Gustave Courbet – Der Mitbegründer des Realismus im Überblick

Gustave Courbet gilt als Schlüsselfigur bei der Entstehung des Realismus Mitte des 19. Jahrhunderts. Gustave Courbets Gemälde lehnten die klassischen und dramatischen Traditionen der französischen Maler der Akademie ab und betonten die physische Wahrheit der Dinge, die er sah – selbst wenn diese Wirklichkeit einfach und fehlerhaft war. Als gläubiger Republikaner betrachtete der französische Realist seine Kunst als eine Möglichkeit, sich für die Bauern und die Landbevölkerung seiner Heimatstadt einzusetzen. Historiker haben Gustave Courbets Kunstwerke zunehmend als einen wesentlichen Vorläufer für andere Künstler der frühen Moderne wie Claude Monet und Édouard Manet angesehen.

Das Leben des französischen realistischen Malers Gustave Courbet

Gustave Courbets Realismus kann als Teil einer größeren Untersuchung des physikalischen Universums betrachtet werden, die die Wissenschaft im 19. Jahrhundert in ihren Bann zog. Aber es war seine Verachtung für die strengen Vorgaben der französischen Akademie, die Gustave Courbet in seinen Gemälden am meisten motivierte.

Le Désespéré (1845) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Gegensatz zu anderen französischen Malern dieser Zeit vernachlässigte Gustave Courbet in seinen Werken klassische oder romantische Ansätze, um einfache Bilder des Landlebens – Themen, die normalerweise mit der kleinen Genremalerei in Verbindung gebracht werden – in Material für die große Historienmalerei zu verwandeln.

Kindheit

Courbet wurde im Juni 1819 in der kleinen ländlichen Stadt Ornans in einer fürsorglichen Familie in einer herrlichen Umgebung geboren. Er liebte anstrengende körperliche Aktivitäten wie das Schwimmen im Fluss Loue mit seinen Geschwistern und das Herumstreifen auf den Wiesen und Weinbergen der Familie. Courbet genoss es, in der Schule im Mittelpunkt zu stehen und seine Mitschüler mit seinem Charme und seiner Ausstrahlung zu amüsieren.

Selbstporträt von Gustave Courbet im Alter von vierzehn Jahren; Bärtiges Kopffragment (1833) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Trotz einer gründlichen Allgemeinbildung war Courbets akademischer Kunstunterricht unterdurchschnittlich. Mit 14 Jahren erhielt er Unterricht bei einem weniger bedeutenden neoklassischen Künstler, was ihm wahrscheinlich eine Grundlage bot, auf die er reagieren konnte. Auf Drängen seines Vaters studierte er Jura an einem örtlichen College, aber er war unglücklich, bis ein Professor für Zeichnen an der Hochschule ihn bat, Malunterricht in einer Heimwerkstatt zu nehmen.

Dies bestärkte ihn in seiner Überzeugung von seinen kreativen Fähigkeiten und spornte ihn an, seinen Ehrgeiz auszuleben.

Frühe Jahre

Courbet kam nach Paris, als er 21 Jahre alt war. Er vermied es, in den Werkstätten einer der zahlreichen akademischen Koryphäen der Zeit zu lernen, und schrieb sich auch nicht an der École des Beaux-Arts, der führenden Kunsthochschule von Paris, ein. Stattdessen belegte er einige Kurse bei weniger bekannten Professoren, bildete sich aber hauptsächlich selbst weiter, indem er die Gemälde von Rubens, Caravaggio und anderen im Louvre nachahmte. Während einer Reise nach Holland konnte er auch die Werke von Velazquez und Rembrandt nachahmen.

Während die Schüler der Akademie bis zu einem Jahr warten mussten, bis sie einen Pinsel in die Hand nehmen durften (zuerst kam der Zeichenunterricht), stellte Courbet seinen eigenen anspruchsvollen Zeitplan auf und stürzte sich kopfüber in die Malerei.

