Impressionismus Künstler – Die 12 bekanntesten Impressionisten

Der Impressionismus entstand in Frankreich, nachdem eine Gruppe von Künstlern den Wunsch geäußert hatte, Landschaften und das zeitgenössische Leben anstelle von historischen und mythologischen Szenen zu malen. Die Ablehnung der traditionellen Salons und Ausstellungen durch die Gruppe der Impressionisten wurde als radikal angesehen, da die Kunstgeschichte bis dahin nur große Themen kannte. Mit ihren Werken, die sich durch kleine, aber sichtbare Pinselstriche auszeichnen, schufen die Künstler dieser Periode einige der ikonischsten Kunstwerke, die wir heute kennen.

Eine kurze Geschichte der Impressionistischen Bewegung

In der Mitte des 19^th Jahrhunderts war die Art der Kunst, die geschaffen wurde, unglaublich traditionell, denn die Künstler produzierten Werke, die in die konventionellen Salons und Ausstellungen passten, die damals stattfanden. Eine kleine Gruppe von Künstlerinnen und Künstlern begann jedoch, sich mit der Art von Kunstwerken, die sie anfertigen mussten, zu langweilen und begann, sich thematisch zu verändern. Plötzlich übte die freie Natur eine große Anziehungskraft auf die Künstler aus und sie begannen zu malen, was als plein air Malerei bekannt wurde, wobei die Künstler im Freien malten.

Nachdem diese neuen experimentellen Kunstwerke vom Salon abgelehnt wurden, gründeten die Pariser Künstler in den 1870er und 1880er Jahren bald ihre eigene Gesellschaft, die „Société Anonyme Coopératives des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs. „ Dies geschah, damit sie ihren sich entwickelnden Stil präsentieren und ihre Kunstwerke frei in einem Raum ausstellen konnten, in dem sie voll und ganz akzeptiert wurden. Im Grunde genommen war dies ein wichtiger Wendepunkt für die Bewegung, und so wurde der Stil des Impressionismus geboren.

Der Impressionismus wurde als neue, kühne Bewegung in der Kunstwelt gefeiert und war für die Künstler eine aufregende Zeit voller Versuch und Irrtum. 

Der Name leitet sich von Cl aude Monets Gemälde aus dem Jahr 1872 mit dem Titel Impression, Sonnenaufgang ab. Es hieß, dass die Bewegung erst nach Monets Tod im Jahr 1926 wirklich zu Ende ging. Der Impressionismus schien jedoch nur eine relativ kurzlebige Periode zu sein, denn seine Popularität begann zu schwinden, nachdem sich in der Salonkunst eine verwässerte Form des Impressionismus durchgesetzt hatte.

Trotzdem inspirierte der Impressionismus eine Reihe von Kunstbewegungen, wobei sein Malstil weithin als Vorläufer einiger bemerkenswerter Kunstperioden gilt. Zu diesen nachfolgenden Bewegungen, die alle einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Kunstgeschichte hatten, gehören der Neoimpressionismus, der Postimpressionismus, der Fauvismus und der Kubismus.

Impression, Sonnenaufgang (1872) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Wesentliche Merkmale der impressionistischen Bewegung

Der Impressionismus sollte das zeitgenössische Leben der damaligen Zeit einfangen, da die Bewegung eine Vorliebe für Alltagsszenen und gewöhnliche Menschen als Motive zeigte, im Gegensatz zu den traditionellen Porträts der Oberschicht. Ein Hauptmerkmal des Impressionismus war, dass die Künstlerinnen und Künstler vor allem im Freien und „an Ort und Stelle“ malten, um die Natur genau so einzufangen, wie sie sich vor ihren eigenen Augen abspielte.

Die Künstler konzentrierten sich auf die Schlüsselelemente Licht und Bewegung und arbeiteten an Möglichkeiten, diese Aspekte in ihren Bildern zu manipulieren. 

Dieser Themenwechsel ermöglichte es den Künstlern, sich von den üblichen Bildern in der Kunst zu lösen, die typischerweise religiöse Szenen oder den Wohlstand darstellten, und stattdessen alltägliche Ansichten des französischen Landes und der Stadt zu zeigen, die sie ständig umgaben. Da Europa bis dahin in der Kunst nur eine Art von Sujet kannte, wurde die Entwicklung des Impressionismus als große Veränderung angesehen. Der einfache Mensch wurde plötzlich gefeiert und als würdiges Sujet angesehen, was für die französische Malerei zu dieser Zeit ein großer Schritt nach vorn war.

 Les Grandes Baigneuses („Die großen Badenden“, zwischen 1895 und 1905) von Paul Cézanne; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons

Um das, was die Künstler in der Welt um sie herum sahen, genau zu erfassen, wurde eine viel lockerere und leichtere Pinseltechnik angewandt. Auf diese Weise konnten die Künstler einen „Eindruck“ von der Szene um sie herum schaffen, indem sie sich besonders auf die Art und Weise konzentrierten, wie das Licht mit der Welt interagierte. Das Zusammenspiel von Licht und Schatten in der Landschaft lässt sich am besten bei natürlichem Licht erforschen, was der Hauptgrund dafür war, dass die Künstler im Freien malten.

Ein weiteres wichtiges Merkmal des Impressionismus war seine Beziehung zur Farbe, denn es wurden leuchtende Töne gewählt. Den Motiven wurde nur wenig Aufmerksamkeit geschenkt, da die Künstler sich darauf konzentrierten, weiche, aber sichtbare Pinselstriche zu setzen, um den Eindruck zu erwecken, dass es gar keine Pinselstriche gab. Durch die leichten Berührungen reiner und intensiver Farben wurden Akzente gesetzt, die die mit dem Licht verbundenen zeitlichen Qualitäten verstärkten.

Der Impressionismus soll den Lauf der Kunstgeschichte verändert haben, da er die Voraussetzungen für das spätere Aufkommen der Modernen Kunst schuf. 

Unsere Liste der berühmtesten Impressionisten

Als die impressionistische Bewegung an Popularität gewann, begannen viele Künstler mit diesem aufregenden neuen Kunststil zu experimentieren. Aus diesem Grund schufen viele namhafte Künstlerinnen und Künstler ebenso ikonische impressionistische Kunstwerke. Wir haben unsere Top 12 der berühmtesten impressionistischen Maler aller Zeiten ausgewählt, die alle zeitlose Meisterwerke geschaffen haben und als große Pioniere der Bewegung gelten.

