Der alte Gitarrenspieler von Picasso – Eine detaillierte Analyse

Der alte Gitarrenspieler (1903) entstand gegen Ende der sogenannten Blauen Periode Picassos. Das Gemälde selbst ist nicht besonders radikal, aber es markiert einen wichtigen Moment auf dem Weg dieses leidenschaftlichen Malers. Im Gegensatz zu Hunderten von Jahren verfeinerter Traditionen versuchte der Maler, Gefühle auszudrücken und hervorzurufen, anstatt einfach nur eine physische Realität zu illustrieren. Diese Ambition wurde zu einem Eckpfeiler der modernen Kunstbewegung.

Der melancholische Blues von Pablo Picassos Der alte Gitarrist

Das Gemälde zeigt einen alten Mann, der in ein unheimliches Mondlicht getaucht ist. Aufgrund seiner abgetragenen Kleidung können wir vermuten, dass er mittellos ist. Seine geschlossenen Augen verraten uns, dass er blind sein könnte. Er scheint mit gekreuzten Beinen auf dem Boden zu sitzen. Sein Körper liegt zusammengesunken und leblos in einer dunklen Ecke. Er hält seine Gitarre in der Hand und zupft sie. Die Art und Weise, wie der Körper um die Gitarre herum ausgerichtet ist, erinnert an eine Figur in verzweifelter Isolation, die nur durch ihre Kunst Trost findet. Der Mann sieht dem Tod nahe aus.

Künstler im Kontext

Picasso hat zwar einen Großteil seiner Zeit in Paris verbracht, aber geboren wurde er in der spanischen Küstenstadt Malaga am Mittelmeer. Schon in jungen Jahren zeigte sich, dass er ein außergewöhnlicher Zeichner war. Mit einem Kunstlehrer als Vater wuchs er auf und wurde in seinem natürlichen Talent bestärkt. Da der Nachname seines Vaters Ruiz war, sollte er eigentlich Pablo Ruiz heißen, aber der junge Pablo hatte andere Vorstellungen.

Bereits in seinen ersten Skizzen übte er, den viel glamouröseren Mädchennamen seiner Mutter, Picasso, zu unterschreiben.

Die Unterschrift von Pablo Picasso; Pablo Picasso, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Zuversicht war zweifellos berechtigt. Der junge Picasso bewies nicht nur ein Händchen für die klassische Kunst, sondern auch die Fähigkeit, schnell zu lernen und zwischen verschiedenen Stilen zu wechseln. Mit 16 Jahren hatte er sich bereits einen Studienplatz an der Königlichen Akademie von San Fernando in Madrid gesichert. Dort studierte er Meistermaler wie den spanischen Hofmaler Diego Velazquez. Er muss sich jedoch von der Kunstschule nicht erfüllt gefühlt haben, denn innerhalb eines Jahres brach er das Studium ab.

Der Tod von Casagemas (1901)

Nachdem er die Kunstschule verlassen hatte, begann Picasso, sich mit anderen Kreativen zu treffen, und so lernte er den Maler Carles Casagemas kennen. Die beiden schlossen sofort Freundschaft. Im Jahr 1900, als sie gerade 19 Jahre alt waren, nahmen sie die künstlerischen Möglichkeiten, die sich ihnen in Paris boten, ins Visier. Picasso hatte zwar einiges an Interesse geweckt, aber noch keinen großen kommerziellen Erfolg erzielt.

Da Paris das Epizentrum der westlichen Kunst und Kultur war, war es auch das Zentrum für Extravaganz und Ausschweifungen.

Die vielen Gemälde, die in ihrem gemeinsamen Paris entstanden, zeigten Szenen mit Bordellen, Tavernen, Nutten und Säufern. Die Kombination aus schäbigen Etablissements, Absinth und unerwiderter Liebe war für Casagemas eine schwindelerregende Katastrophe. Sein starker Alkoholkonsum half nicht, seine Sehnsucht nach Germaine, dem Objekt seiner Begierde, zu stillen.

