung verließ und feststellte, dass kein Taxi für ihn anhalten würde.

Als er über seine Erfahrungen mit Rassismus in der Kunstwelt sprach, nannte ihn sein eigener Freund Julien Schnabel zerbrechlich. Damit deutete Schnabel an, dass das Problem bei Basquiat lag und nicht in der rassistischen Kunstwelt. Trotzdem wurde Julien Schnabel 1996 mit der Regie der Basquiat-Biopic betraut, in der Jeffrey Wright als Basquiat und David Bowie als Warhol die Hauptrollen spielten.

Die Kunstwelt bezeichnete Basquiat als eine kindliche Figur in der westlichen Kunst, es sind die weißen Künstler, die er am meisten zitierte. Sein umfangreiches Wissen über Kunst, Linguistik und Musik zeigt, dass er mehr Anerkennung verdient hätte. Weil er zu Künstlern wie Leonardo Da Vinci, Manet, Pablo Picasso, Willem De Kooning und Jackson Pollock aufschaute, schrieben selbst diejenigen, die sein Talent erkannten, seine Brillanz oft seinen weißen Vorgängern zu. Zu seinen Lebzeiten ging die Presse sogar so weit, ihn als „schwarzen Picasso“ zu bezeichnen. Er berichtete, dass er sich durch diese Bezeichnung beleidigt fühlte.

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In seinen Werken erforschte er, wie er sich selbst sah und wie andere ihn sahen. Aber seine Definitionen von sich selbst bleiben unklar. Er hatte das Gefühl, dass die Gesellschaft ihm die Komplexität seiner Identität nicht zugestehen würde, also entschied er sich für die Zweideutigkeit. Er mag sich als Einwanderer identifiziert haben. Er sah sich aber auch als ein Produkt der afrikanischen Diaspora. Er interessierte sich besonders dafür, wie die Kulturen in der neuen Welt ihr Afrikanischsein bewahrten.

Basquiat verwendete in seinen Gemälden afrikanische und afroamerikanische Symbole und Ikonen, um ein Konzept des Heldentums darzustellen. Seine Heldenfiguren waren ausschließlich schwarze männliche Musiker oder Sportler. Dies war entweder eine Darstellung seiner Vorstellung von Heldentum oder eine Kritik am Heldentum. In einem Interview sagte er einmal, dass der Grund, warum er schwarze männliche Figuren in seine Gemälde setzte, der war, dass er das Gefühl hatte, dass sie eine gewisse Auslöschung erfahren.

Per Capita (1981) hat, wie viele seiner Arbeiten, eine Reihe von Bezügen zum Boxen. Es basiert auf der politischen und sportlichen Figur Mohammed Ali, der in Basquiats Werk unter seinem Regierungsnamen Cassius Clay erwähnt wird. In diesem Gemälde können wir sehen, wie Basquiat das Konzept des ermächtigten schwarzen Mannes erforscht. Basquiat bezog sich in seinen Werken auf eine Reihe anderer schwarzer Boxer wie Jack Johnson und Sugar Ray Robinson.

Aber seine Darstellungen waren nicht immer positiv. In Irony of Negro Plcemn (1981) spricht Basquiat das unterdrückte Subjekt an, das die Uniform des Unterdrückers trägt. La Hara (1981) ist ein altmodischer puerto-ricanischer Begriff für „Polizei“. Er stammt von dem Nachnamen O’Hara, der in der überwiegend irischen Polizei im New York der 1940er und 1950er Jahre üblich war. Bei dieser seltenen Gelegenheit wagte es Basquiat, weiße Männer abzubilden.

In Defacement (1983) reagierte Basquiat auf den Tod von Michael Stewart. Stewart war ein aufstrebender Künstler, der am 15. September 1983 in der New Yorker U-Bahn erwischt worden war. Die Einzelheiten des Geschehens sind unklar, aber wir wissen, dass Stewart infolge seiner Verhaftung dreizehn Tage im Koma lag und am 28^th September 1983 an seinen Verletzungen starb. Basquiat war kein enger Freund von Stewart, aber dieser Fall von Polizeibrutalität ging ihm eindeutig zu nahe. Man hörte ihn sagen: „Das hätte ich sein können“.

