Caspar David Friedrich – Der wegweisende deutsche Landschaftsmaler

Caspar David Friedrichs Gemälde präsentierten dem Betrachter kühn das Erhabene, um ein Gefühl des Grenzenlosen zu vermitteln. Caspar David Friedrichs Kunstwerke verliehen dem normalerweise unbedeutenden Genre der Landschaftsmalerei eine tiefe theologische und spirituelle Bedeutung. Er nutzte sonnenbeschienene Ausblicke und nebelverhangene Ebenen, um die großartige Kraft des Göttlichen darzustellen, da er der Meinung war, dass die Herrlichkeit der natürlichen Umgebung nur die Pracht Gottes widerspiegeln konnte.

Caspar David Friedrichs Biografie

Friedrichs düstere Landschaften, die den Betrachter häufig in die wilde Natur eintauchen ließen, riefen beim Betrachter eine emotionale Reaktion hervor, anstatt eine eher wörtliche Beziehung zur Umwelt herzustellen. Diese Kombination aus spiritueller Bedeutung und Kunstwerk verhalf ihm zu einem großen Erfolg. Während konservative Kritiker Friedrichs metaphorische und theologische Landschaften in Frage stellten, behauptete der Künstler, dass seine Werke nie einfach ein Bild kopierten, sondern vielmehr die Möglichkeit boten, über Gottes Rolle im Universum nachzudenken.

Selbstporträt (1800) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Friedrich drängte den Betrachter dazu, die gewaltige Kraft der Natur als Zeugnis einer göttlichen Präsenz zu begreifen, indem er spektakuläre Perspektiven und neblige, ungezähmte Landschaften verwendete, die jegliche Individuen in den Schatten stellten. Friedrich lehnte die dekorativen Konventionen der Landschaftsmalerei zugunsten des Konzepts des Erhabenen der Romantik ab.

Der Künstler drückte die unermessliche Kraft und Beständigkeit der natürlichen Umgebung durch seine sorgfältigen Darstellungen von Nebel, Dunst, Finsternis und Licht aus; der Betrachter ist sich seiner Gebrechlichkeit und Sinnlosigkeit körperlich bewusst.

Kindheit und Ausbildung

Caspar David Friedrich wuchs in einem konservativen lutherischen Haushalt auf. Schon in jungen Jahren musste er viel Leid ertragen, denn er verlor seine Mutter durch ein Kinderleiden, als er erst sieben Jahre alt war, und auch seine beiden Schwestern starben. Der Tod seines Bruders Johann, der bei dem Versuch, den damals 13-jährigen Künstler zu retten, nachdem er im Eis ausgerutscht war, ums Leben kam, war wohl der verheerendste Verlust.

Friedrich, der unterrichtet worden war, begann 1790 bei Johann Gottfried Quistorp Malunterricht zu nehmen.

Selbstbildnis mit gestütztem Arm (1802) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine anfängliche Liebe zur Malerei wurde unterstützt, und er schrieb sich mit 20 Jahren an der Kopenhagener Akademie ein. Er entwickelte eine lebenslange Leidenschaft für die Umwelt und die Landschaft, während er die Werke der Meisterkünstler erkundete. Außerdem vertiefte er sich in mystische und spirituelle Poesie, die sein späteres Werk beeinflusste und den Grundstein für seine Rolle als Pionier der deutschen Romantik legte.

Frühe Karriere

1798 schloss der Maler seine Ausbildung ab und siedelte nach Dresden über, wo seine Werke großen Anklang fanden. Schon in seinen frühen Werken vertrat Friedrich romantische Prinzipien, wie die spirituelle Fähigkeit der Kunst und die Manifestation religiöser Impulse durch die Kraft der Natur.

Der Künstler behauptet, dass „das letzte Ziel des Menschen nicht die Menschheit ist, sondern das Unendliche, das Grenzenlose. Die Kunst ist grenzenlos, aber das Verständnis und die Fähigkeiten aller Künstler sind endlich.“

Seeufer im Nebel (um 1807) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Umwelt wurde Friedrichs wichtigstes Mittel, um das Erhabene visuell auszudrücken, wie in Morgennebel in den Bergen (1808). Während des napoleonischen Kaiserreichs war Friedrichs Engagement für die Umwelt auch politisch, denn er malte vor allem deutsche Landschaften mit einem Gefühl der Zuversicht und Autorität, das fast über die irdischen Grenzen hinausreichte.