Camille Pissarro (1830 – 1903)

Der dänisch-französische Künstler Camille Pissarro, der sowohl zu den Impressionisten als auch zu den Postimpressionisten gehörte, leistete wichtige Beiträge zu beiden Bewegungen. Pissarro wurde als Übergangsfigur zwischen diesen beiden Gruppen gesehen, da seine charakteristische Technik der kurzen und groben Pinselstriche besser zur postimpressionistischen Bewegung zu passen schien, als sich sein Stil entwickelte. Zu seinen bekanntesten Werken gehören Entrée du village de Voisins (1872), Hoar Frost, the Old Road to Ennery, Pontoise (1873) und Boulevard Montmartre (1897).

Geboren auf der Insel St. Thomas, die heute als Jungferninseln bekannt ist, wurde Pissarro schon in jungen Jahren von seinem Vater dazu ermutigt, Naturszenen zu zeichnen. Im Alter von 21 Jahren widmete er sich ganz der Kunst und zog nach Venezuela, wo er zwei Jahre lang als Künstler arbeitete und sich von den Landschaften und Dörfern inspirieren ließ. Pissarro kehrte schließlich nach Europa zurück und ließ sich zwischen Paris und dem Land nieder, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 1903 weiter Kunst produzierte.

Boulevard Montmartre, Frühling (1897) von Camille Pissarro; Camille Pissarro, Public domain, via Wikimedia Commons

Pissarro wurde in seinen frühen Jahren von Künstlern der aktuellen realistischen Bewegung beeinflusst, wie Gustave Courbet und Jean-Baptiste-Camille Corot. Später, im Alter von 54 Jahren, studierte und arbeitete er unter der Aufsicht der postimpressionistischen Künstler Georges Seurat und Paul Signac. Als Mitbegründer der ersten Gruppe der Impressionisten erhielt Pissarro den Spitznamen „Dekan der impressionistischen Maler“, da er der Älteste war, die meiste Weisheit besaß und als der mitfühlendste und gutherzigste Mensch galt.

Pissarro galt als unglaublich ehrgeizig und unbeirrbar in seinem künstlerischen Streben. In seinen Werken erforschte er die Beziehung zwischen Licht und Farbe, die er in den meisten seiner Gemälde manipulierte. Dieses Verständnis für diese beiden Konzepte wurde durch seine Zeit in Caracas, Venezuela, geprägt, wo er die Natur und das bäuerliche Leben unter tropischen Bedingungen untersuchte.

Durch seine ausgedehnten Studien gelang es Pissarro, das gewöhnliche Leben der einfachen Leute durch seine feinen Darstellungen ländlicher Themen, die er in lebendigen Kompositionen malte, einzufangen. 

Pissarro war stark von der Politik der damaligen Gesellschaft beeinflusst, denn seine Kunstwerke ließen sich nicht von politischen Einflüssen trennen. Das zeigte sich in seinen Gemälden, denn sie würdigten die Arbeit der Bauern in den kommunalen Dörfern, was die sozialistisch-anarchistische politische Ausrichtung der damaligen Zeit widerspiegelte.

Der Weg nach Osny bei Pontoise, Raureif (1873) von Camille Pissarro; Camille Pissarro, Public domain, via Wikimedia Commons

Pissarro war einer der bemerkenswertesten Künstler des Impressionismus, denn er war der einzige Künstler der gesamten Bewegung, der zwischen 1874 und 1886 auf allen acht Impressionisten-Ausstellungen in Paris seine Werke präsentierte. Dies verdeutlichte seinen hohen Stellenwert innerhalb des Impressionismus, und sein Künstlerkollege Pierre-Auguste Renoir bezeichnete ihn später als „Revolutionär“ der Bewegung.

In seinen späteren Jahren arbeitete Pissarro eng mit Seurat und Signac zusammen und wurde zu einem der ersten Künstler, der mit Farbharmonien experimentierte. Seine Leinwände sind an den Komplementärfarben zu erkennen, ebenso wie an seinen gebrochenen, gestrichelten und abgehackten Pinselstrichen und abrupten Farbtupfern. Im Gegensatz zu anderen impressionistischen Künstlern, die in Paris lebten, verbrachte Pissarro die meiste Zeit auf dem französischen Land, wo er jüngere Künstler unterrichtete, die Interesse an seinen Techniken zeigten.

Pissarro wird für seinen bedeutenden Beitrag zur impressionistischen Bewegung in Erinnerung bleiben, da er einen wesentlichen Einfluss auf die Entstehung der Moderne des 20. Jahrhunderts hatte, zusätzlich zu seiner leidenschaftlichen Experimentierfreudigkeit, die zu wirklich einzigartigen Kunstwerken führte. 

Édouard Manet (1832 – 1883)

Der in Frankreich in einem großbürgerlichen Haushalt geborene impressionistische Maler Édouard Manet war eine weitere Schlüsselfigur in der Übergangszeit zwischen dem Realismus und dem Impressionismus. Obwohl er als einer der führenden Maler des Impressionismus gilt, unterscheidet sich Manets Werk stark von dem anderer Künstler. Zu seinen bekanntesten Gemälden gehören Musik in den Tuilerien (1862), Das Mittagessen im Gras (Le déjeuner sur l’herbe) (1863) und Olympia (1863).

Musik in den Tuilerien (1862) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Schon in jungen Jahren wurde Manet zur Kunst ermutigt und reiste nach Italien, Deutschland und in die Niederlande, um sich weiterzubilden und seinen Stil zu entwickeln. Seine Reisen hatten einen großen Einfluss auf sein künstlerisches Konzept, denn Manet konzentrierte sich später stark auf zeitgenössische Themen.

Seine gewagten und kontroversen Gemälde zogen große Kritik und Bewunderung unter den Künstlern seiner Zeit auf sich, was Manets Status als einflussreicher Künstler innerhalb der Impressionismus-Bewegung festigte. 

Manet stellte 1860 sein Gemälde Die spanische Sängerin im Pariser Salon aus, das als schlampig und nachlässig kritisiert wurde. Trotzdem erlangte er durch seine mutige Themenwahl große Berühmtheit und wurde schnell zu einem bedeutenden Maler des Impressionismus. Manet brach mit der Tradition, indem er Elemente des modernen Lebens in seine Naturszenen einbezog und weibliche Akte zu den Hauptmotiven seiner Bilder machte. Für seine angeblich unmoralischen und obszönen Gemälde des weiblichen Aktes wurde Manet jedoch von seinen traditionalistischen Kollegen heftig kritisiert.