Schwarze Menschen blieben das Thema seiner Gemälde, weil er eine realistischere und regelmäßigere Darstellung der Schwarzen in der modernen Kunstbieten wollte.

Er ebnete den Weg für schwarze Künstlerinnen und Künstler, die sich in ihren Werken mit der Rasse oder der Geschichte der Rasse auseinandersetzen wollten, und sogar für diejenigen, die es vorzogen, sich überhaupt nicht mit der Rasse zu beschäftigen. Er wollte mit seiner Arbeit die reiche Vielfalt ihrer kulturellen Erfahrung beleuchten. Mit seinen Gemälden drückte er seine Liebe zu sich selbst und zur Menschheit aus, die er durch die Erfahrung als Schwarzer machte.

Der Kopf

Der menschliche Kopf ist ein häufiges Merkmal in Basquiats Werk. Grays Anatomie blieb ein ständiger Einfluss und er zitierte immer wieder Leonardo Da Vinci , dessen kommentierte Manuskripte Basquiat besaß. Basquiats Darstellung des menschlichen Kopfes ist weder realistisch noch grob verzerrt. Er nutzte die konzeptionelle Idee des menschlichen Kopfes, um eine Selbsterkenntnis darzustellen. Mit diesem symbolischen Akt knüpfte er an den Expressionismus an, der einige Jahrzehnte zuvor entstanden war.

Basquiats Kopffiguren wurden auch von afrikanischen Masken beeinflusst, wobei die Totenkopf-Figuren den Tod darstellen, während er umgekehrt den lebendigen afrikanischen Ahnenglauben mit leuchtenden Farben unterstreicht. Diese beiden Einflüsse stellen vielleicht mehrere Facetten von Basquiat selbst dar.

Zwischen 1981 und 1983 schuf Basquiat viele seiner beeindruckendsten Gemälde, die den menschlichen Kopf in den Mittelpunkt stellen. Einige Gemälde zeigen einen einzelnen Kopf, andere eine Gruppe. Zwei Köpfe auf Gold (1982) und Mitchell Crew (1983) sind Beispiele, in denen er mehrere Kopfstudien auf einer Leinwand zeigt.

Eines der wichtigsten Kopfgemälde ist Philistines (1982). Die zentrale Figur hat freiliegende Knochen. Eine der Kopffiguren ist einfach als Kopf und Hals dargestellt. Die Augen ragen aus den Augenhöhlen heraus. Die offenen Münder mit den Zähnen wirken ungewöhnlich groß. Anfang 1981 schuf Basquiat ein Gemälde mit einem weiteren riesigen Kopf. Untitled (1981) ist eines der überzeugendsten der konzeptionell geprägten Kopfbilder und machte Basquiat zu einer neuen Ikone im Kanon der Kunst des 20.

Back of the Neck (1983) zeigt die malerische Strategie, die Basquiat Anfang 1981 zu erforschen begonnen hatte, und ist einer der intensivsten Streifzüge durch das Werk von Pablo Picasso und die afrikanische Skulptur südlich der Sahara, was es von den anderen Kopfbildern seiner Zeit unterscheidet. Er ist an der gleichzeitigen Erfahrung von äußeren und inneren Bereichen interessiert. Während die Köpfe die erwarteten Merkmale von Augen, Nase und Mund aufweisen, zeigen sie uns auch eine innere Dimension.

„Ohne Titel, Kopf“ (1982), das für eine unvorstellbare Summe verkauft wurde, wurde durch seinen geschichtsträchtigen Preis in den Schatten gestellt. Das Hauptmotiv dieses Werks ist ein großer Bravourkopf, der mit kühnem Pinselstrich und Farbe ausgeführt ist und als eine Form des Selbstporträts gilt. Dieses bahnbrechende Werk zeigt die Augen und den Mund als Durchgang in das verborgene Reich des Innenlebens. 