Viele seiner Zeitgenossen betrachteten Friedrichs Kunstwerke durch das Prisma der politischen Autonomie und des kulturellen Erbes bis zum Zusammenbruch Napoleons 1815 und glaubten, dass sie die Aussicht auf zukünftige Freiheit von fremder Herrschaft in sich tragen.

Reifezeit

Friedrichs Ernennung zur Dresdner Akademie 1816 brachte ihm ein konstantes Einkommen und er wurde schnell als einer der Begründer der Renaissance in Deutschland berühmt. Dies ermöglichte ihm 1818, im Alter von 44 Jahren, die Heirat mit Caroline Bommer. Trotz seines Images als Einzelgänger, der einmal erklärte: „Um die Menschen nicht zu verabscheuen, muss ich ihre Gesellschaft meiden“, hatte die Verbindung einen unmittelbaren Einfluss auf sein Werk.

In mehreren seiner Werke begann er, seine Frau darzustellen und änderte damit sein bekanntes Muster einer einsamen Person, die in der Landschaft versunken ist, so dass manchmal ein Paar zu sehen ist.

Frau am Fenster (1822) von Caspar David Friedrich, das die Frau des Künstlers, Caroline Friedrich, in seinem Atelier in Dresden zeigt; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Friedrich zog die Aufmerksamkeit und Gunst der führenden Politiker der Welt auf sich. Als Der Mönch am Meer (1810) in der Berliner Akademie ausgestellt wurde, kam er in Kontakt mit Prinz Friedrich Wilhelm Ludwig von Preußen, der daraufhin die beiden Werke kaufte. Die königliche Familie unterstützte Friedrichs Kunstwerke weiterhin, bis er aufgrund seiner politischen Ideen an Gunst verlor.

Zar Nikolaus I. kaufte einige seiner Werke für seinen Hof; daher waren seine Kunstwerke in Russland weithin akzeptiert.

1830 beauftragte Prinz Alexander von Russland den Maler mit einer Reihe von durchscheinenden Zeichnungen (die inzwischen zerstört wurden), die in einer düsteren, von hinten beleuchteten Kammer ausgestellt und von Musik begleitet werden sollten. Friedrichs romantische Neigungen fanden in dem bekannten deutschen Dichter Johann Wolfgang von Goethe einen verwandten Geist, dessen Werke beispielhaft für die literarische Entwicklung der Bewegung sind.

Johann Wolfgang von Goethe im Alter von 79 (1828) von Karl Joseph Stieler; Karl Joseph Stieler, Public domain, via Wikimedia Commons

Goethes systematische Beschäftigung mit der Farbtheorie offenbart jedoch eine unvoreingenommene und methodische Haltung gegenüber der bildenden Kunst, die ihre Fehde von 1816 untermauert. Goethe empfahl Friedrich, Wolken zu malen, um ihre vielfältigen Formen zu katalogisieren; Friedrich lehnte ab, weil er glaubte, dass solche Studien mit den romantischen Vorstellungen von der Heiligkeit der Natur unvereinbar wären und ein rein wissenschaftliches Unterfangen darstellen würden.

Spätere Periode

Die Ermordung seines Kollegen und Malerkollegen Gerhard von Kügelgen im Jahr 1820 löste tiefe Verzweiflung aus, und er suchte in Vorträgen nach Frieden und Trost. In diesem Jahrzehnt geriet Friedrichs Beruf durch das steigende Interesse an Naturalismus und Realismus in der deutschen Malerei ins Wanken; seine Hingabe für romantische Landschaften geriet in Vergessenheit.

Infolgedessen wurde ihm 1824 der Lehrstuhl für Landschaftsmalerei an der Dresdner Akademie verweigert.

