Vanitas Stillleben – Die menschliche Vergänglichkeit als Kunstform

Vanitas war eine Kunstform, die im 16^ten und 17^ten Jahrhundert entstand und als symbolische Art von Kunstwerken die Vergänglichkeit und Vergeblichkeit des Lebens und des Vergnügens zeigte. Das bekannteste Genre, das aus dem Vanitas-Thema hervorging, war das Stillleben, das in Nordeuropa und den Niederlanden unglaublich beliebt war. Vanitas-Kunstwerke entstanden in einer Zeit großer religiöser Spannungen in Europa, da sie als Verteidiger der protestantischen Mission der Selbstbeobachtung auftraten.

Was ist Vanitas?

Die Vanitas entstand in den Niederlanden im 16^th und 17^th Jahrhundert und wurde zu einer weit verbreiteten Form der niederländischen Meistermalerei. Das Vanitas-Genre bediente sich der Form des Stilllebens, um die Vergänglichkeit des Lebens und die Eitelkeit des Lebens in den entstandenen Kunstwerken zu beschwören.

Zu dieser Zeit wurde Europa von großem Handelsreichtum und regelmäßigen militärischen Konflikten heimgesucht, was den Malern interessante Themen und Ideen bot. Die Künstler begannen, sich für die Kürze des Lebens, die Sinnlosigkeit irdischer Freuden und die sinnlose Suche nach Macht und Ruhm zu interessieren. Diese Themen wurden in den Gemälden, die entstanden, überbetont und galten in den folgenden Vanitas-Kunstwerken als wesentliche Eigenschaften.

Eine sehr düstere Form der Stilllebenmalerei blühte auf, als das Vanitas-Thema an Beliebtheit zunahm, denn die Kunstwerke sollten die Betrachter an ihre eigene bevorstehende Sterblichkeit erinnern. Vanitas-Künstler wollten dem wohlhabenden Publikum vermitteln, dass Dinge wie Vergnügen, Reichtum, Schönheit und Autorität keine unendlichen Eigenschaften sind.

Alles ist Eitelkeit (1892) von Charles Allan Gilbert, in dem Leben, Tod und der Sinn der Existenz miteinander verwoben sind. Das Bild zeigt eine Frau, die in einen Boudoirspiegel blickt, der die Form eines Schädels hat; Charles Allan Gilbert, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese deutliche Erinnerung an die Vergänglichkeit wurde in verschiedenen Vanitas-Gemälden durch die Einbeziehung bestimmter Gegenstände demonstriert. Dinge, die in diesen Gemälden alltäglich wurden, waren weltliche Gegenstände wie Bücher und Wein, die neben bedeutungsvollen Symbolen wie Totenköpfen, verwelkenden Blumen und Sanduhren platziert wurden. All diese Gegenstände vermittelten das Thema der vergehenden Zeit in den Gemälden, was die allgegenwärtige Realität der Sterblichkeit noch stärker betonte.

Da das Ziel der Vanitas-Gemälde darin bestand, sowohl die Vergeblichkeit des weltlichen Strebens als auch die Gewissheit des Todes zu demonstrieren, gab es zwei Arten von Malstilen. Die erste Kategorie umfasste Gemälde, die den Tod durch Objekte wie Totenköpfe, Kerzen, ausgebrannte Lampen und verwelkende Blumen thematisierten. Die zweite Kategorie versuchte, die Unausweichlichkeit des Todes zu verdeutlichen, indem sie die Vergänglichkeit der irdischen Freuden mit Gegenständen wie Geld, Büchern und Schmuck symbolisierte.

Ein weiteres wichtiges Symbol, das in beiden Kategorien verwendet wurde, waren Stundengläser, offene Taschenuhren und Uhren, die auf das Vergehen der Zeit hinwiesen. Diese Objekte sollten den Betrachterinnen und Betrachtern verdeutlichen, dass Zeit ein kostbares Gut ist, und diejenigen, die ihre Zeit zu verschwenden scheinen, auf subtile Weise tadeln.

So kombinierten viele Vanitas-Gemälde beide Kategorien, um Kunstwerke zu schaffen, die sowohl als Symbole des Todes als auch der Vergänglichkeit existierten.

Der Traum des Ritters (c. 1650) von Antonio de Pereda, in dem ein Herr aus dem siebzehnten Jahrhundert, gekleidet in der Kleidung der damaligen Zeit, schläft, während ein Engel ihm die Vergänglichkeit von Vergnügen, Reichtum, Ehre und Ruhm zeigt. ; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Auf den ersten Blick sind die Vanitas-Gemälde unglaublich auffällig, denn ihre Kompositionen sind sehr chaotisch und ungeordnet. Die Leinwand ist in der Regel vollgepackt mit Gegenständen, die auf den ersten Blick wahllos erscheinen, aber bei näherer Betrachtung enthalten die Art und die Nähe der Gegenstände eine Menge Symbolik und sind eine stilistische Entscheidung.

