Liebe in der Kunst – Berühmte Kunstwerke die du kennen musst

Liebe gehört zu den Gefühlen, die in den meisten Menschen die Muse wecken. Daher ist es nicht verwunderlich, dass es so viele Beispiele für die Liebe in der Kunst gibt. Gemälde über die Liebe versuchen, die Essenz dieses Gefühls einzufangen, das gleichzeitig eine sehr persönliche und universelle Erfahrung ist. Künstlerinnen und Künstler haben sich im Laufe der Jahrhunderte dazu inspirieren lassen, Gemälde über die Liebe zu schaffen, die anderen Menschen dieses Gefühl vermitteln. Lass uns die berühmtesten Liebesgemälde erkunden, die dieses oft flüchtige Gefühl erfolgreich eingefangen haben!

Erkundung der berühmtesten Liebesgemälde

Kunst über die Liebe ist überall zu finden, denn sie ist ein Thema, das viele Menschen anspricht, egal ob sie auf der Suche nach der Liebe sind, verliebt sind oder sich nach einer vergangenen Liebe sehnen. Es gibt jedoch bestimmte Bilder der Liebe, die in der Populärkultur so einflussreich geworden sind, dass sie es verdienen, näher untersucht und gewürdigt zu werden. Heute wollen wir uns mit den schönsten Beispielen der Liebe in der Kunst beschäftigen und herausfinden, warum diese Werke so berühmt geworden sind.

Indem wir mehr über den Künstler und die Umstände hinter diesen Gemälden über die Liebe herausfinden, werden wir ihren Wert und Einfluss besser verstehen.

Die Geißblattlaube (um 1609) von Peter Paul Rubens

Die Geißblattlaube ist ein Kunstwerk voller Ehesymbolik, das Rubens und Isabella Brant, seine erste Frau, darstellt. Die Komposition, die exquisiten Details und die Farbwahl in diesem Kunstwerk zeigen deutlich, dass Rubens der herausragende Künstler des flämischen Barocks war. Das Liebespaar sitzt in einer Geißblattlaube, die von einem Garten umgeben ist. Beides sind traditionelle Darstellungen der Liebe und tauchen oft in romantischen Kunstwerken auf.

Ein weiteres Zeichen der Einheit und der Ehe ist, dass die Liebenden die rechte Hand des anderen halten. Der Künstler hat sich selbst so dargestellt, dass er sich an den Griff seines Schwertes lehnt, um seinen Rang als Gentleman anzuzeigen. 

Das Öl auf Leinwand Gemälde ist jetzt in der Münchner Pinakothek in München ausgestellt. Im Laufe der Jahrhunderte hat die Geißblattpflanze verschiedene Bedeutungen angenommen. Die Bedeutung, die bis heute mit der Blume verbunden ist, begann im Mittelalter. Die Geißblattpflanze stand für langanhaltende Freude, aber auch für Ausdauer und Widerstandsfähigkeit. Zu Rubens‘ Lebzeiten wurde dies zu einem gängigen Symbol in Kunstwerken. Zu der Zeit, als das Kunstwerk gemalt wurde, war der Garten der Liebe ein bekanntes literarisches Symbol und Konzept.

The Honeysuckle Bower (c. 1609) von Peter Paul Rubens; Peter Paul Rubens, Public domain, via Wikimedia Commons

Die erste Inspiration könnte von den Paradiessymbolen in den Klostergärten des Mittelalters gekommen sein. Ein weiterer Faktor, der dies beeinflusst haben könnte, war Roman de la Rose, zusätzlich zu der Bedeutung des Gartens in der aristokratischen Gesellschaft. In diesen Szenen werden Frauen als Objekte der Anbetung durch ihre Verehrer dargestellt, und der Garten ist erfüllt von Vergnügen und Musik. Die Posen der beiden Figuren sind entspannter und bescheidener im Vergleich zu den edlen Kleidern, die sie tragen.