Kurz darauf wurde er krank und konnte erst um 1826 wieder Ölbilder malen. Um 1830 hatte sich der zunehmend einsame Künstler noch mehr vom öffentlichen Leben zurückgezogen. Er wurde zunehmend depressiv und misstrauisch gegenüber Bekannten und seiner Frau, von der er fälschlicherweise glaubte, sie würde ihn betrügen.

Die Stadien des Lebens (1835) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Einige Wissenschaftler haben seine letzten Werke als düstere Gedanken über die Sterblichkeit und das Vergehen der Zeit bezeichnet, da er es vorzog, in der Stille seines Ateliers zu bleiben und nur seine engsten Familienmitglieder und Freunde zu unterhalten. Nichtsdestotrotz waren seine letzten Jahre fruchtbar, denn es entstanden bedeutende Werke wie Die Stufen des Lebens (1835). Am 26. Juni 1835 erlitt Friedrich einen Schlaganfall, der ihn weitgehend bewegungsunfähig machte und seine künstlerische Produktivität erneut auf Skizzen beschränkte. Kurz vor seinem Tod im Mai 1840 erlitt er einen zweiten Schlaganfall, der ihn in die Armut trieb.

Vermächtnis

Friedrich, der zur zweiten Generation der deutschen Romantiker gehörte, ging über die Konzepte des Symbolismus der Nazarener hinaus und entwickelte eine neue, strenge Bildsprache, die eher auf Erinnerung als auf Darstellung setzte. Sein Engagement für die Landschaftsmalerei als Ersatz für die konventionelle religiöse oder historische Malerei inspirierte seine Kollegen, das Genre neu zu überdenken.

Diese Aufwertung des Landschaftsformats sollte nationale und internationale Auswirkungen haben.

Im 19. Jahrhundert studierten viele amerikanische Maler in Dresden und lernten von Friedrichs Ansatz. Vor allem die Maler der Hudson River School schufen beeindruckende Ansichten von politischer und spiritueller Bedeutung. Friedrichs faszinierender Gebrauch von Symbolismus, um tiefere Zusammenhänge zu erschließen, war auch ein wichtiges Vorbild für die Symbolisten des 19. und die Surrealisten des 20. Jahrhunderts, die seine Produktion poetischer Gefühle lobten.

Sonnenuntergang (Brüder) oder Abendlandschaft mit zwei Männern (zwischen 1830 und 1835) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Außerdem legten seine Einfachheit und seine großen Farbfelder den Grundstein für die Farbfeldmalerei und den Abstrakten Expressionismus. Dies wurde 1961 in einem Aufsatz von Robert Rosenblum nachgewiesen, der Friedrichs Der Mönch am Meer (1810) eindeutig mit dem sich damals entwickelnden Stil des Color Field Painting in den Vereinigten Staaten in Verbindung brachte. In Deutschland galt Friedrich als der Archetypus der kämpfenden und triumphierenden schöpferischen Energie, und Nietzsche soll ihn als Archetypus des Menschen im Sinn gehabt haben, der seine philosophischen Vorstellungen von einer lebendigen, produktiven Existenz durchdrungen hat.

Noch berüchtigter ist, dass Hitler die Werke des Künstlers nutzte, um die deutsche Überlegenheit gegenüber anderen Rassen zu demonstrieren. In den letzten Jahren hat die Wiederherstellung von Friedrichs Kunstwerken vor dem Missbrauch durch Nazi-Propagandisten neue Generationen von modernen deutschen Malern beeinflusst, darunter Gerhard Richter und Anselm Kiefer.

Er verkörpert eine starke germanische Abstammung und evoziert gleichzeitig sanfte Beschwörungen von Verlust und Abwesenheit, beides wesentliche Themen der europäischen Nachkriegskunst.

Caspar David Friedrichs Gemälde

Friedrichs bescheidene Farbpalette und seine Aufmerksamkeit für das Licht erzeugten oft ein überwältigendes Gefühl von Nichts, das die moderne Kunst beeinflusste. Die visuelle Einfachheit seiner Gemälde war so ungewöhnlich, dass seine Betrachter oft verwirrt waren; eine Gruppe von Kunstliebhabern, die sein Atelier besuchte, sah angeblich ein Werk verkehrt herum auf der Staffelei und nahm an, die Wolken seien Wellen und das Meer sei der Himmel.