Obwohl sie Elemente des Stilllebens enthalten, unterscheiden sich Vanitas-Gemälde stark von anderen, da sie sehr symbolisch sind. Die Künstlerinnen und Künstler schufen die Gemälde nicht, um verschiedene Gegenstände auszustellen oder ihr künstlerisches Können zu demonstrieren. Beides wird umso deutlicher, je mehr man sich mit dem Gemälde beschäftigt und es betrachtet.

Die Gemälde, die in dieser Zeit entstanden, waren eine symbolische Darstellung der Ungewissheit der Welt und betonten die Idee, dass nichts dem Verfall und dem Tod standhalten kann. Die Vanitas-Kunstwerke vermittelten also eine ernste Botschaft, denn das Ziel war es, die Gedanken und Ideen des Genres den Betrachtern zu vermitteln.

Vanitas war nicht nur zu seiner Zeit populär, sondern hat auch weiterhin einige der Kunstwerke beeinflusst, die heute in der postmodernen Kunstgesellschaft zu sehen sind. Zu den bekannten Künstlern, die mit dem Vanitas-Stil experimentiert haben, gehören Andy Warhol und Damien Hirst, die in ihren Kunstwerken Totenköpfe verwendet haben.

Auch bei den modernen Darstellungen von Vanitas-Kunstwerken, die es heute gibt, bleibt die Botschaft des Genres dieselbe: Dies ist das einzige Leben, das uns gegeben ist, also lass es nicht an dir vorbeigehen, bevor du es in vollen Zügen genießen kannst.

Die Definition der Vanitas-Kunst verstehen

Wenn wir nach einer Definition suchen, sollten wir zuerst die Etymologie des Begriffs verstehen. Das Wort vanitas ist lateinischen Ursprungs und bedeutete früher „Vergeblichkeit“, „Leere“ und „Wertlosigkeit“. Außerdem war „vanitas“ eng mit dem lateinischen Sprichwort memento mori verwandt, das grob mit „Denk daran, dass du sterben musst“ übersetzt werden kann. Dieses Sprichwort galt als künstlerische oder allegorische Erinnerung an die Gewissheit des Todes und rechtfertigte die Einbeziehung von Totenköpfen, sterbenden Blumen und Sanduhren in die Vanitas-Gemälde, die geschaffen wurden.

Eine angemessene Definition der Vanitas-Kunst würde also Kunstwerke umfassen, die von der Unausweichlichkeit der Sterblichkeit und der Sinnlosigkeit des weltlichen Vergnügens sprechen. Dies geschah im Wesentlichen durch die Einbeziehung verschiedener symbolischer Objekte, die den Betrachter an diese Ideen erinnern sollten.

Vanitas erinnert uns an Eitelkeiten

Der Begriff Vanitas war lateinisch für „Eitelkeit“. Man dachte, dass die Eitelkeit die Idee hinter den Vanitas-Gemälden auf den Punkt bringt, denn sie wurden geschaffen, um die Menschen daran zu erinnern, dass ihre Schönheit und ihr materieller Besitz sie nicht von ihrer unausweichlichen Sterblichkeit ausschließen.

Der Begriff stammt ursprünglich aus der Bibel, und zwar aus den ersten Zeilen des Buches Prediger 1,2 und 12,8, wo es heißt: „Eitelkeit der Eitelkeiten, sagt der Prediger, Eitelkeit der Eitelkeiten, alles ist eitel.“ In der King James Version wurde das hebräische Wort hevel jedoch fälschlicherweise mit „Eitelkeit der Eitelkeiten“ übersetzt, obwohl es eigentlich „sinnlos“, „vergeblich“ und „unbedeutend“ bedeutet. Trotz dieses Fehlers implizierte hevel auch das Konzept der Vergänglichkeit, das in den Vanitas-Gemälden eine wichtige Rolle spielte.

Schädel in einer Nische (ca. erste Hälfte des 16. Jahrhunderts) von Barthel Bruyn dem Älteren, wo wir einen anatomisch korrekten Schädel in einer steinernen Nische sehen. Das Blatt kann mit „Ohne Schild, das dich vor dem Tod bewahrt, lebe, bis du stirbst“ übersetzt werden; Barthel Bruyn der Ältere, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Beziehung zwischen Vanitas und Religion

Vanitas-Gemälde wurden nicht nur als reine Kunstwerke betrachtet, sondern trugen auch wichtige moralische Botschaften in sich, so dass sie als eine Art religiöse Mahnung angesehen wurden. Die Gemälde sollten die Betrachter vor allem an die Trivialität des Lebens und seiner Freuden erinnern, denn nichts kann der Beständigkeit des Todes widerstehen.

Aufgrund ihrer Thematik ist es fraglich, ob das Vanitas-Genre ohne die Gegenreformation und den Calvinismus, die es ins Rampenlicht rückten, so beliebt gewesen wäre. Beide Bewegungen, die eine katholisch, die andere protestantisch, traten zur gleichen Zeit auf, als die Vanitas-Malerei an Popularität gewann.

