Diego Velázquez – Alle Informationen über den spanischen Barock-Maler

Diego Velázquez wurde am 6. Juni 1599 in Sevilla geboren. Der spanische Maler Velázquez war ein bedeutender Maler am Hof von König Philipp IV. und im Goldenen Zeitalter Spaniens. Der Künstler Velázquez gilt als individualistischer Maler der Barockzeit. Die Gemälde von Diego Velázquez zeigen seinen detaillierten Tenebrismus-Stil, während seine späteren Werke einen lockereren Stil aufweisen, der von kühnen Pinselstrichen geprägt ist.

Das Leben von Diego Velázquez

Zu den Kunstwerken von Diego Velázquez gehörten viele Darstellungen von kulturell und historisch bedeutsamen Szenen sowie Velázquez‘ Porträts der spanischen Aristokratie. Die Gemälde von Velázquez wurden im 19. Jahrhundert zum idealen Vorbild für impressionistische und realistische Künstler. Welche Geschichte steckt hinter den Gemälden von Diego Velázquez und wie wurde der Maler Diego Velázquez zu einem so weltbekannten Namen? Werfen wir einen Blick auf sein Leben, von den frühen Jahren an und durch seine Entwicklungsphasen.

Selbstporträt (um. 1630) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Das frühe Leben des spanischen Malers Velázquez

Velázquez wurde am 6. Juni 1599 als Sohn von Juan und Jerónima Velázquez geboren. Seine Großeltern, Diogo und Maria Rodrigues, waren Portugiesen, die Jahrzehnte zuvor nach Sevilla gezogen waren. Als Velázquez 1658 in den Ritterstand erhoben wurde, behauptete er, er stamme aus dem niederen Adel, um sich zu qualifizieren. In bescheidenen Verhältnissen aufgewachsen, zeigte er schon früh Talent zum Zeichnen und wurde Francisco Pacheco, einem in Sevilla ansässigen Künstler, als Lehrmeister zugewiesen.

Antonio Palomino, ein Historiker aus dem frühen 18. Jahrhundert, sagte, dass Velázquez kurz unter Francisco de Herrera lernte, bevor er seine Ausbildung unter Pacheco begann, obwohl dies unbestätigt ist.

Obwohl Pacheco als biederer und unauffälliger Künstler galt, vermittelte er gelegentlich einen grundlegenden, geradlinigen Naturalismus, doch seine Werke bleiben meist manieristisch. Als Dozent kannte er sich mit der Materie gut aus und förderte die kognitive Entwicklung seiner Schüler. Velázquez lernte in Pachecos Klasse die Klassiker, wurde in Proportionen und Perspektiven unterrichtet und beobachtete die Entwicklungen in den künstlerischen und literarischen Gruppen Sevillas.

An Old Woman Frying Eggs (1618) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Velázquez heiratete Juana Pacheco, die Tochter seines Hauslehrers, am 23. April 1618. Velázquez‘ frühe Werke sind als Küchenstillleben bekannt. Er war einer der ersten Künstler aus Spanien, der solche Szenarien darstellte, und sein Eine alte Frau, die Eier brät (1618) zeigt sein außergewöhnliches Talent für realistische Darstellungen.

Der Naturalismus und die dynamische Beleuchtung dieses Gemäldes könnten von Caravaggios Kunst inspiriert worden sein, die Velázquez indirekt in Reproduktionen gesehen haben könnte, ebenso wie die polychromen Statuen in sevillanischen Kathedralen.

Zwei von Diego Velázquez‘ Kunstwerken, Küchenszene mit Christus in Emmaus (um 1618) und Küchenszene mit Christus im Haus von Martha und Maria (1618), haben christliche Sequenzen im Hintergrund, die so dargestellt sind, dass unklar ist, ob es sich bei dem christlichen Bild um ein Kunstwerk an der Wand, eine Darstellung der Ideen der Küchenmagd in der Mitte des Rahmens oder um ein reales Ereignis handelt, das durch ein Fenster beobachtet wird.