Der Tod von Casagemas (1901) von Pablo Picasso; Pablo Picasso, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Am 17^ten Februar 1901, während Picasso in Spanien war, lud Casagemas Germaine und eine Gruppe von Freunden zum Abendessen in ein Pariser Café ein. Einige Flaschen Wein später stand Casagemas auf und murmelte eine unzusammenhängende, undeutliche Rede, der niemand viel Aufmerksamkeit schenkte. Aber er zog eine Pistole und schoss auf Germaine. Zum Glück war sie so klug, sich zu ducken, so dass sie nur einen Streifschuss am Hals erlitt. Casagemas hingegen richtete die Waffe auf seine rechte Schläfe und drückte ab.

Der 20-jährige Casagemas war innerhalb einer Stunde tot und wegen der großen Entfernung konnte Picasso nicht an der Beerdigung seines Freundes teilnehmen. Picasso war von der Nachricht erschüttert, aber seine Trauer sollte zum ersten großen Durchbruch seiner künstlerischen Karriere führen.

Als ihn der Selbstmord Casagemas immer mehr beschäftigte, begann er, die Erinnerung an seinen Freund auf die Leinwand zu bringen.

Picassos erste Darstellung seiner Trauer war Der Tod von Casagemas (1901). Das warme, kerzenbeleuchtete Porträt seines Freundes Casagemas zeigt nur den leblosen Kopf mit den Einschusslöchern, der in einem Sarg ruht. Noch im selben Jahr fertigte Picasso eine weitere Version des Gemäldes an, Casagemas in seinem Sarg (1901), die erneut den Leichnam in einem Sarg zeigt, nur diesmal ohne Kerzenlicht. Das Gemälde ist viel dunkler als das Original und die Töne sind gespenstisch blau.

Die blaue Periode

Picasso begann seine blauen Bilder zwischen dem späten Frühjahr 1901 und dem darauffolgenden Januar zu malen. Nur ein Jahr nachdem die beiden besten Freunde nach Paris gekommen waren, malte Picasso kathartische Bilder von seinem Freund in einem Sarg. Dieses Erlebnis löste eine Wende in Picassos künstlerischer Entwicklung aus, die so bedeutsam war, dass sie als Blaue Periode bekannt wurde.

Die Verwendung von Blau-, Schwarz-, Grün- und Brauntönen, um ein Gefühl von Melancholie, Einsamkeit und Verzweiflung zu erzeugen, war ein Hauptmerkmal der Blauen Periode.

Anfangs schienen sich die Motive um das Thema Tod zu drehen, aber im Laufe des Werks interessierte sich Picasso für Menschen am unteren Rand der Gesellschaft, mit Fehlern, Mängeln und Leiden. Er malte die armen, oft halbnackten Bettler, die oft irgendeinen körperlichen Defekt haben.

Während in der Blauen Periode, wie in vielen anderen Phasen seiner Karriere, mehr Frauen als Männer zu sehen sind, scheinen die Männer mehr in Not zu sein. Viele der Figuren in seiner Blauen Periode haben einen schlanken, langgestreckten, kantigen Körperbau und gestreckte Finger.

Dies war eine unglaublich produktive Zeit für Picasso, dessen komplexe Arbeitsweise ihm eine Vielzahl von Stilen zur Verfügung stellte, durch die er nach Belieben navigieren konnte.

Obwohl er zum Zeitpunkt der Entstehung dieses Werks noch nicht auf dem Höhepunkt seiner Karriere war, bewies er schon damals eine außergewöhnliche visuelle Begabung. Das wohl bekannteste Gemälde aus Picassos Blauer Periode, das gegen deren Ende entstand, ist Der alte Gitarrist. Die Blaue Periode dauerte von 1901 bis 1904 und dieses Gemälde entstand 1903, als der Künstler Anfang zwanzig war.

Näherer Blick auf das Kunstwerk

Der alte Gitarrist ist eines der bekanntesten Bilder, die aus der Blauen Periode stammen. So ikonisch es auch ist, einige der feineren Details dieses Kunstwerkes werden oft übersehen. Trotz seiner rührenden Schlichtheit ist dieses Gemälde von immenser Bedeutung und Kunstfertigkeit.

