Rokoko Kunst – Blick auf das luxuriöse und leichtfüßige Rokoko

Der Rokoko-Stil der dekorativen Kunst, Architektur, Inneneinrichtung, Skulptur und Malerei hat seinen Ursprung im Paris des frühen 18. Jahrhunderts. Diese üppige und elegante Bewegung verbreitete sich in ganz Frankreich und anderen europäischen Ländern wie Österreich und Deutschland. Der Rokoko-Stil ist luxuriös, extravagant und leichtfüßig. Wir geben dir einen Einblick in diesen faszinierenden und spannenden Stil mit seinen Künstlern und Kunstwerken.

Eine kurze Einführung in den Rokoko-Stil

Wenn es jemals einen aristokratischen französischen Kunststil gegeben hat, dann ist es das Rokoko. Rokoko-Designs waren unglaublich theatralisch und ornamental, entworfen um zu beeindrucken und Reichtum zu vermitteln. Charakterisiert durch Leichtigkeit, geschwungene Formen, asymmetrische Werte, von der Natur inspirierte Motive und verspielte Themen, ist der Rokoko-Stil wirklich einzigartig.

Der Stil des Rokoko hat einen starken Sinn für Launenhaftigkeit. Verglichen mit dem Barockstil, der ihm vorausging, hatte der Rokoko-Stil eine viel hellere Farbpalette. Leichtigkeit und Eleganz durchdringen das Rokoko-Design mit Pastellfarben, viel Gold und Elfenbeinweiß. Viele Rokoko-Innenarchitekten verwendeten Spiegel, um ein Gefühl von Leichtigkeit und Geräumigkeit zu erzeugen.

Geschwungene Formen waren ein herausragendes Merkmal des Rokoko-Designs, mit wirbelnden Schnecken und geschwungenen Möbeln. Gegenläufige Kurven und Wellen spiegeln natürliche Formen wider, wie Pflanzen und Muscheln. Geschwungene Designs beinhalteten Serpentinen oder gewundene Linien, die sich in verschiedene Richtungen bogen, ähnlich wie Pflanzenranken.

Eines der kennzeichnenden Elemente des Rokoko ist das Fehlen einer präzisen Balance in den ornamentalen Merkmalen. Die Asymmetrie findet sich sowohl innerhalb der Dekoration als auch innerhalb eines Möbelstücks oder der Architektur als Ganzes. Möbel und architektonische Designs enthielten oft asymmetrische C-förmige Voluten. Zu den asymmetrischen Werten gehörte auch die Darstellung von Muscheln und anderen von der Natur inspirierten Formen. Möbelstücke des Rokoko, wie Schränke und Sofas, hatten oft unausgewogene dekorative Elemente. Trotz des fehlenden Gleichgewichts in der Dekoration bleibt der Gesamteindruck des Gleichgewichts erhalten.

Ein besonders auffälliges Dekorationsmotiv, das in der gesamten Rokoko-Malerei, -Skulptur und -Innenarchitektur verwendet wurde, ist von der Natur inspiriert. Viele der geschwungenen Formen basierten auf organischen Formen wie Wellen, Muscheln und anderen Motiven aus dem Meer. Blattmotive waren ebenfalls weit verbreitet, mit gewundenen Weinblättern wie stilisierten Akanthusblättern. Obwohl sie organisch inspiriert sind, wurden diese Formen oft übertrieben und vergoldet.

Verspielte und heitere Themen sind herausragende Merkmale der Rokoko-Malerei und -Skulptur. Die Gemälde des Rokoko drehen sich oft um Themen wie Liebe, Verspieltheit und Natur. Auch klassische Mythen waren beliebte Themen der Rokokokünstler. Die beliebten Rokoko-Themen sind ein weiteres Beispiel dafür, wie das Rokoko-Design die Traditionen des Barockstils ablehnte.

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Ursprünge des Begriffs Rokoko

Die Rokoko-Definition wurde zunächst humorvoll als Abwandlung des französischen Wortes Rocaille verwendet, einer Methode, Grotten und Brunnen mit Muscheln, Kieselsteinen und Zement zu verzieren. Gegen Ende des 17. Jahrhunderts begann man, diesen Begriff zu verwenden, um ein dekoratives Motiv zu beschreiben, das im späten Louis XIV-Stil aufkam. Dieses ornamentale Motiv zeigte eine Muschel, die mit den Blättern der Akanthuspflanze verflochten war.

Das erste Mal, dass der Begriff Rocaille verwendet wurde, um einen bestimmten Stil zu bezeichnen, war im Jahr 1736 von dem Juwelier und Designer Jean Mondon. Mondon veröffentlichte einen Katalog mit Entwürfen für Möbel und andere dekorative Ornamente im Rocaille-Stil. Diese Entwürfe für Möbel, dekorative Türöffnungen und Wandpaneele zeigten geschwungene Muscheln kombiniert mit gewundenen Ranken oder Palmenblättern.

Im Jahr 1825, fast ein Jahrhundert später, wurde der Begriff Rokoko zum ersten Mal gedruckt. In diesem Zusammenhang beschrieb der Begriff Rokoko den altmodischen Stil des vorherigen Jahrhunderts. Der Begriff wurde das ganze 19. Jahrhundert hindurch verwendet, um Architektur, Musik, Skulptur und Design zu beschreiben, die übermäßig ornamental waren. Seitdem haben Kunsthistoriker den Begriff Rokoko als Stil der europäischen Kunst des 18. Jahrhunderts akzeptiert.

