Neue Sachlichkeit in der Kunst – Komplette Übersicht

Bekannt als Neue Sachlichkeit, war die Neue Sachlichkeit eine der größten Bewegungen des 20. Was beinhaltete die Bewegung und was sind die Merkmale der Kunst der Neuen Sachlichkeit? In diesem Artikel erörtern wir das Ziel der Bewegung und ihren Einfluss auf die Entwicklung der deutschen Malerei und des Postexpressionismus. Lies weiter, um mehr über diese sachliche Bewegung zu erfahren!

Eine Einführung in die Bewegung der Neuen Sachlichkeit

Unter den vielen Kritikern des Expressionismus im 20^th Jahrhundert war die Bewegung der Neuen Sachlichkeit vielleicht die einflussreichste, da sie sich für eine Rückkehr zu nicht-romantischen Darstellungsformen und die Abkehr vom Idealismus einsetzte. Vor dem Ersten Weltkrieg gehörte der Expressionismus zu den vorherrschenden Bewegungen der Zeit, was neben dem Futurismus dazu führte, dass sich viele Künstler für alles andere als Objektivität entschieden. In Deutschland war der Expressionismus in fast allen Bereichen der Kultur verankert, einschließlich Theater, Literatur, Architektur und Tanz.

Rotes Pferd (1932) von Ewald Schönberg; Ewald Schönberg (1882-1949), Public domain, via Wikimedia Commons

Was war also die deutsche Bewegung der Neuen Sachlichkeit? Die Bewegung war in Deutschland besser bekannt als die Neue Sachlichkeit. Andere Übersetzungen beschreiben die Bewegung als „Neue Nüchternheit“ oder „Neue Resignation“. Im Wort Sachlichkeit bedeutet „sache“ auf Englisch „fact“ oder „object“, während Sachlich auf Englisch „matter-of-fact“ oder „practical“ bedeutet. Die Bewegung selbst entstand in den 1920er Jahren und wurde von dem deutschen Historiker Gustav Friedrich Hartlaub gegründet, der auch Direktor der Kunsthalle Mannheim war.

1925 führte Hartlaub den Begriff ein, um die Werke von Künstlerinnen und Künstlern zu präsentieren, deren Werke ein neues Genre im Kunststil widerspiegelten, das als postexpressionistisch verstanden wurde. Zu dieser Gruppe gehörten Künstler wie Otto Dix, Jeanne Mammen und Christian Schad, die als Pioniere der Neuen Sachlichkeit galten. Diese Künstlergruppe lehnte die Grundlagen des Expressionismus ab, der auf der Selbstbezogenheit des Künstlers und seinen Gefühlen beruhte. Auch die Intellektuellen von Weimar riefen öffentlich dazu auf, die Ablehnung des Idealismus und der Romantik, die dem Expressionismus innewohnen, zu fördern.

Auch die Futuristen waren der Meinung, dass der Expressionismus den Künstlern dabei half, die gesellschaftlichen Sorgen und Ängste vor dem kommenden Krieg zu verbreiten, und ihnen gleichzeitig eine Plattform bot, um individuelle Identitäten zu schaffen und das Gefühl der Entfremdung in einer sich rasch modernisierenden Welt zu verdeutlichen.

In der Malerei wurde die Neue Sachlichkeit als eine Haltung verankert, die die Gesellschaft in Weimar widerspiegelte. Im Wesentlichen war die deutsche Neue Sachlichkeit ein kollektiver Wunsch, zu einer Weltanschauung zurückzukehren, die auf praktisches Engagement mit dem Rest der Welt ausgerichtet war, und eine ganz und gar unternehmerische Sichtweise anzunehmen, die in Deutschland als „amerikanischer“ Ansatz wahrgenommen wurde. Mit dem Ende der Weimarer Republik im Jahr 1933 ging auch die Bewegung zu Ende, denn es fiel mit dem Beginn der Naziherrschaft zusammen.

Nach Ansicht des Kunsthistorikers Dennis Crockett verfolgte die Neue Sachlichkeit eine tiefgreifendere politische Agenda als ihr Vorgänger, der Expressionismus. Die Bewegung betonte die harten Fakten der Zeit, die von Nützlichkeit, Funktionalität und beruflicher Gewissenhaftigkeit angetrieben wurden. Während viele Menschen die Bedeutung des Begriffs Neue Sachlichkeit mit der Übersetzung „Neue Resignation“ verwechseln, haben Wissenschaftler wie Crockett klargestellt, dass die Neue Sachlichkeit-Bewegung von linksgerichteten Intellektuellen vorangetrieben wurde, die sich an die Gesellschaftsordnung der Weimarer Republik anpassen wollten, auch wenn der Begriff im Sinne der Resignation aus der Zeit der großen sozialistischen Revolution verstanden wurde.

