Nighthawks Edward Hopper – Kunstwerk unter der Lupe

Stell dir vor, du stehst an einer Straßenecke in der Stadt, spät in der Nacht. Du schaust durch das Fenster eines Diners und siehst vier Menschen darin. Vielleicht fühlst du dich weniger allein, weil du weißt, dass es da draußen noch andere Nachteulen gibt, oder in diesem Fall: Nachtschwärmer. Das ist der Titel des Gemäldes des amerikanischen Realisten Edward Hopper, das wir in diesem Artikel besprechen werden.

Wer war Edward Hopper?

Edward Hopper wurde 1882 in einer Stadt namens Nyack in New York in den Vereinigten Staaten geboren. Er war schon im Alter von fünf Jahren künstlerisch veranlagt. Als Teenager begann er mit dem Zeichnen von Skizzen und arbeitete mit verschiedenen Medien wie Ölfarben, Kohle, Tusche und Aquarellfarben. Er war Schüler an der New York School of Art and Design.

Zu seinen Kunstlehrern gehörte William Merritt Chase, der Hopper auch zu seinem früheren Kunststil inspirierte. Hopper ließ sich auch von den Stilen von Édouard Manet und Edgar Degas inspirieren, allesamt Vertreter der französischen Impressionismus-Kunstbewegung. Hopper heiratete 1924 Josephine Nivison, die einen großen Einfluss auf seine Arbeit und sein Leben hatte. 

Ein Porträt von Edward Hopper aus dem Jahr 1937; Harris & Ewing, photographer, Public domain, via Wikimedia Commons

Nighthawks von Edward Hopper im Kontext

Eines der bekanntesten und am häufigsten reproduzierten amerikanischen Ölgemälde der Moderne des 20. Jahrhunderts ist Nighthawks (1942) von Edward Hopper. Es wird oft als „zeitloses“ Gemälde bezeichnet und zeigt eine alltägliche – oder nächtliche – Szene mit vier Personen in einem Diner. Das ist etwas, mit dem sich fast jeder identifizieren kann, aber dieses Gemälde berührt tiefere Bedeutungen als die eines Diner-Tischs.

In diesem Artikel werden wir eine kurze kontextuelle Analyse vornehmen. Wir werden einige historische Zusammenhänge aufzeigen, wie dieses Werk Teil der amerikanischen Realismus-Bewegung ist und was Hopper dazu bewogen haben könnte, es zu malen.

Als Nächstes schauen wir uns eine formale Analyse und Hoppers künstlerischen Stil in diesem Gemälde an, zum Beispiel die Art und Weise, wie er Farben zur Darstellung von Hell und Dunkel einsetzt, seine Verwendung von Linien und natürlich das Thema – was sehen wir, wenn wir vier Menschen in einem Diner in New York City sitzen sehen? Im Folgenden gehen wir auf all dies und mehr ein. 

Kontextuelle Analyse: Ein kurzer sozio-historischer Überblick

Wenn wir uns das Jahr und den Ort ansehen, an dem Edward Hopper „Nighthawks“ gemalt hat, nämlich 1942 in Amerika, genauer gesagt in New York, wo der Künstler lebte, erhalten wir eine kontextbezogene Analyse über die Wirkung dieses Gemäldes. Behalte all diese Punkte im Hinterkopf, bevor wir uns dieses berühmte Diner-Gemälde ansehen.

Der Zweite Weltkrieg war 1942 in vollem Gange und es war auch das Jahr, in dem Japan Pearl Harbor bombardierte. Um Bombardierungen durch Flugzeuge zu verhindern, übten amerikanische Städte auch Verdunkelungsübungen, bei denen die meisten Lichter gedimmt oder ausgeschaltet wurden, um das Risiko zu minimieren, zur Zielscheibe zu werden.