Die Judenbraut (1665) von Rembrandt van Rijn

Im frühen 19. Jahrhundert beschrieb ein niederländischer Kunsthändler das Thema des Gemäldes als einen jüdischen Vater, der seiner Tochter an ihrem Hochzeitstag Schmuck schenkt. Während die Namen der beiden Personen heute unbekannt sind, gehen die meisten Kunsthistoriker davon aus, dass es sich tatsächlich um Rebekka und Isaak aus dem Alten Testament handelt. Natürlich handelt es sich bei dem Bild nicht um eine genaue Darstellung einer jüdischen Braut aus der Bibel, sondern vielmehr um eine schöne, exotische Darstellung einer kulturellen Zeremonie, die außerhalb der Erfahrung einer überwiegend christlichen Lebensweise lag.

Ob Rembrandt es nun als einfaches biblisches Kunstwerk gemeint hat oder nicht, es steht außer Frage, dass er damit eine intime Interaktion zwischen seinen beiden Figuren zum Ausdruck bringen wollte.

Im Einklang mit der zeitgenössischen Ästhetik der protestantischen Reformationskunst legt der Mann seine Hand auf ihren Busen, und sie wehrt sich instinktiv, um ihre Scham zu verteidigen. Trotzdem zeigen beide Zeichen der Zuneigung füreinander, so dass diese Szene weit von einer gewöhnlichen Verführungsszene entfernt ist.

Die jüdische Braut (1665) von Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Figuren sind groß, aber flach, wie so oft in seiner späteren Periode, und bieten eine Leinwand für viele sich überlagernde Pinselstriche in Scharlachrot und Gold, wobei die Intensität der Farben zu- oder abnimmt, je nachdem, wie sie aus dem oder ins Licht treten. Trotz der Leidenschaft und Zuneigung ist dieses Bild nicht ganz angenehm. Vielleicht liegt es daran, dass Rembrandt selbst in seinem Leben und bei seiner Arbeit unter physischem Zwang stand. Isaac scheint niedrige Erwartungen zu haben, als ob er nicht wüsste, was die Zukunft bringt, während Rebecca nachdenklich, ja fast besorgt wirkt.

Liebespaar im Schnee (Krähe und Reiher) (1772) von Suzuki Harunobo

Dieses Liebesbild ist das romantischste und bedrückendste unter den Darstellungen von Liebenden in Ukiyo-e. Der Künstler hat die enge Bindung des Liebespaares, das durch den Schnee wandert, wirkungsvoll dargestellt und sogar einen michiyuki, einen Weg zum romantischen Selbstmord, angedeutet. In der so genannten ai ai gasa-Haltung, die wörtlich übersetzt „die gemeinsame Nutzung eines Regenschirms und die Liebe“ bedeutet, schlendert das Paar nebeneinander her, während der Schnee sanft fällt.

Der Schöpfer des mehrfarbigen Drucks, Harunobu, der auch als Nishiki-e bekannt ist, zeigt seine Beherrschung der Farbe, indem er die Gewänder des Paares in gepaartem Weiß und Schwarz darstellt, die als „Krähe und Reiher“ bezeichnet werden.“

Liebespaar im Schnee (Krähe und Reiher) (1772) von Suzuki Harunobo; Suzuki Harunobu, CC0, via Wikimedia Commons

Er verziert die inneren Gewänder und den Obi der beiden Figuren mit komplizierten polychromen Motiven, die im Kontrast zu den Grundfarben stehen. Die Motive des Kimonos und der Kapuze der Frau sowie die zarte, flockige Textur des Schnees werden durch Prägungen hervorgehoben. Bei diesem Druck handelt es sich um eine frühe Version des Motivs, die später entweder zu Lebzeiten Harunobus oder kurz danach mit geringfügigen Änderungen neu graviert wurde.

Der Riegel (1777) von Jean-Honoré Fragonard

Im Rokoko entwickelte sich der Malstil zu einem extravaganteren und energischeren Stil mit geschwungenen Linien, floralen Mustern und Pastelltönen. Die neuen Stile und Themen in der Malerei spiegelten die libertäre Mentalität des 18. Jahrhunderts wider, die sich auf die Freuden des Körpers und den Hedonismus konzentrierte. Der Künstler Jean-Honoré Fragonard war einer der prominentesten Vertreter dieser Richtung.

Das Kunstwerk stellt einen entscheidenden Moment in einer romantischen Beziehung dar. Es zeigt ein Paar in einer Art ekstatischer Trance, wobei der Mann die Schlafzimmertür verschließt.