Was Manet von anderen impressionistischen Künstlern abhob, war sein einzigartiger Malstil. Seine Pinselstriche waren unglaublich locker und seine formale Darstellung von Volumen führte zu sehr flachen Bereichen in seinen Werken. Aufgrund seiner lockeren Pinselführung blieben einige Teile seiner Leinwände oft unbedeckt, was Kritiker dazu veranlasste, zu bemerken, dass seine Gemälde immer unfertig wirkten und ein ungeschliffenes Gefühl vermittelten.

Le chanteur espagnol (‚Der spanische Sänger‘, 1860) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Er zog es vor, das alltägliche Leben und alltägliche Gegenstände in seinen Gemälden darzustellen, und das Leben auf der Straße und die Menschen dort waren für ihn ein beliebtes Thema. Manet porträtierte Pariser Cafés und Bars sowie das Stadtleben, was seinen Gemälden eine eindeutig impressionistische Note verlieh. Außerdem ist Manet dafür bekannt, dass er die Technik der alla prima Malerei populär gemacht hat, bei der er sofort Schichten von nasser Farbe übereinander malte, um den gewünschten Effekt zu erzielen.

Dieser Ansatz wurde von den impressionistischen Malern weit verbreitet, da sie der Meinung waren, dass er perfekt geeignet war, um die unmittelbaren Auswirkungen von Licht und Atmosphäre beim Malen im Freien einzufangen.  

Während seiner gesamten Karriere schuf Manet Kunstwerke, die sowohl Bewunderung als auch Streit auslösten, wobei seine Wendepunkte mühelos den Beginn einer neuen Kunstepoche markierten. Leider starb Manet bereits im Alter von 51 Jahren, nachdem er an Syphilis erkrankt war.

Edgar Degas (1834 – 1917)

Ein weiterer prominenter Impression Maler war Edgar Degas, der vor allem für seine Ölgemälde und Pastellzeichnungen bekannt war. Degas, der zu den Impressionisten gehörte, sah sich selbst eher als Realist denn als Impressionist, obwohl er als einer der Begründer der Bewegung gilt. Zu seinen bekanntesten Werken gehören Die Tanzklasse (1873 – 1876), Der Absinthtrinker (1876) und At the Races (1877 – 1880).

Degas wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren und erwies sich schon in jungen Jahren als ehrgeiziger Künstler. Obwohl er an einer Sehschwäche litt, unterzog sich Degas jahrelang einem anstrengenden Training, um eine Karriere in der historischen Kunst zu verfolgen. Nachdem er jahrelang historische Kunstwerke geschaffen hatte, wandte sich Degas in seinen frühen Dreißigern zeitgenössischen Themen zu, was ihm viel Lob für seine Gemälde einbrachte.

The Dance Class (ca. 1873) von Edgar Degas; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons

Während seiner gesamten Karriere war Degas vor allem für seine Gemälde bekannt, die Pferderennen und Tanz darstellten. Mehr als die Hälfte seiner Gemälde zeigt Tänzerinnen und Tänzer, was Degas‘ Interesse an der menschlichen Figur zeigt. Dieses Interesse wurde angeblich während seiner akademischen Ausbildung formuliert, die dazu führte, dass er sich dem weiblichen Körper auf vielfältige und einfallsreiche Weise näherte.

Degas suchte seine Sujets in modernen Situationen wie dem Ballett und zeigte sein Talent, seltsame Posen aus seltsamen Winkeln unter künstlichem Licht einzufangen. 

Ähnlich wie der Künstler Pierre-Auguste Renoir malte Degas im Allgemeinen nicht im Freien wie andere impressionistische Künstler. Das führte dazu, dass er den Begriff „Impressionismus“ ablehnte, denn er zog es vor, seine Werke als eigenständig zu betrachten und als realistische Darstellungen dessen, was er sah, zu betrachten. Degas‘ Gemälde zeigten vor allem das Pariser Leben, wobei sein Hauptthema nach wie vor die weiblichen Körper waren. Neben Tänzerinnen stellte Degas auch Prostituierte und Sängerinnen dar, was ihm viel Kritik von Kritikern einbrachte, da sie scheinbar aus der Unterschicht stammten.

In einem Café oder L’Absinthe (1873) von Edgar Degas; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons

Ein interessanter und verblüffender Zwiespalt bestand in der Art und Weise, wie Degas seine weiblichen Motive behandelte. Vieles deutete darauf hin, dass Degas ein Frauenfeind war, aber es gab noch mehr Beweise dafür, dass er von der weiblichen Form, die er in seinen zahlreichen Studien in ihrer ganzen Schönheit darzustellen versuchte, völlig fasziniert war.

Deshalb wurden seine Porträts oft für ihre Fähigkeit gefeiert, solche psychologischen Feinheiten zu vermitteln, und seine Gemälde förderten die Erforschung der Figur in der visuellen Kunst. 

Degas stand in starkem Konflikt mit der Herangehensweise der traditionellen impressionistischen Maler seiner Zeit, da er es vorzog, nach Skizzen und aus dem Gedächtnis zu arbeiten, was als der konventionelle akademische Weg angesehen wurde, im Gegensatz zum Malen im Freien. Seine einzigartigen Gemälde sollten das einfangen, was später als „entscheidender Moment“ in der Kunst bekannt wurde, bei dem die Bewegung in einem Kunstwerk in der Zeit eingefroren schien.

Degas war als sehr schwierig bekannt. Er war der Meinung, dass ein Künstler nicht gleichzeitig ein Privatleben und eine Karriere haben kann und begann, sich von der Außenwelt zu isolieren, was dazu führte, dass seine Freunde ihn verließen. Da seine Sehkraft nachließ, verbrachte Degas leider den Rest seiner Tage damit, allein durch die Straßen zu streifen, bis er praktisch blind wurde.