Heute führen Kritiker das Aufkommen dieser Bewegungen als zusätzliche Warnung vor den Eitelkeiten des Lebens zurück, da sie die Reduktion von Besitz und Triumph betonten, was das, wofür das Vanitas-Genre stand, noch weiter unterstrich.

Der Einfluss des Protestantismus

Die protestantische Reformation, die im 16^th Jahrhundert stattfand, verursachte einen bemerkenswerten Wandel im religiösen Denken in ganz Europa. Der Kontinent begann sich zwischen Katholizismus und Protestantismus aufzuspalten, was zu großer Unsicherheit in vielen religiösen Fragen führte. Dies führte dazu, dass die Katholiken für die Abschaffung von Heiligenbildern eintraten, während die Protestanten glaubten, dass diese Bilder für die individuelle Reflexion über Gott und andere heilige Themen nützlich sein könnten.

Die niederländische Republik, die sich von ihren katholischen spanischen Herrschern befreite, wurde zu Beginn des 17^ten Jahrhunderts zu einem stolzen protestantischen Staat. Das mit dem Protestantismus einhergehende individualistische Gefühl der Besonnenheit trug dazu bei, dass sich die niederländischen Künstler dem Vanitas-Genre zuwandten, da sie ihre religiösen Gefühle durch eine geeignete Kunstform zum Ausdruck bringen wollten.

Das Vanitas-Genre basierte also auf der protestantischen Ethik, wie die Ideen und Themen, die in den Gemälden zum Ausdruck kamen, beweisen. Die Vanitas erinnerte die Menschen daran, dass die weltlichen Dinge zwar ihren Reiz haben, aber im Vergleich zu Gott vergänglich und unzureichend sind. So betonten diese Gemälde die unausweichliche Sterblichkeit, mit der die Betrachter konfrontiert waren, und versuchten, sie daran zu erinnern, im Einklang mit Gott zu handeln.

Exitus Acta Probat („Der Ausgang rechtfertigt die Tat“, ca. 1627-1678) von Cornelis Galle der Jüngere, das eine Allegorie des Todes darstellt. Darunter lautet die Inschrift Quid terra cinisque superbis Hora fugit, marcescit Honor, Mors imminet atra. Übersetzt heißt das: „Worauf ist die Asche stolz? Zeit vergeht, zweifelhafte Ehre, Tod und Schwarz.“; Cornelis Galle der Jüngere, Public domain, via Wikimedia Commons

Vanitas und Realismus

Die Vanitas-Kunst war unglaublich realistisch, da sie fest in irdischen Konzepten verankert war, die sich stark von der mystischen Technik der katholischen Kunst unterschieden. Daher war dieses Genre der Vanitas-Kunst dazu geeignet, den Blick des Betrachters durch die Darstellung irdischer Objekte auf den Himmel zu lenken.

Der Realismus ist auch in den Vanitas-Gemälden spürbar, denn sie waren außerordentlich kompliziert und genau. Eine genauere Betrachtung der Kunstwerke offenbart die hohe Kunstfertigkeit und Hingabe der Künstler, die Objekte aus dem Leben des Betrachters hervorheben, um das Gemälde so relevant und anwendbar wie möglich zu machen.

Durch die Verwendung eines realistischen Stils war der Vanitas-Künstler in der Lage, die Hauptaussage der Kunstwerke, die sich um die Eitelkeit der alltäglichen Dinge drehte, zu isolieren und zu betonen. Der Realismus in diesen Kunstwerken half den Betrachtern, die flüchtigen Aspekte des Lebens zu verstehen und ihre Gedanken zu ordnen, was in starkem Kontrast zur Unordnung des eigentlichen Gemäldes stand.

Vanitas und Stillleben

Einer der wichtigsten Aspekte des Vanitas-Genres war, dass es als ein Untergenre der Stilllebenmalerei angesehen wurde. Vanitas-Gemälde waren also einfach eine Variation der traditionellen Stilllebenform. Typische Stilllebengemälde bestanden aus unbelebten und gewöhnlichen Gegenständen wie Blumen, Lebensmitteln und Vasen, wobei die Aufmerksamkeit des Kunstwerks allein auf diese Gegenstände gerichtet war.

Das Vanitas-Stillleben hingegen nutzte diese Gegenstände, die traditionell in einem Stillleben vorkommen, um eine ganz andere Idee zu betonen.

Das Vanitas-Stillleben sollte dem Betrachter eine wichtige und moralische Lektion erteilen, indem die Künstler gewöhnliche Eitelkeiten mit dem Tod des Menschen in Kontrast setzten. Damit sollte der Betrachter zunächst angesprochen werden, bevor er, nachdem er das Werk vollständig betrachtet und verstanden hat, seinen Umgang mit anderen und der Welt überdenkt.

Nature morte de chasse ou Attirail d’oiseleur („Jagdstillleben“ oder „Stillleben der Vogelausrüstung“, vor 1675) von Cornelis Norbertus Gysbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Charakteristika eines Vanitas-Gemäldes

Bei den Vanitas-Gemälden, die entstanden sind, haben sich bestimmte Merkmale herauskristallisiert, die eine Einordnung in das Genre ermöglichen. Im Mittelpunkt dieser Merkmale stehen die Themen und Motive, die in jedem Kunstwerk aufgegriffen wurden und die im Folgenden erläutert werden.