Der Riegel (1777) von Jean-Honoré Fragonard; Jean-Honoré Fragonard, Public domain, via Wikimedia Commons

Die dicken, rubinroten Vorhänge, die über das Bett fallen, verstärken die leidenschaftliche Atmosphäre, während die Bühnenbeleuchtung das Liebespaar anstrahlt. Die Kunst des Rokoko, die sich auf die Liebe konzentrierte, reproduzierte häufig dieselbe szenische Anordnung, in der die Welt und die Zeit stillzustehen schienen und eine leidenschaftliche Szene der romantischen Umarmung dargestellt wurde. Fragonard begann damit, Skizzen für das Gemälde zu zeichnen. Es wird vermutet, dass das Kunstwerk von literarischen Werken seiner Zeit inspiriert wurde und dass für die Posen höchstwahrscheinlich Modelle verwendet wurden. Es heißt, dass Boccaccio, Ariosto und La Fontaine seine Inspirationen waren.

Der Kuss (1859) von Francesco Hayez

Das Gemälde stellt ein mittelalterliches Paar dar, das sich küsst und umarmt. Es ist eine der intensivsten und lebendigsten Darstellungen eines Kusses in der westlichen Kunstgeschichte. Die Frau lehnt sich zurück, während der Mann sein linkes Bein ausstreckt, um sie zu stützen, und seinen Fuß auf der Stufe abstützt, als wäre er bereit, jeden Moment aufzubrechen. Obwohl das Paar in der Mitte des Bildes steht, sind sie nicht zu erkennen, denn Hayez wollte, dass der Akt des Küssens im Mittelpunkt des Arrangements steht. In der Ecke der linken Seite des Bildes lauern Schatten, die ein Gefühl von Gefahr und Verschwörung vermitteln. Nach der Niederlage des napoleonischen Frankreichs im 19. Jahrhundert trat der Wiener Kongress 1815 zusammen, um die Landkarte Europas neu zu gestalten.

Italien spielte im Vergleich zu anderen europäischen Ländern eine untergeordnete Rolle und sollte in verschiedene Staaten aufgeteilt werden. Die Habsburger beherrschten jeden Staat entweder direkt oder übten starken Einfluss aus. Diese Zersplitterung stand dem aufkommenden nationalistischen Wunsch nach einer Vereinigung Italiens entgegen, was zur Bildung von Geheimgesellschaften mit demokratisch-radikalen Tendenzen führte, wie z. B. Junges Italien und die Carboneria. Francesco Hayez schuf dieses Kunstwerk in dieser Zeit.

Im Wissen um die tödliche Verfolgung der nationalistischen Bewegung entschied sich Hayez dafür, die Konzepte der Verschwörung und des Widerstands gegen die Invasoren als Darstellung historischer Ereignisse zu verstecken. Dem Künstler gelang es, die Zensur zu umgehen, indem er verwirrende und zweideutige Analogien verwendete. 

Der Kuss (1859) von Francesco Hayez; Francesco Hayez, Public domain, via Wikimedia Commons

Graf Alfonso Maria Visconti von Saliceto gab das Gemälde in Auftrag. Der Graf beauftragte Hayez, die Hoffnungen zu illustrieren, die mit der Partnerschaft des Königreichs Sardinien mit Frankreich verbunden waren. Obwohl der unmittelbare Fokus auf der leidenschaftlichen Interaktion zwischen zwei Liebenden liegt, die als mittelalterliche Figuren dargestellt sind, verbirgt das Kunstwerk symbolische Parallelen zu den nationalistischen Ideen des Risorgimento in Italien. Der Mann auf dem Kunstwerk ist ein Nationalpatriot, der nach dem Verlust der ersten italienischen Unabhängigkeitsschlacht 1848 gegen die habsburgische Autorität kämpfte. Darauf deuten ein in seinem Gewand versteckter Dolch und die Farbgebung in Blau und Rot hin, die sich auf die französische Flagge bezieht. Im Freiheitskrieg stellte sich Frankreich auf die Seite Italiens, und mit dem Kunstwerk wollte Hayez seine Bewunderung für den Verbündeten zum Ausdruck bringen.