Küchenszene mit Christus im Haus von Martha und Maria (1618) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Jungfrau der unbefleckten Empfängnis (1619) folgt Pachecos Methode, nur dass Velázquez die idealistische Gesichtsform seines Lehrers und die makellos polierten Materialien durch das Profil einer einheimischen Frau und unterschiedliche Pinselstriche ersetzt.

Die frühe Periode des spanischen Malers Velázquez in Madrid

In den frühen 1620er Jahren hatte Velázquez seinen Status in Sevilla gefestigt. Im April 1622 reiste er mit einem Empfehlungsschreiben an Don Juan de Fonseca, den Kaplan des Königs, nach Madrid. Velázquez durfte den neuen Monarchen Philipp IV. nicht porträtieren, sondern stellte stattdessen auf Drängen von Pacheco den Schriftsteller Luis de Góngora dar.

Góngora war auf dem Gemälde mit einem Lorbeerkranz geschmückt, den Velázquez schließlich übermalte. Im Januar 1623 ging er zurück nach Sevilla und blieb bis August.

Rodrigo de Villandrando, der bevorzugte königliche Künstler des Prinzen, starb im Dezember 1622. Velázquez wurde von Graf Herzog von Olivares, dem prominenten Berater Philipps IV. in den Palast gerufen. Er erhielt 50 Dukaten, um seine Kosten zu decken, und wurde von seinem Schwiegervater begleitet. Fonseca nahm den jungen Künstler in sein Haus auf und ließ ihn für ein Bild Modell sitzen, das dann an den kaiserlichen Hof geliefert wurde. Ein Bild des Monarchen wurde angefordert, und der Monarch saß dann für Philip IV (1623/1628).

König Philipp IV von Spanien (1623/1628) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Monarch war mit dem Bild zufrieden, und Olivares befahl Velázquez, nach Madrid umzuziehen, und schwor, dass kein anderer Künstler jemals Philipps Bildnis darstellen würde und dass alle früheren Gemälde des Monarchen aus dem Vertrieb genommen würden. Im nächsten Jahr, 1624, erhielt er vom Monarchen 300 Dukaten, um die Kosten für die Übersiedlung seiner Eltern nach Madrid zu decken, das für den Rest seines Lebens sein ständiger Wohnsitz blieb.

Velázquez wurde in die königliche Verwaltung aufgenommen und erhielt ein monatliches Einkommen von 20 Dukaten, eine Unterkunft und eine Vergütung für alle Gemälde, die er schaffen konnte. Sein Bild von Philipp wurde auf der Treppe von San Felipe ausgestellt und fand großen Anklang. 1627 veranstaltete Philipp einen Wettbewerb für die größten Künstler Spaniens, um den Abzug der Mauren darzustellen. Velázquez ging als Sieger hervor.

Nach den dokumentierten Berichten über sein Bild (das 1734 in einem Palastinferno verloren ging), stellte es Philipp III. dar, wie er mit seinem Stock einem Haufen von Männern und Frauen gestikulierte, die von Truppen weggetragen wurden, während die weibliche Verkörperung Spaniens in gelassener Ruhe ruht.

Daraufhin wurde Velázquez zum Gentleman Herold ernannt. Später erhielt er ein tägliches Gehalt von 12 Réis, so viel wie der königliche Friseur, plus 90 Dukaten pro Jahr für die Kleidung. Peter Paul Rubens kam im September 1628 als Bote der Infantin Isabella in Madrid an, und Velázquez brachte ihn zum Escorial, um die Tizian-Gemälde zu sehen.

Der Triumph des Bacchus (1628-1629) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Während der sieben Monate, die die offizielle Expedition dauerte, hatte Rubens, der sein Talent als Künstler und Adliger unter Beweis stellte, zwar eine positive Meinung von Velázquez, aber er hatte keinen wesentlichen Einfluss auf seine Kunst. Dennoch weckte er Velázquez‘ Interesse daran, Italien zu besuchen und die Meisterwerke der berühmten italienischen Maler zu sehen.