Trotz der Debatte um die historische Bedeutung des Rokoko-Stils ist er als eigenständiger Stil des europäischen Designs anerkannt.

Die Geschichte des Rokoko-Stils

Der Rokoko-Stil begann mit der Innenarchitektur und den Möbeln. Als Reaktion auf die strenge Strenge der Barockzeit war das Rokoko-Design übermäßig ornamental. Manchmal bezeichnen Kunsthistoriker die Rokoko-Periode als Spätbarock, der in Frankreich als Reaktion auf den formalen Stil von Ludwig XIV. begann. Als die Herrschaft Ludwigs XIV. endete, kehrten die Aristokraten und Reichen nach Paris zurück. Dort begannen sie, ihre Häuser im Stil des Rokoko zu dekorieren. Innenarchitekten, Graveure und Maler, darunter Juste-Aurele Meissonier, Nicolas Pineau, Pierre Le Pautre und Jean Berain, entwickelten einen intimeren Dekorationsstil für die Häuser der Adligen.

Französisches Rokoko

Das Rokoko blühte in Frankreich zwischen 1723 und 1759. Das französische Rokokodesign war vor allem in den Salons zu finden. Der Salon war ein neuer Stil von Zimmern, die entworfen wurden, um Gäste zu unterhalten und zu beeindrucken. Im Pariser Hotel de Soubise ist der Princess-Salon ein perfektes Beispiel für Rokoko-Salons.

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Außergewöhnliche Kunstfertigkeit war ein bestimmender Faktor des französischen Rokoko-Stils, besonders bei den Rahmen von Gemälden und Spiegeln. Diese Designs zeigten oft verschlungene Pflanzenformen, die in Gips gemeißelt und vergoldet wurden. Diese gewundenen Kurven und von der Natur inspirierten Designs waren auch im Möbeldesign beliebt. Führende französische Einrichter wie Charles Cressent und Meissonier waren Verfechter des Rokoko-Stils.

Der Rokoko-Stil dominierte die französische Kunst und das Design bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts, als die Entdeckungen römischer Altertümer die französische Architektur in Richtung neoklassisches Design lenkte.

Italienisches Rokoko

Der Rokoko-Stil war in Italien besonders üppig. Venedig war das Epizentrum des italienischen Rokokos. Italienische Rokoko-Designs wie die venezianischen Kommoden verwendeten die gleichen ornamentalen Verzierungen und geschwungenen Linien wie die französische Rocaille, aber mit einem kleinen Extra. Viele venezianische Stücke wurden mit Blumen, Landschaften oder Szenen von berühmten Malern bemalt. Chinoiserie, oder die europäische Nachahmung chinesischer und anderer ostasiatischer Kunsttraditionen, war auch im italienischen Rokoko beliebt.

Giovanni Battista Tiepolo war ein bedeutender Dekorationsmaler des italienischen Rokoko. Tiepolo malte Decken und Wandbilder von Palazzos und Kirchen. In den 1750er Jahren reiste Tiepolo mit seinem Sohn nach Deutschland, und sie dekorierten die Decken der Würzburger Residenz. Ein weiterer berühmter italienischer Rokoko-Maler war Giovanni Battista Crosato. Crosato ist am besten für die Malerei im Quadraturstil an der Decke des Ballsaals Ca Rezzonico bekannt.

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Venezianische Glaswaren waren ein bedeutender Teil der italienischen Rokokozeit. In dieser Zeit erblühte das farbige und oft gravierte Muranoglas. Glaskunstwerke wie Spiegel mit verzierten Rahmen und mehrfarbige Kronleuchter wurden in ganz Europa exportiert.

Süddeutsches Rokoko

In Süddeutschland und Österreich erreichte der Rokoko-Stil seinen Höhepunkt. Die veröffentlichten Werke französischer Architekten und Designer brachten den Rokoko-Stil nach Deutschland, und er dominierte die deutsche Kunst und das Design zwischen den 1730er und 1770er Jahren. Während sich deutsche Designer und Architekten von französischen Architekten wie Germain Boffrand und Innenarchitekten wie Giles-Marie Oppenordt inspirieren ließen, stieg die deutsche Rokoko-Architektur und das Design zu neuen Höhen auf.

Der Rokokostil der Architektur wurde von deutschen Architekten übernommen, die ihn mit noch kunstvolleren Verzierungen aufluden und ihn weitaus asymmetrischer gestalteten. Der dekorative Stil des Rokoko dominiert noch heute die deutschen Kirchen. Die Architekten bauten Kurven und Gegenkurven aus Leisten, schufen Muster, die sich drehten und wendeten und Wände und Decken ohne rechte Winkel. Ein besonders beliebtes Motiv war Stucklaub, das an den Wänden und an der Decke hinaufzukriechen schien. Diese kunstvolle Dekoration war oft versilbert oder vergoldet und bildete einen atemberaubenden Kontrast zu den blassen pastellfarbenen oder weißen Wänden.