Diese Zeit hatte zweifellos Auswirkungen auf alle Amerikaner und hinterließ bei ihnen ein Gefühl der Unsicherheit und Angst über ihr Leben und den Ausgang des Krieges.

Obwohl dies nicht der einzige Grund war, warum Edward Hopper Nighthawks malte, ist es ein wichtiger Aspekt, den man bei der Betrachtung seines Gemäldes im Hinterkopf behalten sollte, da es mit einem Gefühl von Ruhe, Dunkelheit und Unheimlichkeit dargestellt ist, das leicht mit der vorherrschenden Stimmung jener Zeit in Verbindung gebracht werden kann, die zweifelsohne eine Vorahnung war.

Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

New York in den 1940er Jahren war eine pulsierende Stadt voller Leben und Entwicklung. Das urbanisierte Stadtleben in New York war auch eine alltägliche Lebensweise mit Tausenden von Menschen, die in Wohnvierteln und Wohnblocks lebten und ihren Geschäften nachgingen. Wir können nicht anders, als uns zu fragen, wie das Leben der Menschen in den 1940er Jahren aussah – war es wie heute?

Wenn überhaupt, dann können wir abschätzen, dass das Leben in einer Großstadt wie New York seine Vor- und Nachteile hatte und immer noch hat, egal ob du allein bist oder nicht. Was war das Existenzielle für einen Einwohner New Yorks, vor allem für jemanden, der in einer Zeit der rasanten Modernisierung in Kultur und Technik lebte?

Ein bisschen mehr über Hopper

Hopper wurde in dem kleinen Dorf Nyack in New York geboren und wuchs dort auf. 1913 zog er nach Greenwich Village in New York City, wo er für den Rest seines Lebens blieb. Er arbeitete einen Großteil seiner Karriere in New York City als Illustrator und verkaufte sein erstes Gemälde mit dem Titel Sailing (1911) 1913 auf der Armory Show in New York; weitere Bilder verkaufte er erst Jahre später.

Er machte drei Reisen nach Europa, bevor er sich in Greenwich Village niederließ und langsam seine Karriere als Künstler entwickelte. Er besuchte Städte wie Paris und Amsterdam und erfuhr, wie die Kunst dort aussah.

Während seiner Zeit in Paris wurde Hopper vor allem von den Impressionisten beeinflusst, d.h. von Künstlern wie Édouard Manet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro und anderen, die Szenen des modernen Lebens in der Stadt malten. Hopper soll bei seinen Besuchen in Paris auch Straßenszenen gemalt haben, ein Stil, der „en plein air“ genannt wird, was „unter freiem Himmel“ bedeutet; er malte auch nach lebenden Modellen.

Hopper war auch von Rembrandt van Rijns Die Nachtwache (1642) im Rijksmuseum in Amsterdam beeindruckt. Hopper soll Folgendes über Rembrandts Gemälde Die Nachtwache gesagt haben: „[Es ist] das Wunderbarste, was ich von ihm gesehen habe, sein vergangener Glaube an seine Realität – es kommt fast einer Täuschung gleich“.

The Night Watch (1642) von Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

Hopper liebte seine Zeit in Paris und hielt sie für eine der schönsten Städte der Welt. Außerdem betrachtete er sich während seiner gesamten Karriere als Impressionist. Obwohl er in erster Linie als amerikanischer Realist eingestuft wurde, fühlte er sich auch zum realistischen Genre der Malerei hingezogen.

Hopper wurde auch von Charles Meryon beeinflusst, einem berühmten französischen Graveur, der für seine Radierungen von Paris im gotischen Stil bekannt war.

Hoppers Malprozess war offenbar sehr langsam und er brauchte viel Zeit, um das richtige Thema zu finden. Er soll auch gesagt haben, dass seine Malerei „kristallisierte“, als er 1915 mit der Druckgrafik begann. Seine Radierungen waren besonders geheimnisvoll in ihrer Stimmung. Ein gutes Beispiel dafür ist Night Shadows (1921), das eine Luftaufnahme einer einsamen Gestalt an einer Straßenecke in New York zeigt.

