Berühmte Gemälde mit Wald und Bäumen

Ein Wald kann eine winzige Figur verschlucken, ein einzelner Baum kann eine ganze Landschaft beherrschen. Diese 14 Beispiele aus fünf Jahrhunderten erweitern den Blick auf berühmte Gemälde: von nebligen Tuschekiefern bis zu einem Panorama aus 50 Leinwänden. Sechs einfache Sehschlüssel helfen dir dabei, Raum, Rhythmus und Bedeutung selbst zu entschlüsseln.

Inhaltsverzeichnis

Vom Schauplatz zum Hauptmotiv: 1510 bis 1822

In den vier frühen Werken ist Natur weit mehr als eine Kulisse. Mal füllt der Wald fast die gesamte Bildfläche, mal entsteht er erst aus unbemaltem Raum. Später genügt ein einzelner Baum, um den Blick zu bündeln und einer weiten Landschaft Halt zu geben.

Ein raumgreifendes historisches Waldbild etabliert das Thema unmittelbar und bietet genügend Details für einen wirksamen Titelbildausschnitt. Bild: Jacob van Ruisdael via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain, zugeschnitten.

1. Albrecht Altdorfer: St. Georg verschwindet beinahe im Wald

Werkdaten: Künstler: Albrecht Altdorfer | Titel: St. Georg und der Drache | Datierung: 1510 | Medium/Bildträger: Pergament auf Lindenholz | Maße: 28,2 × 22,5 cm | Sammlung: Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Alte Pinakothek München | Motivtyp: nahezu raumfüllender Wald | Komposition: kleine Erzählszene in dichter Vegetation | Sehschlüssel: Größenverhältnis zwischen Erzählung und Natur.

Zeigt anschaulich, wie der Wald die erzählerische Szene um den kleinen Georg beinahe verschluckt. Bild: Albrecht Altdorfer via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Albrecht Altdorfers St. Georg und der Drache, häufig auch St. Georg im Wald genannt, kehrt die erwartete Gewichtung um. Der Titel kündigt einen Kampf an, doch zuerst trifft der Blick auf dichtes Laub, verschlungene Äste und eine kaum durchdringliche grüne Masse. Georg und der Drache müssen in dieser Umgebung regelrecht gesucht werden.

Dadurch wird der Wald selbst zum Hauptakteur. Er umfasst die Erzählung nicht nur, sondern verkleinert sie optisch. Das kleine Format verstärkt den Effekt: Aus der Nähe erschließt du einzelne Formen, aus etwas Abstand verbinden sie sich zu einem fast geschlossenen Naturraum. Achte darauf, wie wenig Bildfläche die Figuren gegenüber der Vegetation beanspruchen. Dieses Verhältnis verrät sofort, wer die Komposition tatsächlich beherrscht.

2. Hasegawa Tōhaku: Kiefern entstehen aus Tusche, Nebel und Leerraum

Macht Tuschenebel, Leerraum und die ungewöhnliche Breite des Stellschirmpaars sichtbar. Bild: Hasegawa Tōhaku via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Hasegawa Tōhakus Kiefernwald zeigt, dass ein Wald nicht vollständig ausgemalt sein muss. Dunkle, unterschiedlich dichte Kieferngruppen tauchen aus hellen Bereichen auf und verschwinden wieder darin. Die freien Flächen wirken deshalb nicht wie Lücken. Sie übernehmen die Rolle von Nebel, Luft und kaum bestimmbarer Entfernung.

Auch der Bildträger verändert die Wahrnehmung. Das Werk besteht aus zwei Stellschirmen mit jeweils sechs Teilen; ihre Gliederung macht die Malerei zu einer breiten, unterteilten Raumfolge. Statt einer klaren Horizontlinie erhältst du Anhaltspunkte durch Staffelung: kräftigere Baumformen scheinen näher, blassere und unterbrochene weiter entfernt. Verfolge beim Betrachten nicht zuerst einzelne Stämme. Beobachte, an welchen Stellen die Tusche dichter wird und wo der unbemalte Grund den Wald scheinbar verschluckt.

3. Jacob van Ruisdael: Kleine Wanderer unter mächtigen Eichen

Jacob van Ruisdaels Der große Wald arbeitet mit einem deutlichen Wechsel von Nähe und Ferne. Mächtige Eichen bestimmen den Vordergrund, während eine hellere Zone den Blick tiefer in die Landschaft führt. Drei kleine Wanderer beleben die Szene, bleiben gegenüber den Baumformen aber auffällig klein.