Das erste Gebäude, das im Rokoko-Stil errichtet wurde, war der Amalienburg-Pavillon in München. Der in Belgien geborene Designer und Architekt Francois de Cuvilies war für den Entwurf dieses Gebäudes verantwortlich und ließ sich von den französischen Pavillons Marly und Trianon inspirieren. Der Amalienburg-Pavillon wurde ursprünglich als Jagdschloss gebaut und verfügte über eine Plattform auf dem Dach, um Fasane zu schießen. Im Inneren befand sich ein Spiegelsaal, der von Johann Baptiste Zimmermann geschaffen wurde. Die Extravaganz dieses Gebäudes ging weit über die Architektur des französischen Rokokos hinaus.

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Ein weiteres außergewöhnliches Beispiel für die deutsche Rokoko-Architektur ist die Würzburger Residenz. Dieses beeindruckende Schloss hatte ein eher barockes Äußeres, aber das Innere spiegelte den leichten Rokokostil wider. Die Residenz wurde in Absprache mit den französischen Künstlern Robert de Cotte und Germain Boffrand sowie Tiepolo, dem italienischen Rokoko-Maler, der ein Wandgemälde über dem dreistöckigen Treppenhaus schuf, entworfen. Die Treppe war ein zentrales Merkmal dieser Residenz, wie auch die Treppe im Schloss Augustusburg. Im Schloss transportierte die große Treppe die Besucher nach oben durch eine Vision von Skulpturen, Gemälden, Dekoration und Eisenarbeiten.

Obwohl der Rokoko-Stil in seinen Anfängen ein weltlicher Stil war, gab es in der deutschen Zeit viele Kirchen im Rokoko-Stil. In den 1740er und 1750er Jahren entwarfen Rokoko-Architekten mehrere Wallfahrtskirchen in ganz Bayern. Die Innenräume dieser Kirchen haben einen ausgeprägten Rokokostil. Bemerkenswerte Beispiele sind Dominikus Zimmermanns Wierskirche, die ein schlichtes Äußeres mit wenigen Ornamenten und einfachen Farben hatte. Beim Betreten der Kirche wird man jedoch von einem ovalen Deambulatorium begrüßt, das die Kirche mit Licht durchflutet. Blaue und rosafarbene Stucksäulen im Chor bilden einen Kontrast zu den weißen Wänden, und Gipsengel umgeben die Kuppeldecke.

Britisches Rokoko

Obwohl der Einfluss des Rokoko in Großbritannien nicht so stark zu spüren war wie anderswo in Europa, haben britische Seiden-, Porzellan- und Silberarbeiten einige Inspirationen vom Rokoko aufgenommen. Die theoretische Grundlage für die Schönheit des Rokokos wurde zum Teil von William Hogarth gelegt, der argumentierte, dass die S-Kurven und wellenförmigen Linien des Rokokos die Grundlage für Schönheit und Anmut in der Natur und der Kunst sind.

Der Rokoko-Stil brauchte seine Zeit, bis er in England ankam. Britische Möbel folgten schon lange dem palladianischen, neoklassizistischen Modell, unter dem Designer William Kent. Kent war eine einflussreiche Persönlichkeit, die Möbel für Lord Burlington entwarf. Mit Lord Burlington reiste Kent zwischen 1712 und 1720 nach Italien. Kent brachte Ideen und Modelle von Palladio mit zurück und entwarf unter anderem die Möbel für Chiswick House, Hampton Court Palace und Holkham Hall.

Das Auftauchen von Mahagoni in England um 1720 war die bedeutendste Entwicklung des Rokoko in dieser Zeit. Neben Nussbaumholz wurde Mahagoni für Möbel populär. Es war der Möbeldesigner Thomas Chippendale, dessen Arbeiten dem Rokokostil am nächsten kamen. Der Katalog mit Entwürfen für Chinoiserie-, Rokoko- und Gotik-Möbel, genannt das Gentleman’s and Cabinet-Makers Directory, wurde von Chippendale 1754 veröffentlicht. Obwohl Chippendale’s Möbel sicherlich vom Rokoko inspiriert waren, verwendete er im Gegensatz zu französischen Designern keine Intarsien oder Einlegearbeiten in seinen Möbeln.

Thomas Johnson war eine weitere wichtige Figur des britischen Rokoko-Möbels. Im Jahr 1761 veröffentlichte Johnson seinen eigenen Katalog mit Rokoko-Möbelentwürfen, darunter auch Einrichtungsgegenstände, die auf indischen und chinesischen Motiven basieren.

Die Kunst und das Design der Rokokozeit

Wie du gesehen hast, gab es innerhalb Europas eine Menge Variationen im Design. Während Süddeutschland der Rokoko-Architektur verfiel, bevorzugten die Engländer Rokoko-Möbel. Egal ob es sich um Malerei, Skulpturen, Möbel oder architektonisches Design handelt, wir können den deutlichen Rokoko-Stil erkennen.

Rokoko Innenarchitektur

Das Innendesign war die Initialzündung des Rokoko. Obwohl der Rokoko-Stil die Malerei, die Bildhauerei und sogar die Musik dominierte, begann er als Stil der Innenarchitektur. Während der Fokus der Architektur typischerweise auf der äußeren Gestaltung liegt, brachten die Rokoko-Designer sie nach innen. Der Höhepunkt der Rokoko-Innenarchitektur liegt im Salon.