In diesen Gemälden traf Basquiats Faszination für die menschliche Anatomie mit seiner tiefen Neugier für Aspekte einer psychologischen Dimension zusammen und schuf so eine neue Art, Subjektivität zu sehen. Im November 1990 stellte Basquiat nicht weniger als 27 Kopfstudien in seiner bahnbrechenden Zeichnungsausstellung in der Howard Miller Gallery in New York City aus.

Die Krone

Zu Basquiats Symbolik gehören Leitern, Kreuze und Pfeile, aber das bei weitem bekannteste Symbol ist die Krone. Die Krone ist in Basquiats Werk allgegenwärtig und sehr bedeutsam. Er benutzte sie in seinen Gemälden, Notizbüchern und Skulpturen.

Zeitweise signierte Basquiat seine Werke einfach mit einer Krone. Für die Krone ließ er sich von afrikanischen Legenden inspirieren und versuchte, in einem zeitgenössischen Stil auf afrikanische Königshäuser zu verweisen. Die Krone war Teil der Graffiti-Straßenüberlieferung und stand für Macht und Adel.

Symbole, die den größten Meistern und Legenden des Graffiti vorbehalten sind. Von den verschiedenen Symbolen in der afrikanischen und Graffiti-Kunst reagierte Jean Michel Basquiat auf die Krone. Die drei Punkte auf der Spitze der Krone wurden Teil von Basquiats Ikonografie.

Basquiat bezog sich oft auf das Konzept der doppelten Realitäten. In den Black Studies wird dies als doppeltes Bewusstsein bezeichnet. Basquiat benutzt die Krone, um seinen schwarzen Untertanen ein alternatives Reich anzubieten, in dem auch sie Könige sein können.

Die Vorstellung, dass Schwarze selbsternannte Könige sind, war ein wichtiger Bestandteil der schwarzen affirmativen Kultur nach der Bürgerrechtsbewegung der 1950er und 60er Jahre. Mohammed Ali, der zu dieser Zeit auf der Bildfläche erschien, nannte sich selbst „The King of The World“.

Fleisch und Geist

Da Basquiat ein eifriger Leser war und sich sowohl für die bildende als auch für die musikalische Kunst interessierte, besorgte er sich ein Exemplar von Robert Farris Thompsons Buch Flash of the Spirit, sobald es veröffentlicht wurde. Flash of The Spirit ist ein rund 300-seitiges Buch über afrikanische und afroamerikanische Kunst und Philosophie, das ursprünglich 1983 erschien.

Es war das populärste Buch von Robert Farris Thompson und hatte einen großen Einfluss auf den jungen Basquiat. Er sagte einmal, Robert Farris Thompson sei der einzige Mensch, der seine Kunst wirklich verstehen würde.

Das breit angelegte Buch untersucht fünf verschiedene Kulturen und ihre künstlerischen und spirituellen Praktiken. Die erste waren die Yoruba aus Nigeria. Thompson untersuchte, wie die verschiedenen Designs ihrer Artefakte in der Ifa-Religion verwurzelt sind. Der zweite Beitrag stellt das kongolesische Volk der Zaïre vor. Ihre Kunst besteht aus Zeichnungen, die Kosmogramme genannt werden und religiöse Konzepte darstellen. Die Autorin untersuchte, wie medizinische Amulette oft ein künstlerisches Element in ihrer Konstruktion haben.

Das folgende Kapitel befasste sich mit dem Vodou in Haiti. Neben der Analyse von Gemälden und Skulpturen befasst sich der Autor auch mit der Linguistik und zeigt die Verbindungen zwischen den Voodoo/Vodun-Praktiken in Haiti und den Kulturen der Yoruba und Dahomean in Afrika auf. Er untersucht, wie bestimmte Bräuche in der Diaspora überlebt haben. Das vierte Kapitel befasst sich mit der Kunst aus Mali und das letzte Kapitel mit der Kunst aus Kamerun.