Gerade diese Figuren machen die Dimension des Waldes lesbar. Ohne sie ließen sich die Stämme nur schwer auf einen menschlichen Maßstab beziehen. Mit ihnen erscheinen die Eichen höher, schwerer und älter. Zugleich erzeugt die helle Ferne einen Weg für das Auge: Es wandert von den dunkleren Baumgruppen zu einem offeneren Raum. Decke die Figuren gedanklich ab und vergleiche den Eindruck. Du wirst bemerken, wie stark wenige menschliche Silhouetten die wahrgenommene Größe einer Landschaft verändern.

4. Caspar David Friedrich: Der einzelne Baum als Bildzentrum

In Caspar David Friedrichs Der einsame Baum übernimmt eine Eiche die Funktion einer kräftigen Mittelachse. Sie steht nicht beiläufig am Rand, sondern beherrscht die umgebende Landschaft. Ihre oberen Äste sind teilweise abgestorben. Damit verbindet das Bild Wachstum und Verfall in derselben Baumgestalt, ohne eine einzige verbindliche Deutung vorzuschreiben.

Das 1822 gemalte Werk bildet die morgendliche Hälfte eines Tageszeitenpaares. Dieser Zusammenhang lenkt die Aufmerksamkeit auf Licht, Tageszeit und Naturzustand. Die Romantik in der Kunst bietet den größeren Epochenrahmen; am Gemälde selbst kannst du zunächst ganz konkret vorgehen. Prüfe zuerst die Position des Stammes und danach die lebenden sowie abgestorbenen Partien. So erkennst du, wie der Baum das Bild ordnet und zugleich Fragen nach Zeit und Veränderung öffnet.

Realismus, Freilichtmalerei und neue Ausschnitte: 1849 bis 1902

Im 19. Jahrhundert wurde der Wald verstärkt zum Arbeitsort unter freiem Himmel, zum konkret benannten Landschaftsraum und zum Gegenstand wiederholter Beobachtung. Die folgenden Werke reichen vom monumentalen Einzelbaum bis zu einem Nahblick, in dem weder Krone noch Horizont zu sehen sind.

5. Théodore Rousseau: Fontainebleau als Atelier und bedrohte Landschaft

Werkdaten: Künstler: Théodore Rousseau | Titel: Wald von Fontainebleau, Gruppe hoher Bäume mit Blick auf die Ebene von Clair-Bois | Datierung: um 1849–1855 | Medium/Bildträger: Öl auf Leinwand | Maße: 90,8 × 116,8 cm | Sammlung: J. Paul Getty Museum, Los Angeles | Motivtyp: Baumgruppe im Wald von Fontainebleau | Komposition: zentrale Eiche vor einer geöffneten Ebene | Sehschlüssel: Verhältnis von Baum, Nutzung und Landschaftsraum.

Théodore Rousseaus Fontainebleau-Landschaft verbindet Nähe und Öffnung. Eine zentrale Eiche gibt der Komposition Gewicht. Vieh, eine kleine menschliche Figur und ein Teich zeigen zugleich, dass dieser Wald kein unberührter Gegenraum ist, sondern eine genutzte und beobachtete Landschaft.

Rousseau gehörte zur Schule von Barbizon, einer lose verbundenen Gruppe von Landschaftsmalern, die rund um den Wald von Fontainebleau nach der Natur arbeitete. Der Name entstand erst später nach dem nahen Ort Barbizon, in dem sich Kunstschaffende trafen und austauschten. Für Rousseau war der Wald zudem ein Schutzanliegen; er wandte sich gegen seine wirtschaftliche Ausbeutung. Dem Engagement von Kunstschaffenden um ihn folgte 1861 die Ausweisung von rund 1.000 Hektar als künstlerische Schutzfläche. Das Bild lässt sich deshalb auf drei Ebenen betrachten: als Baumstudie, als Arbeitsort der Malerei und als Darstellung einer Landschaft, deren Bestand keineswegs selbstverständlich war.