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Was ist ein Rokoko-Salon?

Der Salon ist, ähnlich wie ein Salon oder ein Wohnzimmer, ein Raum, der entworfen wurde, um Gäste zu unterhalten und zu beeindrucken. Ursprünglich wurde der Salon für die wohlhabende Aristokratie entworfen, um ihren unglaublichen Reichtum zu zeigen und intellektuelle Gespräche zu führen. Zu dieser Zeit glaubte die Philosophie der Aufklärung, dass äußere architektonische Umgebungen eine bestimmte Lebensweise fördern.

Rokoko-Salons waren zentrale Räume, die im typisch extravaganten und luxuriösen Rokoko-Stil eingerichtet waren.

Die Salons wiesen die typischen aufwendigen Rokoko-Dekorationen auf, schlangenförmige Linien, helle Pastellfarben, komplizierte Muster, Asymmetrie und viel Gold. Das Layout der Salons war oft asymmetrisch, eine Art von Design, die als Kontraste bekannt ist. Skulpturale Formen an Wänden und Decken mit abstrakten, blatt- und muschelähnlichen Texturen waren Interieur-Ornamente.

Der Salon de Monsieur le Prince ist ein besonders berühmtes Beispiel. Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel für den Rokoko-Salon ist der von Germain Boffrand im Pariser Hotel Soubise. Diese Salons haben alle Decken, Wände und Leisten mit aufwendigen Dekorationen aus S-Kurven, natürlichen Formen und Muschelformen.

Rococo Furniture

Der Salon war eine Möglichkeit, den sozialen Status zu reflektieren, und die Möbel innerhalb des Salons waren eine weitere. Während der Rokokozeit gab es eine Explosion in der Möbelherstellung. Das Möbeldesign betonte die Leichtigkeit des Rokoko. Die Möbelstücke wurden leichter gemacht, damit sie leichter bewegt werden konnten. Die Möbel wurden auch filigraner und raffinierter, mit dünnen, geschwungenen Tischbeinen.

Rokoko-Möbel waren freistehend und nicht an die Wand gelehnt. Diese Eigenschaft trug auch dazu bei, einem vom Adel gewünschten Raum Leichtigkeit und Vielseitigkeit zu verleihen.

Mahagoniholz wurde ein beliebtes Holz für Rokoko-Möbel, weil es sehr stabil ist. Die Stabilität von Mahagoni bedeutete, dass Möbelhersteller zierliche Möbel schnitzen konnten, die nicht zerbrechen. Während des Rokokos entstanden viele spezialisierte Einrichtungsgegenstände, darunter der Voyeur-Stuhl. Spiegel mit kunstvoll geschnitzten und verzierten Rahmen wurden während des Rokokos ebenfalls immer beliebter. Innenarchitekten nutzten Spiegel, um das Gefühl von Licht und Großzügigkeit in einem Raum zu verstärken.

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Rokoko Architektur: Barock vs. Rokoko

Die Rokoko-Architektur des 18. Jahrhunderts war anmutiger, leichter und aufwändiger als die des Barocks. Obwohl die Rokoko-Architektur den barocken Entwürfen in mancher Hinsicht ähnlich war, unterschieden sie sich in anderen Punkten erheblich.

Barock vs. Rokoko Architekturstil

Wie bei der Inneneinrichtung und den Möbeln betonte die Rokoko-Architektur die Asymmetrie von Design und Form, während das Gegenteil für den Barockstil galt. Die Barockarchitektur war insgesamt ernster und verwendete religiöse Themen aus der protestantischen Reformation, während die Rokoko-Architektur eher unbeschwert, scherzhaft und weltlich war. Während barocke Gebäude für große öffentliche Majestät entworfen wurden, betonte die Rokoko-Architektur die Privatsphäre.

Die Kurven und dekorativen Elemente des Rokoko, die wir in Möbeln und Inneneinrichtungen sehen, wurden auch in der Architektur übernommen. Die charakteristische Rokoko-Farbpalette aus Gold, Weiß und Pastellfarben war ebenfalls ein wichtiges Merkmal der Rokoko-Architektur.

Einige berühmte Rokokobauten sind der portugiesische Queluz Nationalpalast, der Katharinenpalast in Russland, das Chinesische Haus in Potsdam, die Schlösser Falkenlust und Augustusburg, Teile des Chateau de Versailles und das Schloss Charlottenburg in Deutschland. Der italienische Architekt Francesco Bartolomeo Rastrelli ist bekannt für seine opulenten und verschwenderischen Entwürfe und arbeitete in Russland. Philip de Lange arbeitete sowohl in der niederländischen als auch in der dänischen Architektur und Matthäus Daniel Poppelmann war ein spätbarocker Architekt, der beim Wiederaufbau der deutschen Stadt Dresden half.

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Rokoko Malerei

Die zarte und unbeschwerte Natur des Rokoko-Designs ist vielleicht am deutlichsten in den Gemälden dieser Epoche zu erkennen. Mit der hellen Rokoko-Farbpalette aus Pastellfarben, Gold und Weiß und anderen Rokoko-Design-Elementen wie asymmetrischen Kurven und Schlangenlinien ist die Rokoko-Malerei leicht zu erkennen. Unglaubliche Liebe zum Detail, verspielte Themen und eine pastellfarbene Farbpalette sind wesentliche Merkmale der Rokoko-Malerei.