Kritikpunkte gegen den Expressionismus

Was das Wachstum der Bewegung der Neuen Sachlichkeit in Deutschland anspornte, waren die vielen aufkommenden Kritiken gegen die früheren expressionistischen Gruppen und ihr Mangel an echtem und effektivem Einfluss auf die treibende politische Wirkung. Die starke Kritik begann im Dadaismus, als sich die frühen Pioniere des Dadaismus in der Schweiz trafen, einem kriegsneutralen Land, wo die Dadaisten gemeinsam ihr Ziel verfolgten, Kunst zu schaffen, die als Werkzeug für kulturelle und moralische Proteste genutzt werden sollte. Die Dadaisten wollten ihre politische Frustration ausdrücken und die Gesellschaft zum Handeln anregen, was ihrer Meinung nach der Expressionismus nicht geschafft hatte.

Mein Selbst: Portrait – Landschaft (1890) von Henri Rousseau; Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine weitere einflussreiche Kritik am Expressionismus stammt von dem Dramatiker Bertolt Brecht, der die Bewegung für zu oberflächlich und beschränkt hielt. Er verwies häufig auf die Tatsache, dass es mehr Ideen gab, aber die Ideen waren nicht neu. Auch im Theater betonte er den Wunsch nach mehr Drama, aber die Bewegung hatte kein wirkliches Drama. Viele Kritiker der expressionistischen Bewegung galten als konservativ und sahen die Neue Sachlichkeit und die Rückkehr zur Ordnung gedeihen, nachdem die Auswirkungen des Krieges deutlich geworden waren.

In ganz Europa wurde der Neoklassizismus von vielen Modernisten, vor allem in Italien, vorangetrieben, die sich eine Rückkehr zur Ordnung wünschten und sich von der Abstraktion entfernten. Zwischen 1919 und 1922 hatten die meisten deutschen Künstler aufgrund der damaligen Reisebeschränkungen keine Kenntnis von den aufkommenden Trends in der französischen Kunst. Einer der bedeutendsten Einflüsse auf die deutsche Bewegung der Neuen Sachlichkeit war Henri Rousseau, der 1910 verstarb, dessen Vermächtnis aber noch Jahre später in der Kunst der Neuen Sachlichkeit zu spüren war. 

Publikationen wie Valori Plastici beeinflussten viele deutsche Künstler, die sich von der Zeitschrift und ihrer Ausstellung mit realistischen Fotografien und Gemälden italienischer Künstler inspirieren ließen.

Veristen und Klassizisten in der Kunst der Neuen Sachlichkeit

Gustav Friedrich Hartlaub verwendete erstmals den Begriff Neue Sachlichkeit, um eine Ausstellung mit Werken deutscher Künstlerinnen und Künstler vorzustellen, die dem Hype des Expressionismus folgten. Er charakterisierte die Bewegung auch als zwei Hauptströmungen, die als linker und rechter Flügel bekannt sind. Die Veristen galten als die linke Gruppe, die danach strebte, bestehende Erfahrungen mit ihrer ausgeprägten „fiebrigen Temperatur und ihrem Tempo“ darzustellen, während sie die objektiven Formen der zeitgenössischen Tatsachen hervorhob. Viele Veristen der Neuen Sachlichkeit nutzten den Realismus, um die Elemente des Lebens hervorzuheben, die schmutzig und unattraktiv waren.

Veristische Kunst galt als roh, stark satirisch und provokativ. Zwei der profundesten Veristen waren Otto Dix und George Grosz, die die Idee der Abkehr von bildlichen Konventionen mitentwickelten und den „satirischen Hyperrealismus“ vertraten. Zu den Beispielen für Werke, die den satirischen Hyperrealismus verkörpern, gehören die Fotomontagen von John Heartfield, dessen Collage-Kompositionen Kunst und Realität verschmelzen und die Vorstellung implizieren, dass der Akt der Aufzeichnung von Tatsachen über den oberflächlichen Anschein hinausgeht. Die Klassizisten bezogen sich auf die rechtsgerichteten Künstler, die versuchten, „die äußeren Gesetze der Existenz“ in der Kunst zu verkörpern. Künstler, die im Magischen Realismus arbeiteten, wurden als Klassizisten verstanden und waren am besten in den Werken von Künstlern wie Franz Roh zu erkennen. Der von Roh eingeführte Begriff „Magischer Realismus“ sollte die gesamte Neue Sachlichkeit zusammenfassen und die Magie der realen Welt durch phantastische und seltsame Darstellungen der Realität darstellen.