6. Gustave Courbet: Die Eiche von Flagey füllt das Bild

Unterstützt die genaue Betrachtung von Courbets massivem Einzelbaum, dem angeschnittenen Kronenraum und den kleinen Tiermotiven. Bild: Asybaris01 via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Die Eiche von Flagey ist kein beliebiger Musterbaum. Gustave Courbet malte einen Baum aus einer konkreten Umgebung und gab seinem massiven Stamm, den ausgreifenden Ästen und der raumfüllenden Krone beinahe die Präsenz eines Porträts. Das Auge kann kaum ausweichen: Die Eiche behauptet die Bildfläche durch ihre bloße Ausdehnung.

Ein später verwendeter Alternativtitel brachte sie mit Vercingetorix und der damaligen Debatte über den Ort der Schlacht von Alésia in Verbindung. Diese historische Aufladung ist jedoch nicht der einzige Zugang. Schon der Bildaufbau erklärt die Wirkung. Achte darauf, wie eng der Baum an die Grenzen der Leinwand rückt und wie wenig Raum für eine weite Landschaft bleibt. Courbet macht Größe nicht durch winzige Menschen sichtbar, sondern durch das Verhältnis von Stamm, Krone und Bildrand.

7. Iwan Schischkin und Konstantin Sawizki: Morgen im Kiefernwald

Werkdaten: Künstler: Iwan Schischkin und Konstantin Sawizki | Titel: Morgen in einem Kiefernwald | Datierung: 1889 | Medium/Bildträger: Öl auf Leinwand | Maße: 139 × 213 cm | Sammlung: Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau | Motivtyp: Kiefernwald mit Bärengruppe | Komposition: aufragende Stämme über einem umgestürzten Baum | Sehschlüssel: Tiergruppe und Waldstruktur getrennt untersuchen.

Zeigt den Kontrast zwischen präziser Kiefernlandschaft, Morgennebel und der von Sawizki beigesteuerten Bärengruppe. Bild: Ivan Ivanovič Šiškin via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Bei Morgen in einem Kiefernwald zieht die Bärenfamilie den Blick schnell auf sich. Dennoch trägt die Kiefernlandschaft den größten Teil der räumlichen Wirkung. Iwan Schischkin malte den Wald; Konstantin Sawizki teilte selbst mit, dass er die Bären beisteuerte. Das bekannte Bild ist damit auch ein anschaulicher Fall geteilter künstlerischer Arbeit.

Die Geschichte der später entfernten zweiten Signatur wird gelegentlich zu eindeutig erzählt. Nicht jedes Detail lässt sich zweifelsfrei auf eine einfache Anekdote reduzieren. Für die Bildbetrachtung ist die dokumentierte Arbeitsteilung ergiebiger: Sie erlaubt, Tiergruppe und Waldstruktur zunächst getrennt wahrzunehmen. Sieh zuerst auf Haltung und Anordnung der Bären, danach ausschließlich auf Stämme, Boden und morgendliche Atmosphäre. Erst beim erneuten Gesamtblick wird deutlich, wie Tierstaffage, also belebende Tierfiguren, und Landschaft einander in Maßstab und Erzählung ergänzen.

8. Vincent van Gogh: Baumwurzeln ohne Horizont

Veranschaulicht Van Goghs radikalen Ausschnitt aus Wurzeln, Pflanzen und Waldboden ohne Horizont. Bild: Vincent van Gogh via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

In Baumwurzeln richtet Vincent van Gogh den Blick weder auf eine Krone noch auf eine weite Landschaft. Wurzeln, Pflanzen und Boden füllen den Bildraum so vollständig, dass eindeutige Größenverhältnisse schwer greifbar werden. Linien und Farbfelder beginnen, als selbstständiges Geflecht zu wirken; das Naturmotiv nähert sich dadurch der Abstraktion an.

Van Gogh malte das Werk im Juli 1890 in Auvers-sur-Oise. Neuere Untersuchungen führen das Van Gogh Museum zu der Einschätzung, dass es wahrscheinlich sein letztes Werk war. „Wahrscheinlich“ ist dabei entscheidend: Ein unvollendet wirkender Bereich und die nicht absolut beweisbare Reihenfolge der letzten Arbeiten erlauben keine zweifelsfreie Letztwerk-Behauptung. Für deinen Blick ist der Ausschnitt ebenso wichtig wie diese Einordnung. Suche nicht nach dem fehlenden Horizont, sondern frage, wie Nähe, Überlagerung und Linienbewegung seine Funktion übernehmen.