Nachtschatten Radierung von Edward Hopper, 1922; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieser schattenhafte Stil wurde in den 1940er Jahren auch vom Film Noir beeinflusst. Filme und Theater waren wichtige Bestandteile von Hoppers Leben und letztlich auch seines Kunststils. Er liebte es, Filme anzuschauen und Theater zu besuchen. Sein Lehrer von der Ashcan School, Robert Henri, motivierte ihn, dies zu tun, um das Leben und die Menschen um ihn herum zu beobachten.

Hopper soll gesagt haben: „Wenn ich keine Lust zum Malen habe, gehe ich eine Woche lang oder länger ins Kino. Ich habe einen regelrechten Filmrausch.  

Im Jahr 1923 trafen sich Hopper und Josephine Nivison wieder, die sich zuvor durch Robert Henri als Studenten kennengelernt hatten. Die beiden heirateten schließlich 1924 und blieben für den Rest ihres Lebens zusammen.

In den 1930er Jahren begann Hoppers künstlerische Karriere zu florieren. Er verkaufte etwa 30 Gemälde und 18 Aquarelle an bekannte Kunstmuseen wie das Metropolitan Museum of Art und das Whitney Museum of American Art. Das Museum of Modern Art stellte 1933 eine Retrospektive von Hoppers Werken aus, nachdem es 1930 sein Gemälde House by the Railroad (1925) in seine ständige Sammlung aufgenommen hatte.

House by the Railroad (1925) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Hopper erhielt in den 1930er Jahren bis in die 1960er Jahre hinein künstlerische Anerkennung und Beifall für die Jahre des Kampfes und der scheinbar ereignislosen künstlerischen Karriere.  Er schuf weiterhin Gemälde mit dem charakteristischen Thema einsamer Figuren inmitten verschiedener Stadtlandschaften, oft mit einer offenen Erzählung, die es uns, seinen Betrachtern, überlässt, den Ausgang seiner gemalten Figuren zu bestimmen.

Jo und Edward lebten einen „sparsamen“ Lebensstil und gaben ihr Geld für Kino- oder Theaterkarten aus und aßen in preiswerten Restaurants. Das Paar reiste auch an verschiedene Orte wie Neuengland, wo sie sich aufhielten und malten, darunter ihr Haus in South Truro in Massachusetts.

Das Paar war für seine schwierige Beziehung bekannt, aber dennoch war Jo Hoppers Vorbild für seine Gemälde und gab seiner künstlerischen Karriere in vielerlei Hinsicht Auftrieb. Hopper war auch als introvertiert bekannt und konnte mit den sozialen Aspekten des Lebens nicht gut umgehen. Er lebte sehr in sich gekehrt und war ein Liebhaber der Kunst in all ihren Formen, der Malerei, der Literatur und des Films.

Er war ein gewissenhafter Künstler und seine Gemälde wurden mit Jo vor ihrer Ausführung ausführlich geplant, ähnlich wie die sorgfältige Planung, die bei der Regie eines Films anfällt.

Formale Analyse: Ein kurzer kompositorischer Überblick

Im Folgenden werden wir Hoppers berühmtes Gemälde Nighthawks (1942) näher betrachten. Wir werden das Thema des Bildes und einige der Stilelemente untersuchen, die Hopper bei der Erstellung des Bildes verwendet hat, insbesondere den Einsatz von Licht und Perspektive.

Thema

Auf Hoppers Gemälde „Nighthawks“ sehen wir ein Diner mit vier Personen, das an einer Straßenecke zu stehen scheint. Es sind drei Männer und eine Frau, von denen Hopper und seine Frau Jo die Hauptmodelle waren. Um das Diner herum stehen weitere Wohnhäuser, die an eine Straße in New York City erinnern. Die Szene spielt sich in der Nacht ab, ohne dass es außer den vier Personen im Inneren ein anderes Lebenszeichen gibt.