Junger Mann sitzend, Studie. Selbstporträt bekannt als An der Staffelei (um 1847) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Häufig stellte er ein traditionelles Bild nach, um dessen Geheimnisse zu entdecken. Er vervollständigte seine Solostudien, indem er in der freien Natur und mit angeheuerten Modellen malte. Er stellte Familie und Freunde dar, während er seine Familie in Ornans besuchte. Courbet vertiefte sich ebenfalls in seinen eigenen Realismus und lehnte jede traditionelle Herangehensweise und jedes traditionelle Vokabular ab.

Trotz der Tatsache, dass dies für die damalige Zeit eher unkonventionell war, konzentrierte er sich darauf, für die formellen französischen Salons ausgewählt zu werden. In seinen ersten sieben Jahren in Paris wurden jedoch nur drei seiner 25 Beiträge zugelassen.

Reifezeit

Während seiner Zeit in Paris produzierte Courbet in einem konstanten realistischen Stil. So lehnte er zum Beispiel einen Auftrag ab, Engel für eine Kapelle zu schaffen, mit den Worten: „Zeig mir einen Engel, und ich werde einen schaffen.“ Stattdessen porträtierte er gewöhnliche Menschen in all ihrer wunderbaren Banalität, und es war kein Schock, als Courbets wachsender Kreis von wichtigen Verbündeten ihn 1848 zum Chef der Realistenorganisation in Paris machte.

Selbstporträt (Mann mit Pfeife) (1848-1849) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Sowohl der Schriftsteller Charles Baudelaire als auch der lautstarke Revolutionär Pierre Proudhon gehörten zu diesem Kreis von Akademikern, die sich gegenseitig herausforderten, die akzeptierten Normen der Zeit zu hinterfragen. Im Jahr 1848 wurde der Pariser Salon unter der neu gegründeten Republik für ein Jahr juryfrei. Dies ermöglichte Courbets Einreichung von 10 Werken, die automatisch angenommen wurden, wo sie einen hervorragenden Eindruck hinterließen und dem Maler im folgenden Jahr zu einer Goldmedaille verhalfen.

Nach den Normen der Akademie gewährte die Goldmedaille Courbet Immunität vor späteren Auswahlkommissionen, ein Vorteil, den er bis 1857 behielt, als die Politik geändert wurde. Das Begräbnis in Ornans (1849-1850) und andere großartige Werke wären ohne diesen Schutz mit ziemlicher Sicherheit abgelehnt worden. Courbets schamloseste Darbietung des ländlichen Realismus war dieses massive provokative Kunstwerk.

Der große Maßstab, in dem er die einfachen Leute zeigte, rief einen Hagelsturm der Kritik hervor, denn viele traditionalistische Gegner waren unzufrieden mit der offensichtlichen Befürwortung der demokratischen Regierungsform durch das Bild.

Paradoxerweise griff die französische Regierung unter Napoleon III. schon bald nach der Uraufführung von Begräbnis in Ornans auf ein autoritäres Imperium zurück. Courbet blieb seiner Herrschaft hartnäckig feindlich gesinnt, und der Herrscher sollte schließlich Grund haben, Courbets Nacktheit zu missbilligen.

Bestattung in Ornans (1849-1850) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Napoleon III. und seine Frau Eugenie unternahmen 1853 eine der bemerkenswertesten missbilligenden Handlungen: Die Geschichte besagt, dass Eugenie beim Durchstöbern des Pariser Salons eine lobende Bemerkung über Rosa Bonheurs Werk Die Pferdemesse machte, das riesige Arbeitspferde von hinten darstellte.

Als sie kurz darauf vor Courbets Werk Die Badenden (1853) stand, das zwei kräftige Bäuerinnen beim Baden in einem Fluss zeigt, bemerkte sie, dass Courbets Untertanen den massiven Bonheur-Pferden ähnelten – daraufhin schlug der Kaiser angeblich mit seiner Reitgerte auf das Bild ein. Als drei der 14 Gemälde, die Courbet dem Komitee der Pariser Weltausstellung 1855 präsentierte, abgelehnt wurden, ersann der Künstler ein Geschäftsmodell, das genauso verblüffend und originell war wie seine Werke.

Er baute hartnäckig seinen eigenen Pavillon außerhalb des Geländes, den er „Realismus“ nannte, und stellte 40 Gemälde aus seiner 15-jährigen Karriere aus.