9. Claude Monet: Vier Pappeln zwischen Stamm und Spiegelung

Claude Monets Die vier Bäume zeigt Pappeln nicht als isolierte Pflanzenporträts. Die angeschnittenen Stämme bilden eine Folge senkrechter Linien, die sich im Wasser fortsetzt. Dadurch entsteht ein Rhythmus, der Naturbeobachtung und Flächengestaltung eng miteinander verbindet. Stamm und Spiegelbild lassen sich teilweise kaum getrennt denken.

Das 1891 entstandene Werk gehört zu Monets Pappelserie an der Epte. Er arbeitete dafür von einem eigens eingerichteten Boot aus und konnte seinen Standpunkt auf dem Fluss beibehalten. Seine konkrete Arbeitsweise macht den seriellen Gedanken anschaulich: Monet untersuchte dasselbe Motiv unter wechselnden Bedingungen und hielt mehrere Leinwände bereit. Einen breiteren Epochenrahmen bietet der Impressionismus. Folge beim Betrachten jeder Vertikalen von oben nach unten und beobachte, wo Stamm, Wasser und Spiegelung eine zusammenhängende Bildspur bilden.

10. Gustav Klimt: Buchenstämme als dichter Bildrhythmus

In Buchenwald I ordnet Gustav Klimt den Wald über Wiederholung. Die schlanken Stämme ziehen als dicht gesetzte Vertikalen durch das Bild. Weil das Gemälde 100 × 100 Zentimeter misst, wirkt es weder wie ein schmales Fenster zwischen Bäumen noch wie ein ausladendes Panorama. Das Quadrat hält die Bewegungen in einem ausgeglichenen Feld zusammen.

Der Blick findet hier kein einzelnes Baumindividuum, an dem er dauerhaft verweilen könnte. Er springt von Stamm zu Stamm und nimmt den Wald als Muster wahr, ohne dass das Motiv seine Gegenständlichkeit verliert. Vergleiche die Abstände zwischen den Bäumen: Manche öffnen schmale Durchblicke, andere verdichten die Fläche. So lässt sich erkennen, dass Rhythmus nicht nur durch Wiederholung entsteht, sondern ebenso durch kleine Unterschiede innerhalb dieser Wiederholung.

Traumwald, Material und monumentale Gegenwart: 1910 bis 2007

Im 20. und frühen 21. Jahrhundert kann ein Wald aus Erinnerung, städtischen Beobachtungen, abgekratzter Farbe oder vielen einzelnen Leinwänden hervorgehen. Der Gegenstand bleibt erkennbar, doch seine Entstehung und körperliche Wirkung verändern sich grundlegend.

11. Henri Rousseau: Der geträumte Dschungel

Henri Rousseaus Der Traum breitet auf fast drei Metern Breite eine üppig gefüllte Dschungelszene aus. Die Pflanzen sind nicht bloß dekorativer Hintergrund. Sie verdichten sich zu einer umfassenden Bühne, in der die Grenze zwischen beobachteter Natur und bildnerischer Erfindung bewusst offenbleibt.

Rousseau war nie außerhalb Frankreichs gereist. Seine Tropenwelt ist deshalb kein gemalter Augenzeugenbericht. Anregungen fand er unter anderem im Pariser Jardin des Plantes, wo Pflanzen und Tiere aus der Nähe studiert werden konnten. Für die Betrachtung ergibt sich daraus eine hilfreiche Frage: Wie baut ein Künstler einen glaubhaften Bildraum aus Elementen, die er in einem ganz anderen Umfeld kennengelernt hat? Achte weniger auf botanische Vollständigkeit als auf Verdichtung, Größenwechsel und die Art, wie Blattformen den verfügbaren Raum besetzen.

12. Max Ernst: Ein Wald aus Farbe, Relief und Zufall

Max Ernsts Der große Wald entsteht nicht allein durch das Ausmalen einzelner Bäume. Ernst setzte Grattage ein, ein Abreib- und Abkratzverfahren: Reliefartige Gegenstände lagen unter der bemalten Leinwand, anschließend wurde Farbe von der Oberfläche abgekratzt. Die hervortretenden Spuren gaben der Waldstruktur Formen, die nicht vollständig mit dem Pinsel geplant waren.