Bei den Rennen auf dem Lande (1869) von Edgar Degas; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons

Alfred Sisley (1839 – 1899)

Der Künstler Alfred Sisley gilt als einer der konsequentesten impressionistischen Maler der Bewegung und ist bekannt für seine Hingabe, seine Landschaften en plein air zu malen. Mit der Aussage, dass der Impressionismus seine künstlerischen Bedürfnisse erfüllte, gehört Sisley leider zu den eher übersehenen Künstlern, denn er wich nur selten von seinem Thema der Landschaften ab. Trotzdem gehören zu seinen bekannteren Werken Allee der Kastanienbäume bei La Celle-Saint-Cloud (1867), Fußgängerbrücke bei Argenteuil (1872) und Die Brücke bei Villeneuve-la-Garenne (1872).

Sisley wurde in eine sehr wohlhabende britische Familie in Frankreich geboren und teilte seine Zeit häufig zwischen diesen beiden Kulturen auf. Diese Aufteilung wurde auch auf seinen fehlenden Status während der impressionistischen Bewegung zurückgeführt, da er ständig zwischen diesen beiden arbeitete und sich nie für eine Kultur entschied, die er vollständig übernahm.

Deshalb blieb er für den Großteil der Bewegung ein Außenseiter, obwohl er eine Schlüsselfigur in der Entwicklung des Französischen Impressionismus war. 

Ausgebildet unter anderem von seinen Künstlerkollegen Pierre-Auguste Renoir und Claude Monet, entwickelte Sisley mit dem Fortschreiten der Bewegung seinen eigenen, unverwechselbaren impressionistischen Stil. Dies trug dazu bei, dass er als einer der wichtigsten Maler der impressionistischen Bewegung angesehen wurde. Seine Gemälde waren für das moderne Auge unglaublich exquisit, denn seine Landschaften waren bekannt für ihre erstaunliche Fähigkeit, das Gefühl von Licht und Atmosphäre genau einzufangen.

Passerelle d’Argenteuil (Fußgängerbrücke bei Argenteuil, 1872) von Alfred Sisley; Alfred Sisley, Public domain, via Wikimedia Commons

Das zentrale Merkmal in den meisten seiner Gemälde war der weite und suggestive Himmel, der seinen Fokus auf das moderne und urbane Leben stets ergänzte. Sisley sah die Natur als lohnendes Motiv an und schuf mit seinem skizzenhaften Pinselstrich unzählige Eindrücke von dem, was er auf seinen Leinwänden sah. Seine Technik ermöglichte die Einführung eines neuen Malstils in der neu industrialisierten Welt, was seine Bedeutung als Künstler unterstrich.

Sisleys feines Gespür für die Nuancen natürlicher Landschaften war bemerkenswert, denn so konnte er Gemälde schaffen, die sowohl durch ihre idealistische Emotionalität als auch durch ihren Realismus lebendig wurden. Leider stieg der Wert von Sisleys Kunst erst nach seinem Tod, der ihn als armen Mann an Kehlkopfkrebs sterben ließ.

Paul Cézanne (1839 – 1906)

Einer der bekanntesten Künstler, die aus der sich entwickelnden Kunstwelt hervorgingen, war Paul Cézanne, der mit einer Vielzahl von verschiedenen Kunstbewegungen experimentierte. Cézanne wird zugeschrieben, dass er den Grundstein für den Übergang zwischen dem Impressionismus des 19^th Jahrhunderts und dem Kubismus des 20^th Jahrhunderts gelegt hat. Zu seinen bekanntesten impressionistischen Gemälden gehören Ein modernes Olympia (1873 – 1874), Kurve in der Straße durch den Wald (1873 – 1875) und Landschaft bei Paris (1876).

Une moderne Olympia (1873-1874) von Paul Cézanne; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons

Nachdem er sich während seiner Schulzeit mit dem französischen Dramatiker Émile Zola angefreundet hatte, wurde Cézanne ermutigt, seine Kunst hauptberuflich zu betreiben und zog nach Paris, um seine künstlerischen Fähigkeiten zu entwickeln. Als führender Künstler der postimpressionistischen Bewegung wurde Cézannes Kunst erst gegen Ende seines Lebens gewürdigt, nachdem er seine Faszination für die materiellen und plastischen Ursprünge der Kunst gezeigt hatte.

Deshalb sind die Gemälde, die er während der impressionistischen Ära schuf, im Vergleich zu seinen späteren Werken bemerkenswert unbekannt geblieben. 

Cézanne war unzufrieden damit, dass der Impressionismus lediglich eine Reflexion der visuellen Wahrnehmung war, und begann, seine künstlerische Praxis auf eine neue Art von analytischer Disziplin auszuweiten. Dabei übernahmen seine Leinwände während des Malens eine eigene Rolle, da er seine visuellen Empfindungen erst nach wiederholtem Anstarren des jeweiligen Motivs registrierte. Cézanne begann, seine Farben mit deutlichen und methodischen Pinselstrichen auf die Leinwand aufzutragen, da er nach eigener Aussage ein Bild konstruierte und nicht mehr das malte, was er sah.

La route tournante en sous-bois („Kurve auf der Straße durch den Wald“, 1873) von Paul Cézanne; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons

Bekannt für seine scheinbar monotonen, aber charakteristischen und forschenden Pinselstriche, gelang es Cézanne, das wahre Wesen der Landschaften, die ihn umgaben, einzufangen. Dies trug zu dem architektonischen Element in seinen Gemälden bei, da er der Meinung war, dass jeder Teil eines Gemäldes zur allgemeinen strukturellen Integrität des Kunstwerks beitragen sollte. Cézanne verwendete kleine Pinselstriche und breite Farbflächen, die es ihm ermöglichten, komplexe Landschaften aufzubauen und zu gestalten. Sein Einfluss auf die Kunst des 20.

Jahrhunderts spricht für sich. Sowohl Henri Matisse als auch Pablo Picasso nannten ihn den „Vater von uns allen“ und Cézannes Beitrag zur modernen Kunst ist unübertroffen. Seine Gemälde waren das entscheidende Bindeglied, das es seinem Stil ermöglichte, mühelos vom Impressionismus zum Fauvismus, Kubismus, Expressionismus und sogar zur völligen Abstraktion überzugehen.

Der Fokus, mit dem Cézanne an seine Bilder heranging, egal ob es sich um Stillleben, Landschaften oder Porträts handelte, erlaubte es ihm, seine Themen aus jedem erdenklichen Blickwinkel zu betrachten, was ihn zu einem großen Mentor des Kubismus machte. 