Seine Verwendung von gedeckten Farben und der Minimalismus seiner Werke, die dennoch bedeutende Gedanken vermitteln, sollten die Modernisten lehren.

Kreuz in den Bergen(1808)

Friedrichs Kunstwerk zeigt einen mit Kiefern bewachsenen Berghang mit einem großen Kreuz darauf. Der wolkenverhangene Himmel ist in rosa, roten und violetten Farbtönen dargestellt, die von oben nach unten von dunkel zu hell übergehen. Fünf Lichtstrahlen tauchen in der Ferne auf, ein unsichtbarer Horizont. Die geschwungene Leinwand wird von einem verzierten Rahmen eingerahmt, den der Künstler selbst entworfen hat, der aber von seinem Kollegen Gottlieb Christian Kuhn gebaut wurde.

Der Rahmen zeigt eine Vielzahl christlicher Motive, wie die Köpfe von fünf Engelskindern, einen Stern, Weinreben, Mais und das Auge Gottes. Es ist eines der frühesten Beispiele für Caspar David Friedrichs Gemälde und enthält viele der romantischen Elemente und Themen, die er in seinem gesamten Werk erforschen sollte, vor allem die entscheidende Bedeutung der Landschaft.

Trotz des Kruzifixes auf dem Altarbild liegt der Schwerpunkt auf dem spirituellen Element der Schöpfung. „Hoch oben auf dem Gipfel sitzt das Kreuz, umgeben von Tannen, und immergrüner Efeu rankt sich um den Fuß des Kreuzes“, sagt er über die Skulptur. 

Kreuz im Gebirge (Altarbild Tetschen) (1808) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Sonne geht unter, und Christus am Kreuz leuchtet im roten Licht. Das Kreuz ist auf einem Felsblock gebaut, so fest wie unser Vertrauen in Jesus Christus. Um das Kreuz herum wachsen Tannenbäume, immergrün und ewig, wie das Vertrauen der Menschen in ihn, den verwundeten Christus.“

Dies war eine bahnbrechende Neuerfindung des Stils der Landschaftsmalerei und erhob sie zu einem neuen Punkt optimaler Relevanz.

Es drückte Friedrichs Vorstellung aus, dass Gottes Majestät am deutlichsten in der Natur zu finden sei. Friedrich war zwar zutiefst religiös und wollte eine Vision schaffen, die Gottes Macht deutlicher darstellt, als es Worte könnten, aber seine Methode war sehr zwiespältig. Als er 1808 seine Werkstatt für die Öffentlichkeit öffnete, damit die Menschen dieses Kunstwerk sehen konnten, behauptete Wilhelm von Ramdohr, dass Landschaften nicht als Altarbild dienen könnten. Friedrich und seine Verbündeten verteidigten das Bild offen, und der darauf folgende Streit trug zu Friedrichs Ruhm bei.

Morgennebel in den Bergen (1808)

Dieses schlichte Bild eines Berggipfels, der von einem weißen Nebel am frühen Morgen bedeckt ist, begleitet von kaum wahrnehmbaren Kiefern und Felsen, bringt Friedrichs romantische Landschaftsvorstellungen zum Ausdruck. Die Erhabenheit und der Einsatz von Licht in dieser majestätischen, weit entfernten Vision der gewaltigen Natur suggerieren eine Verbindung zu einer höheren Macht. Ein Lichtstreifen scheint durch eine Lücke in den Wolken, als würde er den Berggipfel mit himmlischem Licht erleuchten.

Morgennebel in den Bergen (1808) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Darstellung von Nebel war für den Künstler eine entscheidende Metapher, um diese religiöse Botschaft zu vermitteln. Er drückte es so aus: „Wenn eine Landschaft in Nebel gehüllt ist, wirkt sie großartiger und prächtiger, sie steigert die Intensität des Geistes und weckt Vorfreude, ähnlich wie eine verschleierte Dame. Das Auge und die Fantasie werden mehr von der nebligen Ferne angezogen als von dem, was nah und fern vor uns liegt.“

Er wollte den Betrachter in die Wahrnehmung des Naturraums eintauchen lassen, indem er uns vor diese weite Fläche stellte, ohne das Gefühl für den Vordergrund zu haben; ein spektakuläres Feld, von dem er glaubte, dass es die Majestät und Macht Gottes am besten wiedergibt.