Spätphase

Courbet konzentrierte sich in den 1860er Jahren auf sexuelle Akte, Jagdszenarien, Panoramen und Meereslandschaften. Mit diesem Werk widersetzte er sich noch mehr dem akademischen Klassizismus, indem er seine neue Sichtweise propagierte und andere Modernisten inspirierte. Courbets Flüssigkeit ist roh und greifbar, mit dicker Farbe auf einer Oberfläche, die fast so laut schreit wie der Eindruck von Wasser selbst.

Die Aktbilder des französischen Realisten aus dieser Zeit verstießen gegen die Normen der Zeit und sind in einigen Fällen bis heute umstritten.

Porträt von Gustave Courbet, 1860er Jahre; Nadar, Public domain, via Wikimedia Commons

Origin of the World (1866), das berühmteste, zeigt den Unterkörper einer Frau und ihre entblößten Oberschenkel. Die klassische Kunstfertigkeit wird eliminiert und zwingt den Betrachter, sich auf den persönlichsten Aspekt des Frauenkörpers zu konzentrieren; Courbet weist den Betrachter genau an, wohin er schauen soll, und impliziert damit, dass ein solcher grafischer Realismus akzeptiert werden sollte. Diese freimütige Darstellung der Nackten war ein Vorbote der unverblümten Sexualität von Künstlern wie Egon Schiele Anfang des 20.

L’Origine du monde (Der Ursprung der Welt) (1866) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Courbet wurde die meiste Zeit seiner Karriere von der französischen Akademie und anderen staatlichen Organisationen verachtet. Dennoch wurde ihm 1870 die Ehrenlegion, die höchste französische Auszeichnung, verliehen, die er jedoch ablehnte.

Courbet schrieb in typisch rebellischer Manier einen offenen Brief, in dem er behauptete: „Ehre ist nicht in einem Titel oder einem Band zu finden, sondern in Taten und den Absichten, die hinter diesen Taten stehen. Der größte Teil der Ehre beruht auf dem Respekt vor sich selbst und seiner Meinung. Ich ehre mich selbst, indem ich an meinen lebenslangen Überzeugungen festhalte.“

Gustave Courbet hat nie geheiratet, weil er der Meinung war, dass seine Arbeit ihm nicht genug Zeit ließ, um sesshaft zu werden. 1872 machte er einer sehr jungen Dame einen Heiratsantrag und behauptete in einem Brief, dass sie, wenn sie annehmen würde, in ganz Frankreich begehrt und sogar „dreimal wiedergeboren werden würde, ohne jemals über eine Situation wie diese zu stolpern“. Die Frau lehnte jedoch ab, und Courbet blieb für den Rest seines Lebens Junggeselle.

Selbstporträt in Sainte-Pélagie (ca. 1872) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Endliche Jahre

Courbet wurde zum Leiter der republikanischen Kunstkommission in der kurzlebigen Pariser Kommune gewählt, als das französische Kaiserreich schließlich im Deutsch-Französischen Krieg besiegt wurde. Die Säule auf der Place Vendôme, die Napoleon I. aus der Bronze der gegnerischen Kanonen errichten ließ, wurde während seiner Amtszeit abgerissen.

Courbets genaue Beteiligung an der Zerstörung der Säule ist nicht bekannt, und es ist denkbar, dass er nur plante, sie zu versetzen. Dennoch führte der Untergang der Säule auch zu seinem Untergang. Als die neue Gruppe schnell scheiterte, wurde Courbet 1871 zu sechs Monaten Gefängnis verurteilt und verbrachte den letzten Teil seiner Strafe krankheitsbedingt in einer Heilanstalt.

Dieser Katastrophe folgte eine weitere, als er 1873 gezwungen war, 300.000 Francs für die Aufstellung einer neuen Vendôme-Säule direkt zu bezahlen. Angesichts dieser unermesslichen Schulden flüchtete er in die Schweiz in die selbstgewählte Abgeschiedenheit. Er malte weiter, kehrte aber nie wieder nach Frankreich zurück.

