Minimal Art Künstler – 10 wichtige Maler des Minimalismus

Minimalistische Kunst entstand als Bewegung der amerikanischen bildenden Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg, vor allem in den 1960er- und 1970er-Jahren. Sie gilt als direkte Reaktion auf die Stile des Abstrakten Expressionismus und des Modernismus. Der Minimalismus setzte auf geometrische Formen, neutrale Oberflächen und industrielle Materialien statt auf laute, chaotische Bildwelten. Da der Minimalismus einen so intensiven Ausdruck scheinbar verweigerte, vermieden die entstandenen Werke bewusst den Anschein klassischer «Fine Art». Diese klaren, geometrischen Arbeiten entzogen sich gezielt dem verbreiteten künstlerischen Gefallen.

Unsere Top 10 der berühmtesten minimalistischen Malerinnen und Maler und ihre bekanntesten Werke

Minimalistische Kunst breitete sich auf die bildenden Künste, Musik und andere Medien aus und entwickelte die abstrakte Idee weiter, dass Kunst aus ihrer eigenen Realität entstehen soll und nicht bloss eine Kopie von etwas anderem ist. Minimalistische Malerinnen und Maler reagierten nur auf das, was unmittelbar vor ihnen lag, und die geschaffenen Werke zwangen Betrachterinnen und Betrachter dazu, sich ausschliesslich auf das zu beziehen, was sie tatsächlich sehen konnten. Im Folgenden stellen wir einige der besten minimalistischen Künstlerinnen und Künstler der Bewegung vor sowie ihre ebenso bemerkenswerten Werke.

Tony Smith (1912 – 1980)

Einer der bekannten Minimalismus-Künstler des 20. Jahrhunderts war der amerikanische Bildhauer und Maler Tony Smith. Obwohl er in der Kunstwelt als eher ungewöhnliche Figur galt, da er erst ab seinen 50ern begann, seine Arbeiten auszustellen, trug Smith wesentlich zur Entstehung der Minimalismus-Bewegung Anfang der 1960er-Jahre bei.

Smith war während seiner Laufbahn vor allem für seine grossen geometrischen Skulpturen bekannt, die typischerweise im Freien aufgestellt wurden.

Smith wurde in den 1930er-Jahren an der New-Bauhaus-Schule in Chicago ausgebildet und liess sich von den Entwicklungen in der amerikanischen Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg inspirieren. Seine Werke verbanden mehrere Traditionen des europäischen Modernismus mit diesen Fortschritten und führten zu minimalistischen Arbeiten, die nicht durch Grenzen eines bestimmten Mediums eingeschränkt waren.

Tony Smith und eines seiner Werke, Haags Gemeentelijk Museum, 1968; Eric Koch / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Obwohl er mit den Abstract Expressionists in Kontakt stand, hatte seine Arbeit keinerlei Ähnlichkeit mit der chaotischen Spontaneität dieser Bewegung. Anfang der 1960er-Jahre gab Smith die Malerei auf, um sich vollständig auf die Bildhauerei zu konzentrieren. Es wird bis heute diskutiert, dass Smiths Skulpturen den treffendsten Ausdruck seiner künstlerischen Fähigkeiten zeigen, da die enormen Strukturen die physische Präsenz von Architektur mühelos mit der konzeptuellen Resonanz abstrakter Malerei verbinden. Sein Beitrag zur Entwicklung amerikanischer Kunst ist kaum in Worte zu fassen, zumal Smith später an mehreren renommierten Kunst- und Designschulen im ganzen Land lehrte.

Als vielseitiger Künstler in Malerei, Skulptur und Architektur wurden Ausstellungen seiner Werke in vielen der besten Kunstmuseen weltweit gezeigt.

Louisenberg #8 (1953 – 1954)

Als Teil einer Serie, die zwischen 1953 und 1955 entstand, besteht die Louisenberg-Reihe aus 25 farbintensiven, geometrischen Gemälden, die durch ein grundlegendes Kompositionsmodell miteinander verbunden sind. Jedes Bild der Serie setzt sich aus unterschiedlich eingefärbten, jedoch gleichmässig gemalten Kreisen zusammen, die sich zu merkwürdigen Formen verbinden, die mit Erdnüssen oder Amöben verglichen wurden. In Louisenberg #8 wirken diese Formen wie in ein enges Raster gesetzt, wobei jede Form ihren festgelegten Platz hat.