Tadellose Aufmerksamkeit für Details

Inspiriert von Künstlern aus der Renaissance, haben Rokoko-Gemälde eine unglaubliche Liebe zum Detail. Der französische Künstler Francois Boucher ist besonders berühmt für seine detailorientierte Herangehensweise an die Malerei. Boucher schafft es, die winzigen Feinheiten der verzierten Kostüme einzufangen und wunderschön detaillierte Szenen zu schaffen.

Spielerische Themen

Vielleicht unterstreichen die Themen der Rokoko-Gemälde am besten die heitere Atmosphäre dieser Kunstepoche. Themen wie Jugend, Liebe, Spiel, klassische Mythen, idyllische Landschaften und Porträts sind typisch für die Rokokomalerei. Dem französischen Maler Antoine Watteau ist es zu verdanken, dass die verspielten Themen des Rokoko populär wurden. Watteau ist als Vater des Genres der fete galante bekannt, in dem er Feste, Gartenpartys und andere Veranstaltungen im Freien malte. Watteau malte Szenen von pastoralen Landschaften und skurrilen Menschen beim geselligen Beisammensein. Griechische Göttinnen, Amoretten und andere mythologische Kreaturen waren oft zu sehen und vermischten Realität und Fantasie auf spielerische Art und Weise.

Antoine Watteau, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Rokoko Farbpalette

Die Farbpalette der Gemälde des Rokoko unterscheidet sich deutlich von der des früheren Barocks. Barockmaler verwendeten tiefe und gefühlsbetonte Farben, während Rokokokünstler wie Jean-Honore Fragonard unbeschwerte Szenen mit hellen Pastellfarben schufen. Fragonards Die Schaukel ist eines der berühmtesten Gemälde der Rokokozeit. Hellgrüne Wirbel von Laub umgeben eine Frau in einem hellrosa Kleid, die kokett ihren Schuh abwirft, während sie schwingt.

Jean-Honoré Fragonard, Public domain, via Wikimedia Commons

Rokoko Skulptur

Die Skulptur der Rokokozeit war dynamisch, theatralisch und farbenfroh. Ein Gefühl der Bewegung in alle Richtungen durchdringt diese Skulpturen. Die Skulpturen waren eng mit der Architektur und Malerei verbunden und waren oft im Inneren von Kirchen zu finden.

Die frühe französische Rokoko-Skulptur ist viel leichter als der klassische Louis XIV-Stil. Madame de Pompadour war eine Mäzenin der Rokoko-Skulptur und sie gab mehrere Werke für ihre Gärten und Schlösser in Auftrag. Eine Skulptur von Amor, der seine Liebespfeile aus der Keule des Herkules schnitzt, ist eine berühmte Rokoko-Skulptur von Edme Bouchardon. Weitere Beispiele für Rokoko-Skulpturen findest du an den Brunnen von Versailles, wie den Neptunbrunnen von Nicolas-Sebastien Adam und Lambert-Sigisbert Adam aus dem Jahr 1740. Nach ihrem Erfolg lud Friedrich der Große diese Bildhauer ein, eine Brunnenskulptur für seinen Palast in Preußen zu schaffen.

National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Der führende französische Bildhauer Etienne-Maurice Falconet ist vor allem für seine St. Petersburger Statue von Peter dem Großen bekannt, aber er schuf auch kleinere Werke in Terrakotta oder Bronze für wohlhabende Sammler. Falconet war nicht der einzige Bildhauer, der kleinere Serien von Skulpturen für Sammler herstellte. Jean-Baptiste Pigalle, Michel Clodion, Jean-Louis Lemoyne und Louis-Simon Boizot schufen alle Skulpturenserien.

Der Italiener Antonio Corradini war einer der führenden Bildhauer des Rokoko in Venedig. Er reiste durch ganz Europa, arbeitete eine Zeit lang in St. Petersburg für Peter den Großen und an österreichischen und napalischen Kaiserhöfen. Corradinis Skulpturen haben einen eher sentimentalen Charakter und er schuf eine Reihe von zierlichen Skulpturen von verschleierten Frauen.

Rokoko Porzellan

In der Zeit des Rokoko begannen kleinformatige Porzellanskulpturen aufzutauchen. Ursprünglich als Ersatz für die Zuckerskulpturen auf großen Esstischen konstruiert, wurden Porzellanfiguren bald als Dekoration für Kaminsimse beliebt. Als die Zahl der europäischen Porzellanmanufakturen im Laufe des 18. Jahrhunderts wuchs, wurden kleine Porzellanskulpturen auch für die Mittelschicht zugänglich. Im Laufe des Jahrhunderts nahm auch die Menge an Aufglasurdekorationen auf diesen bunten Porzellanfiguren zu.