Berühmte Künstler der Neuen Sachlichkeit und ihre Kunstwerke

Die Satire wurde als Mittel eingesetzt, um die „Hinter-den-Kulissen“-Welten der Realität darzustellen, wobei auch die Ästhetik des Cartoons für satirische Szenen genutzt wurde. Auch in der Porträtmalerei wurden bestimmte Merkmale von Personen oder Gegenständen hervorgehoben, die als charakteristisch für den Dargestellten angesehen wurden. Bildsprachen mit klinischer Präzision in der Malerei tauchten in den Werken von Künstlern wie Christian Schad auf, der die Realität auf eine Art und Weise darstellte, die auf eine empirische Distanz zum Gegenstand und eine gründliche Kenntnis desselben hindeutete. Seine Werke wurden als Ausdruck einer scharfen künstlerischen Wahrnehmung beschrieben, die „unter die Haut gehen“ konnte und Elemente unbewusster Realitäten und psychologischer Spannungen einbrachte. 

Im Folgenden werden wir einige dieser Schlüsselkünstler der Neuen Sachlichkeit sowie Beispiele ihrer Arbeiten untersuchen, die dir helfen werden, die visuelle Sprache der Bewegung zu verstehen.

Max Beckmann (1884 – 1950)

Max Beckmann war einer der berühmtesten Künstler der Neuen Sachlichkeit, dessen ausdrucksstarke Bilder des modernen Lebens die Bildsprache der Bewegung prägten. Beckmann war in seiner frühen Karriere eng mit dem Expressionismus und dem Akademismus verbunden und widmete sich später der Neuen Sachlichkeit. In der Zwischenkriegszeit war er vor allem für seine „vernichtende“ Bildkritik bekannt. Während des Ersten Weltkriegs diente Beckmann als Sanitätsoffizier und erlebte die Auswirkungen des Krieges aus erster Hand, was sich später auf seinen künstlerischen Stil auswirkte.

Max Beckmann (1928) von Hugo Erfurth; Hugo Erfurth, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Kunst nahm einen ausdrucksstärkeren Ansatz an, der seine kritische Auseinandersetzung mit der „Magie der Realität“ in der Malerei widerspiegelte. Er lehnte die Abstraktion ab und verstand es, vielschichtige, erzählende Gemälde zu schaffen, in denen er seine Meisterschaft im Umgang mit Schatten und Farben unter Beweis stellte. Beckmann griff auch auf Bilder aus der Realität zurück, die er mit Allegorien kombinierte, um sein einzigartiges Verständnis seines Kontextes zu vermitteln.&nbsp

Er schuf mehr als 85 Selbstporträts, die sein Streben nach Selbsterkenntnis und seinen Wunsch nach Autonomie widerspiegeln.

Abschied (1932 – 1935)

Abreise ist eines der bekanntesten Werke Beckmanns aus der Neuen Sachlichkeit, das vor der Machtergreifung der Nazidiktatur und kurz nach der Absetzung des Künstlers von seiner Stelle als Lehrer in Frankfurt entstand. In vielen seiner Vorträge beteuerte er öffentlich, dass er unpolitisch sei, aber seine Angst vor der kommenden Zukunft war in vielen seiner Werke zu spüren, die die Angst und den Stress durch die Grausamkeiten der Nazi-Zeit zum Ausdruck bringen. Abreise ist Beckmanns erstes Triptychon, das einige Schlüsselmomente in einer größeren Erzählung hervorhebt, um die Aufmerksamkeit auf das Thema des Durchhaltens zu lenken.

Abreise (1932 – 1935) von Max Beckmann; Max Beckmann, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Auf der linken Tafel zeigt Beckmann eine Folterszene mit mehreren Figuren, deren Hände gefesselt sind und die offenbar zu Gewalttaten gezwungen werden. Die Seitentafeln auf beiden Seiten zeigen die Vision des Künstlers von der Brutalität und Gewalt, die Menschen anderen Menschen antun, und werfen ein düsteres Bild auf die Menschlichkeit, oder besser gesagt, auf deren Fehlen. Die mittlere Tafel zeigt eine Frau, die an einen Mann gefesselt ist, der kopfüber hängt. Diese Szene stellt die Möglichkeit der Erlösung durch eine Familie in einem Holzboot dar, das auf das Meer hinausfährt.