Farbe

In dem hauptsächlich monochromen Gemälde Der alte Gitarrist hat Picasso die Unterschiede zwischen den Tonwerten harmonisiert. Klarere Töne bedecken den oberen Teil des Gemäldes, während tiefe, dunkle Töne den unteren Teil bestimmen. Die Entscheidungen des Künstlers, wo er die verschiedenen Grün-, Blau-, Grau- und Schwarztöne einsetzt, sind entscheidend für das Gefühl der Melancholie.

Während Blau-, Schwarz- und Grüntöne die offensichtlichen Farben dieses Schemas sind, gibt es im Herzen des Bildes mit dem Braun der Gitarre eine Zäsur. Die braune Gitarre erzeugt eine Spannung zum Blau, das im Rest des Bildes dominiert. Picasso hatte in anderen Werken der Blauen Periode eine ähnliche Taktik angewandt. Durch die Färbung der braunen Gitarre steht das Objekt nicht nur für den Lebensunterhalt der Dargestellten, sondern auch für ihr Symbol der Hoffnung.

Ein Teil des Genies von Picasso ist, dass er subtil sein kann. Die Stille dieser aufschlussreichen Einsprengsel ist es, die sie wirksam macht. Selbst im dunkelsten Moment sagt Picasso, dass am Ende des Tunnels Licht zu sehen sein wird.

Form

Die Erforschung von Emotionen ist das, was die expressionistische Bewegung zu ihrer Zeit auszeichnete. Auch wenn es für den jungen Maler ein notwendiges Übergangsritual war, übertrifft er das Genre, indem er bei der Konstruktion dieses stimmungsvollen Gemäldes mit viel Logik aufwartet. Das Gemälde demonstriert mühelos die umfassende Bildung und das Wissen des Künstlers.

Anders als in der hohen Frequenz einiger seiner späteren Werke, ist Picasso in Der alte Gitarrist viel zurückhaltender. Die einfache Anordnung der Elemente verleiht dem Gemälde seinen langsamen Sinn für Bewegung. Die Füße des alten Mannes bilden eine große Kurve am unteren Rand der Leinwand, die Schulter und die Gitarre ergänzen die Kurve und unterstützen die Andeutung einer klimpernden Bewegung.

Der Mangel an Mustern und Wiederholungen macht das Bild eher statisch und klaustrophobisch, was gut ist, wenn man bedenkt, was das Bild vermitteln will.

Die Tiefe wird durch den Kontrast der Formen erzeugt. Die rechteckigen Grundformen stellen den Vorder- und Hintergrund dar. Sie sind entweder hell vor einem dunklen Hintergrund oder dunkel vor einem hellen Hintergrund. Es gibt vier rechteckige Flächen. Sie alle stellen den Boden im Vordergrund dar, den Bürgersteig in der zweiten Ebene, dann eine niedrige Mauer und den Himmel im Hintergrund.

Der Raum, der vor und hinter dem alten Mann zurückweicht, sieht begrenzt aus. Man hat den Eindruck, dass die Figur ganz nah dran ist, da das Bild eng und etwas frontal geschnitten ist. Der Kopf des Gitarristen ist der Brennpunkt auf der linken oberen Seite der Leinwand. Der Oberkörper des alten Mannes ist kantig, was durch die grimmigen Linien unter seinem Gesicht irgendwie noch betont wird.

Während die Form der Gitarre kurvig ist, bilden die Punkte zwischen der Gitarre, dem Kopf des Künstlers und seinen Händen ein Dreieck.

Das Bild wird von diagonalen Linien umrissen, wobei der Hals der Gitarre die Hauptdiagonale nach oben bildet. Durch diese Diagonale fällt die Gitarre auf zwei natürliche Punkte von Interesse, wodurch die Drittelregel zum Tragen kommt. Außerdem befindet sie sich praktisch in der Mitte des Bildes, was den Fokus verstärkt.

Das Elend des alten Mannes wird durch die formalen Entscheidungen des Künstlers noch verstärkt. Aufgrund der Bildgrenzen, die ihn umschließen, scheint eine Befreiung des Gitarristen aus seiner verkrampften Haltung räumlich unmöglich. Sein gefangener Zustand hindert ihn daran, seine Beine auszustrecken oder seinen Kopf zu heben, was seinen Kummer noch verstärkt.