Beim Betrachten von Louisenberg #8 zeigt sich ein starkes Ordnungsgefühl, da jede Form derselben kompositorischen Struktur folgt. Beispielsweise beanspruchen die Kreise ein Feld, die «Erdnüsse» zwei Felder und die grösste amöbenartige Form vier Felder. In diesem Gemälde demonstrierte Smith eine recht einfache Arbeitsweise: Er variierte lediglich ein einziges Design und ordnete die Varianten auf unterschiedliche Weise an, um neue Kompositionen zu erzeugen. Dadurch wirkt Louisenberg #8 wie eine locker invertierte Version von Louisenberg #4.

Entstanden während Smiths Aufenthalt in Deutschland, wurde seine «Louisenberg»-Serie nach einem geologischen Ort nahe Bayreuth benannt, der aus besonderen, erdnussförmigen Felsen bestand.

Als ausgebildeter Architekt folgte Smith einer präzisen Formel, die in seinen Gemälden akribisch umgesetzt wurde. Die Inspiration für seine Serie minimalistischer Gemälde war recht abstrakt, da sie seine faszinierende Mischung aus nordamerikanischen und nordeuropäischen künstlerischen Einflüssen zeigt, mit einem subtilen Hinweis auf den Stil des Abstrakten Expressionismus.

Zusätzlich sind Smiths wiederkehrende Elemente in Louisenberg #8 (und den anderen Werken der Serie) als zweidimensionale Manifestation seines wachsenden Interesses an modularer Architektur zu verstehen. Später in seiner Karriere konzentrierte sich Smith ausschliesslich auf diese Art von anpassungsfähiger Architektur.

Agnes Martin (1912 – 2004)

Eine der wenigen bekannten minimalistischen Malerinnen aus Kanada war Agnes Martin, die sowohl für den Abstrakten Expressionismus als auch für den Minimalismus eine einflussreiche Figur war. Obwohl ihre ikonischen, beinahe schwebenden Gitterarbeiten oft als echte minimalistische Malerei bezeichnet werden, sah Martin ihren Stil als eng mit dem Abstrakten Expressionismus verwandt.

Vor den 1950er-Jahren waren Martins Gemälde vollständig gegenständlich. Mitte des Jahrzehnts wandte sie sich jedoch der abstrakten Kunst zu und fand dabei ihren eigenen Stil.

Martin schuf grosse, quadratische, monochrome Kompositionen, die oft mit Gesso, handgezogenen Bleistiftlinien und verdünnten Schichten aus Öl- oder Acrylfarbe aufgebaut wurden. 1950, nachdem sie US-Bürgerin geworden war, zog Martin nach Downtown Manhattan, wo sie ihren sehr einflussreichen Stil entwickelte: helle, quadratische Raster aus wiederholten Linien. Indem sie das Raster als ordnendes Element nutzte und gleichzeitig dezente Farbe einband, gelang es Martin, zwei Stilrichtungen nahtlos miteinander zu verbinden: Color-Field-Malerei und Minimalismus.

Während das Fehlen von Erzählungen und überflüssigen Details Martin klar im Minimalismus verankert, erklärte sie, ihr Ziel sei es gewesen, Werke zu schaffen, die sich um Emotionen drehen und nicht um hochgestochene Formen der Abstraktion. Obwohl Martins Arbeiten nicht gegenständlich waren, deuteten die Titel und ihre Erläuterungen zu den Gemälden darauf hin, dass sie stark von der Natur beeinflusst war.

Als Schizophrenie-Betroffene fand sie nur schwer Zugang zu anderen Menschen. Der Fokus auf Natur in ihren Werken stellte für sie einen friedlichen, geordneten Schutzraum dar.

Betrachtet man ihre Gemälde, basieren Martins minimalistische Arbeiten auf einem Rasterdesign mit klar abgegrenzten, gleichmässigen geometrischen Formen und festen Bereichen kühler Farbtöne, die so sorgfältig aufgetragen wurden, dass keine Spur eines Pinsels sichtbar bleibt. Ihre abstrakten Werke befreiten sie von der Herausforderung, traditionelle Motive darzustellen, und ermöglichten ihr, endlose Variationen zurückhaltender Farbe zu erforschen. Als eine der ungewöhnlicheren Malerinnen ihrer Zeit, die ein ebenso eigenwilliges Leben führte, soll Martin Stimmen gehört haben, die beeinflussten, was sie malte.