Ein Fischerkönig ist zu sehen, der seinen Segen über die Szene wirft, während das Geheimnis der Welt durch die bedrohliche Figur eines vermummten Mannes dargestellt wird, der einen Fisch hält.

Die Frau oder Königin hält ein kleines Kind, das dem Betrachter zugewandt ist und neben ihrem König steht. Gemeinsam verkörpert die Familie die Freiheit, wobei das Kind die Freiheit als größten Schatz und Neuanfang symbolisiert. Beckmanns Gemälde war somit eine destillierte Version des kulturellen Kontextes in Europa, die sich von der Dunkelheit des Alltags in eine Botschaft des Lichts und der Hoffnung im Angesicht der politischen Bedrängnis verwandelte.

Otto Dix (1891 – 1969)

Ein weiterer berühmter Vertreter der Neuen Sachlichkeit war Otto Dix, ein renommierter Maler und Grafiker, der in seinen Werken die Unruhen und Ängste der deutschen Geschichte festhielt. Dix erlebte sowohl den Ersten als auch den Zweiten Weltkrieg, was ihm viel Stoff für seine Auseinandersetzung mit dem düsteren gesellschaftlichen Klima in Europa bot. Nach dem Ersten Weltkrieg erforschte Dix in seinen Werken das Groteske durch soziale Satire und übertriebene Formen, die den Stil der Neuen Sachlichkeit und die Ideale der Künstler der Weimarer Republik widerspiegelten.

Otto Dix mit einem Pinsel (1929) von Hugo Erfurth; Hugo Erfurth, Public domain, via Wikimedia Commons

Von Bildern kriegsgeschädigter Soldaten bis hin zu entstellten Gesichtern betonte Dix die Schrecken von Konflikten und Gewalt, die eine neue Dimension in der Kunst darstellten, die vor dem Krieg nicht so eingehend erforscht worden war. Die Dimension, auf die er sich bezog, war die „Hässlichkeit“ der Menschheit und die kranken Teile der Gesellschaft, die sich hinter einem falschen Nationalismus verbergen. Dix war auch ein geschickter Porträtist, selbst in der Zeit, als die Fotografie die Dokumentation der Kriegszeit dominierte. Dix malte viele Kunstmäzene aus Deutschland, darunter Mitglieder der böhmischen Gesellschaft und Kunstschaffende. 

Dix‘ Kunst wurde auch mit dem deutschen Expressionismus in Verbindung gebracht, der durch seine Erfahrungen als Artillerist im Ersten Weltkrieg inspiriert wurde, wo er die ‚sinnlose Gewalt‘ und das Blutvergießen des Krieges aus erster Hand miterlebte, was er in seinen Gemälden und Druckwerken umsetzte.

Metropolis (1927 – 1928)

Als klassisches Werk der Weimarer Republik malte Otto Dix diese Abendszenen-Erzählung auf drei Tafeln, die den Höhepunkt der „Goldenen Zwanziger“ in Deutschland illustrieren. Das Nachtleben der Weimarer Republik wurde durch die Darstellung luxuriöser Elemente veranschaulicht, wie z. B. die Musiker, die eine feierliche Atmosphäre schaffen, und die verzierte Tribüne in einer Tanzbar auf der mittleren Tafel. Die Frauen auf dem Gemälde tragen außerdem Kleider mit Mustern, die an mittelalterliche Designs erinnern, und sind mit Schmuck geschmückt.

Die Tafeln wurden durch ein Paar, das in der Mitte Shimmy tanzt, und die Spiegelungen ihrer Körper im Parkett zusammenhängend gestaltet. Der Hintergrund des Werks ist in einem dunklen Rotton gehalten, während die linke Seite mehrere Prostituierte zeigt, die am Eingang der Bar stehen. Auch zwei Männer sind zu sehen, einer von ihnen ist ein behinderter Kriegsveteran. Interessanterweise ist die Architektur auf der rechten Seite verzerrt und die Themen Sexualität, Dekadenz und Modernität sind in der gesamten Komposition verankert.

Die Kritik an dem Gemälde wurde mit gemischten Gefühlen aufgenommen, wobei die härtere Kritik von volkstümlichen Kritikern wie Bettina Feistel-Rohmeder und Richard Müller kam.