Da er sich mit direkten Quellen wie Voodoo-Praktizierenden und Ifa-Wünschelrutengängern befasst und auch verschiedene Orte in Afrika und der Karibik besucht hat, an denen sich die Kunst befand, bietet das Buch nicht nur kunsthistorische, sondern auch umfassendere Informationen über die verschiedenen Gesellschaften. Farris Thompson beweist einen tiefen Respekt für die afrikanische Kultur, wenn er die künstlerischen Traditionen auf ihre Art und in ihrem kulturellen Kontext bewertet.

Jean Michel Basquiats Gemälde, „Flesh and Spirit“ (1982 – 1983) ist eine Hommage an „Flash of the Spirit“. Das kolossale vierteilige Gemälde ist eines der größten, die Basquiat je geschaffen hat und wurde 1983 fertiggestellt.

Basquiat griff das Kosmogramm auf, indem er zwei horizontale Tafeln miteinander verband, um vier Quadranten zu bilden. Das Kosmogramm ist ein Symbol für die Verbindung des Menschen mit dem Reich der Ahnen, und die Pfeile weisen auf das Zusammenspiel zwischen ihnen hin. In Fleisch und Geist ist Basquiat eine Hommage an die kulturellen und ästhetischen Einflüsse, die seine Arbeit prägen. Er schmückt seine zeitgenössischen Bilder mit traditionellen afrikanischen religiösen Symbolen, wie sie in Thompsons Buch beschrieben werden. Dieses Werk verdeutlicht Basquiats Reife als Künstler und seine Fähigkeit, anspruchsvolle Botschaften an diejenigen zu senden, die sie verstehen und empfangen wollen.

Bebop und Hip Hop

Musik hat in Jean Michel Basquiats Arbeitsprozess immer eine wichtige Rolle gespielt. Wenn er im Studio arbeitete, musste der Fernseher laufen oder irgendeine Art von Geräusch im Hintergrund zu hören sein. Seine frühesten Klangexperimente konzentrierten sich auf Rock- und Geräuschmusik, und er war kurzzeitig in einer experimentellen Geräuschband namens Gray.

In den 1980er Jahren, als er in der New Yorker Kreativszene immer bekannter wurde, entwickelte sich sein Geschmack. Er lernte karibische Musik, afrikanische Musik und das relativ neue kulturelle Phänomen der Hip-Hop-Musik kennen.

Hip-Hop hat vier formale Elemente, nämlich Emceeing, DJing, Breakdance und Graffiti. Basquiat hat sich in mindestens zwei dieser Bereiche versucht. Graffiti und Tagger sind natürlich ein grundlegendes Element der Hip-Hop-Kultur und sie beeinflussten Basquiat, SAMO zu werden. Er entwarf das Cover für die Beat Bop-Platte, die klangliche Anspielungen auf die Band Grandmaster Flash and the Furious Five enthielt und direkt von der Hip-Hop-Freestyle-Kultur beeinflusst war. Er spielte einen Club-DJ in dem Musikvideo Rapture von Blondie.

Horn Players (1983) zeigt die ikonischen Musiker Saxophonist Charlie Parker und Hornist Dizzy Gillespie. Basquiat hat diese beiden Musiker in visuellen und sprachlichen Porträts dargestellt. Charlie Parkers Saxophon verströmt pinke Töne auf der linken Seite der Leinwand. Indem er eine gerade Linie zwischen Bebop und Hip-Hop zog, machte Basquiat die Verbindung zwischen diesen beiden Welten deutlich. Er beschwor den Weg zwischen dem Aufkommen des Bebop in den Nachkriegsjahren der 1930er Jahre und dem Aufkommen des Hip-Hop zu Beginn der späten 1970er Jahre.