Die Meissener Porzellanmanufaktur ist die älteste in Europa und blieb bis etwa 1760 die bedeutendste. Johann Joachim Kandler war der Hauptmodellierer in der Meissener Fabrik. Franz Anton Bustelli, ein deutscher Bildhauer, arbeitete in der Nymphenburger Porzellanmanufaktur und war berühmt für sein Angebot an farbenfrohen Figuren, die in ganz Europa verkauft wurden. Seinem Beispiel folgend wurde Etienne-Maurice Falconet Direktor der Porzellanmanufaktur in Sevres. Hier produzierte er verschiedene kleinformatige Skulpturen in Serien zu Themen der Unbeschwertheit und Liebe.

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Rokoko Musik

Obwohl die Rokoko-Musik nicht so bekannt ist wie die späteren klassischen und früheren barocken Formen, hat sie einen Platz in der Musikgeschichte. Der Rokoko-Musikstil entwickelte sich, wie vieles in der Rokoko-Bewegung, aus der Barockzeit. In Frankreich war der style galant, oder der elegante Musikstil, eine intime Musik, die leicht, raffiniert und aufwendig war. Zu den einflussreichen französischen Rokoko-Komponisten gehören Louis-Claude Daquin, Jean Philippe Rameau und Franscois Couperin. In Deutschland waren die beiden Söhne von Johann Sebastian Bach, Johann Christian Bach und Carl Philip Emanuel Bach, Wegbereiter des Rokoko oder des „empfindsamen Stils“.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts kam es zu einer Gegenbewegung gegen den übermäßigen Gebrauch von Verzierungen und Ornamenten im Rokokostil. Christoph Willibald Gluck führte diese reaktionäre Bewegung an, die schließlich zum klassischen Stil wurde. Die Variationen über ein Rokokothema von Pjotr Iljitsch Tschaikowski wurde im Stil des Rokoko komponiert, obwohl es nicht während der Rokokozeit geschrieben wurde.

Rokoko Mode

Die Extravaganz, Raffinesse, Ornamentik und Eleganz des Rokoko-Stils gingen auch in der Rokoko-Mode nicht verloren. Die Damenmode des 18. Jahrhunderts war raffiniert und hoch verziert im echten Rokoko-Stil. Angefangen am königlichen Hof, verbreitete sich diese Mode bald in den Cafés und Salons der Bourgeoisie.

Gegen Ende der Herrschaft Ludwigs XIV. wurde ein fließendes Kleid, bekannt als die Robe Volante, populär. Ein Mieder, ein abgerundeter Petticoat und große Falten, die über den Rücken fließen, waren die herausragenden Merkmale dieses Kleides. Eine dunkle und reiche Farbpalette von Stoffen begleitete schwere und kühne Designmerkmale. Nach dem Tod von König Ludwig XIV. begann sich der Modestil mit den Rokoko-Trends zu verändern.

Die Rokoko-Mode war frivoler, viel leichter und freizügiger. Eine pastellfarbene Farbpalette, ein Übermaß an Schleifen, Spitze, Rüschen und ein tief ausgeschnittener Ausschnitt kennzeichneten die Damenmode des Rokoko. Ein neues Kleid, bekannt als Robe a la Francaise, hatte ein enges Mieder und meist eine große Anzahl von Schleifen auf der Vorderseite. Dieses Kleid hatte breite Taschen und war mit verschwenderischen Mengen an Blumen, Spitzen und Bändern verziert. Jean-Antoine Watteau, der Maler, der die komplizierten Details von Nähten, Spitzen und anderen Verzierungen an prunkvollen Kleidern festhält, war die Inspiration für Watteau-Falten.

Los Angeles County Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Um 1718 kamen die Mantua und die Pannier in Mode. Dies waren breite Reifen, die die Hüften seitlich verlängerten und unter dem Kleid getragen wurden. Diese Kleidungsstücke wurden bald zu einem wichtigen Bestandteil der Rokoko-Mode. Der ikonische Look der Rokoko Ära ist das Kleid mit verlängerten Hüften und exzessiven Mengen an Dekoration. Besondere Anlässe verlangten nach sehr breiten Reifenträgern, die teilweise einen Durchmesser von bis zu 16 Fuß erreichten. Kleinere Reifchen waren für den Alltag gedacht.

Dieser Kleidungsstil hat seinen Ursprung im 17. Jahrhundert in Spanien und wurde ursprünglich entworfen, um einen schwangeren Bauch zu verstecken.

Das goldene Zeitalter der Rokoko-Mode war um 1745, als eine mehr orientalische und exotische Kultur, bekannt als a la turque, in Frankreich populär wurde. Madame de Pompadour war maßgeblich an der Förderung dieses Stils beteiligt, als sie ein Gemälde von sich selbst als türkische Sultanin bei Charles Andre Van Loo in Auftrag gab. In den 1760er Jahren kam ein weniger formeller Modestil auf. Die Polonaise, ein kürzeres Kleid, inspiriert von der polnischen Mode, machte die Knöchel und den Unterrock sichtbar. Das Polonaise-Kleid erlaubte es den Frauen auch, sich mit deutlich mehr Leichtigkeit zu bewegen.

Die Robe a l’anglais, oder englisches Kleid, war ein weiterer beliebter Stil in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Dieses Kleid beinhaltete eher maskuline Modeelemente wie lange Ärmel, breite Aufschläge und eine kurze Jacke. Ein voller Rock mit einer kleinen Schleppe, aber ohne Panniers, ein eng anliegendes Mieder und ein kleines Spitzentuch um den Hals vervollständigten das Ensemble. Ein redingote, eine Kombination aus Mantel und Umhang, war ein weiteres neues Modeelement des Rokoko.