Es wird vermutet, dass Dix von mehreren Kunstwerken aus dem Mittelalter und der Renaissance inspiriert wurde, die direkte Bezüge zu Mitgliedern des sächsischen Kunstbetriebs aufweisen. Metropolis wurde als Teil einer dreiteiligen Ausstellungsreihe zum 100^th Jubiläum des Sächsischen Kunstvereins ausgestellt. Die Frau, die in der Mitte tanzt, wurde auch als Dix‘ Frau Martha Dix identifiziert, während man vermutet, dass ihr Partner die idealisierte Version des Künstlers selbst ist.

George Grosz (1893 – 1959)

George Grosz gehörte zu den drei berühmtesten Künstlern der Neuen Sachlichkeit des 20^th Jahrhunderts, die neben Max Beckmann und Otto Dix die Bewegung prägten. Grosz war auch Teil des Berliner Dada-Kollektivs und erlebte die Gräueltaten des Krieges als Soldat aus erster Hand. Die Arbeit des deutschen Künstlers drehte sich um Sozialkritik und er investierte in satirische Illustrationen, um linke pazifistische Aktivitäten zu unterstützen.

George Grosz, Berlin, (1930); AnonymousUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Grosz spezialisierte sich während der Weimarer Zeit auf Malerei und Zeichnung, um den „Verfall der deutschen Gesellschaft“ zu kritisieren. Der Künstler zog nach Amerika, um der Verfolgung durch die Nazis zu entgehen und Kunst zu lehren, da seine Arbeit in der Heimat als „entartet“ galt. Nachdem er seinen Glauben an die Menschheit verloren hatte, verlagerte sich Grosz‘ Kunststil von der Propaganda- und Karikaturkunst zu romantischen Szenen. 

Heute werden seine Werke als ikonische Symbole der deutschen Revolution gefeiert, die die Öffentlichkeit gegen die Unterdrückungssysteme der Regierung aufrüttelten.

Maul Halten Und Weiter Dienen (1927)

Maul Halten Und Weiter Dienen ist ein berühmter Druck von George Grosz, der auch als „Shut Up and Keep on Serving“ bekannt ist. Die Direktheit des Titels richtete sich gegen die Bourgeoisie, die wieder einmal den Krieg förderte, während sie behauptete, den Frieden zu unterstützen, was Grosz als eklatante Heuchelei kritisierte. Die Illustration brachte Grosz auch Ärger mit dem Gesetz ein und er musste sich zusammen mit seinem Verleger wegen Gotteslästerung vor Gericht verantworten. Das Bild wurde für Grosz‘ Bühnenbildentwürfe für die Produktion Die Abenteuer des braven Soldaten Schwejk aus dem Jahr 1928 geschaffen.

Die Illustration wurde in einer Mappenpublikation mit dem Titel Hintergrund (1928) veröffentlicht, die am Tag der Premiere des Stücks erschien. Grosz verwendete eine Drucktechnik namens Fotogravüre, die eine kostengünstige Methode zur Reproduktion von Bildern war. Die Zeichnung prangert den Eintritt Deutschlands in den Zweiten Weltkrieg direkt an und verwendet religiöse Symbole, um Wut hervorzurufen. 

Seine Verwendung der religiösen Ikone Christus wurde als Mittel zur sozialen Beurteilung und Kritik eingesetzt, was die traditionelle Verwendung religiöser Figuren in der europäischen Kunst umkehrte.

Christian Schad (1894 – 1982)

Der berühmte deutsche Fotograf und Maler der Neuen Sachlichkeit, Christian Schad, war einer der einflussreichsten und innovativsten Künstler der 1920er Jahre. Schad erfand sogar seinen eigenen Ansatz für Schattenbilder und Fotogramme, die heute als Schadografien bekannt sind. Schads Werke sind in vielen weltweit bekannten Institutionen zu sehen, darunter die Neue Nationalgalerie und das Museum of Modern Art. Seine Kunstkarriere umfasst eine Vielzahl von Medien in glatten und realistischen Stilen, darunter seine kubistisch und futuristisch inspirierten Werke der 1920er Jahre, die von den Gemälden Raffaels inspiriert waren.