Letzte bekannte Photographie von Gustave Courbet im Jahr 1877 in La-Tour-de-Peilz; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Er starb 1877 im Alter von 58 Jahren an einer schweren Alkohol- und Lebererkrankung in La Tour-de-Pails in der Schweiz. Seine Asche wird heute auf dem Friedhof von Ornans beigesetzt. Gustave Courbets Realismus kann als Teil einer größeren Untersuchung des physikalischen Universums betrachtet werden, die die Akademiker im 19. Aber es war seine Verachtung für die strengen Vorgaben der französischen Akademie, die Gustave Courbet in seinen Gemälden am meisten motivierte.

Im Gegensatz zu anderen französischen Malern dieser Zeit vernachlässigte Gustave Courbet in seinen Werken klassische oder romantische Ansätze, um einfache Bilder des Landlebens – Themen, die normalerweise mit der kleinen Genremalerei in Verbindung gebracht werden – in Material für die große Historienmalerei zu verwandeln.

Das Erbe und der Stil von Gustave Courbet

Das demokratische Auge von Gustave Courbet veränderte die westliche Kunst. Sein neuer Realismus ebnete den Weg für spätere moderne Stile wie den Impressionismus und den Postimpressionismus. Courbet stand in engem Kontakt mit Monet, Manet, Renoir und anderen, die von ihm und seinen Werken stark beeinflusst wurden. Courbets ausdrucksstarker Farbauftrag ebnete auch den Weg für Figuren- und Landschaftsmaler des 20. Jahrhunderts wie Fairfield Porter, Willem de Kooning, Lucian Freud und andere. Während der Pariser Kommune von 1871 gab Courbet die Malerei vorübergehend auf, um in der Regierung zu arbeiten. Das war typisch für seine Sympathien für den linken Flügel.

Seine Kunst war nicht offen politisch, aber unter den Umständen der damaligen Zeit wurde er nicht abgewiesen, weil er Vorstellungen von Gerechtigkeit vermittelte, indem er Helden aus gewöhnlichen Menschen machte, sie in großem Format malte und ihre Fehler nicht verbarg.

Die Steinbrecher (1849) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Courbet entschied sich häufig für Kompositionen, die nach konventionellem Geschmack collagiert und primitiv wirkten, während er den Jargon der Akademienmalerei wegwischte. Manchmal verzichtete er auch auf eine präzise Modellierung und trug die Farbe großzügig in fragmentierten Flecken und Schollen auf. Diese künstlerischen Entwicklungen brachten ihm die Bewunderung der nachfolgenden Modernisten ein, die sich für freie Kompositionen und eine verbesserte Oberflächenstruktur einsetzten.

Anstatt sich nur auf das staatliche Salon-System zu verlassen, erfand Courbet die Einzelausstellung als privates Wirtschaftsunternehmen, eine Strategie, die viele spätere abtrünnige Künstler übernahmen.

Gustave Courbet Gemälde L’Hallali du Cerf („Das Töten eines Rehs“), fotografischer Abzug auf Albuminpapier von Etienne Carjat, 1867; Etienne Carjat, Public domain, via Wikimedia Commons

Gustave Courbets Kunstwerke

Courbets Realismus kann als Teil einer größeren Untersuchung des physikalischen Universums gesehen werden, die Wissenschaftler/innen im 19. Jahrhundert in ihren Bann zog. Aber es war seine Abneigung gegen die strengen Vorgaben der französischen Akademie, die ihn in seinem eigenen Bereich der Malerei am meisten motivierte. Anstatt traditionelle oder romantische Darstellungen zu verwenden, nutzte er einfache Bilder des Dorflebens – Themen, die normalerweise mit der kleinen Genremalerei in Verbindung gebracht werden – um großartige Historienbilder zu schaffen. Dadurch wurde er bekannt.

Hier sind ein paar Beispiele für Gustave Courbets Gemälde.

Bestattung in Ornans(1849)

Dieses Bild in der Hauptkammer des Musee d’Orsay verschlingt den Betrachter wie in einer Höhle. Die Figuren wandern im Dunkeln umher, fixiert auf Formalitäten, in einer sehr unklassischen Komposition. Das Bild, das ein gutes Beispiel für den Realismus ist, hält sich an die Fakten einer echten Beerdigung und vermeidet übertriebene spirituelle Obertöne.

Courbet hat absichtlich nicht zugelassen, dass das Licht im Gemälde das Ewige widerspiegelt, um das vergängliche Element der Existenz zu betonen.