Velázquez erhielt 1629 100 Dukaten für Der Triumph des Bacchus (1629), ein Werk, das eine Gruppe von Männern in aktueller Kleidung zeigt, die einem halbnackten jugendlichen Mann huldigen, der auf einem Weinfass ruht. Es war Velázquez‘ allererstes mythologisches Kunstwerk, und es wurde abwechselnd als Bild eines dramatischen Stücks, als Satire oder als metaphorisches Bild von Bauern betrachtet, die den Gott des Weins anflehen, ihr Elend zu lindern.

Die Art und Weise spiegelt den Realismus der früheren Gemälde von Velázquez wider, der leicht von Tizian und Rubens beeinflusst wurde.

Diego Velázquez, der Maler, in seiner italienischen Periode

Velázquez erhielt 1629 die Erlaubnis, eineinhalb Jahre in Italien zu bleiben. Doch obwohl diese erste Reise als entscheidender Moment für die Weiterentwicklung seiner Ästhetik gilt, sind nur wenige Einzelheiten darüber bekannt, was der Künstler sah, wem er begegnete, wie er angesehen wurde und welche Neuerungen er in seine Kunstwerke einbauen wollte. Er besuchte u.a. Ferrara, Venedig, Cento, Rom, Bologna und Loreto. Im Jahr 1630 reiste er nach Neapel, um ein Gemälde von Maria Anna von Spanien anzufertigen, und es ist wahrscheinlich, dass er dort Ribera traf.

Apollo in der Schmiede des Vulkan (1630) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Die bedeutendsten Werke seiner ersten italienischen Ära sind Apollo in der Schmiede des Vulkan (1630) und Josephs blutiger Mantel, der Jakob übergeben wird (1630), die beide seine Absicht widerspiegeln, den Italienern als großartiger historischer Künstler Konkurrenz zu machen. Die biblische Szene, die den Betrug darstellt, und das mythische Stück, das die Enthüllung des Betrugs zeigt, haben vergleichbare Proportionen und könnten als Anhänger geplant gewesen sein. Velázquez zeigte seine Figuren als moderne Menschen mit gewöhnlichen Bewegungen und Gesichtsreaktionen, wie er es in Der Triumph des Bacchus (1629) getan hatte.

In Anlehnung an Bologneser Künstler wie Guido Reni schuf Velázquez „Apollo in der Schmiede des Vulkan“ auf einer Leinwand, die mit einer hellgrauen Grundierung grundiert war, im Gegensatz zu der tiefroten Grundierung aller seiner früheren Werke.

Die mittlere Periode des Künstlers Velázquez

Im Januar 1631 reiste Velázquez zurück nach Madrid. Im selben Jahr stellte er das erste von mehreren Velázquez-Porträts des zukünftigen Königs fertig. Velázquez stellt den königlichen Jüngling in Gemälden wie dem Reiterporträt des Prinzen Balthasar Karl (1635) als stattlich und fürstlich dar oder in der Uniform eines militärischen Anführers auf seinem schneidigen Hengst.

In einer Variante spielt sich das Szenario in den Reitställen des Schlosses ab, wobei das Königspaar von einer Terrasse aus zusieht, während Olivares als königlicher Ausbilder des Pferdes fungiert.

Velázquez fertigte Reitermalereien des Herrscherhauses an, die das neue Schloss des Kaisers, den Palacio del Buen Retiro, schmücken sollten. In Philip IV. zu Pferd (1635) wird der Monarch im Profil dargestellt, als ein Bild von unerschütterlicher Größe, das die geschickte Reitkunst mit Leichtigkeit zeigt. Velázquez‘ einziges verbliebenes Kunstwerk, das aktuelle Ereignisse zeigt, ist das gewaltige Gemälde Die Kapitulation von Breda (1635), das ebenfalls für den Palacio geschaffen wurde.