Themen

Die Themen, die in den entstandenen Vanitas-Gemälden vorkamen, hatten viel mit mittelalterlichen Totengedenken gemeinsam. Vor diesem Genre der Malerei schien diese Besessenheit von Tod und Verfall morbide. Nachdem sie sich jedoch mit dem lateinischen Ausdruck memento mori überschnitten hatte, wurden diese Themen in den Gemälden langsam indirekter und damit akzeptabel.

Mit der zunehmenden Beliebtheit des Stillleben-Genres stieg auch der Vanitas-Stil. Die Themen des Vanitas-Stils waren zwar immer noch schockierend und düster, aber sie wurden leichter verständlich, da sie nur dazu dienten, den Betrachter an die Vergänglichkeit des Lebens und der Freuden sowie an die faktische Gewissheit des Todes zu erinnern.

Zusätzlich zu seinen Grundprinzipien bot der Stil der Vanitas-Kunst eine moralische Rechtfertigung für das Malen attraktiver Objekte in makabren Umgebungen. Das lag daran, dass die Botschaft, die die Gemälde vermitteln sollten, viel wichtiger war als die eigentlichen Objekte selbst.

Blumen und winzige Kreaturen – Vanitas (zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts) von Abraham Mignon, wo, kaum sichtbar inmitten der lebendigen und gefährlichen Natur (Schlangen, giftige Pilze), ein einziges Vogelskelett ein Symbol für Eitelkeit und die Kürze des Lebens ist; Abraham Mignon, Public domain, via Wikimedia Commons

Motive

Es gibt mehrere Motive, die für das Vanitas-Genre grundlegend waren. Je nach geografischem Standort des Gemäldes, da verschiedene Regionen unterschiedliche Motive bevorzugten, legten die Künstlerinnen und Künstler Wert auf eine Vielzahl unterschiedlicher Motive.

In den Vanitas-Gemälden wurden zahlreiche Symbole dargestellt, wobei für jede Kategorie die gleiche Art von Motiven verwendet wurde. Zu den Motiven, die für die Darstellung von Reichtum verwendet wurden, gehörten Gold, Geldbörsen und Schmuck, während die Motive, die für die Darstellung von Wissen verwendet wurden, Bücher, Karten und Stifte beinhalteten.

Die Motive, die für die Darstellung von Vergnügen verwendet wurden, nahmen die Form von Speisen, Weinbechern und Stoffen an; und die Symbole für Tod und Verfall wurden typischerweise durch Totenköpfe, Kerzen, Rauch, Blumen, Uhren und Sanduhren dargestellt.

Symbolik in Vanitas-Gemälden

Das wichtigste Symbol, das in den zahlreichen Vanitas-Gemälden allgegenwärtig war, war das Bewusstsein über die Sterblichkeit des Menschen. Ganz gleich, welche anderen Objekte einbezogen wurden, der Bezug zur Sterblichkeit wurde immer deutlich gemacht. Am häufigsten wurde dies durch einen Totenkopf dargestellt, aber auch andere Objekte wie verwelkende Blumen, brennende Kerzen und Seifenblasen erzielten den gleichen Effekt.

Vanitas Stillleben mit Totenkopf, Notenblatt, Geige, Globus, Kerze, Sanduhr und Spielkarten, alles auf einem drapierten Tisch (1662) von Cornelis Norbertus Gijsbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Es gab auch Symbole, die sich auf das Konzept der Zeit bezogen und die typischerweise mit einer Uhr oder einer Sanduhr dargestellt wurden. Verwesende Blumen stehen zwar für den Tod, aber auch für das Vergehen der Zeit, so dass sie für beide Konzepte verwendet werden können. Doch das Konzept, das Vanitas-Gemälde neben der Sterblichkeit wohl am meisten hervorrufen, ist die harte Wahrheit.

In den Vanitas-Stillleben-Kunstwerken wurde die Hoffnungslosigkeit unseres weltlichen Strebens angesichts unserer sterblichen Existenz erforscht.

Berühmte Vanitas-Künstler und ihre Kunstwerke

Vanitas-Gemälde waren zunächst Stillleben, die auf die Rückseite von Porträts gemalt wurden, um die Dargestellten direkt und deutlich vor der Vergänglichkeit des Lebens und der Unausweichlichkeit des Todes zu warnen. Mit der Zeit entwickelten sich diese Warnungen zu einem eigenen Genre und wurden zu herausragenden Kunstwerken.

Zu Beginn der Bewegung schienen die Kunstwerke sehr düster und dunkel zu sein. Mit zunehmender Popularität der Bewegung hellten sich die Kunstwerke gegen Ende der Periode jedoch etwas auf. Eine Reihe von Künstlern wurde für ihre Vanitas-Kunstwerke bekannt, die als charakteristischer Kunststil der niederländischen Kunst gelten. In der folgenden Liste stellen wir einige der berühmtesten und einflussreichsten Kunstwerke aus der Vanitas-Periode vor.