Obwohl diese Szene sehr vereinfacht und einsam erscheint, gibt es detaillierte Requisiten und Hinweise, die uns eine mit Leben gefüllte Szene zeigen.

Beginnen wir mit dem Diner. Die einzige Tür, die wir sehen, ist die Innentür, die wie die Küchentür aussieht. Die Fenster bilden fast einen geschlossenen Rahmen für die vier Figuren im Inneren und lenken unsere Aufmerksamkeit auf sie. Außerdem ist der Imbiss die einzige Lichtquelle, die auch den Bürgersteig draußen beleuchtet und die Figuren im Inneren noch mehr hervorhebt.

Über dem Diner sehen wir eine Werbung oder möglicherweise den Namen des Diners, auf der steht: „Nur 5c Phillies“. Der Rest der Werbung ist durch die Komposition teilweise abgeschnitten, aber es scheint „America’s No 1 Cigar“ zu heißen. 

Ein Detail aus Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Die vier Nachtschwärmer

Im Inneren befinden sich vier Figuren, von denen drei um die hölzerne Theke herum sitzen, die den größten Teil des Raums einnimmt und fast dreieckig aussieht. Der Kellner, der eine weiße Uniform und einen Hut trägt, befindet sich im Inneren des Raumes, hinter dem Tresen. Er blickt mit halb geöffnetem Mund und einer Grimasse nach vorne und ist mit irgendetwas hinter dem Tresen beschäftigt.

Er ist die einzige der vier Figuren, die einen lebendigen Gesichtsausdruck hat.

Auf der anderen Seite des Tresens, gegenüber der Bedienung, sitzen zwei Personen nebeneinander. Von uns aus gesehen sitzt die Frau auf der rechten Seite und der Mann neben ihr (links von uns). Sie hat rötlich-braunes Haar, trägt eine rote Bluse und hält in ihrer rechten Hand (links von uns) ein Sandwich hoch. Der Mann neben ihr trägt einen stahlgrauen Hut, einen marineblauen Anzug und eine Krawatte, darunter ein hellblaues Hemd und eine Zigarette in der rechten Hand (unsere linke), die Hände ruhen auf der Arbeitsplatte.

Ein Detail der Figuren in Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl diese beiden Figuren eng nebeneinander sitzen, scheinen Welten zwischen ihnen zu liegen. Ihre linken Hände (unsere rechten) liegen beide auf der Arbeitsplatte und auf den ersten Blick scheint es, als würden sie sich berühren, aber wenn du genauer hinsiehst, gibt es keine Absicht, dass sich ihre Hände trotz der körperlichen Nähe berühren; beide scheinen tief in Gedanken versunken zu sein oder vielleicht nur ein allgemeines Unwohlsein?

Die andere Figur sitzt auf der anderen Seite des Tresens mit dem Rücken zu uns. Alles, was wir über diese Person wissen, ist, dass sie einen ähnlichen Hut wie der andere Mann und einen dunkelfarbigen Anzug trägt. In seiner rechten Hand hält er ein Glas und unter seinem linken Ellbogen scheint eine gefaltete Zeitung zu liegen. Er sitzt auf dem zweiten Barhocker von der Außenkante der Theke aus; entlang der Theke gibt es sieben Barhocker.

Die Requisiten

Das Diner scheint der Hauptfokus des Nighthawks-Gemäldes zu sein, aber ohne die Requisiten, die die vier Figuren umgeben, hätte es nicht die gleiche Wirkung. Wenn wir uns die Arbeitsplatte anschauen, sehen wir die akribische Liebe zum Detail bei den Kaffeetassen, Gläsern, Serviettenhaltern und Salz- und Pfefferstreuern.

Neben dem fünften Hocker der Theke steht ein weiteres Glas – wem gehört es?