White Flower (1960)

Eines von Martins frühen bekannten minimalistischen Gemälden ist White Flower, das sie kurz nach der Entwicklung ihres unverwechselbaren Stils schuf. Mit einer Rasterstruktur und blassen Farben besteht White Flower aus gleichwertigen weissen Linien, die sich kreuzen und einzelne Rechtecke bilden. Zusätzlich betont durch weisse Striche und platziert auf einem kühlen grauen Hintergrund, erinnert dieses Gemälde an eine Art gewebten Stoff.

Was sich durch «White Flower» und viele andere Werke Martins zieht, ist die vollständige Symmetrie der Form.

Obwohl White Flower in einer frühen Phase von Martins minimalistischem Stil entstand, zeigt es bereits ihre strenge Verpflichtung zu formaler Ausgewogenheit, die in vielen späteren Gemälden wiederkehrt. Auch wenn dieses Werk als eigenständige Einheit betrachtet werden kann, besteht es nicht aus isolierten Einzelteilen. Das verdeutlicht die echte Komplexität ihrer Malerei: Die frei gezogenen Raster aus verblassenden, fragilen Linien verlangen mehr Betrachtung, damit ihre feinen Nuancen sichtbar und verständlich werden.

Carmen Herrera (1915-Present)

Mit 106 Jahren ist die kubanisch-amerikanische Künstlerin Carmen Herrera das älteste Mitglied der Minimalismus-Bewegung. Ihre Karriere ist besonders inspirierend, da sie ihr erstes Werk erst mit 89 Jahren verkaufte. Obwohl sie internationale Anerkennung und Wertschätzung erst spät erhielt, arbeitete Herrera ihr Leben lang kontinuierlich als Künstlerin und schuf zahlreiche bemerkenswerte Werke, lange bevor sie dafür gefeiert wurde. Das Spannende an ihrer Geschichte ist jedoch vor allem die Qualität ihrer Arbeit und nicht die Umstände, unter denen sie entdeckt wurde.

Herrera trat bereits in den 1940er-Jahren in Erscheinung, als sie in Paris lebte, bevor sie 1954 dauerhaft nach New York City zog.

Seit Beginn ihrer Laufbahn perfektionierte Herrera ihren Stil: klare, präzise Gemälde und Skulpturen in einer abstrakt-geometrischen minimalistischen Sprache. In vielen ihrer Arbeiten bringt Herrera eine spürbare Wärme und Körperlichkeit ein, die beim Betrachten ihrer abstrakten Formen Aspekte wie Weisheit, Vitalität und Leben betont.

Obwohl Herreras Werke mit anderen Neo-Concrete-Künstlern in Verbindung gebracht wurden, die nach dem Ersten Weltkrieg auftauchten, teilen ihre flachen Formen und die eingeschränkte Farbpalette viele Merkmale mit der minimalistischen Kunst New Yorks.

Herreras künstlerische Identität fügte sich erst in den 1960er-Jahren nach und nach in die allgemeine Kunstszene ein, als weitere minimalistische Künstler wie Frank Stella bekannt wurden. Anfangs von Op Art inspiriert, enthalten viele von Herreras Werken optische Effekte neben anderen abstrakten Elementen des Minimalismus. Dadurch gilt sie als moderne Künstlerin von erheblicher Bedeutung.

Untitled (1952)

Eines von Herreras bekannten minimalistischen Gemälden ist Untitled, das sie schuf, als sie noch weitgehend unbekannt war. In diesem strengen monochromen Werk verlaufen schwarze und weisse Linien vertikal über die Leinwand und werden durch eine gezackte Linie unterbrochen, die das Bild in zwei ungleiche Dreiecke teilt. Herreras Op-Art-Einfluss zeigt sich deutlich in Untitled, denn dieses reduzierte Bild mit messerscharfen Kanten erzeugt eine spürbare Vibration, die als optische Täuschung verstanden werden kann.