Hans Holbein der Jüngere: Die Gesandten(1533)

Das Gemälde Die Botschafter des deutschen Hans Holbein des Jüngeren war ein wichtiger Vorläufer des Vanitas-Genres. In diesem Kunstwerk stellt Holbein den französischen Botschafter von England und den Bischof von Lavaur dar. Die beiden Männer lehnen an einem Regal, das mit Vanitas-Symbolen geschmückt ist.

Die Botschafter (1533) von Hans Holbein dem Jüngeren; Hans Holbein, Public domain, via Wikimedia Commons

Zu diesen Gegenständen gehören eine Sonnenuhr, ein Weltglobus, Bücher und Musikinstrumente. Wenn man diese Gegenstände im Zusammenhang mit den beiden Männern betrachtet, erfährt man, dass sie gebildet und weit gereist sind und die Freuden der Welt kennengelernt haben.

Diese Gegenstände sollen das Wissen symbolisieren, das sie besitzen und das im Vergleich zu dem permanenten Wissen, dass der Tod noch kommt, als vergänglich angesehen wurde.

Das auffälligste Vanitas-Symbol in diesem Gemälde ist der Schädel, der im Vordergrund platziert wurde. Dieser Schädel ist jedoch verzerrt, was bedeutet, dass man ihn nur aus einer bestimmten Perspektive genau sehen kann. Diese Verformung schafft ein großes Mysterium um die Idee des Todes in diesem Kunstwerk, da er aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden kann. Wenn man den Schädel richtig betrachten kann, erinnert er an die Sterblichkeit und den bevorstehenden Tod, aber wenn man ihn aus einem anderen Blickwinkel betrachtet, haben die Betrachter ihn oft übersehen und waren verwirrt, was er eigentlich ist.

Pieter Claesz: Vanitas-Stillleben mit Geige und Glaskugel(um 1628)

Einer der größten Maler des Goldenen Zeitalters der Niederlande war Pieter Claesz, der Vanitas Stillleben mit Geige und Glaskugel malte. Dieses Kunstwerk zeigt Claesz‘ künstlerische Meisterschaft, wenn es darum geht, verschiedene Vanitas-Motive darzustellen.

Vanitas-Stillleben mit Selbstbildnis (‚Vanitas-Stillleben mit Geige und Glaskugel‘, um 1628) von Pieter Claesz; Pieter Claesz, Public domain, via Wikimedia Commons

In diesem Kunstwerk wird das Auge des Betrachters durch das nachfolgend dargestellte Licht auf die verschiedenen Details gelenkt. Das umgestürzte Glas, das völlig leer ist, spiegelt ein Fenster wider und ist auch in der Reflexion der Glaskugel auf der gegenüberliegenden Seite des Gemäldes zu sehen. Es soll die Vergänglichkeit der weltlichen Freuden symbolisieren, was durch eine erloschene Kerze, eine Uhr und einen Totenkopf noch unterstrichen wird.

Obwohl die Objekte auf den ersten Blick willkürlich sind, wurden sie mit Bedacht ausgewählt, da sie die lateinische Redewendung memento mori repräsentieren und den Betrachter an den Tod erinnern sollen. Claesz war bekannt für die begrenzten Farben, die er in seinen Vanitas-Stillleben verwendete, und dieses Gemälde bildet da keine Ausnahme. Das gesamte Gemälde besteht aus Braun- und Grüntönen, mit Ausnahme des blauen Bandes, das die dunkle und düstere Stimmung des Kunstwerks noch verstärkt.

Antonio de Pereda: Allegorie der Eitelkeit(1632 – 1636)

Über den spanischen Künstler Antonio de Pereda, der eines der bekanntesten Vanitas-Stillleben malte, ist nur sehr wenig bekannt. Dieses Kunstwerk mit dem Titel Allegorie der Eitelkeit deutet auf elegante Weise das sinnlose Streben nach Macht an, wie der Engel zeigt, der von erlesenen Gütern umgeben ist. Neben ihr liegen Geld und feine Juwelen, doch der Engel scheint diesen Reichtum nicht zu bemerken. Es ist, als ob sie die versteckte Bedeutung, die das Gemälde zu vermitteln versucht, versteht, bevor die Betrachter/innen sie herausfinden können.

Allegorie der Eitelkeit (1632-1636) von Antonio de Pereda; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl die Unausweichlichkeit des Todes durch die Sanduhr, den Kerzenständer und den Schädel dargestellt wird, vermittelt dieses Gemälde dem Betrachter nicht direkt die Themen Morbidität und Verzweiflung. Das liegt möglicherweise daran, dass sich der Engel seiner Vergänglichkeit in der natürlichen Welt bewusst zu sein scheint, da er weiß, dass seine Präsenz im Jenseits ewig sein wird.