Marie Bracquemond (1840 – 1916)

Eine der ersten prominenten Künstlerinnen innerhalb der impressionistischen Bewegung war Marie Bracquemond, die als eine der bedeutendsten Künstlerinnen ihrer Zeit galt. Bekannt für ihre spielerische Umsetzung von Farben und Texturen, schuf Bracquemond einige unglaublich bemerkenswerte Werke der impressionistischen Periode. Zu ihren bekanntesten Gemälden gehören Frau im Garten (1877), Drei Frauen mit Regenschirmen (1880) und Pierre malt einen Blumenstrauß (1887).

Weil sie eine Frau war, wurde Bracquemond oft übersehen und ihr Beitrag zur Kunst wurde manchmal nicht in den Geschichtsbüchern erwähnt. Das soll zum Teil an ihrem Ehemann, Félix Bracquemond, gelegen haben, der zur gleichen Zeit ein bekannter Künstler war und angeblich sehr neidisch auf ihr Talent war.

Trois femmes aux ombrelles (‚Drei Frauen mit Regenschirmen‘, 1880) von Marie Bracquemond; Marie Bracquemond, Public domain, via Wikimedia Commons

Bracquemond begann ihre Karriere hauptsächlich als akademische Malerin und entsprach mit ihrem äußerst raffinierten realistischen Stil eher den Idealen der vom Salon anerkannten Künstler und Kunstwerke. Ihr Stil begann sich jedoch drastisch zu verändern, nachdem sie die impressionistischen Maler Édouard Manet und Edgar Degas kennengelernt hatte und sich mehr mit den Prinzipien des Impressionismus auseinandersetzte. In den 1880er Jahren konnten Bracquemonds Malstil und ihre Eigenschaften nur noch als vollständig impressionistisch erklärt werden.

Anerkannt für ihre offensichtliche Leuchtkraft, verlieh Bracquemonds skurriler Einsatz von Farbe und Textur ihren Bildern eine unverwechselbare Art von Flair. 

Nach 1886 änderte sich ihr Stil jedoch erneut, als ihre Farbpalette immer lebendiger wurde. Das lag an ihrer Begegnung mit Paul Gauguin, der Bracquemond dazu ermutigte, ihre etwas gedämpfte Farbpalette zu erweitern, damit sie viel heller wurde.

Diese Veränderung erwies sich als Ironie, denn Bracquemonds Ehemann zog es vor, in Schwarz und Weiß zu arbeiten, anstatt in so kräftigen Farben, aber er war trotzdem sehr eifersüchtig auf die Kunstwerke seiner Frau. Wie andere berühmte Impressionistinnen und Impressionisten malte auch Bracquemond gerne im Freien und in der Mitte ihrer Karriere zeigten die meisten ihrer Bilder den Garten ihres Hauses im Südwesten von Paris.

Le goûte (‚Afternoon Tea‘, c. 1880) von Marie Bracquemond; Marie Bracquemond, Public domain, via Wikimedia Commons

Claude Monet (1840 – 1926)

Der vielleicht bekannteste Künstler innerhalb der impressionistischen Bewegung ist ihr Begründer Claude Monet, der auch als wichtiger Vorläufer für die Entwicklung der Moderne in der Kunst gilt. Der Titel der Bewegung wurde von seinem ikonischen Gemälde Impression, Sonnenaufgang aus dem Jahr 1872 abgeleitet, wobei die Bewegung erst nach Monets Tod wirklich zu Ende ging. Neben diesem Gemälde gibt es noch weitere ikonische Werke wie Die Heuhaufen (1890 – 1891) und Wasserlilien (1915 – 1926).

Als einer der produktivsten und konsequentesten Vertreter des Impressionismus hielt Monet die Philosophie des Impressionismus durch seine Hingabe zum Malen en plein air aufrecht. 

Landschaften erwiesen sich als sein beliebtestes Sujet, denn Monet konnte die Authentizität und Wahrnehmung der Natur in seinen Gemälden genau wiedergeben. Monets Fixierung darauf, die Natur so genau wie möglich einzufangen, erwies sich als sehr überwältigend, was dazu führte, dass er dieselbe Szene unzählige Male malte, um das wechselnde Licht und die Jahreszeiten darstellen zu können.

Haystacks (1885) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Bekannt für seine umfangreichen Studien von Licht und Farbe, zeigte Monet eine Vorliebe für die Erstellung von Serien und kehrte oft zu denselben Themen zurück, um sie zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten einzufangen. Das zeigt sich vor allem in seiner Serie über die Kathedrale von Rouen und in seinen Heuhaufenbildern.

Monet, der stark von Édouard Manet inspiriert war, interessierte sich nicht für die Vorstellungen von konventioneller Kunst und wandte sich deutlich von Formen, linearen Perspektiven und anderen etablierten Kunstformen seiner Zeit ab. Stattdessen experimentierte Manet mit kräftigen Farben, die er locker in seinen unglaublich ungewöhnlichen Kompositionen malte, sowie mit der Verwendung von Kontrast- und Komplementärfarben und kleineren Farbstrichen.

Wasserlilien (1906) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Als Landschaftsmaler betonte Monet die wechselnden Qualitäten von Licht und Atmosphäre in den verschiedenen Szenen, die er darstellte. Im Laufe seiner Karriere wurde er immer sensibler für die dekorativen Eigenschaften, die Farbe auf das Licht haben kann, und er begann, die Farbe in reduzierten Strichen aufzutragen, um breite Farbfelder aufzubauen. Auf diese Weise konnte Monet alle Möglichkeiten, Harmonien und Kontraste erforschen, die ihm die Farbe bot, so dass er sich Anfang der 1890er Jahre der Abstraktion und einem moderneren Malstil zuwandte.

Monet gilt als großer Einfluss und wichtiger Anführer der impressionistischen Maler und spielte eine entscheidende Rolle bei der Rekrutierung von Alfred Sisley, Édouard Manet, Camille Pissarro und Pierre-Auguste Renoir für die impressionistische Malerei.

Monet war auch an der Gründung einer Ausstellungsgesellschaft beteiligt, die zwischen 1874 und 1886 die Werke der Gruppe präsentierte und so zur Weiterentwicklung des Impressionismus beitrug. 

