Georges Braque – Der französische Kubismus-Künstler im Fokus

Der französische Künstler Georges Braque war ein Pionier des Kubismus, einer bahnbrechenden Kunstbewegung. Georges Braques Gemälde konzentrierten sich Zeit seines Lebens auf Stillleben und die Wahrnehmung von Gegenständen aus verschiedenen Blickwinkeln mit Hilfe von Linien, Farben und Texturen. Georges Braques kubistischer Stil lässt sich in seinen Werken wie Violine und Kerzenleuchter (1910) und Häuser in Estaque (1908) beobachten. Heute werden wir uns mit der Biografie von Georges Braque und seinen bekanntesten Kunstwerken beschäftigen.

George Braques Biografie

Obwohl George Braque als Vertreter des Fauvismus begann, begann er erst nach seiner Begegnung mit Pablo Picasso mit einer kubistischen Ästhetik zu arbeiten. Während ihre Kunstwerke viele Gemeinsamkeiten in Bezug auf die Farbpalette, die Mode und das Ausgangsmaterial aufwiesen, behauptete Braque, dass seine Praxis im Gegensatz zu der von Picasso „frei von ikonologischer Kritik“ war und sich nur mit dem visuellen Raum und der Struktur beschäftigte.

In seinen Werken strebte Braque nach Harmonie und Ausgewogenheit, vor allem durch papier collés, eine von Braque und Picasso 1912 erfundene Methode der geschnittenen und geklebten Papiercollage.

Foto von Georges Braque aus dem Jahr 1908, veröffentlicht in Gelett Burgess, „The Wild Men of Paris“, Architectural Record, Mai 1910; Fotograf nicht identifiziert, anonym, Public domain, via Wikimedia Commons

Braque brachte die Collage auf ein noch höheres Niveau, indem er zerschnittene Werbeanzeigen in seine Kunstwerke einband. Dies war ein Vorläufer der modernen Kunstbewegungen, die sich mit Medienkritik beschäftigten, wie zum Beispiel die Pop Art. Um höhere Dimensionen in seinen Kunstwerken zu erreichen, ätzte Braque Buchstaben ein, mischte Farbtöne mit Sand und ahmte Holzmaserungen und Marmor nach.

Seine Stillleben-Gemälde sind so konzeptionell, dass sie an der Grenze zu Formen stehen, die eher das Wesen der gesehenen Objekte vermitteln als spezifische Darstellungen.

Kindheit

Georges Braque wurde schon in jungen Jahren zu fantasievollen Malmethoden ermutigt. Sein Vater leitete ein Unternehmen für dekorative Malerei, und Braques Neugier auf Texturen und taktile Rückmeldungen könnte von seiner Zeit als Dekorateur bei ihm herrühren. Im Alter von 17 Jahren zog Braque 1899 mit seinen Freunden Raoul Dufy und Othon Friesz von Argenteuil nach Paris.

Er ließ sich bei einem Innenarchitekten in Paris ausbilden und erhielt 1902 sein Diplom.

Frühe Ausbildung

Braques erste Werke waren im Stil des Fauvismus gehalten. Von 1902 bis 1905, nachdem er seinen Job als Innenarchitekt aufgegeben hatte, um sich ganz der Malerei zu widmen, experimentierte er mit fauvistischen Konzepten und arbeitete mit Henri Matisse zusammen. Seine erste Kunstausstellung fand 1906 im Salon des Indépendants statt, wo er seine farbenfrohen fauvistischen Kreationen präsentierte.&nbsp

Doch ein Besuch in Pablo Picassos Atelier im Jahr 1907, wo er Picassos bahnbrechendes Werk Les „Demoiselles d’Avignon“ sah, hatte eine tiefgreifende Wirkung auf ihn. Nach ihrer Begegnung entwickelte sich zwischen den beiden Künstlern eine Freundschaft und künstlerische Freundschaft.

„Wir trafen uns jeden Tag, um die Konzepte zu diskutieren und zu testen, die sich herauszubilden begannen, und um unsere verschiedenen Kreationen zu vergleichen“, erklärte Braque. Picasso ist direkt verantwortlich für den dramatischen Wandel in Braques Malstil. Braque wollte „die positiven und produktiven Komponenten in seinen Kreationen stärken und die expressionistischen Extreme des Fauvismus aufgeben“, nachdem er Picassos Ziele begriffen hatte.

Louis Vauxcelles, ein französischer Kunstkritiker, prägte den Begriff Kubismus, nachdem er die Gemälde von Georges Braque als „bizarreries cubiques“ bezeichnet hatte.