Während der Sonnenuntergang vielleicht die große Bewegung der Seele vom Vergänglichen zum Ewigen darstellte, verdunkelte Courbet den Abendhimmel mit Wolken, so dass der Wechsel vom Tag zur Nacht eine einfache Wiederholung des Übergangs des Sarges vom Licht zur Dunkelheit war. Einige Kritiker empfanden das Engagement für die präzise Realität des Todes als Respektlosigkeit gegenüber der Religion und griffen es als schäbig konstruiertes Gebäude an, in dem abgenutzte Arbeitergesichter in einem massiven Werk zu Lebensgröße erhoben werden, als ob sie irgendeinen glorreichen Wert haben müssten.

Andere Rezensenten bewunderten, dass das Gemälde auf die Fairness und das Gute in allen Individuen hinweist, und sahen, wie es dazu beitragen könnte, die Entwicklung der westlichen Kunst und Ideologie zu verändern.

Die Badenden(um 1853)

In Die Badenden sieht man eine ziemlich große Frau, die von hinten aus einem kleinen Becken steigt und nackt ist, bis auf ein dünnes Tuch, das ihren Po bedeckt. Sie winkt ihrer Zofe zu, die auf dem Boden sitzt und ihre Schuhe und Strümpfe auszieht. Das Dienstmädchen starrt die Frau an, aber es ist unklar, was die beiden denken oder zueinander sagen. Die Leute waren dagegen, weil es hässlich und sinnlos war.

Die Nudisten auf diesen Bildern waren ausnahmslos elegante, klassische Figuren.

Die Badenden (c. 1853) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Nacktheit in Die Badenden ist eine realistischere und folglich gröbere Darstellung des weiblichen Körpers. Außerdem war das typische Thema einer nackten Badenden mit ihrem bekleideten Freund zu dieser Zeit sehr beliebt, auch wenn immer irgendeine Form der biblischen oder mythischen Erzählung vermittelt wurde. Courbets Bild war frei von jeglicher Geschichte. Sobald das Bild ausgestellt wurde, löste es eine heftige Debatte aus. Weil er 1848 eine Medaille gewonnen hatte und vom Auswahlverfahren ausgeschlossen war, war der Salon verpflichtet, das Bild anzunehmen.

Der dünne Schleier, der den unteren Teil der Badenden verdeckt, scheint ein Versuch Courbets zu sein, Kritik zu vermeiden, denn er scheint nachträglich aufgemalt worden zu sein. Das Bild wurde als „Schmutz“ betitelt und als subversiv angeprangert.

Das Treffen (1854)

Auf diesem riesigen Gemälde stellt Courbet sich selbst dar, wie er Alfred Bruyas, einen wichtigen Gönner und Unterstützer, trifft. Das Bild zeigt die Bewunderung des Sammlers für Courbets Talent. Das Dienstmädchen wird in der größten Respektsbekundung als Anhängsel von Bruyas festgehalten, aber das Wichtigste ist dieser Moment der gegenseitigen Bewunderung zwischen Künstler und Auftraggeber.

Die Begegnung, oder Bonjour, Monsieur Courbet! (1854) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Courbets Kopf ist leicht nach hinten geneigt, als Zeichen hohen Wissens und hoher Bedeutung, und er steht als einziger im ungefilterten Licht richtig. Gleichzeitig zeigt sich in diesem Werk Courbets Sinn für Selbstherrlichkeit. Sein Bart zeigt wie zum Gericht auf den Auftraggeber.

Der Künstler hält auch einen Stab in der Hand, der doppelt so groß ist wie der, den sein Kunde benutzt, um sich zu stützen – eine weitere Anspielung auf die Macht des Künstlers.

Das Atelier des Malers(1855)

Courbets 19 Fuß langes Gemälde drückt sein Selbstwertgefühl und seine Zufriedenheit über seine eiserne Entschlossenheit, seine harte Arbeit und seinen revolutionären Intellekt aus. In diesem Werk macht er sich selbst zum Helden, so wie er andere in der Bestattung von Ornans heroisiert hat.