Jean Frédéric Bazille (1841 – 1870)

Einer der radikalsten Künstler in den frühen 1860er Jahren, der auch ein impressionistischer Maler war, war Jean Frédéric Bazille. Zusammen mit Claude Monet, Édouard Manet und Pierre-Auguste Renoir legte Bazille den Grundstein für die impressionistische Bewegung und trug dazu bei, das konventionelle künstlerische Establishment mit seinem innovativen und neuen Ansatz der Malerei auf den Kopf zu stellen. Zu seinen bedeutendsten Werken gehören Der Wald von Fontainebleau(1865), Väter (Sommerszene)(1869) und Bazilles Atelier (L’atelier de Bazille) (1870).

Scène d’été: Les Baigneurs (‚Sommerszene: Badegäste‘, 1869) von Jean Frédéric Bazille; Frédéric Bazille, Public domain, via Wikimedia Commons

Bazille wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren und von seiner Familie wurde erwartet, dass er Arzt wird. Nachdem er die Kunstwerke von Eugène Delacroix gesehen hatte, zeigte Bazille großes Interesse an der Malerei. Seine Familie war damit einverstanden, seine künstlerische Seite zu fördern, vorausgesetzt, dass er weiterhin eine medizinische Karriere anstrebte. Das führte dazu, dass er sich entschied, gleichzeitig Medizin und Kunst zu studieren. Nachdem er seine medizinischen Prüfungen nicht bestanden hatte, beschloss er, sich ganz der Malerei zu widmen.

Aufgrund seines wohlhabenden Status setzte Bazille sein Geld ein, um seine Impressionistenkollegen zu unterstützen, wenn sie bei Ausstellungen abgewiesen wurden. Von Monet ermutigt, draußen statt im Atelier zu malen, begann Bazille, häufig in der Natur zu malen, wobei Natur und Landschaften zu seinen wichtigsten Motiven wurden.

In seinen Werken standen Figuren im Mittelpunkt, und er bemühte sich, menschliche Figuren erfolgreich in seine impressionistischen und zugleich modernen Landschaften zu integrieren. 

Bazilles Kunstwerke bewegten sich schnell auf einem extremeren künstlerischen Terrain, da er begann, moderne Kompositionstaktiken, wie z.B. ungewöhnliche Bildausschnitte zur Nachahmung einer Fotografie, in seine harmonischen Kompositionen einzubauen. Dadurch wirkte Bazilles Malstil an manchen Stellen sowohl verhalten als auch locker, je nach Blickwinkel seiner Werke und der Art der verwendeten Pinselstriche.

L’Atelier de la rue de la Condamine („Bazilles Atelier in der Rue de la Condamine“, 1870) von Jean Frédéric Bazille; Frédéric Bazille, Public domain, via Wikimedia Commons

Was Bazille von seinen impressionistischen Zeitgenossen unterscheidet, ist die Tatsache, dass seine Farbpalette im Allgemeinen dunkler ist als die der meisten anderen impressionistischen Gemälde und dass er strenge Konturen und gleichmäßige Oberflächen malt.

Er wird oft als der Künstler angesehen, der ein exzellentes Timing, aber ein schreckliches Glück hatte, da er im Vergleich zu anderen Künstlern während der Zeit des Impressionismus relativ unbekannt blieb. 

Im Jahr 1870 meldete sich Bazille für den Deutsch-Französischen Krieg und trat in die Armee ein. Leider starb er im zarten Alter von 28 Jahren, bevor er die Chance bekam, seine Werke auf der allerersten Impressionisten-Ausstellung zu zeigen. Obwohl keines seiner Werke auf der späteren Ausstellung zu sehen war, gilt Bazille als einer der wichtigsten Künstler der impressionistischen Bewegung.

Berthe Morisot (1841 – 1895)

Eine weitere unglaublich bekannte Malerin des Impressionismus war Berthe Morisot, die zum festen Bestandteil des inneren Kreises der Pariser Impressionisten wurde. Morisot, die scheinbar Eigenschaften von fast allen Künstlern des Impressionismus übernahm, wurde in einer von Männern dominierten Epoche der Kunst „weiblicher Charme“ zugeschrieben. Zu ihren bekanntesten Gemälden gehören Die Wiege (1872), Junges Mädchen im Ballkleid (1879) und Der Hafen von Nizza (1881 – 1882).

Morisot war mit dem Bruder von Édouard Manet, Eugène Manet, verheiratet und arbeitete als Künstlerin an der Seite ihres Mannes. Ihre Kunstwerke waren oft romantisch und sanft, da ihr launisches weibliches Talent dazu beitrug, ein Gefühl von Intimität in ihren Gemälden zu erwecken. Morisot blieb ein beständiges Mitglied der Impressionistengruppe, denn sie nahm mit einer Ausnahme an allen acht Impressionistenausstellungen teil, die zwischen 1874 und 1886 stattfanden.

Le Berceau (‚Die Wiege‘, 1872) von Berthe Morisot; Berthe Morisot, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl Morisot zum inneren Kreis der impressionistischen Malerinnen und Maler zählte, war es ihr aufgrund ihres Status als Frau leider nicht möglich, die gesamte Bandbreite an Themen zu bearbeiten, die ihren männlichen Kollegen zur Verfügung stand. Dazu gehörten auch die schmutzigeren Bereiche des städtischen Lebens, wie Cafés, Bars, Kabaretts und Bordelle, was dazu führte, dass sie sich hauptsächlich auf Landschaften und zeitgenössische Straßen- und Stadtszenen konzentrierte.

Umgekehrt verrieten Morisots Sujets ihren Zugang zu allen Aspekten des weiblichen Lebens im 19^th Jahrhundert, wie zum Beispiel die Einbeziehung privater und intimer Szenen, die Männern verwehrt waren. Dies führte dazu, dass Morisot von Kritikern als zu sensibel und unterwürfig für die Kunstwelt bezeichnet wurde, da diese Titel in dieser männerzentrierten Zeit traditionell den Frauen zugeschrieben wurden.

Das macht Morisots Beitrag zur Kunst umso wichtiger, denn sie war mehr als nur eine weibliche Stimme in einer von Männern dominierten Kunstbewegung. 

Ihr künstlerischer Stil war unglaublich einflussreich. Andere bekannte Maler des Impressionismus bezeichneten sie aufgrund ihrer Bilder als „Meisterkoloristin“. Morisot begann ihre Karriere mit Aquarellen und Zeichnungen, bevor sie schließlich zu Ölgemälden überging. Ihr Stil zeichnete sich durch leichte, fast flauschige Pinselstriche aus, die in verschlungenen Strichen hastig aufgetragen zu sein schienen.