Christian Schad (1912) von Franz Grainer; Franz Grainer (1871-1948), Public domain, via Wikimedia Commons

Schad floh 1915 nach einer selbst zugefügten Verletzung aus Deutschland, um seinem Dienst im Ersten Weltkrieg zu entgehen. Später gründete er Sirius zusammen mit seinem Mitbewohner Walter Serner, mit dem er in Zürich lebte. 1919 veröffentlichte er seine Schadographien auf frühen Fotogrammen und wanderte 1927 nach Wien aus. Hier spiegelten seine Bilder den Stil der Neuen Sachlichkeit wider und ab 1930 beschäftigte er sich mit der östlichen Philosophie. Nach dem Börsenkrach von 1929 ging seine Kunstproduktion stark zurück, doch im Vergleich zu anderen Künstlern der Neuen Sachlichkeit wurden seine Werke von den Nazis nicht so stark verurteilt. Forscher haben auch aufgedeckt, dass Schad 1933 mit einem Nazi Pläne schmiedete, um in die Nationalsozialistische Deutsche Arbeiterpartei einzutreten. 

In seinen Werken der 1950er Jahre beschäftigte er sich später mit dem Magischen Realismus und experimentierte in den 60er Jahren weiter mit Fotogrammen.

Operation (1929)

Die Operation von Christian Schad ist eines der unheimlichsten Gemälde des Magischen Realismus der Neuen Sachlichkeit. Es zeigt eine Operation im Stil eines Gemäldes aus dem 17^ten Jahrhundert. Die Komposition zeigt einen Patienten, der auf einem Tisch liegt und von vielen medizinischen Fachkräften umgeben ist, die mit verschiedenen medizinischen Instrumenten an seinem Rumpf operieren.

Das Fehlen von Blut in dem Bild stört die Szene und Schad hat nur eine leichte Rötung an einem unbekannten Organ im Rumpf des Patienten eingefügt. Die Stille der Szene ist unheimlich und hat eine verstörende Wirkung auf die gesamte Szene. Ein weiteres beunruhigendes Merkmal des Gemäldes ist, dass man das eine Auge des Patienten leicht geöffnet sieht, während die Frau oben ihre Hand auf seinem Kopf ruht. Es wird vermutet, dass sie eine spirituelle Rolle spielt, da ihre Figur einen Heiligenschein aus sanften weißen, blauen und pinken Tönen auszustrahlen scheint.&nbsp

Auch wenn Schad nicht die bekannteste und bekannteste Figur der 1920er Jahre war, wurde sein Werk später von vielen für seine alternativen Ansätze zur Fotogrammtechnik und seinen Beitrag zur Malerei der Neuen Sachlichkeit geschätzt.

Ein Überblick über die Merkmale der Neuen Sachlichkeit

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Merkmale der Kunst der Neuen Sachlichkeit auf der Kritik an der Kunst und der Einstellung zu den sie umgebenden Ereignissen beruhen. Die Kunst, die der Neuen Sachlichkeit zugerechnet wird, zeichnet sich durch schrille Farben und verzerrte Formen aus. Diese Kunst beinhaltete auch Ideen von Dekadenz, Ornamentik und komplexen Erzählungen, die den chaotischen Kontext des sozialen und politischen Lebens in der Weimarer Republik widerspiegelten.

Actors (1942) von Max Beckmann; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons

Mit einigen der Abstraktion entlehnten Elementen betonte die Kunst dieser Bewegung auch die Erfahrungen derjenigen, die vom Krieg profitierten, sowie derjenigen, die verachtet wurden, wie Prostituierte und Bettler. Die Kunstwerke der Neuen Sachlichkeit behandeln auch Themen wie sexuelle Befreiung, Entfremdung, Modernität und andere Realitäten der aufkommenden Ära der Metropole. Ein wichtiger Punkt, an den man sich erinnern sollte, ist, dass sich die Neue Sachlichkeit von einer Bewegung wie Dada unterschied, da sie versuchte, die Realität der Zeit zu erfassen, während der Dadaismus sich darauf konzentrierte, die Idee der Realität selbst in Frage zu stellen. Im Wesentlichen war die Kunst der Neuen Sachlichkeit stark mit dem Zynismus der Nachkriegszeit verbunden, in der viele Künstlerinnen und Künstler satirische Themen und den Realismus als Mittel zur Vermittlung ihrer Ideen nutzten.

Diese berühmten Künstler und Kunstwerke der Neuen Sachlichkeit geben uns einen Einblick in die goldenen Zwanziger der Weimarer Republik und in die Sorgen derer, die die Auswirkungen der Weltkriege hautnah miterlebt haben. Beim Studium dieser berühmten Werke und der Kunststile der Neuen Sachlichkeit kann man neue nützliche Techniken entdecken, um sich Themen der sozialen und politischen Kritik zu nähern, die sich auf die heutige Realität beziehen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.