Die Kapitulation von Breda (c. 1635) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine metaphorische Darstellung des Triumphs der spanischen Streitkräfte über die Niederländer vermeidet den in solchen Situationen üblichen Eroberungs- und Überlegenheitsdiskurs, bei dem ein Feldherr auf seinen besiegten Gegner herabblickt. Vielmehr stellt Velázquez den spanischen Befehlshaber gleichwertig vor seinem niederländischen Gegner dar und reicht ihm tröstend die Hand. Die strenge, dunkle Visage des mächtigen Politikers Olivares erkennen wir auf vielen Bildern von Velázquez wieder.

Zwei davon sind bemerkenswert: Das eine ist ganzfigurig, statuarisch und staatsmännisch, wobei er das Kreuz des Alcantara-Ordens trägt und einen stabähnlichen Gegenstand umklammert, das Emblem seines Ranges als Ausbilder des Pferdes; das andere, Reiterporträt des Grafen-Herzogs von Olivares (um 1636), zeigt ihn attraktiv als militärischen Anführer in Aktion. Mit diesen Gemälden erwiderte Velázquez die Respektspflicht, die er dem Mäzen schuldete, der ihn ursprünglich auf den Kaiser aufmerksam gemacht hatte.

Ritterliches Porträt des Grafen-Herzogs von Olivares (ca. 1636) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Mars Resting (um 1638) ist sowohl eine mythische Figurendarstellung als auch das Porträt eines müde wirkenden Mannes mittleren Alters, der als Mars auftritt. Die Persönlichkeit des Modells wird durch seinen ungepflegten, riesigen Schnurrbart hervorgehoben, der eine etwas komische Ungereimtheit darstellt.

Das zweideutige Bild wurde auf unterschiedliche Weise betrachtet: Javier Ports sieht es als „Analyse des Realismus, des Ausdrucks und der kreativen Vision“, während Alfonso E. Pérez Sánchez sagt, es sei „als eine traurige Betrachtung über Spaniens untergehende Arme wahrgenommen worden.“

Ohne sein königliches Amt, das es Velázquez ermöglichte, der Prüfung durch die Inquisition zu entgehen, wäre es ihm vielleicht nicht erlaubt worden, La Venus del Espejo (um 1644) zu veröffentlichen. Es ist das früheste bekannte weibliche Nacktbild eines spanischen Malers und das einzige erhaltene weibliche Nacktbild von Velázquez.

Velázquez‘ Porträts

Neben den 34 Porträts von Philipp, die Velázquez anfertigte, porträtierte er auch andere Mitglieder der königlichen Familie, darunter Elisabeth von Bourbon (die erste Frau des Königs) und ihre Kinder, insbesondere ihren ältesten Sohn, den Velázquez zum ersten Mal porträtierte, als er etwa zwei Jahre alt war. Velázquez stellte auch verschiedene Schwachsinnige und Zwerge an Philipps Hof mitfühlend und mit Rücksicht auf ihre Einzigartigkeit dar, wie in Der Narr Don Diego de Acedo (1644). Als königlicher Künstler erhielt Velázquez weit weniger Aufträge für religiöse Gemälde als seine Kollegen.Der gekreuzigte Christus (1632), das im Kloster San Plácido in Madrid entstand, stellt Christus direkt nach der Kreuzigung dar.

Christus gekreuzigt (1632) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Gesicht des Erlösers hängt an seiner Brust, und ein Wirrwarr aus dicken verfilzten Haaren verdeckt die Hälfte seines Gesichts, was das Bild des Todes grafisch unterstreicht. Die Person steht allein vor einem schwarzen Hintergrund. 1634 wurde Juan Bautista Martnez del Mazo, Velázquez‘ Schwiegersohn, sein Nachfolger als Herold, und auch Mazo war in der königlichen Familie stetig aufgestiegen. Mazo wurde 1647 zum Direktor der Projekte im Schloss ernannt und erhielt 1640 ein Stipendium von 500 Dukaten, das 1648 für abgeschlossene und noch zu erledigende Porträtarbeiten erweitert wurde. Philipp beauftragte Velázquez nun mit dem Erwerb von Kunstwerken und Skulpturen für das kaiserliche Museum.