Der Zufall bleibt dabei gelenkt. Ernst entschied über Unterlagen, Farben und weitere Bearbeitung, konnte aber nicht jede Linie exakt vorwegnehmen. Für Ernst bedeutet Surrealismus an diesem Werk, aus kontrolliert erzeugten Zufallsspuren eine unheimliche Bildwelt zu entwickeln. Betrachte die Oberfläche zunächst wie eine Materialprobe: Wo erscheinen Rillen, Abdrücke und harte Kanten? Erst danach suche nach Stämmen und Waldsilhouetten. So wird sichtbar, wie das Auge aus ungegenständlichen Spuren einen geschlossenen Naturraum zusammensetzt.

13. Emily Carr: Bäume ziehen den Blick in den Himmel

Emily Carrs Trees in the Sky nutzt ein auffallend hohes Format. Mit 111,6 Zentimetern Höhe und nur 68,7 Zentimetern Breite gibt die Leinwand der Aufwärtsbewegung der Baumformen mehr Raum als einer weiten Horizontale. Der Blick wird nicht gemächlich durch eine Landschaft geführt, sondern entlang der Stämme nach oben gezogen.

Diese Wirkung lässt sich körperlich nachvollziehen. Beginne am unteren Bildrand und folge den stärksten Linien, als würdest du selbst unter hohen Bäumen stehen und den Kopf heben. Das Hochformat ist daher kein neutraler Behälter für das Motiv. Es verstärkt dessen Richtung. Carr zeigt damit, wie bereits die Proportion eines Bildträgers beeinflusst, ob ein Wald breit, tief oder aufragend erscheint.

14. David Hockney: 50 Leinwände für eine Landschaft

Werkdaten: Künstler: David Hockney | Titel: Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique | Datierung: 2007 | Medium/Bildträger: Öl auf 50 Leinwänden | Maße: insgesamt etwa 4,6 × 12,2 m | Sammlung: Tate, Vereinigtes Königreich | Motivtyp: monumentale Baumlandschaft | Komposition: modulares Panorama aus fünfzig Teilen | Sehschlüssel: Übergänge über die Leinwandgrenzen hinweg.

David Hockney zerlegt eine Landschaft in 50 Leinwände und setzt sie zugleich zu einem einzigen Bild zusammen. Mit etwa 4,6 Metern Höhe und 12,2 Metern Breite umfasst das fertige Werk ein beträchtliches Blickfeld. Die Bäume erscheinen dadurch nicht nur als dargestellte Gegenstände; ihre Größe wird im Verhältnis zum Körper der Betrachtenden erfahrbar.

Hockney malte die einzelnen Leinwände im Freien. Digitale Fotografien halfen ihm bei der Planung und Kontrolle des Gesamtbildes, das während der Arbeit nicht ständig vollständig aufgebaut werden konnte. Damit setzt das Werk die Freilichtarbeit auf eigene Weise fort: Rousseau arbeitete direkt im Wald von Fontainebleau, Monet beobachtete seine Pappeln vom Boot aus, und Hockney ergänzte das Malen vor dem Motiv durch digitale Kontrollbilder. Achte auf die Grenzen der Module und darauf, wie Äste, Wege und Farbzonen darüber hinweg weiterlaufen. Die Teilung bleibt vorhanden, ohne den räumlichen Zusammenhang zu zerstören.

Woran du Wald- und Baumbilder erkennst

Bei einem Waldgemälde lohnt es sich, nicht sofort nach Baumarten oder einer allgemeinen Symbolik zu fragen. Beginne mit der Konstruktion des Bildes: Welche Elemente schaffen Größe, wo entsteht Tiefe und wie bewegt sich dein Blick? Die folgenden sechs Sehschlüssel lassen sich auch auf Werke anwenden, die nicht zu dieser Sammlung gehören.

Eigene redaktionelle Infografik von Malen Lernen.

Maßstab, Leerraum und Ausschnitt

Figurenmaßstab: Suche zuerst nach Menschen oder Tieren und vergleiche sie mit den Baumformen. Ruisdaels drei Wanderer machen die Eichen gerade durch ihre geringe Größe mächtig. Fehlen Figuren, können Wege, Ufer oder vertraute Pflanzen einen ähnlichen Anhaltspunkt geben. Entscheidend ist, ob das Bild überhaupt einen menschlich lesbaren Maßstab anbietet.