Wie in Robert Farris Thompsons Flash of the Spirit wird die Musik nicht nur als Teil der schwarzen Kultur wahrgenommen, sondern auch als Werkzeug, um sie zu verstehen. Der Weg schwarzer Klangtraditionen über den Globus und die Zeit hinweg fand bei Basquiat Anklang. Seine Bilder zeigen zunehmend seine Verbindung zu Bebop und Hip-Hop. Die verschiedenen Traditionen der Hybridität und der Vermischung von unwahrscheinlichen Elementen aus der Vergangenheit und der Gegenwart überschneiden sich, um zu verdeutlichen, was es zu dieser Zeit bedeutete, Amerikaner zu sein.

Die Krone taucht in der Jazzsymbolik auf: Legenden wie Duke Ellington und Count Bassey wählten Namen, die auf Adel hinweisen. Auch im Hip-Hop ist das Symbol allgegenwärtig: Legenden wie Notorious BIG nannten sich selbst den King Of New York.

In seinem Gemälde „Charles the First“ (1982), das sich wiederum auf Charlie Parker bezog, sehen wir einen Text „Most Young Kings Get Their Heads Cut Off“. Das ist natürlich eine Anspielung auf das klassische Shakespeare-Zitat: „Unruhig ist das Haupt, das die Krone trägt“. Das Abschlagen der Köpfe könnte eine Anspielung auf Polizeibrutalität und die unzähligen anderen Probleme sein, mit denen Schwarze in einer problematischen Gesellschaft konfrontiert sind.

Bebop-Musiker meinten es ernst mit ihrer Kunst und wollten auf dem gleichen Niveau wie klassische Musiker angesehen werden. Sie lehnten die Vorstellung ab, dass Musik reine Unterhaltung ist. In einem Gemälde wie Obnoxious Liberals (1982) macht Basquiat uns darauf aufmerksam, dass er ebenfalls den Wunsch hatte, als Künstler ernst genommen zu werden. Die Aufschrift „Not For Sale“ (Nicht zu verkaufen) ist vielleicht eine Reaktion auf Berichte, wonach reiche Mäzene Basquiats frühe Gemälde auf Bestellung anfertigen ließen, damit sie besser zu ihren Möbeln passten.

Basquiats Praxis des Durchstreichens von Wörtern kann mit der dekonstruktiven Natur von Jazz und Bebop-Musik verglichen werden. Jazzmusiker dekonstruierten das amerikanische Songbook, um die kreative Rolle des Musikers zu betonen. Hip-Hop-DJs und -Produzenten scratchen und remixen bestehende Platten, um einen neuen Sound zu finden. Als Basquiat die Praxis des Scratchens, des Durchstreichens von Wörtern, anwandte, war dies eine visuelle Manifestation dieser schwarzen Klangtraditionen.

Was viele Leute als chaotische Arbeit bezeichnen, würde Basquiat wahrscheinlich als Improvisation bezeichnen. Improvisation ist der Gipfel der Transzendenz in der Jazzmusik.

Von ernsthaften Musikerinnen und Musikern wurde erwartet, dass sie aus einer Vielzahl von Quellen schöpfen, um ihre Kunst zu schaffen. Im Hip-Hop könnten die von DJs und Produzenten geschaffenen futuristischen Klanglandschaften auch als chaotisch eingestuft werden, da sie die Zerstörung von etwas anderem darstellen. Das Ziel ist es, eine einzigartige, originelle Aussage zu treffen, und genau das hat Basquiat versucht. Er wusste instinktiv, dass das Malen ohne Formel neue Offenbarungen auslösen würde.

Gemälde wie Irony of A Negro Policeman (1981) scheinen gleichzeitig historisch und aktuell zu sein. Polizeibrutalität ist für Schwarze auf der ganzen Welt ein Dauerthema. Ständig werden Lieder und Bilder über Menschen wie Eric Garner, Tamir Rice, Trevon Martin oder George Floyd gemacht – schwarze Menschen, die aufgrund einer Begegnung mit der Polizei starben. Eine der kultigsten akustischen Darstellungen dieser globalen Frustration ist NWAs berüchtigter Song F*** The Police.