Spanien war reich an Bildern, aber es fehlte an Statuen, also wurde Velázquez zurück nach Italien geschickt, um über Ankäufe zu verhandeln.

Der nächste Italienbesuch des Künstlers Velázquez

Als er 1649 abreiste, wurde er von seinem Gehilfen Juan de Pareja begleitet, der damals ein Diener war und von Velázquez in der Malerei unterrichtet worden war. Velázquez reiste von Málaga aus, kam in Genua an und reiste von Mailand nach Venedig, wo er unterwegs Werke von Tizian und Veronese kaufte. In Modena wurde er von den Königen herzlich empfangen, und hier schuf er das Bild des Herzogs sowie einige Porträts, die jetzt in der Dresdner Ausstellung hängen, da diese Werke 1746 in Modena versteigert wurden. Diese Gemälde sind ein Vorbote des dritten und letzten Stils des Künstlers, der durch das berühmte Gemälde Porträt von Papst Innozenz X. (1650) veranschaulicht wird, an dem Velázquez gerade arbeitete.

Porträt von Papst Innozenz X (1650) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Papst empfing ihn mit offenen Armen und zeichnete ihn mit einer Plakette und einer goldenen Halskette aus. Velázquez brachte ein Duplikat des Bildes, das Sir Joshua Reynolds für das beste in Rom hielt, mit nach Spanien. Es gibt mehrere Repliken davon in verschiedenen Sammlungen, von denen einige möglicherweise Entwürfe für das echte Bild oder für Philip angefertigte Reproduktionen sind. Mit diesem Werk hatte Velázquez die manera abreviada erreicht, ein Name, den die modernen Spanier für diese stärkere, knackigere Ästhetik kreiert haben.

Das Gemälde stellt den Papst mit einer solchen Härte im Gesicht dar, dass einige im Vatikan glaubten, es würde vom Papst negativ gesehen werden; trotzdem war Innozenz von dem Werk begeistert und stellte es in den Empfangsbereich für seine offiziellen Gäste.

In Rom schuf Velázquez auch ein Gemälde von Juan de Pareja (1650). Dieses Bild brachte ihm die Aufnahme in die Accademia di San Luca ein. Der Legende nach malte Velázquez dieses Bild als Probelauf für sein Gemälde des Papstes. Mit sparsamen Pinselstrichen stellt es Parejas Gesichtsausdruck und seine ziemlich zerfledderte und zerlumpte Kleidung in bemerkenswerter Klarheit dar. Velázquez ließ Juan de Pareja im November 1650 frei. Ebenfalls aus dieser Zeit stammen zwei kleine Landschaftsbilder mit dem Titel Ansicht des Gartens der Villa Medici (1629).

LEFT: Ansicht des Gartens der Villa Medici (ca. 1630) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons | RECHTS: Ansicht des Gartens der Villa Medici (um 1630) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Sie waren für ihre Zeit einzigartig, da sie Landschaften darstellten, die direkt aus der Realität zu stammen schienen, und sie spiegeln Velázquez‘ akribische Beobachtung des Lichts zu verschiedenen Tageszeiten wider. Velázquez beauftragte Matteo Bonuccelli mit der Anfertigung von 12 Bronzereproduktionen der Medici-Bestien als Teil seiner Bemühungen, Ornamente für den Spiegelsaal im königlichen Alcazar von Madrid zu erhalten. Während seiner Zeit in Rom zeugte Velázquez einen leiblichen Sohn, Antonio, den er allerdings nicht gesehen haben soll.