Ästhetik

Das Gitarrenbild von Picasso vereint viele der Mittel, die er in der Blauen Periode verwendet hatte. Viele dieser Mittel sind jedoch Teil einer langen Maltradition, die sich vor und hinter ihm erstreckte. Dieses Gemälde und andere Bilder aus diesem Werk sind allein schon wegen ihrer blau-dunklen Töne ikonisch.

Diese Palette kalter und melancholischer Farben, die oft durch ein warmes Braunelement ausgeglichen werden, ist jedoch in Picassos tiefem Wissen und seiner Wertschätzung der westlichen Maltraditionen verwurzelt.

Die französische Farbpalette hat ihre Wurzeln in der Entdeckung neuer Pigmente wie Preußischblau und Kobalt in den 1700er Jahren und der anschließenden Entwicklung des französischen Ultramarins in den frühen 1800er Jahren. Die braune Palette wurde natürlich von niederländischen Malern wie Rembrandt van Rijn beeinflusst.

Die spanische Malerei war den holländischen Meistern so sehr verpflichtet, dass der Begriff „Hispanoflämisch“ oft verwendet wurde, um die hybriden Stile von Malern wie José Moreno Carbonero zu beschreiben, die Picasso beeinflussten. Picasso versuchte, eine Brücke zwischen den beiden großen Traditionen zu schlagen, indem er die französischen Maltraditionen durch eine spanische Brille betrachtete.

In vielen Gemälden der Blauen Periode ist der Oberkörper des Gitarristen langgestreckt. Die Abwärtsneigung seines armen Halses ist nicht nur physisch unmöglich, sondern auch äußerst ausdrucksstark. Die Verzerrung des menschlichen Körpers, um einen bestimmten Zweck zu erreichen, ist ein gemeinsames Merkmal der globalen Kunstgeschichte.

Picasso orientierte sich an dem Manieristen El Greco, der während der spanischen Renaissance dafür bekannt wurde, dass er abnorm große, langgestreckte Figuren malte, um ihre geistigen Fähigkeiten zu steigern. 

Während seine Altersgenossen den klassischen Maltraditionen den Rücken kehrten, war Picasso entschlossen, diese alten Traditionen in die Moderne zu bringen. Er war erst zwanzig Jahre alt und doch schon mutig genug, sich mit den Meistern zu vergleichen. In Der alte Gitarrist nutzte Picasso die symbolistischen Grundlagen der spanischen Traditionen in Verbindung mit dem modernistischen Tempo der französischen Stile, um sein Werk als direkten Nachfahren zu positionieren.

Da Paris in den 1900er Jahren die Kunsthauptstadt der westlichen Welt war, war es für Picasso ein Ort, an dem er sein musste. In typischer Picasso-Manier nahm er die Traditionen der französischen Malerei in sich auf und spiegelte sie in seinem Werk wieder. Wie viele andere Künstler auch, zitierte er die Künstler, die er bewunderte. Dazu gehörten für ihn Jean-Auguste-Dominique Ingres, Paul Gauguin, Auguste René Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec und Edgar Degas. Diese französischen Künstler hatten 1901 den größten Einfluss auf Picasso ausgeübt, als er Der alte Gitarrist malte.

Dieses Picasso-Gitarrengemälde wurde jedoch in Madrid gemalt und das sieht man auch. Wenn du dir die verschiedenen Werke der Blauen Periode ansiehst, die zwischen Paris, Barcelona und Madrid entstanden sind, wird deutlich, dass Picasso, wann immer er nach Spanien zurückkehrte, auch zur spanischen Kunst zurückkehrte. Während ein Werk wie Das blaue Zimmer (1901) in seinem Stil und seiner Thematik eindeutig französisch ist, scheint Der alte Gitarrist Picassos spanische Wurzeln zu betonen.

Die Tatsache, dass Picasso von großen spanischen Meistern und dem spanischen Realismus beeinflusst wurde, ist besonders wichtig, weil die Ikonographie der spanischen Malerei des goldenen Zeitalters die Armen verehrte.