In dieser produktiven Vorkriegszeit leistete Braque (zusammen mit Picasso) einen wichtigen Beitrag zur modernen Kunst, vor allem durch seine Auseinandersetzung mit dem Kubismus – durch die analytische und die synthetische Phase der Bewegung.

Reifezeit

Picasso und der französische Künstler Braque arbeiteten bis zu Braques Rückkehr aus dem Krieg im Jahr 1914 zusammen. Als Picasso anfing, gegenständlich zu malen, fühlte sich Braque von seinem Weggefährten in seinen kubistischen Prozessen und Richtlinien nicht respektiert und ging seinen eigenen Weg. Dennoch wurde er von Picassos Werken beeinflusst, vor allem von Papier collés, einer von beiden Künstlern erfundenen Montagetechnik, bei der nur geklebtes Papier verwendet wird.&nbsp

Seine Collagen waren voller geometrischer Formen, die durch Musikinstrumente, Früchte oder Möbel aufgelockert wurden. Diese Skulpturen waren so dreidimensional, dass sie als entscheidend für die Entwicklung der kubistischen Bildhauerei gelten.

Braque hatte seine Papier collés-Experimente bis 1918 aufgebraucht und kehrte zum Malen von Stillleben zurück. In Braques erster Einzelausstellung nach dem Krieg im Jahr 1919 wurde das Publikum auf eine viel begrenztere Palette aufmerksam. Dennoch hielt er sich strikt an die kubistischen Regeln für die Darstellung von Gegenständen aus verschiedenen Blickwinkeln in geometrisch gemusterten Formen.

In dieser Hinsicht blieb er länger ein echter Kubist als Picasso, dessen Ästhetik, Sujet und Farbpalette sich regelmäßig änderte.

Braque war vor allem daran interessiert zu zeigen, wie Objekte erscheinen, wenn man sie in verschiedenen Zeiträumen und auf verschiedenen visuellen Ebenen betrachtet. In den 1920er Jahren konzentrierte er sich auf die Herstellung von Bühnenbildern und Kostümen für Theater- und Tanzaufführungen, weil er den Raum auf vielfältige Weise darstellen wollte.

Spätes Leben und Tod

1929 kehrte Braque zur Landschaftsmalerei zurück, dieses Mal mit neuen, leuchtenden Farben, die von Matisse und Picasso inspiriert waren. In den 1930er Jahren begann Braque, griechische Helden und Götter darzustellen, weil er der Meinung war, dass die Motive von ihrer Symbolik losgelöst waren und nur noch durch eine formale Linse betrachtet werden sollten. Er nannte diese Kunstwerke „Übungen in Kalligrafie“, weil sie sich weniger mit den Figuren als vielmehr mit der reinen Linie und Form beschäftigten.

In der zweiten Hälfte der 1930er Jahre begann Braque, seine Vanitas-Sequenz zu schaffen, in der er aus einer introspektiven Perspektive über Leiden und Tod nachdachte.

Er war immer mehr auf die Körperlichkeit seiner Kunstwerke fixiert und experimentierte mit verschiedenen Pinselstrichen und Farbqualitäten, um seine Motive zu erweitern. Die Gegenstände in seinen Stillleben waren für Braque sehr persönlich, aber er gab ihre Bedeutungen nie preis. Totenköpfe zum Beispiel waren Objekte, die er zu Beginn des Zweiten Weltkriegs regelmäßig malte.

Fotografie eines älteren Georges Braque; Brasilianisches Nationalarchiv, Public domain, via Wikimedia Commons

Als der Zweite Weltkrieg 1944 zu Ende ging, begann Braque, sich auf leichtere Themen wie Billardtische, Blumen und Gartensitze zu konzentrieren. Seine letzte Serie von acht Gemälden, die er zwischen 1948 und 1955 fertigstellte, enthielt Illustrationen, die eher die tiefsten Gefühle des Künstlers zu den jeweiligen Gegenständen symbolisierten als äußere Referenzen. Gegen Ende seines Lebens bildete Braque regelmäßig Vögel ab, um seine Fixierung auf die Umwelt und die Bewegung perfekt darzustellen.

Braque gilt als Urvater des Kubismus, dessen Stilllebenbilder sowohl rational als auch sinnlich waren.

In diesem Zusammenhang war er ein klassischer Maler, der Künstler wie Wayne Thiebaud und Jim Dine beeinflusste, die sich auf die Stilllebenmalerei spezialisiert hatten. Er war auch ein hervorragender Kolorist, und sein Einfluss ist in den Werken zeitgenössischer Künstler zu sehen, die Farbe auf ähnliche Weise einsetzen. Vielleicht ist Braque am bekanntesten für seine Collage, die von vielen modernen Künstlern, von Künstlern wie Mark Bradford bis hin zu Bildhauern wie Jessica Stockholder, verwendet wird, um die Kultur und ihre Gebrauchsgegenstände direkt zu kommentieren.