Es wurde darauf hingewiesen, dass man in diesem Werk und in vielen anderen Gemälden Herreras kaum Hinweise darauf sieht, dass sie das Bild tatsächlich gemalt hat.

Das war zur damaligen Zeit ein zentrales Merkmal der Op Art und ordnet dieses Gemälde auch dieser Bewegung zu. Indem Herrera den Prozess hinterfragte, wie Betrachterinnen und Betrachter Formen und Farben auf einer Leinwand wahrnehmen, stellte sie die Rolle der Künstlerin im neuen technologischen Zeitalter der Präzision infrage. Die gezackte Linie verweist auf Herreras Liebe zu Design und urbanem Leben, da sie damit die Umrisse industrieller Räume anklingen lässt.

Anne Truitt (1921 – 2004)

Eine weitere der gefeiertsten weiblichen Minimalismus-Künstlerinnen war die amerikanische Bildhauerin Anne Truitt. Sie erhielt in den 1960er-Jahren viel Anerkennung als eine der frühesten Minimalistinnen der Bewegung. Unterstützt vom bekannten Kunstkritiker Clement Greenberg hielt Truitt Abstand zur New Yorker Kunstszene und verbrachte Jahre damit, ihre künstlerische Arbeit mit dem Grossziehen ihrer Familie zu vereinbaren. Obwohl sie mit zwei grossen Kunstbewegungen in Verbindung gebracht wird, Color Field Painting und Minimalismus, schloss Truitt ihr Studium mit einem Abschluss in Psychologie ab und arbeitete danach als Krankenschwester.

Truitt wurde erst in den 1950er-Jahren zur Vollzeitkünstlerin und leistete ihre wichtigsten Beiträge zur Bewegung Anfang der 1960er-Jahre.

Obwohl Truitt fand, dass sich ihre Werke stark von den Trends der Minimalismus-Bewegung unterschieden, nahm ihr malerischer und skulpturaler Stil vieles vorweg, was später bei anderen bedeutenden Minimalismus-Künstlern wie Donald Judd und Ellsworth Kelly zu sehen war. In vielerlei Hinsicht unterschied sie sich jedoch von den meisten Minimalisten, denn ihr Fokus auf die Poesie von Form und Material wirkte besonders prägend auf jüngere Künstlerinnen und Künstler.

Als engagierte Bildhauerin experimentierte Truitt mit Ton, Stahl und Gips, nachdem sie 1961 Barnett Newmans Arbeiten im Guggenheim gesehen hatte.

Nach dem Abstrakten Expressionismus schuf Truitt Skulpturen, die zwar komplex und detailreich wirkten, aber ihre eigentliche Einfachheit verbargen. Weil Truitt in ihren Werken die Tiefen ihres emotionalen und psychologischen Lebens auslotete, wurde sie häufig als Minimalistin wahrgenommen, obwohl sie in manchem mehr Gemeinsamkeiten mit dem Abstrakten Expressionismus hatte. Ihre Arbeiten waren von Emotion durchdrungen, was im Minimalismus eher unüblich war.

Way VII (1974)

Als Bildhauerin schuf Truitt nicht viele Gemälde. Ihr minimalistisches Gemälde Way VII ist jedoch eines ihrer bekanntesten. Die riesige Leinwand ist in einem umbrafarbenen Rot übermalt, dazu sind einige schmale Linien senkrecht dargestellt. Diese Linien werden als Fragmente von Licht interpretiert, das durchscheint, und ihre unterschiedlichen Breiten deuten auf variierende Intensitäten unterhalb der Bildoberfläche hin.

Weil sie vor allem für ihre Skulpturen bekannt war, wurde sie in Bezug auf die wenigen Gemälde, die sie schuf, als «eine Malerin, die in drei Dimensionen arbeitet» beschrieben.

In den 1960er- und 1970er-Jahren wurde Truitt zu einer wichtigen Persönlichkeit der Washington Color School, die Werke durch flächige, satte Bereiche leuchtender Farbe definierte. Diese Ästhetik zeigt sich auch in Way VII: Eine grosse Fläche intensiven Rottons dominiert das Bild. Durch diese Farbintensität entsteht beim Betrachten ein klaustrophobisches Gefühl. Stark beeinflusst von den Color-Field-Arbeiten Barnett Newmans und anderer, durchzog Truitt ihre monochrome Leinwand in Way VII mit dünnen Farbbändern.