Der Mönch am Meer(1808-1810)

Dieses Gemälde, vielleicht eines von Friedrichs bedeutendsten und bekanntesten Werken, katapultierte den Maler zu internationaler Anerkennung, als es 1810 auf einer Berliner Kunstausstellung gezeigt wurde. Die oberen drei Viertel des Gemäldes, die einen blaugrauen Himmel und grünes Wasser zeigen, dominieren eine weite, karge Landschaft. Im Vordergrund befindet sich eine unebene Fläche mit beiger Erde, auf der links von der Mitte ein Mann steht. Obwohl er dem Betrachter den Rücken zuwendet, kann man ihn an seiner langen, schwarzen Mönchskutte erkennen. Die Leinwand ist voll von breiten Farbflächen, die durch kleine weiße Pinselstriche akzentuiert werden, die Wellenkämme und Vögel am Himmel darstellen.

Es ist ein Meisterwerk der Einfachheit und grafischen Zurückhaltung, das ein Gefühl von Ehrfurcht, Erstaunen und Demut hervorruft.

Die starke Reaktion auf dieses Gemälde trug dazu bei, dass Friedrich als Stipendiat in die Berliner Akademie aufgenommen wurde und auch die Zustimmung des Prinzen Friedrich Wilhelm Ludwig von Preußen fand, der das Werk für die königliche Sammlung erwarb – eine bedeutende Auszeichnung. Abgesehen von den Auszeichnungen ist dieses Werk ein Beispiel für Friedrichs experimentelle Einstellung. Jede traditionelle Methode der Landschaftsmalerei wird nicht mehr angewendet. Die kompositorische Struktur wirkt auf den ersten Blick uneinheitlich und es fehlt ein Blickpunkt, der im Mittelpunkt steht.

Anstatt ein Szenario abzubilden, hat Friedrich dem Publikum die Möglichkeit gegeben, ein Spektrum von Emotionen zu spüren, die der Künstler einfach angedeutet hat. Hätte er zusätzliche Details hinzugefügt, wäre der Betrachter versucht gewesen, eine Erzählung oder Handlung aufzubauen, aber mit diesem grundlegenden Minimum bleiben uns einfach nur sensorische Informationen.

Der Mönch am Meer (1808-1810) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese neue Methode des Skizzieren von Landschaften förderte das Konzept, dass der Betrachter die Erhabenheit der natürlichen Umgebung untersuchen und spirituelle Ausdrücke in sie hineininterpretieren sollte. Eine tiefgründige Bedeutung in einer minimalistischen, nicht-narrativen Art und Weise würde für die modernistische Abstraktion entscheidend sein. Besonders dieses Bild wurde mit Mark Rothkos Farbfeldarbeiten nach dem Zweiten Weltkrieg in Verbindung gebracht, die ebenfalls eine spirituelle Begegnung für den Betrachter schaffen sollten.

Während Friedrich häufig Landschaften ohne menschliche Präsenz malte, zeigt dieses Werk seine zweite Technik, um der Umgebung eine größere Bedeutung und Beziehung zum Betrachter zu verleihen: den Einsatz eines Stellvertreters.

Einer der grundlegenden Unterschiede der deutschen Romantik zur französischen und britischen Romantik ist die einzelne Figur, die sich an der Landschaft orientiert und mit ihr in Verbindung steht. Obwohl sich die Romantik mit der Beziehung zwischen Mensch und Natur auf der ganzen Welt beschäftigte, betonten britische Maler eher sentimentale oder bukolische Landschaften, während französische Künstler häufig die Neigung des Menschen andeuteten, die Natur zu beherrschen; die deutsche Methode stellt das Bestreben des Menschen dar, die Natur und damit auch das Göttliche zu verstehen.