In der klassischen Periode wurde die allegorische Tugend der Nächstenliebe als gängige Trope verwendet. In Gemälden wie Der alte Gitarrist versuchte Picasso, die realistischen Interpretationen der alten spanischen Meister über die Not der Armen neu zu erfinden. Das verkompliziert natürlich die gängige Vorstellung von Picassos Empathie für das Proletariat. Der uralten Tradition zu folgen, die Armen durch große künstlerische Gesten zu adeln, mag das Bild dieser Menschen zu tugendhaften Figuren erheben, aber es könnte ihr Leid auf perverse Weise zum Vergnügen der Elite ausnutzen.

Auch wenn diese Überlegung Fragen darüber aufwirft, wie Picasso in dieses Geschichtsgemälde hineinspielt, hat es das Gemälde dennoch geschafft, sich Kopf und Schultern über die Meister zu stellen, die es inspiriert haben mögen.

Picasso kombiniert die Vereinfachung von Kompositionsmitteln mit klassischen Traditionen, um eine völlig neue Bildlinie zu schaffen. 

Bedeutung

Aber dieses Bild ist mehr als nur ein weiteres Bild der Armen. Ein Großteil der Kritik an der Tradition der europäischen Maler, die die Armen malen, löst sich in Luft auf, wenn man bedenkt, dass Picasso selbst in finanziellen Schwierigkeiten steckte, als er Der alte Gitarrist malte. Der junge Künstler Picasso befand sich an einem Punkt in seiner Karriere, an dem er weder in Frankreich noch in Spanien wirkliche Gönner oder Sammler hatte. Er war produktiv und wurde anerkannt, aber er hatte noch keine Gunst gefunden.

In dieser Zeit war er so arm, dass er viele seiner Gemälde verbrennen musste, um das Zimmer warm zu halten. Oft übermalte er Bilder, weil er es sich nicht leisten konnte, neue Leinwände zu kaufen. Aus diesem Grund fertigte er in dieser Zeit auch so viele Zeichnungen an. Aus diesem Grund ist es nicht schwer, sich Der alte Gitarrist als eine Allegorie auf die eigene Zerrissenheit des Künstlers vorzustellen.

Da er selbst von Armut betroffen war, konnte sich Picasso in diejenigen hineinversetzen, die ein ähnliches Schicksal erlitten.

Der knochige alte Mann wiegt seine Gitarre auf eine Weise, die sie heilig erscheinen lässt. Es ist offensichtlich, dass der Mann auf sie angewiesen ist, um zu überleben. Der alte Mann stützt sich buchstäblich und im übertragenen Sinne auf die Gitarre. Sie ist seine einzige Hoffnung. Auf dem Gemälde scheint der alte Mann vom Klang seiner Gitarre so verzaubert zu sein, dass er für einen Moment seine Schmerzen und seinen Hunger vergisst.

Es ist nicht nur die gekonnte Beherrschung der Form, die dieses Gemälde zu einer Ikone macht, sondern auch seine Fähigkeit, diese mit dem Thema in Einklang zu bringen. Da es auf dem Gemälde zwei Hauptaspekte gibt, nämlich den Kopf und die Gitarre, kann der Betrachter das Motiv leicht sowohl als Gitarrist als auch als Gitarre betrachten.

Die Gitarre nimmt sowohl einen großen symbolischen als auch einen physischen Raum im Kunstwerk ein.

Obwohl es sinnvoll wäre, sich vorzustellen, dass sie einen traurigen Ton von sich gibt, hat die Gitarre einen zweideutigen Sinn für Traurigkeit. Der alte Mann scheint so gut wie nichts zu haben. Nicht einmal zerrissene Kleidung oder einen Stuhl zum Sitzen. Der Betrachter erhält genug Informationen, um zu verstehen, wie tief er gesunken ist. Aber er hat immer noch seine Gitarre, und im Fall dieses Bildes könnte das bedeuten, dass er noch Hoffnung hat.