Die Sinnlosigkeit der Macht wird wiederum durch den Engel dargestellt, der eine Kamee hält, die den König von Spanien darstellt, während er auf die Weltkugel zeigt. Dieser Satz soll auf die Vergeblichkeit menschlicher Bemühungen hinweisen, wie z. B. die Strategie des Teilens und Eroberns, mit der die Menschen vor der Hoffnungslosigkeit all ihrer Handlungen gewarnt werden sollen, damit sie diese aufgeben.

Jan Miense Molenaer: Allegorie der Eitelkeit (1633)

Die Allegorie der Eitelkeit, gemalt von Jan Miense Molenaer, gilt als ein hervorragendes Beispiel für die Vanitas-Kunst. Das Kunstwerk zeigt drei Personen, bei denen es sich vermutlich um eine Frau, ihren Sohn und ihren Diener handelt. Das Gemälde enthält zahlreiche Symbole, die auf die Themen Luxus, Extravaganz und Zufriedenheit anspielen. Diese Ideen werden durch die Musikinstrumente, den Ring an ihrem Finger, die Karte, die im Hintergrund an der Wand hängt, und die Kleidung, die Mutter und Sohn tragen, dargestellt.

Allegorie der Eitelkeit (1633) von Jan Miense Molenaer; Jan Miense Molenaer, Public domain, via Wikimedia Commons

Trotz all dieser Opulenz wird ein Gefühl der Sinnlosigkeit und Bedeutungslosigkeit durch die Frau über ihre Beziehung zu ihrem Sohn gezeigt. Die Frau sitzt da und starrt ernst in die Ferne, während ihr Sohn versucht, ihre Aufmerksamkeit zu gewinnen. Dabei scheint sie einen Ring und einen Spiegel in der Hand zu halten, die als Symbole für ihre Eitelkeit gelten.

Es scheint, dass der Junge, so sehr er auch versucht, die Aufmerksamkeit seiner Mutter zu erlangen, sie nicht aus ihrer Versklavung durch die Sinnlosigkeit ihres Lebens befreien kann. Diese Sinnlosigkeit des Lebens wird durch den Schädel, auf dem sie ihre Füße ruhen lässt, noch deutlicher, denn er soll an den bevorstehenden Tod und Verfall erinnern.

Willem Claesz: Stillleben mit Austern(1635)

Der holländische Maler Willem Claesz war bekannt für seine innovativen Stillleben, die er während seiner gesamten Karriere ausschließlich malte. Im Stillleben mit Austern wird eine ungewöhnliche Variante der Vanitas-Malerei dargestellt. Der Grund dafür ist, dass keine scheinbar offensichtlichen Vanitas-Symbole und -Gegenstände enthalten sind. Stattdessen hat Claesz einfach Gegenstände des Reichtums abgebildet, wie Austern, Wein und eine silberne Tazza.

Stillleben mit Austern, einer silbernen Tazza und Glaswaren (1635) von Willem Claesz; Willem Claesz. Heda, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl diese Objekte für ihren Reichtum bekannt sind, scheinen sie in völliger Unordnung zu sein, denn das Geschirr ist umgestürzt und das Essen wurde vorzeitig verlassen. Ein subtiles Vanitas-Motiv wird durch eine geschälte Zitrone dargestellt, die die Bitterkeit im Inneren offenbart und als symbolische Darstellung der menschlichen Gier gilt. Außerdem scheinen die Austern leer zu sein, sowohl vom Essen als auch vom Leben, und das aufgerollte Stück Papier stammt von einem Kalender. Beide Objekte sollen das Vergehen der Zeit darstellen.

Die Farbpalette, die Claesz für dieses Gemälde gewählt hat, ist sowohl dunkel als auch begrenzt, was bei den meisten Vanitas-Gemälden dieser Zeit üblich war. Diese Farben wurden vor allem wegen ihrer grüblerischen Eigenschaften und ihrer Fähigkeit, eine düstere Stimmung zu erzeugen, gewählt. Die einzige Lichtquelle, die auf dem Bild zu sehen ist, soll den Betrachter an seinen eigenen bevorstehenden Tod erinnern.

Judith Leyster: The Last Drop (The Gay Cavalier) (1639)

Der letzte Tropfen, gemalt von Judith Leyster, bietet ein einzigartiges Beispiel für Vanitas-Gemälde in dieser Zeit. Zwei Männer, die aufgrund des Titels des Gemäldes als schwul angesehen werden, werden so dargestellt, dass sie sich ihren Freuden beim Trinken und Tanzen hingeben.

The Last Drop (The Gay Cavalier) (1639) von Judith Leyster; Philadelphia Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Hinter diesen Männern ist im Hintergrund ein Skelett abgebildet, das die Aufmerksamkeit der Betrachter/innen auf sich zieht. Das Skelett hält eine Sanduhr und einen Schädel in den Händen, was eine sehr makabre Szene erzeugt. Trotz des Tons, den das Skelett setzt, evoziert es zusammen mit den Gegenständen, die es hält, Ideen über die Vergänglichkeit und die Unausweichlichkeit des Sterbens.