Jeune femme en toilette de bal (‚Junges Mädchen im Ballkleid‘, 1879) von Berthe Morisot; Berthe Morisot

, Public domain, via Wikimedia Commons

Wie die meisten anderen Künstlerinnen in dieser Zeit, bevorzugte Morisot Landschaften und Frauen als Hauptthemen. Sie hatte das Glück, nicht nur in eine Künstlerfamilie einzuheiraten, sondern auch einen Ehemann zu haben, der ihre Karriere voll und ganz unterstützte, indem er seine eigenen künstlerischen Bestrebungen aufgab, um sich um ihre Karriere zu kümmern.

Morisot bewies während ihrer gesamten Karriere, dass sie den Geschmack des Publikums zu schätzen wusste, und so verkauften sich ihre Gemälde zu Lebzeiten und nach ihrem Tod gut. Ihr Talent und ihr Können brachten ihr schließlich die Bewunderung und den Respekt ihrer männlichen Kollegen ein, die Morisot als ihnen ebenbürtig betrachteten.

Das war eine unglaublich ungewöhnliche Leistung in dieser Zeit und zeigt den Einfluss, den Morisots künstlerische Begabung auf die impressionistische Bewegung hatte. 

Pierre-Auguste Renoir (1841 – 1919)

Ein weiterer berühmter Impressionist war Pierre-Auguste Renoir, der in den 1860er Jahren eng mit Claude Monet zusammenarbeitete und den ikonischen Stil des Impressionismus entwickelte. Renoir, der als einer der beliebtesten Impressionisten gilt, war ein führender Künstler der Bewegung, der ein Auge für Schönheit hatte und die weibliche Sinnlichkeit feierte. Zu seinen bekanntesten Werken des Impressionismus gehören La Grenouillère (1869), Pont-Neuf (1872) und Luncheon of the Boating Party (1881).

Renoir wurde in eine arme Familie hineingeboren und zog nach Paris, um seinen sich entwickelnden künstlerischen Stil zu praktizieren und zu experimentieren. Nachdem er die Künstler Alfred Sisley, Frédéric Bazille und Claude Monet getroffen hatte, trat er in die Welt des Impressionismus ein. Renoir, der für seine auffällige Farbpalette bekannt ist, konzentrierte sich in seinen frühen Jahren auf intime und ehrliche Motive wie den weiblichen Akt, bevor er sich auf häusliche und ländliche Szenen konzentrierte. In den 1870er Jahren schloss sich Renoir Monet an und begann, im Freien zu malen, indem er die Landschaft entlang der Seine in Paris festhielt.

La Grenouillère („Der Froschteich“, 1869) von Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, via Wikimedia Commons

Abgesehen von Landschaften bevorzugte Renoir Frauen und Kinder als Motive, was erklärt, warum das Malen en plein air für ihn nicht so entscheidend war wie für andere impressionistische Maler. Was Renoirs Kunstwerke von denen anderer Künstler unterschied, war das unbestreitbar menschliche Element, das er seinen Werken hinzufügte, denn er hatte ein fantastisches Auge dafür, sowohl das intime Familienleben der Szenen als auch die Mode der Zeit einzufangen.

Renoirs Bilder von gut gekleideten Parisern schafften es, eine Brücke zwischen der bürgerlichen Gesellschaft und den eher forschenden künstlerischen Zielen des Impressionismus zu schlagen. 

Sein offensichtlicher Stil zeichnete sich oft durch die Sanftheit, Fülle und Leidenschaft aus, die er in seine Bilder einfließen ließ. Von allen berühmten Impressionisten gelten seine Bilder als die „traditionellsten“ innerhalb der Bewegung, da seine Landschaften und Stadtszenen dazu neigten, unglaublich fröhliche und unbeschwerte Anlässe des modernen Pariser Lebens einzufangen.

Le déjeuner des canotiers (‚Luncheon der Schiffergesellschaft‘, 1880-1881) von Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, via Wikimedia Commons

Gefeiert für sein besonderes Auge und seine Fähigkeiten, die Licht und Schatten in seinen zeitlosen Klassikern großartig einfingen, waren Renoirs Gemälde immer voller Leben und leuchtender Farben. Im Laufe seiner Karriere lernte er immer wieder dazu, seine neuen Fähigkeiten in seine bunten Pinselstriche und hellen Stimmungen einfließen zu lassen, was seine Gemälde äußerst angenehm anzuschauen machte.

Allerdings war es Renoirs besondere Faszination für die menschliche Figur und seine elegante Darstellung der Form, die ihn von anderen impressionistischen Malern seiner Zeit abhob. 

Renoir war der erste Impressionist, der in der Lage war, die Grenzen eines Kunststils zu erkennen und zu verstehen, der in erster Linie auf visuellen Empfindungen und Lichteffekten basierte. Seine lebhaften und lebendigen Werke inspirierten auch die Werke späterer Künstler des 20. Jahrhunderts wie Henri Matisse und Pablo Picasso. Aufgrund seiner Wahrnehmungsfähigkeit und der schönen Kompositionen, die er schuf, bleibt Renoirs Beitrag zur Bewegung des Impressionismus unvergleichlich.

Mary Cassatt (1844 – 1926)

Als einzige amerikanische Malerin auf unserer Liste, und noch dazu eine Frau, gilt Mary Cassatt als die bekannteste Malerin der impressionistischen Bewegung. Nachdem sie sich mit Edgar Degas angefreundet hatte, als sie nach Frankreich zog, stellte Cassatt ihre Werke regelmäßig zusammen mit anderen impressionistischen Malern aus. Zu ihren bekanntesten Gemälden gehören Frau mit Perlenkette in einer Loge (1879), Das Bad des Kindes (1893) und Die Bootsparte (1893 – 1894).

Nachdem sie zunächst an der Pennsylvania Academy of Fine Arts studiert hatte, zog Cassatt 1866 nach Paris und erwies sich als nützliches Bindeglied zwischen diesen beiden kulturellen Welten. Durch ihr geschicktes Geschäftsgebaren baute Cassatt enge Freundschaften und professionelle Beziehungen zu Künstlern, Händlern und Sammlern in Amerika und Frankreich auf, die ihr halfen, eine prominente Rolle in der sich entwickelnden Kunstwelt des 20. Jahrhunderts zu spielen. Jahrhunderts zu werden. Außerdem trug ihr Experimentieren mit dem Impressionismus dazu bei, den Geschmack von Künstlerkollegen in Amerika für die Kunst des Impressionismus zu entwickeln.