Spätere Gemälde von Velázquez

Philipp IV. bat Velázquez ab Februar 1650 immer wieder um seine Rückkehr nach Spanien. Daraufhin reiste Velázquez nach einer Reise durch Venedig und Neapel, wo er seinen guten Bekannten Jose Ribera traf, 1651 über Barcelona nach Spanien und brachte mehrere Porträts und 300 Skulpturen mit, die später für den Monarchen gesammelt und dokumentiert wurden.

Der Monarch heiratete Mariana von Österreich, die Velázquez nach dem Tod von Elisabeth von Frankreich im Jahr 1644 in verschiedenen Posen darstellte.

1652 wurde er vom Monarchen ausdrücklich für den prestigeträchtigen Posten des königlichen Bürgermeisters ausgewählt, der ihm die Verantwortung für die Überwachung der königlichen Unterkünfte übertrug – eine wichtige Rolle, die kein bequemer Job war und mit der Ausübung seines Handwerks kollidierte. Trotzdem gehören seine Gemälde aus dieser Zeit zu den besten Darstellungen seiner Ästhetik.

Die Entstehung von Las Meninas (1656)

Margarete Theresa, das älteste Kind der neuen Königin, scheint im Mittelpunkt von Velázquez‘ größter Anstrengung zu stehen. Las Meninas wurde vier Jahre vor dem Tod des Künstlers fertiggestellt und gilt in Europa als ein Meisterwerk der Barockkunst. Der moderne italienische Künstler Luca Giordano bezeichnete es als „Doktrin der Kunst“, während Thomas Lawrence es als „philosophische Tradition der Malerei“ im 17.

Las Meninas („Die Ehrendamen“) (1656) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Es ist jedoch nicht bekannt, wer oder was der eigentliche Fokus des Bildes ist. Ist es das königliche Kind oder der Künstler selbst? Das Königspaar wird in einem Glas an der Rückwand gespiegelt, aber der Ursprung der Projektion ist unbekannt: Sitzt das Königspaar im Zuschauerraum oder reflektiert der Spiegel das Werk, an dem Velázquez gerade arbeitet?

Nach Dale Brown könnte Velázquez das verblassende Bild des Monarchen und der Königin an der Rückwand als Vorzeichen für die bevorstehende Auflösung des spanischen Reiches nach Philipps Tod gesehen haben.

Die letzten Jahre von Velázquez dem Künstler

In Spanien gab es grundsätzlich zwei Förderer der Kunst: den Klerus und den kunstliebenden Monarchen und Palast. Bartolomé Esteban Murillo, der für ein wohlhabendes und einflussreiches Kloster arbeitete, hinterließ wenig Geld für seine Beerdigung, während Velázquez mit einem soliden Einkommen und einer Rente lebte und starb. Las Hilanderas (1657), war eines seiner letzten Meisterwerke.

Der Stoff im Hintergrund basiert auf einem Werk von Tizian oder, was wahrscheinlicher ist, auf einem Duplikat, das Rubens in Madrid anfertigte.

Velázquez‘ letzte Porträts der Thronfolger gehören zu seinen größten Errungenschaften, und in der Infanta Margarita Teresa im blauen Kleid (1659) erreichte das Stilgefühl des Künstlers seinen Höhepunkt: Glitzernde Farbflecken auf weiten Malflächen erzeugen ein fast impressionistisches Gefühl – der Betrachter muss in angemessener Entfernung stehen, um die Wahrnehmung einer umfassenden, dreidimensionalen Raumgestaltung zu erhalten.