Ellsworth Kelly (1923 – 2015)

Eine wichtige Figur der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts war Ellsworth Kelly, der während seiner gesamten Karriere vor allem als Maler bekannt war. Als starke Kraft in der Nachkriegs-Kunstwelt wurde Kelly in den 1950er-Jahren berühmt, nachdem er seine ikonischen, leuchtenden und überwiegend monochromen, mehrteiligen Leinwände zu produzieren begann. Mit seinem Fokus auf die kraftvolle Beziehung zwischen Farbe, Form und Gestalt gehörte Kelly zu den ersten Künstlern, die ungewöhnlich geformte Leinwände schufen und damit durchkamen.

Durch den Einsatz von geschichteten Reliefs und Linienzeichnungen, die das Raumverständnis herausforderten, wollte Kelly, dass Betrachterinnen und Betrachter seine Werke so erleben, dass Struktur und Farbe eine körperliche Reaktion auslösen.

Ellsworth Kelly trifft anlässlich der Gala-Eröffnung des Broad Contemporary Art Museum am 9. Februar 2008 in Los Angeles, CA, ein; Jeremiah Garcia, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Während er neben Malerei und Skulptur auch mit minimalistischer Zeichnung arbeitete, ordnete er sich nie nur einer einzigen Bewegung unter. Stattdessen zeigen seine Arbeiten Einflüsse aus verschiedenen Richtungen, darunter Minimalismus, Hard-Edge Painting, Pop Art und Color Field Painting.

Bis Anfang der 1960er-Jahre hatte Kelly sich international einen Namen im Bereich der gegenstandslosen Kunst aufgebaut. Inspiriert vom De-Stijl-Stil in seiner Malerei schuf Kelly Werke, die strukturierte Farbe vor geometrischen Layouts einsetzen. 1970 zog Kelly weiter ins Landesinnere und wandte sich von strengen geometrischen Formen in Richtung Kurven ab, möglicherweise als Reaktion auf seine neue Umgebung.

Kelly gilt als einer der grossen Anführer der amerikanischen Malerei und als einer der prominentesten postmodernen Künstler der 1960er-Jahre sowohl in der abstrakten Malerei als auch in der Bildhauerei.

Colors for a Large Wall (1951)

Zur Zeit seiner Entstehung war Colors for a Large Wall eines der grössten Gemälde, die Kelly bis dahin geschaffen hatte. Es zeigt seine frühen Experimente mit mehrteiligen Kompositionen, ein Ansatz, der später zu einem wichtigen Bestandteil seiner Karriere wurde. Dieses Werk soll Kelly geholfen haben, Gemälde als Objekte zu begreifen. Colors for a Large Wall ist nicht nur als Ganzes ein Objekt, sondern setzt sich auch aus vielen kleineren Objekten in Form einzelner Paneele zusammen, die gemeinsam das Gesamtwerk bilden.

Indem Kelly einige grundlegende Strategien des Modernismus zusammenführte, sollte jedes Quadrat die Idee vermitteln, als wären sie rein zufällig zusammengekommen.

Colors for a Large Wall (1951) von Ellsworth Kelly; Ainhoa Díaz, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Indem er jedes der 64 Quadrate separat in einer einzigen Farbe malte, fügte Kelly sie collageartig zusammen und ordnete sie scheinbar zufällig an. Das Ergebnis ist ein Gemälde, dessen Erscheinungsbild in keinem Aspekt durch Kellys bewusste Entscheidungen festgelegt wirkt. Dieses Werk deutete zudem die Idee des Readymade und seine Nutzbarkeit in der Kunst an, da Kelly jedes Panel aus unterschiedlichen Bögen Bastelpapier fertigte.

Sol LeWitt (1928 – 2007)

Als eine Leitfigur der Konzeptkunst half der amerikanische Bildhauer, Maler und Autor Solomon “Sol” LeWitt dabei, den Minimalismus in der amerikanischen Nachkriegskunst weiterzuentwickeln. Berühmt wurde er Ende der 1960er-Jahre durch seine ikonischen Wandzeichnungen und modernen abstrakten Skulpturen. LeWitt experimentierte mit einer breiten Palette an Medien, darunter Malerei, Zeichnung, Druckgrafik und Fotografie. Seit 1965 war er Gegenstand unzähliger Einzelausstellungen weltweit.