Diese Tendenz zu einer emotionalen Verbindung zwischen dem Betrachter und dem Bild verdrängte eher technische oder illustrative Techniken, wie Friedrichs melancholische Landschaften zeigen, die den Betrachter häufig in die Wildnis der Natur eintauchen lassen.

Die Abtei im Eichenwald (1809-1810)

Dieses Bild zeigt die verfallenden Überreste eines gotischen Klosters inmitten einer Landschaft mit kahlen, blattlosen Bäumen. Es ist eine Studie in subtilen Farbtönen, die in zarten Gelb-, Braun- und Weißtönen dargestellt sind. Kreuzzeichen und die Umrisse von Grabsteinen sind an der noch erhaltenen Wand des Klostereingangs mit seinem hohen, schmalen Fenster verteilt. Die magere Gestalt einiger Mönche ist zu sehen, die sich darauf vorbereiten, durch das, was von der Kirchentür übrig geblieben ist, zu gehen, möglicherweise um die Verstorbenen zu betrauern.

In seinen Werken hat Friedrich häufig Überreste der gotischen Architektur dargestellt, wie zum Beispiel die Ruinen der Abtei. Das drückt ein Gefühl von patriotischem Stolz auf die Denkmäler der deutschen gotischen Vergangenheit aus, die unter der napoleonischen Herrschaft besonders wichtig waren.

Die Abtei im Eichenwald (1809-1810) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Gotik war auch eine Zeit, in der die spirituelle Bedeutung in ein breites Spektrum künstlerischer Ausdrucksformen eingebettet war. Auch die deutschen Expressionisten im zwanzigsten Jahrhundert griffen auf die Gotik als Symbol für Identität und religiöse Kraft zurück.

Dieses Bild zeigt auch Friedrichs großartige Verwendung von negativem Raum und Leere, um ein Gefühl von Trauer und Sehnsucht zu vermitteln.

Die Darstellung von Trümmern und kahlen Bäumen impliziert Tod und Trostlosigkeit, was durch die düstere, gedämpfte Farbpalette und die uneinheitliche kompositorische Balance noch verstärkt wird. Der größte Teil des Gemäldes zeigt, wie auch der Mönch am Meer, einfach nur einen leeren Himmel. Die Botschaft ist jedoch nicht pessimistisch: Das weiche Licht deutet die Sonne an, die durch die Wolken scheint, und die Eichen sind kahl, aber nicht tot. Regeneration und Auferstehung werden versprochen.

Wanderer über einem Nebelmeer(um 1818)

Dieses Bild zeigt einen einsamen Mann, der ordentlich gekleidet ist und sich an einen Spazierstock klammert. Er steht auf einem Felsvorsprung und blickt auf einen unfreundlichen Horizont. Er steht völlig bewegungslos, nur sein Haar wird von einer unsichtbaren Brise zerzaust, während zu seinen Füßen ein Feld aufgewühlt wird. In der Ferne sieht man einen Himmel voller weißer, flauschiger Wolken und die Umrisse von Berggipfeln, die gerade noch durch den Nebel zu erkennen sind. Die Tiefe der Natur zeigt sich nicht in einer ruhigen, beschaulichen Perspektive, sondern in der schieren Macht dessen, was die Naturkräfte anrichten können, wenn der Mann die Erhabenheit vor ihm betrachtet.

Friedrich ist dafür bekannt, dass er in seinen Gemälden politische Botschaften vermittelt, die oft auf subtile Weise verschleiert wurden.

Wanderer über dem Nebelmeer (c. 1818) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Kleidung der Figur wurde von Akademikern und vielen anderen während der Befreiungskriege in Deutschland getragen; als dieses Bild fertiggestellt wurde, war das Kleidungsstück von der neuen deutschen Regierungspartei verboten worden. Indem er die Person absichtlich in dieser Kleidung malte, setzte er ein sichtbares – wenn auch gedämpftes – Zeichen gegen das aktuelle Regime. Die politische Bedeutung dieses Werks endete jedoch nicht damit; seine Arbeit (vor allem dieses Bild) wurde von der Nazi-Diktatur als Sinnbild eines leidenschaftlichen deutschen Nationalismus aufgegriffen und ausgenutzt.