Infanta Margarita Teresa in einem blauen Kleid (1659) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Sein einziges erhaltenes Bild des gebrechlichen und kranken Prinzen Felipe Prospero zeichnet sich dadurch aus, dass es die liebenswerten Eigenschaften des kleinen Prinzen und seines Hundes mit einem leichten Anflug von Traurigkeit verbindet. Die Darstellung spiegelt den Optimismus wider, den man damals in den einzigen spanischen Thronfolger setzte: Neues Weiß und Rot kontrastieren mit spätherbstlichen, düsteren Tönen. Ein kleiner Welpe mit großen Augen stellt dem Betrachter eine Frage, und der allgemein blasse Hintergrund deutet auf ein düsteres Schicksal hin: Der junge Prinz verstarb, als er gerade vier Jahre alt war.

Die Behandlung der Farben ist unglaublich fließend und brillant, wie in allen neueren Werken des Schöpfers.

Portrait von Prinz Philip Prospero (1659) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Hochzeit von Maria Theresia und Ludwig XIV. im Jahr 1660 besiegelte einen Friedensvertrag zwischen Spanien und Frankreich, und das Ereignis fand auf einer kleinen sumpfigen Insel in der Bidassoa statt. Velázquez war mit der Dekoration des spanischen Pavillons betraut und beaufsichtigte die gesamte szenische Darstellung. Die Erhabenheit seiner Haltung und die Pracht seines Outfits zogen viel Aufmerksamkeit auf ihn. Er reiste am 26. Juni nach Madrid und erkrankte am 31. Juli an einem Fieber. Als sein Tod näher rückte, verfasste er sein Testament, in dem er seine Frau und einen engen Freund namens Fuensalida, den Verwalter des königlichen Archivs, als seine einzigen Testamentsvollstrecker benannte. Am 6. August 1660 verstarb er.

Das Vermächtnis der Kunstwerke von Diego Velázquez

Velázquez war kein produktiver Maler; man geht davon aus, dass er zwischen 110 und 120 bekannte Werke schuf. Er schuf keine Radierungen oder Drucke, und nur wenige Skizzen werden ihm zugeschrieben. Velázquez ist die bedeutendste Person der spanischen Porträttradition. Obwohl er nur wenige direkte Nachfolger hatte, inspirierte sein Werk spanische königliche Künstler wie Juan Bautista Martinez del Mazo. Mazo ahmte seine Art eng nach, und viele seiner Werke und Repliken wurden früher Velázquez zugeschrieben.

Im 17. Jahrhundert, als die spanische königliche Malerei von Malern ausländischen Blutes und ausländischer Bildung kontrolliert wurde, litt Velázquez‘ Ansehen.

Gegen die Zeitenwende begannen dem spanischen König nahestehende Gelehrte, die Bedeutung von Velázquez anzuerkennen – in einem Artikel, den Gaspar Melchor de Jovellanos 1781 veröffentlichte, bemerkte er über Velázquez: „Als er starb, ging die Größe der Kunst in Spanien mit ihm unter.“ Im Jahr 1778 schuf Goya eine Reihe von Radierungen nach Gemälden von Velázquez als Teil des Versuchs des Grafen von Floridablanca, Kopien von Kunstwerken in den kaiserlichen Sammlungen herzustellen. Goyas freie Reproduktionen zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit der Technik des älteren Meisters, die Goya als Vorbild für sein weiteres Werk diente.

Diego Velázquez‘ Gemälde Technik und Stil

Es ist üblich, Velázquez‘ Karriere in zwei Hälften zu unterteilen, basierend auf seinen beiden Italienreisen. Er signierte seine Gemälde nur selten, und nur seine bedeutendsten Werke sind in den königlichen Aufzeichnungen datiert. Bis zu einem gewissen Grad wird der Rest durch interne Unterlagen und Hintergrundinformationen zu seinen Porträts geliefert.

Obwohl er mit allen italienischen Traditionen vertraut und ein Weggefährte der bedeutendsten Künstler seiner Zeit war, gelang es Velázquez, sich gegen äußere Einflüsse zu wehren und selbst herauszufinden, wie er seinen eigenen Charakter und seine Vorstellungen von Malerei formte.