Ein Detail der Requisiten in Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

In der Nähe der Küchentür ganz links im Diner, der einzigen Ecke, die wir sehen können, sehen wir auch zwei große silberne Kaffeekannen und wie viel Kaffee in jeder ist; die linke Kanne scheint fast leer zu sein und die rechte Kanne hat noch etwa ein Drittel Kaffee in sich.

Ein weiteres Detail der Requisiten in Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Umgebung außerhalb des Diners ist dunkler, die Innenräume unter und über dem Gebäude auf der anderen Straßenseite sind alle geschlossen, was darauf hindeutet, dass es kein Licht oder Leben gibt. Alles, was wir durch die Fenster im unteren Raum sehen, ist eine Registrierkasse auf einem Holztresen, was darauf hindeutet, dass es sich um einen Laden handelt. Im oberen Stockwerk sind die grünen Jalousien der vertikalen rechteckigen Fenster halb geschlossen.

Farbe und Licht

Edward Hopper verwendet Farbe, um das Umgebungslicht in dem Gemälde Nighthawks darzustellen. Wir sehen dies vor allem in dem fluoreszierenden Licht im Diner, das in den 1940er Jahren eine beliebte und neue Art von Lichtform war. Dieses Licht scheint wie ein Scheinwerfer auf die Hauptfiguren zu wirken, fast so, als ob es ein Licht auf einer Theaterbühne wäre, das die Hauptfiguren hervorhebt.

Die gelbe Decke macht das Licht noch ein wenig wärmer.

Wenn wir die Hauttöne der Figuren heranzoomen, sehen wir außerdem die Auswirkungen des Lichts, das ihnen ein „verwaschenes“ Aussehen verleiht. Das Licht fällt auf den Bürgersteig draußen und erhellt die Umgebung, aber je weiter wir in die Straße hineingehen, desto dunkler wird es, was auf eine größere Leblosigkeit rund um das Diner hindeutet.

Die Beleuchtung in Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Außerdem sehen wir keine andere Form von Licht als das Licht des Diners, das auch in den Laden auf der anderen Straßenseite und in einige der Fenster über ihm hineinreicht. Hopper hat das Licht realistisch dargestellt – so würden wir es auch sehen, wenn wir an einer dunklen Straßenecke stünden und in ein beleuchtetes Diner blickten.

Die Darstellung von Licht war eines von Hoppers Zielen und Leidenschaften. Dies zeigt sich nicht nur in der Art und Weise, wie er künstliches, von Menschenhand geschaffenes Licht darstellt, sondern auch in vielen seiner anderen Gemälde, die das Sonnenlicht zeigen. Dazu gehören Rooms by the Sea (1951), Morning Sun (1952) und Second Story Sunlight (1960), um nur einige zu nennen.

Man erinnert sich an seine Worte: „Ich schätze, ich bin nicht sehr menschlich. Alles, was ich wirklich tun möchte, ist, Licht an die Seite eines Hauses zu malen“. 

Second Story Sunlight (1960) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Blickwinkel 

Die Art und Weise, wie Hopper die Perspektive in seinem Gemälde Nighthawks einsetzt, ist äußerst interessant und künstlerisch klug. Er fertigte zahlreiche vorbereitende Skizzen an, nicht nur für die Figuren und Requisiten, sondern auch für die kompositorische Gestaltung und Perspektive. Wie bereits erwähnt, hat die Arbeitsplatte im Inneren des Diners die Form eines Dreiecks, was die Dreieckigkeit der Straßenecke widerspiegelt, an der sich das Diner befindet.

Das gesamte Diner wird außerdem aus der Perspektive eines unbekannten Betrachters betrachtet, bei dem es sich vermutlich um uns handelt; die Art und Weise, wie Hopper die Szene in Nighthawks darstellt, hat etwas Voyeuristisches. Darüber hinaus nutzt Hopper die Platzierung von horizontalen und vertikalen Linien, um einen Brennpunkt zu schaffen, nämlich das Diner.