Aufgrund ihrer Universalität ist diese Hoffnung die tiefste Verbindung zwischen dem Betrachter, dem Künstler und dem Kunstwerk. Die Hoffnung, die Der alte Gitarrist hervorruft, ist selbst eine Sache der Schönheit. Indem er sich an diesem Bild abmüht, demonstriert der Künstler seinen eigenen Sinn für Hoffnung in einem Moment der Dunkelheit. Im Grunde sind beide Männer Künstler und selbst in ihrer Isolation stellen sie sich uns, den Betrachtern, zur Verfügung und bitten uns, ihre Kunst zu sehen, mitzufühlen und ihnen zu helfen.

Details

Der alte Mann ist extrem dünn und hat abnorm lange Finger.  Sein Körper scheint durch Leid und Hunger gestreckt und deformiert zu sein. Seine Kleidung ist zerfleddert und zerrissen und entblößt seine Schulter und andere Teile des Körpers. Bei näherer Betrachtung erkennt man, dass die Knochen seiner Beine hervorstehen. Wenn man das Bild aus einem anderen Blickwinkel betrachtet, sieht man deutlicher, dass die Augen des alten Mannes geschlossen und sein Mund geöffnet ist. Diese Gesichtszüge, besonders in Der alte Gitarrist, vermitteln einen trägen Ausdruck des Leidens.

Aufgrund der vielschichtigen Art und Weise, in der der Künstler die Struktur dieses Gemäldes behandelt hat, ist es möglich, dass einige Dinge unentdeckt geblieben sind.

Das kann sich auf Aspekte des Gemäldes beziehen, die schwer zu verstehen oder zu würdigen sind, wie der Fuß auf der linken unteren Seite des Gemäldes, der so ungünstig positioniert ist, dass er direkt vom Rand des Gemäldes fällt.

Die Untersuchung von Picassos Umgang mit Helligkeit und Dunkelheit in diesem Bild führt zu weiteren Erhellungen.

Die Lichtquelle dieses Gemäldes scheint vom düsteren Mond auszugehen und seine wichtigsten Gesichtszüge werden durch das Mondlicht konturiert. Die Signatur befindet sich am anderen Ende des Spektrums. Ihr dunkler Wert ist in einen dunklen Hintergrund eingebettet, der lebendig genug erscheint, um gesehen zu werden, ohne mit dem Bild zu konkurrieren.

Untermalung

Forscher fanden heraus, dass sich unter Der alte Gitarrist zwei bis drei Skizzen oder unfertige Gemälde befanden, nachdem sie das Bild geröntgt hatten. Die darunter liegenden Gemälde wurden schließlich 2001 von Forschern des Art Institute of Chicago entschlüsselt. Das am besten erkennbare dieser Untermalungen ist das Bild einer sitzenden Frau, deren Kopf nach links zeigt. Doch die Infrarottechnik zeigte ein weiteres Bild, das das Gesicht und den Hals einer jungen Frau zeigt, die nach rechts schaut. Außerdem sind die Füße, der Torso und das Profil eines Kindes zu Füßen einer dieser Frauen zu erkennen.

Die Tatsache, dass Picasso sogar einige seiner alten Bilder übermalen musste, beweist, dass der Künstler mittellos war.

Er war so arm, dass er sich kaum Lebensmittel leisten konnte, geschweige denn neue Kunstmaterialien und Leinwände. Manche meinen, dass ein Teil der Kraft dieses Gemäldes darin liegt, dass es über andere Gemälde gemalt wurde. Die überlagerten Geisterbilder, die unter Der alte Gitarrist zu sehen sind, könnten als glückliche Zufälle bezeichnet werden, die Picasso in Richtung Kubismus stießen.

Licht am Ende des Tunnels

Die überwältigende Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit hat sich auf Picassos reifere Werke aus den 20er, 30er und 40er Jahren konzentriert. Aber dieser Künstler hatte einen langen und kurvenreichen Weg vor sich, bevor er zu dem Megastar wurde, der mit seiner produktiven Karriere in Verbindung gebracht wird. Die Blaue Periode war eine der am wenigsten lukrativen Sammlungen in Picassos Karriere.