Courbet erklärt mit einer gesunden Portion Egoismus, dass, wenn Einzelne für sich selbst denken und dem aktuellen Quo entgegentreten, Dinge erledigt werden und sich Einstellungen ändern.

Das Atelier des Malers (1855) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Courbet vergrößert sich, den Pinsel in der Hand, um mit einem Landschaftsgemälde zu beginnen. Courbets Kollegen auf der rechten Seite stehen für Gleichgesinnte und Erfindungsgeist, während der bewundernde Jüngling Courbets Überzeugung zum Ausdruck bringt, dass sein Vermächtnis Jahrzehnte überdauern würde. Die nackte Figur, die hinter dem Maler steht, bestätigt sowohl seine Exzellenz als auch ihren Status als Muse. Auf der linken Seite ist zu sehen, dass Courbet das Recht der armen Arbeiter anerkennt, einbezogen zu werden. Napoleon III., sein Feind, wird als Wilderer mit einer Waffe und seinen Hunden dargestellt.

In einer Darstellung, in der der Erneuerer über den Autoritären triumphiert, triumphiert Courbets kinnloser Blick über Napoleons nach unten geneigten Kopf.

Eine Nahaufnahme von Das Atelier des Malers(1855) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Welle(1869-1870)

Mehrere frühe Modernisten ließen sich von japanischen Drucken inspirieren, und manche sagen, dass Courbet einer der ersten war, der von diesem östlichen Stil beeinflusst wurde. In Anlehnung an die Drucke stellt er höchstwahrscheinlich ein Stück Wasser dar, das von der Vision eines riesigen Raums abgeschnitten ist. Das Werk ist ein Beispiel für Courbets Landschaften und Seestücke, die in der Regel aus fragmentierten Farbflecken bestehen, die sowohl an dunklen als auch an hellen Stellen zu finden sind. Die jungen Impressionisten ließen sich von solchen malerischen Techniken inspirieren.

Courbets offensichtlicher Auftrag von dicker Farbe, die er meist aggressiv mit einem Spachtel auf der Leinwand verteilt, um das Gefühl von fließendem Wasser und Schaum zu erzeugen, lässt den Betrachter in brodelnde Wellen eintauchen.

Die Welle (1869-1870) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Gustave Courbet gilt als einer der Hauptakteure bei der Entstehung des Realismus in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Gustave Courbets Gemälde, die sich über die klassischen und dramatischen Traditionen der französischen Künstler der Akademie hinwegsetzten, betonten die physische Realität dessen, was er sah – selbst wenn diese Wahrheit schlicht und fehlerhaft war. Als überzeugter Republikaner sah der französische Realismusmaler seine Kunst als Mittel, um sich für die Bauern und Landbewohner seiner Region einzusetzen. Historiker sehen in Gustave Courbets Gemälden zunehmend einen entscheidenden Wegbereiter für andere Künstler der frühen Moderne wie Claude Monet und Édouard Manet.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Gustave Courbet?

Der Realismus von Gustave Courbet war Teil einer größeren Erforschung des physikalischen Kosmos, die die Wissenschaft im 19. Jahrhundert faszinierte. In Gustave Courbets Gemälden trieb ihn jedoch vor allem seine Verachtung für die Regeln der französischen Akademie an. Im Gegensatz zu den Gemälden anderer französischer Maler seiner Zeit verzichtete Gustave Courbet auf klassische und romantische Techniken, um einfache Bilder des Landlebens – Themen, die normalerweise mit der kleinen Genremalerei in Verbindung gebracht werden – in Material für die große Historienmalerei zu verwandeln.

Warum war Gustave Courbet relevant?

Seine Kunst war nicht offenkundig politisch, aber angesichts der damaligen Verhältnisse war es nicht von der Hand zu weisen, dass er ganz normale Menschen als Helden darstellte, sie in großem Maßstab malte und ihre Unzulänglichkeiten nicht verbarg. Courbet wählte regelmäßig Kompositionen, die für das traditionelle Empfinden collagiert und ursprünglich wirkten, während er die Sprache der Akademiemalerei meidete. Manchmal wich er auch von einer genauen Modellierung ab und entschied sich stattdessen für einen großzügigen Farbauftrag in Form von gebrochenen Flecken und Schollen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.