Diego Velázquez‘ Verwendung von Farbe, wie sie in seinem Gemälde Die drei Musikanten (ca. 1618); Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Er ist bekannt dafür, dass er eine begrenzte Palette verwendete, aber er kombinierte die vorhandenen Farben mit erstaunlichem Können, um eine Vielzahl von Farbtönen zu erhalten. Seine Pigmente ähnelten denen seiner Kollegen, und er verwendete vor allem Smalte, Azurit, Zinnoberrot, Blei-Zinn-Gelb, Ocker und Rotsee. Seine frühen Gemälde entstanden auf Leinwänden, die mit einer rotbraunen Grundierung versehen waren.

Während seiner ersten Reise nach Italien lernte er die Verwendung von hellgrauen Grundierungen kennen, die er für den Rest seines Lebens nutzte. Diese Veränderung führte zu Kunstwerken mit erhöhter Brillanz und einer meist kalten, silbrigen Farbpalette. Nur wenige Skizzen können mit Sicherheit Velázquez zugeschrieben werden.

Obwohl es für einige seiner Werke vorbereitende Skizzen gab, war es sein Stil, direkt aus der Realität heraus zu schaffen, und Röntgenaufnahmen seiner Werke zeigen, dass er seine Anordnung regelmäßig änderte, während die Gemälde voranschritten.

Eine Liste berühmter Gemälde von Velázquez

• Alte Frau brät Eier(1618)
• Das Abendmahl in Emmaus (1623)
• Der Triumph des Bacchus (1629)
• Die Kapitulation von Breda (1635)
• Porträt von Innozenz X (1650)

Das Abendmahl in Emmaus (1622-1623) von Diego Velázquez; Diego Velázquez, CC0, via Wikimedia Commons

Und damit schließen wir unseren Blick auf das Leben des Künstlers Diego Velázquez ab. Die Gemälde von Velázquez wurden zum idealen Vorbild für impressionistische und realistische Künstler im 19. Jahrhundert.  Diego Velázquez, der Maler, gilt als Brückenbauer zwischen Impressionismus und Realismus. Zu den Werken von Diego Velázquez gehörten viele Darstellungen kulturell und historisch bedeutsamer Szenen sowie Velázquez‘ Porträts der spanischen Aristokratie. Seine Kunstwerke hinterließen einen bleibenden Einfluss und ein Vermächtnis auf viele nachfolgende Künstler.

Häufig gestellte Fragen

Wofür ist Diego Velázquez berühmt?

Er ist vor allem dafür bekannt, die Grenzen der Porträt- und Landschaftsmalerei zu verschieben. Sein ausgeprägter naturalistischer Ansatz, ein Vorläufer des Realismus, stellte Authentizität über Romantik und unterschied ihn von anderen Malern seiner Zeit, die an konventionellen und historischen Methoden zur Darstellung ihrer Themen festhielten. Es gelang ihm, eine eigenständige und herausragende Sammlung von Werken zu schaffen, die seine grundlegende Begeisterung für die menschliche Erfahrung unterstreicht.

Was sind die Leistungen des spanischen Malers Velázquez?

Obwohl er beauftragt wurde, Kunst für den Adel zu schaffen, widmete sich Velázquez mit großer Hingabe der Darstellung normaler Menschen und Situationen. Es gelang ihm, die öffentliche Wahrnehmung zu überwinden, die diese Bemühungen als nutzlos oder wertlos ansah, indem er Werke schuf, die so fesselnd waren, dass sie nicht ignoriert werden konnten. Velázquez‘ realistische, sehr direkte Technik, die Wahrheit darzustellen, war seiner Zeit weit voraus. Er wandte eine Vielzahl von Methoden an, um Details und ihre zahlreichen Feinheiten korrekt darzustellen. Dazu gehörten freie, lockere Pinselstriche, Licht-, Farb- und Formverläufe und eine Aufmerksamkeit für Details, die von seinen Kollegen nicht übertroffen wurde.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.