Nebel und Leerraum: Helle oder unbemalte Bereiche müssen keine bloßen Lücken sein. Bei Tōhaku lassen sie die Kiefern auftauchen und wieder verschwinden. Unterschiedliche Dichte ersetzt dort einen deutlich gezeichneten Horizont: kräftige Gruppen rücken nach vorn, schwächere verlieren sich in einer unbestimmten Ferne.

Ausschnitt: Frage anschließend, was außerhalb des Bildes weitergehen muss. Van Goghs Baumwurzeln lässt Kronen und Horizont fort. Gerade diese Begrenzung erzeugt Nähe und macht aus Wurzeln, Boden und Pflanzen ein dichtes Linienfeld. Ein Baumgemälde benötigt also keinen vollständig sichtbaren Baum.

Rhythmus, Material und Bildformat

Vertikalrhythmus: Wiederholte Stämme funktionieren ähnlich wie Takte. Bei Monet setzen sich die Pappeln in ihren Spiegelungen fort; bei Klimt füllen dicht gereihte Buchen das Quadrat. Untersuche neben den Stämmen immer auch die Zwischenräume. Wechselnde Abstände verhindern, dass eine regelmäßige Folge starr wirkt.

Materialspur: Nicht jede Waldform entsteht aus einer gezeichneten Kontur. Max Ernsts Grattage erzeugt Rillen, Abdrücke und abgekratzte Zonen, aus denen das Auge Baumstrukturen bildet. Gehe deshalb nahe an ein Bild heran, soweit es die Präsentation erlaubt, und prüfe, ob die Oberfläche selbst zur Bedeutung des Motivs beiträgt.

Format und Module: Vergleiche zuletzt die Bildproportion mit deinem eigenen Körper. Carrs Hochformat lenkt nach oben, während Hockneys 50 Leinwände ein breites, monumentales Panorama bilden. Größe und Teilung beeinflussen, ob du einen Wald wie ein fernes Fenster, eine aufragende Wand oder einen Raum erlebst, der dein Blickfeld beinahe vollständig umfasst.

Häufige Fragen zu Wald- und Baumgemälden

Die kurzen Antworten helfen dir, Motiv, Raumwirkung, Symbolik und Bildträger auseinanderzuhalten. So kannst du allgemeine Deutungen direkt am jeweiligen Werk prüfen.

Welches berühmte Gemälde zeigt einen Wald als Hauptmotiv?

Mehrere Werke tun dies auf grundverschiedene Weise. Altdorfers St. Georg und der Drache lässt die erzählerische Szene fast im Wald verschwinden, Ruisdaels Der große Wald nutzt kleine Wanderer als Maßstab und Schischkins sowie Sawizkis Morgen in einem Kiefernwald verbindet Landschaft mit einer Tiergruppe. Ein einziges verbindliches Hauptwerk gibt es nicht; entscheidend ist, ob der Wald den Bildaufbau trägt und nicht nur den Hintergrund füllt.

Was bedeuten Bäume in Gemälden?

Bäume besitzen keine Bedeutung, die sich unverändert auf jedes Werk übertragen lässt. Ein zentraler, teilweise abgestorbener Baum kann wie bei Friedrich Gedanken an Zeit und Veränderung anregen. Courbets Eiche bleibt zugleich ein konkret verorteter Baum mit körperlicher Präsenz. Prüfe deshalb Titel, Position, Zustand, Umgebung und Größenverhältnisse, bevor du eine symbolische Lesart festlegst.

Warum wirken manche Waldbilder tief, obwohl kaum ein Horizont zu sehen ist?

Tiefe kann durch Staffelung, unterschiedliche Dichte und den Wechsel zwischen klaren und undeutlichen Formen entstehen. Tōhaku lässt dunklere Kiefern vor unbemalten Nebelzonen erscheinen, während Ruisdael mächtige Eichen einer helleren Ferne gegenüberstellt. Das Auge liest solche Unterschiede als räumliche Entfernung, auch wenn keine durchgehende Horizontlinie vorhanden ist.

Zählt ein bemalter Stellschirm ebenfalls als Gemälde?

Ja. Malerei ist nicht auf eine einzelne Leinwand beschränkt. Tōhakus Kiefernwald besteht aus Tuschemalerei auf einem Paar sechsteiliger Stellschirme. Der gegliederte und aufstellbare Bildträger verändert zwar die räumliche Erfahrung, doch Tusche, Bildfläche und Komposition erfüllen weiterhin die grundlegenden Aufgaben eines Gemäldes.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.