Chez le Père Lathuille (1879) von Édouard Manet

Dieses Gemälde wurde im Bistro Pere Lathuille gemalt, das sich in der Nähe der Mautstelle von Clichy befindet. Manets Restaurant befand sich in der Avenue de Clichy, in der Nähe des Guerbois. Mile French sprang für das ursprüngliche Modell, Ellen Andree, ein, als diese eine Auszeit von den Sitzungen nehmen musste. M. Gauthier-Lathuille, der Sohn des Inhabers, ist der junge Mann auf dem Bild. Der junge Mann hatte Manet im Restaurant kennengelernt, als er dort als Kellner arbeitete. Manet fand, dass der Mann sehr angenehm und gut gekleidet war.

In diesem Gemälde ist der junge Mann dargestellt, wie er der jungen Frau, die neben ihm sitzt, liebevoll in die Augen schaut.

Chez le Père Lathuille (1879) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Gemälde zeigt eine blühende, goldene Zeit für die Franzosen, mit üppigen Pflanzen und beeindruckender Architektur. Das Modell wurde in klassisch luxuriöser Kleidung dargestellt, die die französische Vintage-Mode zeigt. Sie trägt einen Hut, Spitzenhandschuhe und einen weißen flauschigen Schal.

Tanz auf dem Lande(1883) von Pierre-Auguste Renoir

Der Kaufmann Paul Durand-Ruel gab dieses Kunstwerk 1882 in Auftrag, weil er Gemälde zum Thema Ball wollte. Er kaufte es 1886, stellte es im April 1883 zum ersten Mal aus und pflegte es bis zu Renoirs Tod im Jahr 1919. In diesem Jahr schuf Renoir auch zwei ergänzende Gemälde zum gleichen Thema, Tanz im Bougival und Tanz in der Stadt. Das Kunstwerk wurde durch die Reise des Künstlers nach Italien im Jahr 1881 motiviert, wo er viel Einfluss von Raphael nahm. Es zeigt die Entwicklung des Künstlers, der versuchte, sich vom impressionistischen Stil der Zeit zu entfernen.

Das Kunstwerk zeigt zwei Personen, die unter einem Kastanienbaum tanzen: Die männliche Figur ist Paul Lhôte, ein Bekannter des Künstlers, und die Dame ist Aline Charigot, die Frau des Künstlers.

Tanz auf dem Land (1883) von Pierre-Auguste Renoir; Musée d’Orsay, Public domain, via Wikimedia Commons

Beide Figuren sind lebensgroß gemalt und nehmen praktisch die gesamte Leinwand ein. Allerdings sind im Hintergrund rechts ein Tisch, der Hut auf dem Boden und ein paar Gesichter unterhalb der Tanzfläche zu sehen. Die Frau, die einen Fächer in ihrer rechten Hand hält, lächelt und schaut den Betrachter an. Das Szenario ist in eine helle und positive Atmosphäre gehüllt, und die Kleidung der Frau hat warme Farbtöne wie einen roten Hut und gelbe Handschuhe

Im Bett, der Kuss (1892) von Henri de Toulouse-Lautrec

Henri de Toulouse-Lautrec, ein postimpressionistischer Künstler, ist bekannt für seine Darstellungen des schönen, aufregenden und oft rassigen Pariser Lebens des späten 19. Jahrhunderts. Dieses Bild ist keine Ausnahme: Es zeigt zwei Damen in einer leidenschaftlichen Umarmung im Bett. Auch wenn man von Toulouse-Lautrec solche Darstellungen von Sexualität erwartet hätte, wäre diese Art von Situation für das Publikum seiner Zeit schockierend gewesen, da Lesbianismus in der Gesellschaft nicht allgemein akzeptiert war.

Toulouse-Lautrec ließ sich von den dunklen Seiten des Pariser Nachtlebens inspirieren, wie Clubs, Cabarets und Bordelle. Es wird angenommen, dass dieses Gemälde Damen darstellt, die in einem Bordell arbeiten.

Die Bordelle hatten oft nicht genug Platz, um alle Prostituierten unterzubringen, so dass sie gezwungen waren, sich die Betten zu teilen. Das führte oft dazu, dass sich tiefe Freundschaften und sogar sexuelle Beziehungen zwischen ihnen entwickelten, was bei den beiden Frauen, die Toulouse-Lautrec hier abgebildet hat, der Fall gewesen sein könnte.