LeWitts Überzeugung, dass eine Künstlerin oder ein Künstler vor allem als Schöpfer von Ideen existiert, war für den Übergang von der Moderne zur Postmoderne von enormer Bedeutung.

LeWitt vertrat ausserdem die Ansicht, dass schon eine Idee selbst ein Kunstwerk bilden könne. Das bedeutet: Eine Künstlerin oder ein Künstler kann eine Idee entwickeln und bleibt dennoch vollständig Urheber des Werks, auch wenn die tatsächliche Ausführung später von jemand anderem übernommen wird. Seine Wandzeichnungen mit geometrischen Mustern, die aus einem Set an Anweisungen abgeleitet sind, gehören zu seinen bekanntesten Arbeiten. Mit zunehmender Karriere wandte er sich immer stärker konzeptuellen Werken zu.

Die meisten von LeWitts Werken bestanden aus grundlegenden Linien, Farben und vereinfachten Formen, die nach bestimmten mathematischen und architektonischen Vorgaben eingesetzt wurden.

LeWitt betrachtete sogar die Anweisungen zur Herstellung von Kunst als Kunstwerk selbst. Dadurch musste ein Werk nicht zwingend materiell präsent sein, um als «Kunst» zu gelten. Trotz seines Status als einer der bekanntesten innovativen amerikanischen Bildhauer und respektierten Postmodernisten verabscheute LeWitt Publicity und Starrummel, lehnte Auszeichnungen regelmässig ab und vermied Interviews.

Wall Drawing #439 (1985)

Im Verlauf von LeWitts Karriere erwies sich seine Serie von Wandzeichnungen als seine populärste Werkgruppe. Wall Drawing #439 zeigt seinen mutigen Einsatz von Farbe und Dreiecksformen auf einer flachen Fläche, wodurch für Betrachtende eine vollständigere, fast dreidimensional wirkende Form entsteht. In dieser minimalistischen Zeichnung und in vielen anderen arbeitete LeWitt daran, eine feste Verbindung zwischen Minimalismus und Konzeptkunst herzustellen.

Das zeigt sich durch den Einsatz leuchtender Farben, die in geometrischen Formen gemalt und direkt auf einer Wand platziert werden.

Mit übereinandergelegten Farblasuren schuf LeWitt eine asymmetrische Pyramide aus mehreren, unterschiedlich eingefärbten Facetten. Möglicherweise beeinflusst durch eine Reise nach Italien, wirkt Wall Drawing #439 wie von einem freskoartigen Effekt inspiriert, der bei genauer Betrachtung sichtbar wird. Tiefe entsteht durch die absteigenden Dreiecksfragmente, die den Blick hineinziehen, während sie gleichzeitig die Täuschung von Einheit anregen, obwohl alles auf einer flachen Wand gemalt ist.

Jo Baer (1929 – Present)

Eine weitere bedeutende Minimalismus-Malerin aus den USA ist Josephine “Jo” Baer, bekannt für ihren wichtigen Beitrag zur Bewegung. Ursprünglich studierte Baer Forschungspsychologie, wandte sich dann jedoch der Kunst zu und entschied sich, daraus eine Vollzeitkarriere zu machen. In den 1950er-Jahren arbeitete Baer zunächst malerisch und liess sich vom Abstrakten Expressionismus inspirieren, was auch durch ihren Aufenthalt in Los Angeles verstärkt wurde. Erst Mitte der 1960er-Jahre begann sie, ihre Arbeiten in zeitgenössischen Kunsträumen auszustellen.

Nach ihrer Rückkehr nach New York fand Baer zu einer abstrakten Bildsprache, die harte Kanten und die scheinbare «Leere» der Leinwand betonte. Deshalb überrascht es nicht, dass ihre Werke die Aufmerksamkeit der Minimalisten auf sich zogen, da ihren Gemälden jegliche bildhafte Erzählung fehlte.