Die Freude der Figuren im Kontrast zum Grauen des Skeletts vermittelt dem Betrachter eine starke Vanitas-Botschaft. Die Botschaft ist eine Aufforderung an die Menschen, die Momente des Lebens zu genießen, solange sie noch können, denn die Zeit vergeht so schnell und bevor sie sich versehen, ist der Tod da.

Harmen van Steenwyck: Stilles Leben: Eine Allegorie auf die Eitelkeiten des menschlichen Lebens (1640)

Der niederländische Maler Harmen van Steenwyck gehörte zu den führenden Künstlern des Vanitas-Genres und wurde zu einem der besten Stilllebenmaler seiner Zeit. Stillleben: Eine Allegorie der Eitelkeiten des menschlichen Lebens ist ein Paradebeispiel für Vanitas-Malerei, denn es war eigentlich ein religiöses Werk, das als Stillleben getarnt war.

Stillleben: Eine Allegorie der Eitelkeiten des menschlichen Lebens (um 1640) von Harmen van Steenwyck; Harmen Steenwijck, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Einbeziehung des Totenkopfes deutet an, dass es selbst für die reichsten Menschen keine Möglichkeit gibt, der Unausweichlichkeit des Todes und des himmlischen Gerichts zu entkommen. Der Chronometer, ein Zeitmesser, symbolisiert, dass das Verstreichen der Zeit uns dem Tod näher bringt. Ein weiteres interessantes Symbol ist die Muschel, die damals ein seltenes Sammlerstück war. Sie sollte den irdischen Reichtum und die Vergeblichkeit des Strebens nach diesem Reichtum symbolisieren, was auch durch den Stoff, die Bücher und die Instrumente deutlich wird.

Jedes der Objekte auf dem Gemälde wurde sorgfältig ausgewählt, um die Botschaft der Vanitas, die im Matthäus-Evangelium des Neuen Testaments zusammengefasst wurde, wirksam zu vermitteln. Die Botschaft besagt, dass die Betrachter sich davor hüten sollten, dem Reichtum, den materiellen Gegenständen und den Freuden des Lebens zu viel Bedeutung beizumessen, da diese Gegenstände zu Hindernissen auf dem Weg zum Heil werden könnten.

Joris van Son: Allegorie über das menschliche Leben(1658 – 1660)

Der flämische Künstler Joris van Son, der die Allegorie auf das menschliche Leben malte, behandelte das Vanitas-Thema in einem ästhetisch schönen Stil. Auf den ersten Blick wird man sofort von der Schönheit dieses Kunstwerks gefangen genommen, die durch die vielen Blumen und Früchte zum Ausdruck kommt. Die verwendeten Farben verleihen dem Gemälde Wärme und lassen die Rosen, Trauben, Kirschen und Pfirsiche noch exquisiter aussehen, als sie zu sein scheinen.

Allegorie auf das menschliche Leben (c. 1658-1660) von Joris van Son; Joris van Son, Public domain, via Wikimedia Commons

Bei genauerem Hinsehen sind im Hintergrund jedoch ein Totenkopf, eine Sanduhr und eine brennende Kerze zu erkennen. Diese Vanitas-Objekte wurden in der Mitte des Kunstwerks platziert und liegen nun untätig im Schatten des pulsierenden Kranzes der Vitalität und des Lebens.

Es entsteht ein großer Kontrast zwischen den sinnlichen Früchten, den blühenden Blumen und den dunklen und vagen Objekten, die Vergänglichkeit demonstrieren.

Zusätzlich zum dargestellten Verfall des Lebens scheinen die reifen Früchte und bunten Blumen kurz vor dem Platzen zu sein und laden den Betrachter ein, sie zu berühren, bevor sie unweigerlich verfallen. Die Einbeziehung von zwei Ideen, die sich um das zentrale Thema des Verfalls bilden, zeigt die spirituelle Bedeutung, die in diesem Gemälde steckt. Der Verfall bezieht sich zwar immer noch auf das menschliche Leben, aber er umrahmt und ergänzt auch die Vanitas-Objekte, bevor eines von ihnen ausstirbt. So wird die Kürze des menschlichen Lebens und die Fähigkeit des Menschen, sich über den Tod zu erheben, zu einem starken Thema.

Edwaert Collier: Vanitas – Stillleben mit Büchern und Manuskripten und einem Totenkopf (1663)

Der niederländische Maler des Goldenen Zeitalters Edwaert Collier war vor allem für seine Stillleben bekannt, wie sein beeindruckendes Kunstwerk mit dem Titel Vanitas – Stillleben mit Büchern und Manuskript und einem Schädel zeigt. Als Vanitas-Künstler war Collier erst 21 Jahre alt, als er dieses Werk malte, was sein großes künstlerisches Talent unterstreicht.