Jean Michel Basquiats Tod

Reiten mit dem Tod (1988) war das letzte Bild, das Basquiat je gemalt hat. Der Tod war schon immer ein Teil von Basquiats Werk. Das Gespenstische an diesem Gemälde ist die Sparsamkeit der Mittel und die prophetische Geisterhaftigkeit. Normalerweise gibt es so viele Informationen auf einer Basquiat-Oberfläche, dass man kaum alles aufnehmen kann.

Hier hat er alles auf die nackten Knochen reduziert. Die Gelehrten sind sich im Allgemeinen einig, dass die skelettierte Reiterfigur Basquiat selbst ist. Die Farbpalette hat eine seltsame, ängstliche Kränklichkeit an sich. Gegen Ende seines Lebens fühlte sich Basquiat durch seinen Erfolg isoliert. Dies war der Auslöser für seine Heroinabhängigkeit.

Er war eine Berühmtheit geworden und hatte viel Geld, aber alles, was er wollte, war, vom Kunstbetrieb ernst genommen zu werden. Obwohl die Werbung ihn umarmt hatte, hinkten die Museen hinterher. Schon am Anfang seiner Karriere wusste er, dass er ein Star sein und Geld verdienen wollte. Für einen Schwarzen war es 1979 eine revolutionäre Aussage, zu behaupten, er sei einer der größten Maler geworden.

Grab von Jean-Michel Basquiat auf dem Green-Wood Cemetery in Brooklyn, New York City; Lthomas2, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Gegen Ende seines Lebens hatte er so viel Geld, dass er nicht wusste, was er damit anfangen sollte. Er verdiente zwar eine Menge Geld, aber er hatte keine Anerkennung von der Kunstelite erhalten. Er hatte unglaublichen Erfolg, erhielt aber kaum kritische Aufmerksamkeit und wurde nur in Ausstellungskatalogen erwähnt.

Weil die Museen ihn nicht so ernst nahmen wie der Kunstmarkt, und die schnelle Aufnahme in den Kunstmarkt, die immer noch stattfindet, stellt er immer noch Rekorde auf. Alle Arbeiten gingen in Privatsammlungen auf und sind für Wissenschaftler/innen nicht zugänglich.

Seine Arbeiten wurden vom MoMa und dem Whitney abgelehnt, was ihn frustrierte. Er fühlte sich immer noch als Außenseiter und wurde immer noch offen als primitiver Gelehrter missachtet. 1988 verließ er New York und zog nach Hawaii, um nüchtern zu werden. Er kehrte in sein Kunstatelier in der Great Jones Street in New York zurück und starb am 12. August 1988 auf tragische Weise an einer Überdosis.

Jean Michel Basquiats Karriere dauerte nur acht Jahre und er starb im Alter von 27 Jahren. 

Ein bleibendes Vermächtnis

Er mag jung gestorben sein, aber die berühmten Basquiat-Gemälde setzen sein Vermächtnis fort. Die Biografie von Jean Michel Basquiat wird noch Generationen faszinieren. Er war ein vielseitiger Künstler, der während seiner Karriere viele Kunstformen praktizierte. Die lyrische Abstraktion ist von Jazz, Hip-Hop, afrikanischer, amerikanischer und westlicher Kunstkultur beeinflusst.

Die diagrammatische Arbeitsweise Basquiats deutet darauf hin, dass er versucht, Informationen zu organisieren und zu verarbeiten. 

Eine Gedenktafel, die an Basquiats Leben erinnert, wurde 2016 vor seinem Atelier in NoHo Manhattan, New York City, angebracht; Kidfly182, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Selbst in der weißen Kunstwelt, in der er immer noch mit Argwohn und Misstrauen betrachtet wurde, wagte er es, Bilder zu malen, die sich mit Sozialkritik auseinandersetzten. Basquiats Auftauchen ging der bahnbrechenden Whitney Biennale 1993 voraus, bei der viele afroamerikanische und lateinamerikanische Künstler durch diese groß angelegte Ausstellung Anerkennung fanden. Die Ausstellung selbst wurde von der Presse als „zu politisch“ und „zu ethnisch“ kritisiert.