Wenn wir das Restaurant auf der rechten Seite der Komposition betrachten, laufen die horizontalen Linien vom oberen und unteren Ende des Gebäudes zu einem Brennpunkt irgendwo in der Ferne links zusammen, den wir nicht sehen können.

Eine unbeantwortete Frage

Der Wert des Gemäldes „The Nighthawks“ betrug um 1942, als es an das Art Institute of Chicago verkauft wurde, 3000 Dollar. Berichten zufolge wurde es wenige Monate nach seiner Fertigstellung im Januar desselben Jahres verkauft. Hopper gab an, dass das Diner-Gemälde „von einem Restaurant in der Greenwich Avenue, wo sich zwei Straßen treffen, angeregt wurde“, aber dieses Diner ist als Standort weithin gesucht worden.

Darüber hinaus hat dieses berühmte Diner-Gemälde die moderne Popkultur inspiriert, sei es in Filmen, in der Literatur, in der Malerei oder in vielen anderen künstlerischen Bereichen. Zum Beispiel beliebte Fernsehserien wie Die Simpsons, CSI: Crime Scene Investigation, Joyce Carol Oates‘ Gedicht Edward Hopper’s Nighthawks, 1942, das Musikalbum Nighthawks at the Diner (1975) von Tom Waits und viele andere.

Edward Hopper’s Nighthawks (1942), housed at the Art Institute of Chicago; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Zu den wichtigsten Schlagwörtern rund um dieses Gemälde gehören Zeitlosigkeit und Einsamkeit, denn es zeigt uns die Realität des Lebens in einer Stadt, die vor Kultur und Menschen nur so strotzt, aber auf der anderen Seite auch das Gefühl der völligen Isolation in sich birgt. Hopper wollte ironischerweise nicht nur diesen Aspekt darstellen; er soll gesagt haben: „Wahrscheinlich habe ich unbewusst die Einsamkeit einer großen Stadt gemalt“. Das können wir glauben, denn er lebte in der Stadt und muss ähnliche Gefühle empfunden haben.

Hopper hat eine Szene dargestellt, die so leer ist, dass sie mit Potenzial gefüllt ist. Dieses Potenzial haben viele erforscht, indem sie herausgefunden haben, was die Szene bedeutet und Geschichten für die vier Figuren erfunden haben. Es gab viele Versuche, die unvermeidlichen Fragen zu beantworten, die dieses Bild begleiten, nämlich: Wer sind die Menschen auf diesem Bild, woher kommen sie und wohin gehen sie? Eine Frage, die Hopper unbeantwortet gelassen hat – eine Frage, die er uns zur Beantwortung überlassen hat.

Häufig gestellte Fragen

Warum heißt das Gemälde Nighthawks?

Nighthawks von Edward Hopper erhielt seinen Namen wegen der scharfen Form der Nase des Mannes, der neben der Frau sitzt. Seine Nase ähnelt dem Schnabel eines Vogels, und Jo Hopper (Edward Hoppers Frau) schlug vor, dass „Nighthawks“ ein guter Name für das Bild wäre.

Was ist das Nighthawks-Gemälde wert?

Der Wert des Gemäldes The Nighthawks betrug 1942, als es für den oben genannten Preis und nur wenige Monate nach seiner Fertigstellung an das Art Institute of Chicago verkauft wurde, 3000 Dollar. Der Wert dieses Gemäldes ist jedoch seit den 1940er Jahren zweifellos gestiegen. 

Basiert das Gemälde der Nighthawks auf einem echten Ort?

Ein weithin gesuchter Diner. Hopper gab an, dass das Diner-Gemälde „von einem Restaurant in der Greenwich Avenue, wo sich zwei Straßen treffen, angeregt wurde“. Es wird jedoch vermutet, dass dieses Diner auf verschiedenen Diners basierte. 

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.