Friedrichs Gemälde konnten leicht überarbeitet werden, um den sich ändernden politischen Zielen zu entsprechen, da er eine wörtlichere Darstellung mit nur suggestiver Bedeutung ersetzte.

Auf dem Segelboot (um 1819)

Dieses Stück zeigt den Bug eines Schiffes, das auf den Horizont zufährt. Ein Herr in blauem Mantel und Kopfbedeckung und eine Frau in einem langen Kleid mit weißem Spitzenkragen halten sich an den Händen, während sie nach vorne schauen. Die rechte Seite der Leinwand wird von einer Nahaufnahme des Segels und des Schiffsmastes eingenommen. In der Ferne kann der Betrachter die Umrisse von Gebäuden erkennen, die sich im Nebel abzeichnen. Die größte Breite der Leinwand wird von einem golden schimmernden Himmel eingenommen.

Dieses Werk, das von seiner üblichen Landschaftsformel abweicht, stellt durch die implizite Geschichte und die eher konventionelle Verwendung von Symbolen eine Verbindung zwischen dem Betrachter des Bildes und dem Ort her.

Auf dem Segelboot (c. 1819) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Wir sind Passagiere auf dem Schiff und beobachten das tapfere Paar bei seinem Abenteuer. Dieses Bild, das ein Jahr nach Friedrichs Hochzeit mit Caroline Bommer entstand, zeigt, dass er nicht mehr nur einzelne Personen, sondern gelegentlich auch ein Duo darstellt. Diese weiblichen Figuren waren häufig dem Bild seiner Frau nachempfunden; es wird vermutet, dass es sich bei dem Paar auf diesem Bild um Porträts des Malers und seiner Frau handelt.

Ihre verschränkten Hände stehen für ihre neue, glückliche Verbindung und ihre Anwesenheit an Bord eines fahrenden Schiffes für ein neues Leben, das sie beginnen.

Und damit schließen wir unseren Artikel über den Künstler Caspar David Friedrich ab. Wir haben herausgefunden, dass Caspar David Friedrichs Gemälde dem Betrachter das Erhabene offen vermitteln, um ein Gefühl der Grenzenlosigkeit zu erzeugen. Wir haben auch gelernt, dass Caspar David Friedrichs Gemälde dem typischerweise kleinen Feld der Landschaftsmalerei eine enorme religiöse und spirituelle Tiefe verliehen. Er nutzte helle Ausblicke und neblige Ebenen, um die große Energie des Göttlichen darzustellen, denn er glaubte, dass die Majestät der Natur nur Gottes Glanz widerspiegeln konnte.

Häufig gestellte Fragen

Wofür war Caspar David Friedrich bekannt?

Friedrichs düstere Landschaften, die den Betrachter häufig in die Wildnis der Natur eintauchen ließen, riefen beim Betrachter eher eine emotionale Reaktion hervor als eine buchstäbliche Interaktion mit der Umwelt. Diese Mischung aus spiritueller Bedeutung und Kunstwerk verhalf ihm zu einem großen Erfolg. Während konservative Kritiker Friedrichs symbolische und spirituelle Landschaften in Frage stellten, bestand der Künstler darauf, dass seine Werke nie einfach nur ein Bild wiedergeben, sondern vielmehr die Möglichkeit bieten, über Gottes Rolle im Kosmos nachzudenken.

Was zeichnete Friedrichs Kunstwerke aus?

Mit atemberaubenden Ausblicken und dunstigen, ungezähmten Landschaften, die jeden Menschen in den Schatten stellten, forderte Friedrich den Betrachter heraus, die große Kraft der Natur als Zeugnis einer himmlischen Gegenwart zu akzeptieren. Friedrich gab die ornamentalen Normen der Landschaftsmalerei zugunsten der romantischen Idee des Erhabenen auf. Durch seine präzisen Darstellungen von Dunst, Nebel, Dunkelheit und Licht betonte der Künstler die überwältigende Kraft und Beständigkeit der natürlichen Welt; der Betrachter wird sich seiner Schwäche und Sinnlosigkeit körperlich bewusst.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.