Frau mit Perlenkette in einer Loge (1879) von Mary Cassatt; Philadelphia Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Nachdem sie mit einem ihrer Bilder, das für den Pariser Salon ausgewählt wurde, beruflich Fuß gefasst hatte, geriet ihre Karriere ins Stocken. Erst als sie Degas kennenlernte, schloss sie sich der Gruppe der Impressionisten an, was ihr mehr beruflichen Erfolg und Erfüllung in ihrer Karriere brachte.

Cassatt galt als ständige Verfechterin der Gleichberechtigung und verabscheute die Ausgrenzung von Frauen in der Kunst. Aus diesem Grund konzentrierten sich die Hauptthemen ihrer Gemälde auf Frauen und Mädchen in intimen und häuslichen Szenen, da sie typischerweise sowohl das gesellschaftliche als auch das private Leben von Frauen und Müttern mit ihren Kindern darstellte.

Der Grund für diese häuslichen Szenen war, dass sie die Welt darstellten, auf die sie beschränkt war, im Gegensatz zu den öffentlichen Räumen, die ihre männlichen Kollegen frei nutzen und erkunden konnten. 

Cassatts Gemälde kombinierten mühelos eine weiche Farbpalette mit einer lockeren und exquisiten Pinselführung, was sie unter den Impressionisten bemerkenswert machte und dazu beitrug, dass sie trotz ihres Geschlechts als ernstzunehmende Künstlerin geschätzt wurde. Obwohl ihre Kunst manchmal als „weiblich“ abgetan wurde, erkannten die meisten Kritiker, dass Cassatt ein bedeutendes technisches Können und psychologisches Verständnis für ihre Themen mitbrachte, was ihr große Verehrung einbrachte.

Gustave Caillebotte (1848 – 1894)

Der französische Künstler Gustave Caillebotte, der auch ein impressionistischer Maler war, wurde während seiner gesamten Karriere eher als realistischer Künstler angesehen. Da er als einer der führenden Maler des Impressionismus galt, wurde Caillebotte im Laufe der Geschichte leider zu Unrecht von seinen Kollegen in den Schatten gestellt. Trotzdem wurden seine Werke in den letzten zehn Jahren wieder ausgestellt. Zu seinen bedeutendsten Gemälden gehören Le Pont de I ‚Europe (1876), Paris Street, Rainy Day (1877) und The Garden at Petit Gennevilliers (1893).

In eine wohlhabende Familie hineingeboren, konnte Caillebotte von seinem Erbe leben, was es ihm ermöglichte, ohne finanzielle Sorgen Kunst zu produzieren. 

Da ihn die Angst, seine Kunstwerke verkaufen zu müssen, nicht betraf, konnte Caillebotte die Gemälde seiner Impressionistenkollegen kaufen und die zahlreichen Impressionistenausstellungen finanzieren. Noch Jahrzehnte nach seinem Tod war Caillebotte als größter finanzieller Unterstützer und Mäzen seiner Kollegen bekannt, zu denen auch seine Freunde Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Édouard Manet und Camille Pissarro gehörten.

Rue de Paris, temps de pluie (‚Pariser Straße bei Regenwetter‘, 1877) von Gustave Caillebotte; Gustave Caillebotte, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen vertrat Caillebotte in seinen Werken einen realistischeren Stil. Einige seiner Gemälde wurden sogar als fotorealistisch bezeichnet, da er die unheimliche Fähigkeit besaß, eine Szene genau so einzufangen, wie es ein Foto tun würde. Zu seinen beliebtesten Motiven gehörten Innenszenen, Stadtansichten und ländliche Szenen, da Caillebotte in der Lage war, extreme perspektivische Linien zu verwenden, die seine Gemälde in diesen Szenen mit Energie aufladen.

Die Exzentrik seines Stils mag erklären, warum seine Werke bis in die 1950er Jahre weitgehend unbeachtet blieben und erst in den 1970er Jahren von den Kunsthistorikern voll geschätzt und bewundert wurden. Nach seinem Tod war Caillebotte eher als wichtiger Spender impressionistischer und postimpressionistischer Kunstwerke für den französischen Staat bekannt, als dass er selbst ein bedeutender impressionistischer Maler gewesen wäre. Caillebotte stiftete damals sogar eine große Anzahl seiner eigenen Gemälde, was sich als unschätzbare Idee erwies, als seine Kunstwerke die längst überfällige Anerkennung erhielten, die sie verdienten.

Obwohl es sich um eine relativ kurze Bewegung handelte, die sich zum Postimpressionismus ausweitete, lieferte der Impressionismus einige der ikonischsten Gemälde der Kunstgeschichte. Es gibt zwar noch viele weitere berühmte Künstler des Impressionismus, aber wir haben nur die bekanntesten Vertreter dieser Kunstepoche vorgestellt. Wenn dir die Lektüre dieser Künstler gefallen hat, möchten wir dich ermutigen, auch andere, vielleicht weniger bekannte Maler des Impressionismus zu erforschen.

Häufig gestellte Fragen

Wer war der berühmteste Impressionist?

Claude Monet war der berühmteste Impressionist, der mit Werken wie Impression, Sonnenaufgang die Wirkung von Licht und Farbe in der Natur festhielt.

Was sind die Hauptmerkmale des Impressionismus?

Zu den Hauptmerkmalen des Impressionismus gehören das Einfangen von flüchtigen Lichteffekten, die Verwendung von leuchtenden Farben, die Darstellung von Szenen im Freien, eine lockere Pinselführung und die Konzentration auf subjektive Interpretationen statt auf präzise Details.

Wie wählten die Maler des Impressionismus ihre Motive aus?

Die Maler des Impressionismus wählten ihre Motive oft aus dem alltäglichen Leben und konzentrierten sich auf Szenen im Freien wie Landschaften, Gärten und Straßen in der Stadt. Sie versuchten, die Auswirkungen von Licht und Atmosphäre einzufangen und betonten die vergänglichen und spontanen Aspekte ihrer Umgebung.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.