Während diese Künstler sich zusammentun und ihr kollektives Bedürfnis nach Repräsentation und Respekt demonstrieren konnten, stand Basquiat in dem feindseligen Milieu der westlichen Kunstwelt zu diesem historischen Zeitpunkt wirklich allein da. Seine Kämpfe klingen bei jungen Menschen nach, die sich heute in denselben oder ähnlichen Institutionen einer ähnlichen Feindseligkeit gegenübersehen. Aber dank seiner unersetzlichen Beiträge hat es erhebliche Fortschritte gegeben. Er kann es vielleicht nicht sehen, aber seine Kunst ist heute im Museum of Modern Art in New York, das ihn einst abgelehnt hatte, im Museum of Contemporary Art in Los Angeles und in anderen angesehenen Kunstinstitutionen zu sehen. Dank seines Selbstbewusstseins und seines produktiven Schaffens wurde sein Traum wahr.

Häufig gestellte Fragen

Wer besitzt den Basquiat-Nachlass?

Das 10-Millionen-Dollar-Vermögen von Jean Michel Basquiat wird von seinen Schwestern, Lisane Basquiat und Jeanine Heriveaux, verwaltet.

Wie viel sind die Werke von Jean Michel Basquiat wert?

Basquiats Gemälde brechen Rekorde, wenn es um ihren Verkaufspreis geht. Undiscovered Genius of the Mississippi Delta (1983) wurde im Mai 2014 für 23,7 Millionen Dollar verkauft. Das war nichts im Vergleich zu einem der berühmtesten Basquiat-Gemälde Untitled, Head (1982), das am 18. Mai 2017 für 110,5 Millionen Dollar an den japanischen Mega-Kunstsammler Yusaku Maezawa verkauft wurde. Ein weiteres Unbetitelter Kopf (1983) wurde im Juni 2020 für 15,2 Millionen Dollar verkauft. Alle diese Werke wurden bei Sotheby’s verkauft.

Besitzen Beyonce und Jay-Z eines der Basquiat-Gemälde?

Wir wissen, dass Jay-Z Mecca (1982) im Jahr 2013 bei Sotheby’s für 4,2 Millionen Dollar gekauft hat. Aufgrund von Basquiats kommerziellem Erfolg sind viele seiner Werke jedoch in den Privatsammlungen der Reichen versteckt. Bis vor kurzem war Equals Pi (1982) ein noch nie gezeigtes Werk. Das heißt, bis es kürzlich von Tiffany’s Co. gekauft wurde, die es in einer Werbekampagne neben Jay-Z und Beyonce zeigten.

Wie ist Jean Michel Basquiat gestorben?

Der Tod von Jean Michel Basquiat wurde durch eine Überdosis Heroin verursacht. Viele Leute behaupten, dass es ein Unfall war. Basquiat hatte schon eine Weile mit Drogenproblemen zu kämpfen, bevor er tot in seiner Wohnung aufgefunden wurde.

Warum haben sich Madonna und Jean Michel Basquiat getrennt?

Während eines Auftritts in der Howard Stern Show sprach Madonna über ihre Beziehung mit Basquiat und sagte, dass sie ihn verließ, weil er nicht aufhören wollte, Heroin zu nehmen. Die Trennung war ziemlich hässlich, denn Basquiat nahm die Bilder, die er für sie gemalt hatte, zurück und übermalte sie.

Hatten Basquiats Freunde versucht, seine Kunst nach seinem Tod zu verkaufen?

Als seine Ex-Freundin Alexis Adler versuchte, ihre 50-teilige Sammlung von Werken, die sie für Basquiat hielt, an das Auktionshaus Christie’s zu verkaufen, bezeichnete Basquiats Familie sie als Fälschungen. Prompt wurde sie mit einer Klage über 1 Million Dollar überzogen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.