Neben der Vielzahl an unterschiedlichen Kleidungsstücken waren Accessoires ein wesentlicher Bestandteil der Rokoko-Mode im 18. Jahrhundert. Accessoires wie Halsketten und Schmuck trugen zur Opulenz und dekadenten Verzierung der Kleider bei. Frauen in kurzen Ärmeln mussten bei offiziellen Zeremonien Handschuhe tragen.

Der allmähliche Niedergang des Rokoko-Stils

Es dauerte nicht lange, bis die Betonung des Rokoko auf Galanterie und dekorativer Mythologie eine Reaktion hervorrief. Die französische Akademie begann, einen klassischeren Kunststil zu lehren und De Troy, ein prominenter klassischer Künstler, wurde 1738 Direktor der Akademie. Obwohl die Rokoko-Periode in Frankreich im Niedergang begriffen war, blühte sie in Österreich und Deutschland weiter auf.

Madame de Pompadour war während des gesamten 18. Jahrhunderts eine prominente und einflussreiche Figur, die die Kunst und Mode des Rokoko förderte und zu dessen Niedergang beitrug. Im Jahr 1750 schickte Madame de Pompadour ihren Bruder und mehrere Künstler, darunter den Architekten Soufflot und den Graveur Charles-Nicolas Cochin, auf eine zweijährige Reise, um die archäologischen und künstlerischen Entwicklungen Italiens zu studieren. Diese Gruppe kehrte begeistert vom Klassizismus zurück und Abel-Francious Poisson de Vandieres, Madame de Pompadours Bruder, wurde ein Marquis.

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Vandieres wurde auch zum Generaldirektor für die Bauten des Königs ernannt und er war dafür verantwortlich, dass sich die französische Architektur in Richtung des Neoklassizismus bewegte. Cochin, ein einflussreicher Kunstkritiker, prangerte den Stil von Boucher an, den er als petit style bezeichnete. Stattdessen forderte Cochin einen größeren Stil der Malerei und Architektur, der den Adel und die klassische Antike betonte.

Jacques-Francois Blondel und Voltair schlossen sich der lautstarken Kritik an der Oberflächlichkeit der Rokoko-Kunst an. Die 1760er Jahre läuteten den Anfang vom Ende des Rokokostils ein, als die Künstler begannen, eine Kunst mit Zweck und Wert zu fordern. Das Rokoko war 1785 offiziell vorbei und wurde durch den Neoklassizismus ersetzt.

Der Spott über das Rokoko als oberflächlich und frivol verbreitete sich bis zum Ende des 18. Jahrhunderts in Deutschland. Obwohl es dem Rokoko gelang, in Italien und einigen deutschen Staaten populär zu bleiben, wurde es durch die zweite Welle des Neoklassizismus im Empire-Stil gründlich ausgelöscht.

Berühmte Rokoko Künstler

Es gab so viele Maler, Architekten und Bildhauer, die während des Rokoko auftauchten. Von den vielen gibt es ein paar, die einen bleibenden Eindruck in der Welt der dekorativen Kunst hinterlassen haben, darunter Francois Boucher, Elisabeth Louise Vigee le Brun und Giovanni Battista Tiepolo.

Francois Boucher (1703-1770)

Von allen prominenten Rokoko-Künstlern hat Boucher sicherlich einen Platz auf dieser Liste verdient. Berühmt für seine Darstellungen der antiken römischen und griechischen Mythologie, prägte Boucher mit seinen Gemälden den Verlauf des Rokoko-Stils. Als junger Kunststudent studierte Boucher während der späten Barockzeit und reiste nach Italien. Er studierte auch den holländischen Landschaftsstil.

Boucher wurde unter den französischen Künstlern seiner Zeit sehr berühmt. Die üppige Art und Weise, in der Boucher Figuren in seinen Gemälden darstellte, verschaffte ihm eine große Berühmtheit. Viele von Bouchers Gemälden zeigten Hirten und verschiedene Arten von Vieh in pastoralen Szenen. Von seinen Werken gilt der Triumph der Venus (1740) als sein berühmtestes, aber es steht in enger Konkurrenz zu Das Frühstück (1739) und Die Traubenfresser (1749).

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Jean-Honore Fragonard (1732-1806)

Der französische Rokokodrucker und Maler Jean-Honore Fragonard ist einer der berühmtesten Maler aus der Rokokozeit. Obwohl er am Ende des 18. Jahrhunderts lebte, als das Rokoko zu verfallen begann, schuf er hedonistische Gemälde. Während seines Lebens malte Fragonard auch mehrere Werke für die königliche Familie, darunter Die Versammlung (1771).

Fragonard lernte Boucher kennen, als er erst 18 Jahre alt war, und obwohl Boucher sich weigerte, mit Fragonard zu arbeiten, weil dieser noch keine Erfahrung hatte, schickte er ihn zum Studium bei Jean-Baptiste-Simeon Chardin. Trotz seiner frühen Unerfahrenheit wurde Fragonard zu einem der produktivsten Maler der französischen Kunstgeschichte. Ein besonders berühmtes Gemälde von Fragonard ist Der gestohlene Kuss (1788).