Vanitas – Stillleben mit Büchern und Manuskripten und einem Totenkopf (1663) von Edwaert Collier; Evert Collier, Public domain, via Wikimedia Commons

In diesem Gemälde kombinierte Collier viele klassische Vanitas-Symbole wie den Totenkopf in der Mitte des Kunstwerks, die offene Taschenuhr, Bücher, ein Musikinstrument, eine Brille und eine Sanduhr. Durch die Einbeziehung dieser Elemente vermittelte Collier die Botschaft, dass das Leben in all seinen glorreichen Aspekten im Grunde bedeutungslos ist, weil es vergänglich ist. Ähnlich wie der Sand in der Sanduhr zeigte Collier, dass Menschen, Musik und Worte irgendwann vergehen werden.

Nach der Betrachtung dieses Werks wird das Publikum ermutigt, das Jetzt zu ergreifen und das Leben so angenehm und genussvoll wie möglich zu leben, denn mit der Zeit wären keine Freuden mehr möglich. Colliers Vanitas-Stillleben ist eine Warnung vor der Eitelkeit der Welt und eine Ermahnung an die Betrachter, das Leben zu genießen, bevor es zu spät ist.

Pieter Boel: Allegorie der Eitelkeiten der Welt(1663)

Pieter Boel, ein weiterer wichtiger flämischer Vanitas-Künstler, spezialisierte sich während seiner gesamten Karriere auf üppige Stillleben. Seine Allegorie der Eitelkeiten der Welt gilt aufgrund ihrer Detailtreue und ihres ungewöhnlich großen Formats als Meisterwerk des Vanitas-Genres.

Allegorie der Eitelkeiten der Welt (1663) von Pieter Boel; Pieter Boel, Public domain, via Wikimedia Commons

Beim Betrachten des Werks fällt dem Auge des Betrachters sofort die barocke Pracht auf, die durch den umfangreichen symbolischen Inhalt dargestellt wird. Bei näherer Betrachtung scheint die von Boel dargestellte Pracht auf einem Sarkophag zu ruhen, der sich in einer langsam zerfallenden Kirche befindet. Mehrere Gegenstände, wie ein Brustpanzer und ein Köcher mit Pfeilen, deuten auf die Arroganz einer militärischen Niederlage hin.

Im Gegensatz zu diesen Gegenständen sind verschiedene intellektuelle Vanitas-Gegenstände abgebildet, darunter Bücher und Dokumente. Objekte des Reichtums werden auch durch die Bischofsmitra, die Tiara, den gekrönten Turban und das hermelinbesetzte Seidengewand dargestellt. Während diese Symbole des Reichtums politische und religiöse Macht implizieren, gibt es einen Widerspruch.

Je mehr man sich durch diese Objekte bewegt, desto mehr sind sie eine deutliche Erinnerung daran, dass der Tod alles besiegt, egal was passiert.

Das Erbe der Vanitas-Kunst

Gegen Ende des Goldenen Zeitalters in den Niederlanden begann das Genre der Vanitas-Kunst an Popularität zu verlieren. Das lag daran, dass der Sinn, für den die Vanitas stand, an Kraft verlor, und auch der Geist der religiösen kämpferischen Reform verlor an Kraft. Die Entwicklungen, die in dieser Zeit in der Stilllebenmalerei stattfanden, hatten jedoch einen großen Einfluss auf die nachfolgenden Künstlergenerationen.

Interessanterweise soll die Vanitas aus einem Widerspruch heraus entstanden sein. Durch den Akt des Malens und die anschließende Schaffung eines schönen Artefakts wurde eine Eitelkeit geschaffen, die den Betrachter vor den Gefahren anderer Eitelkeiten im Leben warnte. So blieb die Vanitas im 17^ten Jahrhundert eine bedeutende Kunstgattung, die das Denken der Menschen auf Ideen lenkte, die den Tod und den scheinbar wertlosen, aber überschwänglichen Akt des Lebens reflektierten.

Was in den Fußstapfen der Vanitas weiterging, war die Hinzufügung von ästhetischer Schönheit zu Kunstwerken. Nach dem Ende der Vanitas waren Stillleben erstaunlich schön in ihrer Darstellung, bis sie gegen Ende des 19^th Jahrhunderts einen weiteren Bedeutungswandel erfuhren. Dies war vor allem den Künstlern Paul Cézanne und Pablo Picasso zu verdanken, die begannen, mit den verschiedenen Ästhetiken zu experimentieren, die die Stilllebenkomposition zu bieten hatte.

Wenn man die verschiedenen Gemälde betrachtet, aus denen sich dieses Genre zusammensetzt, kann man sich leicht fragen: Was ist Vanitas? Im Kern ging es bei der Vanitas-Periode in der Kunst darum, Kunstwerke zu schaffen, die die Vergänglichkeit des Lebens und die Unvermeidbarkeit des Todes für die Betrachter/innen betonen. Die Botschaft der Vanitas-Gemälde lautete also, dass die Welt zwar apathisch gegenüber dem menschlichen Leben sein kann, man sich aber dennoch an seiner Schönheit erfreuen und darüber nachdenken kann, bevor der endgültige Verfall des Todes eintritt.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.