Baers präzise gemalte Werke aus den 1960er-Jahren sind bis heute am leichtesten wiederzuerkennen, da sie meist aus einer grossen, «leeren» Hauptfläche bestehen, die von einem bandartigen, gemalten Rand gerahmt wird.

Jo Baer in ihrem Atelier, Amsterdam 2014; Billiesavage, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Ihre Arbeiten aus den 1960er-Jahren wurden häufig als Diptychen gezeigt oder nahe am Boden gehängt, um ihre starke Körperlichkeit zu betonen. Durch die charakteristische «Leere» ihrer Werke wurden sie als minimalistisch gelesen, ebenso weil sie strukturelle Beziehungen über das eigentliche Sujet stellten.

Bis 1975 gab Baer die abstrakte Malerei vollständig auf und konzentrierte sich auf eine Art «radikale Figuration», bei der sie Bilder, Symbole, Wörter und Phrasen auf träumerische und verspielte Weise zusammenfügte.

Stations of the Spectrum (Primary) (1967 – 1969)

Stations of the Spectrum (Primary) besteht aus drei gleich grossen, leeren und gerahmten Leinwänden. Ursprünglich war es ein Triptychon, bevor drei weitere Paneele hinzugefügt wurden und daraus ein sechsteiliges Werk entstand. Ähnlich wie bei Baers anderen Gemälden aus dieser Zeit sind die rechteckigen Paneele auf ein sehr schlichtes, symmetrisches Format reduziert. Jedes Panel erhielt einen regelmässigen schwarzen Streifen als Rahmen, wodurch sie auf den ersten Blick kaum voneinander zu unterscheiden sind.

Wenn man jedoch genauer hinschaut, erkennt man einen subtilen Unterschied zwischen den drei Paneelen.

Jede Leinwand wird durch eine dünne Linie in einer anderen Farbe unterschieden, die parallel zum schwarzen Rand verläuft. Wie der Begriff «primary» im Titel nahelegt, bestehen die Farblinien aus Blau, Grün und Rot, den Primärfarben im Lichtspektrum. Die Platzierung dieser Farben war bewusst gewählt, weil ihre Unterschiede in bestimmten Momenten und aus bestimmten Distanzen im peripheren Sehen erkennbar werden.

Frank Stella (1936 – Present)

Der amerikanische Maler Frank Stella gehörte zu den bekanntesten minimalistischen Malern, die aus der Bewegung hervorgingen. Neben Minimalismus experimentierte Stella in verschiedenen weiteren Stilrichtungen und wurde um 1959 schnell berühmt für seinen einzigartigen minimalistischen Zugang zur Malerei des Abstrakten Expressionismus. Mit einer Serie unpersönlicher, schwarz gestreifter Gemälde, die sich gegen das kommunikative Pinselwerk und die existenzielle Angst des Abstrakten Expressionismus stellten, erhielt Stella sofortige Anerkennung als innovativer Künstler.

Mit Fokus auf die formalen Elemente des Kunstmachens schuf Stella zunehmend komplexe Werke, die einer natürlichen Entwicklung von Komplexität, Vitalität, Haptik und Grösse folgten.

Er erweiterte seine monochrome Farbpalette um kräftigere Farben und ging schliesslich zu Gemälden über, die nicht-malerische Elemente integrierten und eine Andeutung von Dreidimensionalität erzeugten. Das führte zur Entstehung komplexer freistehender Skulpturen, wobei Stellas Werke die Entwicklung sowohl des Minimalismus als auch der Color-Field-Malerei beeinflussten.

Nach der Eröffnung eines Ateliers in New York schien Stella sofort Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Seine Malmethoden, die sich auf die grundlegenden Elemente Farbe, Gestalt, Form und Komposition konzentrierten, unterschieden sich stark von den vorherigen Kunststilen und halfen, die entstehende Minimalismus-Bewegung zu definieren. Für Stella war ein Gemälde nichts weiter als eine flache Oberfläche mit Farbe darauf, was seine Sicht auf Kunst als eigenständige Entität zeigt.

Als einer der jüngsten Künstler mit einer Retrospektive im MoMA gilt Stella bis heute als einer der innovativsten Künstler.