Jean-Honoré Fragonard, Public domain, via Wikimedia Commons

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Obwohl er vor dem Goldenen Zeitalter des Rokoko starb, war Jean-Antoine Watteau eine der einflussreichsten Figuren der Bewegung. Watteau gilt als Wegbereiter des Rokoko-Stils, den er durch die Integration seines eigenen künstlerischen Flairs mit Elementen von Meistern wie Peter Paul Rubens und Tizian erreichte.

Watteaus Stil war besonders farbenfroh, mit leuchtenden Farbtönen und viel Tiefe. Viele von Watteaus Werken sind in ihrer theatralischen Erscheinung typisch für den Rokoko-Stil. Watteau war auch berühmt für seine unglaubliche Fähigkeit, winzige und komplizierte Details einzufangen, besonders bei verzierten Gewändern. Das vielleicht berühmteste Gemälde von Watteau ist die Pilgerfahrt zur Insel Cythera, die er 1717 vollendete. Andere bemerkenswerte Werke sind Pierrot (1719) und Einschiffung nach Cythera (1717).

Antoine Watteau, Public domain, via Wikimedia Commons

Elisabeth Louise Vigee le Brun (1755-1842)

Als eine der prominentesten Künstlerinnen der französischen Geschichte ist le Brun vor allem für ihre opulenten Porträts bekannt. Als le Brun ihre künstlerischen Fähigkeiten entwickelte, war es ihr nicht erlaubt, eine der offiziellen Kunstschulen oder Akademien zu besuchen. Glücklicherweise war ihr Vater ein Künstler und er brachte ihr das Malen bei.

Im Alter von nur 15 Jahren begann le Brun als professionelle Malerin zu arbeiten. Trotz des Sexismus der damaligen Zeit und der vielen, die ihre Arbeit mieden, wurde le Brun im Alter von 28 Jahren von König Ludwig XVI. und Marie Antoinette in die Königliche Akademie aufgenommen. Le Brun malte einige der berühmtesten Gemälde in der Geschichte Frankreichs. Ihr bekanntestes Werk ist Marie Antoinette in einem Hofkleid (1778).

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Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770)

Der berühmte venezianische Maler Tiepolo ist bekannt für seine hochdekorativen und übermäßig aufwendigen Gemälde, die oft königliche Figuren darstellen. Tiepolo hatte einen einzigartigen Stil während der Rokokozeit, da er unter mehreren Künstlern studierte, die von der Hochrenaissance beeinflusst waren. Als Ergebnis seiner Ausbildung war Tiepolos Stil eine Kombination aus Rokoko und Renaissance.

Von seinen vielen Werken ist Die Hochzeit von Kaiser Friedrich und Beatrice von Burgund (1752) wahrscheinlich sein berühmtestes. Dieses unglaublich bedeutende historische Ereignis wurde im typischen Rokokostil dargestellt. Ein üppig geschmückter Saal mit Bögen, fließenden Vorhängen und elegant gekleideten Figuren zieren die Leinwand dieses berühmten Gemäldes.

Giovanni Domenico Tiepolo, Public domain, via Wikimedia Commons

Giovani Antonio Canal (1697-1768)

Besser bekannt als Canaletto, war Giovani Antonio Canal eine der berühmtesten Figuren des Rokoko des 18. Jahrhunderts. Der in Italien geborene Maler zeigte schon früh künstlerisches Talent und wurde zu einem der berühmtesten Künstler sowohl des Rokoko als auch der venezianischen Schule.

Nachdem er während seines Lebens ausgiebig durch Europa gereist war, war Canaletto bekannt für seine unglaublich realistischen Stadtansichten. Zu den berühmtesten Gemälden aus seiner Jugend gehören Der Eingang zum Canal Grande, Venedig (1730) und Der Steinmetzhof (1725). Canaletto stellte diese beiden Gemälde fertig, als die Rokoko-Bewegung in Frankreich zu wachsen begann. Dank der Aktionen von Canaletto verbreitete sich das Rokoko in Italien.

Canaletto, Public domain, via Wikimedia Commons

Thomas Gainsborough (1727-1788)

Als prominenter britischer Künstler des Rokoko ist Gainsborough vor allem für seine detailreichen Porträts und eleganten Landschaften bekannt. Gainsborough war eines der prominentesten Mitglieder der St. Martin’s Lane Academy, die von Hubert Francois Gravelot gegründet wurde, nachdem das Rokoko den Kanal von Frankreich aus überquert hatte.

Als einer der berühmtesten britischen Maler des 18. Jahrhunderts gehören Gainsboroughs Rokoko-Gemälde zu seinen bekanntesten. Obwohl viele von Gainsboroughs beliebtesten Gemälden Landschaften sind, ist sein berühmtestes Rokoko-Gemälde The Blue Boy, das er 1770 malte.

Canaletto, Public domain, via Wikimedia Commons

Voller Opulenz, Gold und Extravaganz, ist der Rokoko-Stil des 18. Jahrhunderts sofort erkennbar. Obwohl die Bewegung nicht sehr lange anhielt, hinterließ sie sicherlich einen Eindruck und viele der Künstler aus dieser Zeit bleiben wichtige historische Figuren.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.