George Braques Stil des Kubismus

Braques Kunstwerke aus den Jahren 1908 bis 1912 spiegeln sein neu entdecktes Interesse an Geometrie und gleichzeitiger Perspektive wider. Er untersuchte die Auswirkungen von Beleuchtung und Perspektive sowie die Mittel, die Künstlerinnen und Künstler zur Darstellung dieser Effekte verwenden, und schien damit die grundlegendsten künstlerischen Normen in Frage zu stellen. In seinen ländlichen Bildern zum Beispiel reduzierte Braque regelmäßig einen architektonischen Stil auf eine geometrische Form, die einem Würfel ähnelt, während er die Schattierungen so wiedergab, dass sie sowohl flach als auch dreidimensional erschienen, indem er das Bild brach. Dies ist auf dem Gemälde Häuser in Estaque (1908) zu sehen.

Ab 1909 begann er, eng mit Picasso zusammenzuarbeiten, der an der Entwicklung eines vergleichbaren proto-kubistischen Stils arbeitete.

Die Armory Show auf der Internationalen Ausstellung für Moderne Kunst im Art Institute of Chicago (24. März – 16. April 1913). Der kubistische Raum mit Georges Braques Die Geige; Anonymer Fotograf. Aufgenommen vor 100 Jahren., Public domain, via Wikimedia Commons

Pablo Picasso war zu seiner Zeit von Gauguin, Cézanne, afrikanischen Masken und iberischer Bildhauerei beeinflusst, während Braque vor allem daran interessiert war, Cézannes Konzepte unterschiedlicher Sichtweisen zu verbessern. Eine vergleichende Untersuchung von Picassos und Braques Werken aus dem Jahr 1908 zeigt, dass die Begegnung mit Picasso Braques Auseinandersetzung mit Cézannes Konzepten eher beschleunigte und intensivierte, als dass sie sein Denken in nennenswerter Weise ablenkte.

Der Begriff „Kubismus“ wurde schnell populär, aber Picasso und Braque machten ihn sich nur langsam zu eigen.

Laut dem Kunsthistoriker Ernst Gombrich war der Kubismus der drastischste Versuch, Mehrdeutigkeit zu beseitigen und eine einzige Interpretation des Bildes einer von Menschenhand geschaffenen Konstruktion, einer farbigen Leinwand, durchzusetzen. Die kubistische Ästhetik verbreitete sich schnell in Paris und dann in ganz Europa. Obwohl Braque seine Karriere mit der Gestaltung von Landschaften begann, erkannten er und Picasso 1908 den Wert der Stillleben.

Braque erklärte, dass er begann, sich auf Stillleben zu konzentrieren, weil sie einen taktilen, er würde vielleicht sagen manuellen Raum haben. Das befriedigte seinen Wunsch, die Dinge zu berühren, anstatt sie nur anzuschauen. Im taktilen Raum berechnest du die Länge zwischen dir und dem Objekt, während du im visuellen Raum die Entfernung zwischen den Dingen berechnest. Das ist es, was mich vor so langer Zeit von der Landschaft zum Stillleben gezogen hat.“ Das Stillleben war auch in Bezug auf den Blickwinkel leichter zu betrachten als eine Landschaft, da der Maler das Objekt aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten konnte. In den 1930er Jahren wurde Braques frühes Engagement für Stillleben wieder aufgegriffen.

In der Zwischenkriegszeit vertrat Braque einen liberaleren, entspannteren Stil des Kubismus, bei dem er die Farbe und eine weichere Darstellung der Gegenstände betonte. Dennoch blieb er der kubistischen Technik der gleichzeitigen Perspektive und Segmentierung treu.

Im Gegensatz zu Pablo Picasso, der seine Maltechnik ständig neu erfand, sowohl gegenständliche als auch kubistische Bilder schuf und surreale Konzepte in seine Werke integrierte, blieb Braque der kubistischen Ästhetik treu und schuf beleuchtete, jenseitige Stillleben und Figurenkonfigurationen. Als er 1963 starb, galt er als einer der Elder Statesmen der Pariser Schule und der modernen Kunst.

Georges Braque’s Gemälde

Braque ging davon aus, dass ein Künstler Perfektion in Form von Volumen, Linie, Gewicht und Masse erlebt und dass er seine subjektive Wahrnehmung durch diese Schönheit wahrnimmt. Er charakterisierte Objekte, die in Fragmente zerbrochen wurden, als eine Methode, sich dem Objekt zu nähern. Die Fragmentierung half mir dabei, Raum und Bewegung im Raum zu etablieren. Er wählte eine monochromatische und neutrale Farbpalette mit der Absicht, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Gegenstand zu lenken.