In Bed, the Kiss (1892) von Henri de Toulouse-Lautrec; Henri de Toulouse-Lautrec, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Kunstwerk wurde für seine Fähigkeit gelobt, eine intensive Bindung zwischen den beiden darzustellen, die sich ihres Künstlers nicht bewusst zu sein scheinen und sich nicht um die Kritik kümmern, die ihre Gesellschaft an ihnen üben könnte, wenn ihre Beziehung aufgedeckt würde. Sie sind völlig ineinander versunken, und der Betrachter bekommt den Eindruck, dass sie in dem von Toulouse-Lautrec festgehaltenen Moment keine anderen Probleme haben als die Zeit, die sie miteinander verbringen. Das Kunstwerk beleuchtet das Paar mit lebhaften Gelb- und Rottönen, während sie von gedämpften Blautönen, Grau- und Grüntönen umgeben sind.

Der Kuss (1897) von Edvard Munch

Munch schuf mehrere Gemälde in ähnlicher Weise, darunter Der Kuss, und stellte sie zusammen in einer Ausstellung aus, die er Der Fries des Lebens nannte. Zu den Themen der Serie gehörten Tod, Liebe, Sex, Angst, Ehebruch, Eifersucht und die Phasen des Lebens, sowie das ikonische Bild Der Schrei.

Munch hat nie geheiratet, und die düstere Atmosphäre von „Der Kuss“ spiegelt Munchs Ambivalenz gegenüber der Romantik wider. Es ist fast schwer, die beiden Charaktere auseinanderzuhalten, vor allem, wenn sich ihre Gesichtszüge in dem Kunstwerk treffen und verschmelzen.

Der Kuss (1897) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Laut dem Kunsthistoriker Reinhold Heller stellt die Darstellung der Liebenden ihr Einssein dar, während sie gleichzeitig einen gefährlichen Untergang der Individualität andeutet, eine Erosion der eigenen Identität und Existenz, die auf den Tod anspielt. Dieses Thema wird durch vier verschiedene Holzschnitte dargestellt. Der Kuss I und Der Kuss II gehörten zu Munchs ersten Holzschnitten, die ursprünglich 1897 veröffentlicht wurden. Der Kuss III kam 1898 heraus, gefolgt von Der Kuss IV im Jahr 1902. Der Künstler passt die Details des Hintergrunds in jedem Beispiel an, indem er verschiedene Blöcke verwendet, die leicht angepasst wurden.

Der Geburtstag (1915) von Marc Chagall

Marc Chagall bezeichnete das Wort „Liebe“ als die Hauptfarbe in seinen Kunstwerken. Bella, seine Frau, war die wichtigste Quelle der Zuneigung in seinem Leben. Sie lernten sich kennen, als Bella noch ein Teenager in Witebsk, Weißrussland, war. Trotz der Missbilligung ihrer Eltern, die sich eine bessere Ehe für ihre Tochter wünschten, heiratete Chagall Bella im Jahr 1915. Chagall schuf dieses Werk 1915, nur wenige Wochen bevor er Bella heiratete.

Es ist eine großartige Darstellung der unglaublichen, fließenden und überwältigenden Liebe der beiden. Man sieht Chagall über Bella schweben, in einem traumähnlichen Zustand.

Der Geburtstag (1915) von Marc Chagall; Marc Chagall, Public domain, via Wikimedia Commons

Als er sich vorbeugt, um seine zukünftige Frau auf die Lippen zu küssen, ist sein Kopf unnatürlich nach oben und hinten geneigt. Bella ist mit einem Blumenstrauß in einer Pose zu sehen, als würde sie gleich die Flucht ergreifen. In einem hellen Wohnzimmer, das von einem leuchtend roten Teppich dominiert wird, schwebt das Paar in liebevoller Ekstase. Die Beige-, Elfenbein- und Brauntöne der Möbel und Wanddekorationen des Wohnzimmers ergänzen das Kunstwerk. Das Gemälde ist ein großartiges Kunstwerk, das das Gefühl ekstatischer Liebe zwischen jungen Liebenden in einer angenehmen und doch gewöhnlichen Szene lebendig vermittelt, die aus jedem Quadratzentimeter des Kunstwerks Glück zu strahlen scheint.