Aber selbst als niemand seine Kunst kaufte, blieb er hartnäckig, weil er an seine künstlerische Vision und Vitalität glaubte. Als Picasso in dieser dunklen Zeit war, wurde die Malerei zu seiner Quelle der Hoffnung und Ermutigung.

Das besagte Gemälde hat eine trügerische Einfachheit an sich. Vielleicht ist es gerade deshalb so überzeugend. Es stellt zutiefst subjektive menschliche Erfahrungen dar, ganz im Sinne der modernistischen Bewegung des Expressionismus, die von 1905 bis 1920 existierte und für die Der alte Gitarrist ein Präzedenzfall gewesen sein soll. Der Expressionismus basierte darauf, dass moderne Künstler dem Ausdruck emotionaler Erfahrungen Vorrang vor der wahrnehmbaren physischen Realität einräumten.

Porträtfoto von Pablo Picasso, 1908; Anonymer unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Aus unserer Perspektive im 21^st Jahrhundert ist es nicht weit hergeholt, Der alte Gitarrist als ein schönes Bild zu sehen. Aber für diejenigen, die dieses Gemälde in den Jahren 1903 bis 1904, als es noch neu war, gesehen haben, war es vielleicht nicht überzeugend, auch weil der Künstler den menschlichen Körper deformiert hat. Picasso war sicher nicht der erste Künstler im 19^th Jahrhundert, der das tat, aber sein Beitrag zu diesen Maltraditionen sollte das Konzept dessen, was wir schön nennen, verändern.

Der alte Gitarrist ist ein Fenster zu Picassos Erfahrungen mit Trauer und Armut in einem entscheidenden Moment, kurz bevor er der berühmteste Künstler der Welt wurde. Seine Fähigkeit, sowohl aus der Kunstgeschichte als auch aus dem wirklichen Leben zu schöpfen, sollte ihn zum Superstar machen. Ob der Künstler seinen Kopf, sein Herz oder beides benutzte, als er begann, Bilder zu malen, die Mitgefühl für die Armen weckten, ist in der Tat eine Debatte für die Ewigkeit.

Diese unbeantwortbaren Fragen sind es, die dem Bild seine nachvollziehbare Langlebigkeit verleihen. Die Themen Armut, Verlust und Traurigkeit sind in der heutigen Zeit genauso aktuell wie zu Picassos Zeiten. Seine Bemühungen, die von der Gesellschaft Ausgegrenzten sichtbar zu machen, zeugen von seinem Mitgefühl für die Unterdrückten. Er malte die Armen nicht einfach so, wie sie aussahen, sondern experimentierte mit verschiedenen Möglichkeiten, ihre inneren Dimensionen darzustellen. Auf diese Weise schlug er eine neue Brücke zwischen dem Melancholischen und dem Erhabenen. Diese Arbeit führte ihn zu den farbenfrohen und radikalen Werken, die zum Symbol für seinen Erfolg geworden sind. Dieser Weg ist der Beweis dafür, dass es tatsächlich Licht am Ende des Tunnels gibt.

Häufig gestellte Fragen

Was ist die Aussagen von Der alte Gitarrenspieler?

Das Gemälde war sowohl eine Metapher für den menschlichen Zustand als auch ein Plädoyer für ausgegrenzte Menschen. Es war auch eine technische Übung und versuchte, Gefühle wie Trauer und Kummer durch die Form auszudrücken.

Was würde Der alte Gitarrenspieler heute wert sein? 

Es ist unwahrscheinlich, dass The Old Guitarist in nächster Zeit wieder auf den Markt kommt, aber Experten schätzen, dass der Wert dieses ikonischen Kunstwerks die 100.000.000 $-Marke überschreitet.

Ist Der alte Gitarrist von Picassos Kubismus?

Nein. Dieses Werk entstand in einer früheren Phase von Picassos Karriere, der sogenannten Blauen Periode. Später veränderte er seinen Stil durch die Blaue Periode (1901-1904), die Rosa Periode (1905-1907), die afrikanisch beeinflusste Periode (1908-1909) und den Picasso-Kubismus (1909-1919).

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.