Häuser in Estaque (1908)

Dieses Kunstwerk von Braque wurde 1908 auf dem Salon d’Automne abgelehnt. Henri Matisse teilte Louis Vauxcelles damals mit: „Braque hat gerade ein Kunstwerk eingereicht, das aus kleinen Würfeln besteht.“ Die Worte von Matisse wurden von dem Kritiker Charles Morice weitergegeben, der ebenfalls Braques kleine Würfel erwähnte.

Das Thema des Viadukts von l’Estaque hatte Braque beeinflusst, drei Kunstwerke zu schaffen, die sich durch formale Einfachheit und Dekonstruktion des Blickwinkels auszeichnen. Die Bilder, die Braque im Sommer 1908 in l’Estaque schuf, gelten als die ersten kubistischen Gemälde.

Nachdem sie auf dem Salon d’Automne abgelehnt worden waren, hatten sie das Glück, im Herbst in der Pariser Galerie von Daniel-Henri Kahnweiler ausgestellt zu werden. Diese einfachen Landschaftsbilder zeigten Braques Engagement für die Sezierung von Bildern. Es handelt sich um ein proto-kubistisches Kunstwerk, in dem Cézannische Bäume und Häuser ohne eine einheitliche Perspektive abgebildet sind.

Trotzdem sehen die Häuser im Hintergrund kleiner aus als die im Vordergrund, was mit der klassischen Perspektive übereinstimmt. Apollinaire notiert nichts über die ausgestellten Kunstwerke, erwähnt aber „die synthetischen Motive, die er gerne malt“ und dass er „seiner Umgebung nichts mehr zu geben braucht.“

Braque wurde von Vauxcelles als kühner Mann beschrieben, der die Form verachtet und „alles, Orte und Figuren und Häuser, auf dimensionale Schemata, auf Würfel reduziert“

Geige und Kerzenständer (1910)

Der analytische Kubismus, eine bahnbrechende künstlerische Ästhetik, die von Georges Braque und Picasso vorangetrieben wurde, um dreidimensionale Artefakte auf einer abgeflachten Oberfläche darzustellen, ohne die herkömmliche Renaissance-Perspektive zu verwenden, wird in diesem Werk verkörpert. Bei diesem theoretischen Ansatz der Malerei werden interpretierte Formen unterteilt, fragmentiert, zerquetscht und dann in verschiedenen Perspektiven innerhalb eines oberflächlichen Raums wiederhergestellt. Diese Art der Fragmentierung ist laut Braque eine Methode, um sich dem Objekt zu nähern.

Georges Faszination für Form und Konsistenz führte zu „Violine und Kerzenleuchter“, das von dem Wunsch motiviert war, dem Betrachter den Eindruck zu vermitteln, sich frei im Kunstwerk bewegen zu können.

Um dies zu erreichen, armaturierte der Maler die Motive in der Mitte eines Gitters und verwendete erdige Farben, um die schwarz umrandeten Objekte abzudecken. Auf diese Weise konnte er statische Volumina in zusammengesetzte Flächen verwandeln, die auf einer flachen Ebene gehalten wurden, so dass der Betrachter mehr von der Form sehen konnte als aus jedem anderen Blickwinkel.

Die Auswirkungen des Lichts geschickt zu erkennen und zu begreifen, um die angemessenen emotionalen Reaktionen und Wirkungen der Subjekte hervorzurufen, war auch ein entscheidender Parameter in Braques „Violine und Kerzenleuchter“.

Stilleben-Requisiten (einige erkennbar, andere nicht) sind in diesem Werk in der Mitte eines gitterartigen Gerüsts gruppiert. Indem er die Grenzen der schwarz umrandeten Gegenstände öffnete und abdeckte und im gesamten Gemälde dieselben erdigen Farben verwendete, brachte Braque die Objekte und den Hintergrund zusammen. Er formte die Volumina des Stilllebens so um, dass ihre zahlreichen Oberflächen auf einer flachen Ebene Platz fanden, so dass der Betrachter mehr von der Form wahrnehmen konnte, als es von einem einzelnen Blickwinkel aus möglich gewesen wäre.