Frieda und Diego Rivera (1931) von Frida Kahlo

Frida stellt sich selbst als klein und unbedeutend dar im Vergleich zu ihrem riesigen Mann, der mit seiner Palette abgebildet ist. Dies stellt nicht nur ihre körperlichen Unterschiede dar, sondern auch ein Selbstporträt als Ehefrau im Schatten eines berühmten Künstlers. Das seltsame Machtgleichgewicht, das man in diesem Kunstwerk beobachten kann, ist potenziell beunruhigend. Kahlo scheint darzustellen, dass sie nur ein kleiner Teil des Lebens ihres Mannes ist und dass er unabhängig sein muss.

Ihre relative Größe wird ebenfalls übertrieben dargestellt, um das Machtgefälle zu betonen. Ihre eigenen kreativen Leistungen und Eigenschaften werden in diesem Werk übersehen, die einzigen künstlerischen Hinweise beziehen sich auf ihren neuen Ehepartner.

1928 lernte Kahlo den 42-jährigen Diego Rivera, einen berühmten Künstler und Revolutionsführer, kennen. Er erkannte ihr künstlerisches Talent und die beiden heirateten im nächsten Jahr. Das Paar zog dann nach Cuernavaca um. Dort begann Kahlo, sich von der traditionellen mexikanischen Kultur beeinflussen zu lassen, sowohl in ihrer Arbeit als auch in ihrer Kleidung. Die turbulente Beziehung der beiden sollte später einen großen Teil von Kahlos Kunst beeinflussen.

Figuren am Strand (1931) von Pablo Picasso

Im Sommer 1931 schuf Picasso in seinem Ferienort an der französischen Riviera, Juan-les-Pins, eine Reihe von unheimlichen sexuellen Strandbildern, darunter auch dieses. Der groteske Charakter der dargestellten Formen, der angeblich durch die Affäre des Künstlers mit Marie-Therese Walter, einem 19-jährigen Modell, motiviert war, reduzierte diesen Moment der Intimität auf eine Art von Rohheit, die wohl eher auf seine sich verschlechternde Beziehung zu seiner Frau Olga hinweist. Die gottesanbeterinnenähnlichen Köpfe der beiden Figuren waren bei den Surrealisten beliebt, denn der verdrehte Gedanke, dass das weibliche Insekt ihren Mann nach dem Geschlechtsverkehr verschlingt, vermittelte eine weitere visuelle Darstellung des Dilemmas von „Leben und Tod“.

Picassos groteske Vagina dentata-Zahnbilder, sowie Peniszungen sind in diesen Köpfen enthalten.

Die indirekte und satirische Anspielung auf den Klassizismus wird durch Parallelen zur modernen Surrealistischen Malerei ausgeglichen, insbesondere durch die Monsterfigurenbilder von Salvador Dali und Joan Miro, die beide wie Picasso Meister des Grotesken waren. Dieses Kunstwerk mag von den Gemälden beider Surrealisten beeinflusst worden sein, aber die Verbindungen zu Dali sind wohl noch auffälliger. Der reduzierte und vereinfachte Stil dieses Kunstwerks ist weit entfernt von Dalis pseudoakademischem Schliff, illusionistischen Tricks und miniaturistischem Fokus auf Details, aber Picasso wäre offen gewesen für die absurde Verbindung von lächerlichen psychoanalytischen Bildern mit einem scheinbar traditionellen Stil.

Damit schließen wir unsere Liste der berühmtesten Liebesbilder ab. Vom 16. Jahrhundert bis in die 1930er Jahre reichen die Beispiele für Kunst über die Liebe – von schön bis bizarr. Einige dieser Gemälde über die Liebe stellen eine unschuldige und süße Art der Liebe dar, während es bei anderen eher um Lust und Verliebtheit zu gehen scheint. Wie wir sehen, kann die Liebe in der Kunst auf viele verschiedene Arten ausgedrückt werden. Welches ist dein Lieblingsbild über die Liebe?

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.