Der Portugiese (1911)

Die Portugiesen stellen einen interessanten Wendepunkt in der Entwicklung von Braques Gemälden dar. Auf der oberen rechten Seite prangen die Buchstaben „D BAL“ und römische Ziffern. Auch wenn er 1910 Buchstaben und Zahlen in ein Stillleben einfügte, waren sie ein wirklich repräsentativer Bestandteil des Gemäldes. Die Zahlen und Buchstaben sind lediglich eine stilistische Ergänzung in diesem Werk.

Braques Intentionen für das Hinzufügen der Buchstaben sind vielfältig, aber die meisten von ihnen sollten die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Leinwand selbst lenken.

In gegenständlichen Gemälden dient die Leinwand nur als Untergrund für den Eindruck, den der Maler haben möchte. Durch die Einbeziehung von Zahlen, kontextfremden Komponenten und Texturen wird dem Publikum bewusst gemacht, dass das Gemälde auch externe Elemente enthalten kann, und es wird versucht, die Oberfläche des Kunstwerks genauso wichtig zu machen wie das, was sich darauf befindet.

Klarinette und Rumflasche auf dem Kaminsims (1911)

Das Werk zeigt eine Vielzahl geometrischer Formen, die sich überlagern und die rechtwinklige Silhouette eines Kamins aus verschiedenen Blickwinkeln darstellen. Der anschauliche Titel des Kunstwerks lenkt den Blick des Betrachters auf die dargestellten Objekte, und die mit der Rumflasche verbundene Wahrnehmung eines Rausches, die durch die Buchstaben „RHU“ dargestellt wird, dient dazu, die verwirrende Begegnung beim Betrachten der Flasche zu reflektieren. Diese Komposition zeigt deutlich Braques Interesse an musikalischen Themen.

Darüber hinaus ist unten rechts auf dem Bild die Kopfplatte eines Cellos zu sehen, zusammen mit einer Reihe von Formen, die Noten und Violin- und Bassschlüsseln ähneln.

Braques Werk aus den Jahren 1908 bis 1912 sieht dem seines berühmteren Kollegen Pablo Picasso sehr ähnlich, und dieses spezielle Bild wurde gemalt, als der Maler mit Picasso in den französischen Pyrenäen Urlaub machte.

Dieses Kunstwerk zeigt eine Anordnung mit vielen Merkmalen, die mit der Kubismus-Bewegung verbunden sind, die Braque und seine Kollegen initiierten.

Flaschen und Fische (1912)

Während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn stellte Braque sowohl Flaschen als auch Fische dar, und diese Objekte dienen als Unterscheidungsmerkmal zwischen seinen verschiedenen Stilen. Flaschen und Fische ist ein gutes Beispiel für Georges Braques Erkundungen des Analytischen Kubismus, während er mit Picasso zusammenarbeitete.

Die eingeschränkte, charakteristische Erdtonpalette in diesem Gemälde macht Objekte fast unmerklich, da sie auf der horizontalen Ebene zerbröckeln. Obwohl man immer noch diagonale Linien beobachten kann, waren Braques frühe Werke meist vertikal oder horizontal ausgerichtet.

Georges Braque war ein französischer Künstler und Collagist des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Seine wichtigsten Beiträge waren sein Bündnis mit dem Fauvismus im Jahr 1905 und seine Beteiligung an der Weiterentwicklung des Kubismus. Zwischen 1908 und 1912 wurde Braques Werk häufig mit dem seines Kollegen Pablo Picasso in Verbindung gebracht. Viele Jahre lang waren ihre kubistischen Bemühungen nicht voneinander zu unterscheiden, aber die stille Existenz von Braque wurde vorübergehend von Picassos Ruhm und Anerkennung in den Schatten gestellt.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Georges Braque?

Georges Braque, ein französischer Künstler, war ein Begründer des Kubismus, einer bahnbrechenden Kunstbewegung. Zeit seines Lebens konzentrierte sich Georges Braque in seinen Gemälden auf Stillleben und verschiedene Arten der Wahrnehmung von Objekten mit Hilfe von Linien, Farben und Texturen. In Werken wie Violine und Kerzenleuchter (1910) und Häuser in Estaque (1908) ist Georges Braques kubistischer Stil zu erkennen.

Was ist Kubismus?

Der Begriff Kubismus wurde schnell populär, aber Picasso und Braque akzeptierten ihn nur langsam. Der Kubismus war der extremste Versuch, Mehrdeutigkeit zu beseitigen und eine einzige Interpretation einer vom Menschen geschaffenen Struktur, einer farbigen Leinwand, durchzusetzen. Die kubistische Ästhetik verbreitete sich schnell in Paris und dann in ganz Europa. Obwohl Braque seine Karriere mit dem Malen von Landschaften begonnen hatte, erkannten er und Picasso 1908 die Bedeutung der Stilllebenmalerei.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.