The Marriage of Reason and Squalor, II (1959)

Mit nur 23 Jahren erhielt Stella viel Kritikerlob für seine Serie Black Paintings, die er zwischen 1958 und 1960 schuf. Diese Werkgruppe besteht aus geradlinigen Streifen schwarzer Hausfarbe, die in scharfen, aber monotonen Mustern angeordnet sind. Zu dieser Serie gehört The Marriage of Reason and Squalor, II, in dem Stella schwarze Flächen mit dünnen, invertierten, parallelen Linien in U-Form malte.

In einem geometrischen Muster werden die dicken schwarzen Streifen nur durch dünne Linien weisser Farbe getrennt.

Beim Betrachten führt das Fehlen unterschiedlicher Konturen und expressiver Pinselspuren dazu, dass man das Werk als flache Oberfläche wahrnimmt, nicht als «Bild» im traditionellen Sinn. Zwar erzeugen die parallelen Linien eine gewisse illusionistische Dreidimensionalität, doch die radikale Einfachheit und Leere der Leinwand vermittelt ein sehr unpersönliches Gefühl. Diese Emotionslosigkeit, zusammen mit der Wiederholung einer geometrischen Form, macht The Marriage of Reason and Squalor, II zu einem hervorragenden Beispiel minimalistischer Kunst, da es die zentralen Merkmale der Bewegung erfüllt.

Robert Mangold (1937 – Present)

Einer der weniger bekannten Minimalismus-Künstler, der eng mit der Bewegung verbunden ist, ist der amerikanische Maler Robert Mangold. Dennoch war er von Beginn an aktiv beteiligt und wird von mehreren anderen Minimalismus-Künstlern sehr geschätzt. Nachdem er zusammen mit dem Künstler Sol LeWitt als Sicherheitsangestellter im Museum of Modern Art in New York arbeitete, machte Mangold sich langsam einen Namen, unter anderem durch seine Beteiligung an einer Reihe populärer Minimalismus-Ausstellungen in den 1960er-Jahren.

Wie andere bekannte minimalistische Maler integrierten Mangolds Gemälde häufig eine hellere und kräftigere Farbpalette, was in der folgenden Dekade zur Entwicklung des Post-Minimalismus beitrug.

Ein Porträt von Robert Mangold, dem minimalistischen Maler, 2013; Sylvia Mangold, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Obwohl er als minimalistischer Maler gilt, bewegen sich Mangolds Werke oft an der Grenze zwischen gemalter und skulpturaler Form. Durch Techniken wie Schichtung, Teilung und Überblendung betonen seine Arbeiten die Präsenz von Form über die gemalten Oberflächen, wobei subtile skulpturale Effekte entstehen.

Mangold ist dafür bekannt, mit klarer, artikulierter Offenheit über seine künstlerische Praxis zu sprechen.

Seine Gemälde gelten als wirklich minimalistisch, da ihr Verzicht auf mediumsspezifische Prozesse ein zentrales Merkmal der Bewegung war. Während seine früheren Arbeiten in blasseren, eher monochromen Tönen gehalten sind, wechselte er in den 1980er-Jahren zu helleren und mutigeren Farbkombinationen. Das wurde teilweise dem aufkommenden digitalen Raum zugeschrieben, der neue Farben und Formen stark beeinflusste.

Column Structure XXII (2008)

Da Mangold bis heute als Künstler arbeitet, enthalten viele seiner neueren Werke Elemente des Minimalismus. 40 Jahre nachdem er begann, mit geformten und geometrischen Leinwänden zu experimentieren, zeigte Mangold, dass er auch nach so langer Zeit noch gleichermassen faszinierende Arbeiten schaffen kann. Column Structure XXII besteht aus Variationen der Säulenform, die zusammengefügt wurden, um ein unregelmässiges Kreuz zu bilden.

Die Form dieses Gemäldes verweist offensichtlich auf christliche Ikonografie und eine suprematistische Komposition von Kazimir Malevich.

Für dieses Gemälde setzte Mangold mehrere bemalte Leinwände zusammen, um die Kreuzform zu erzeugen. Wie viele seiner anderen Arbeiten spielt Column Structure XXII auf architektonische und strukturelle Konzepte an, obwohl es primär als Gemälde verstanden wird. Beim Betrachten des Kreuzes entsteht ein Spannungsgefühl durch das Zusammenspiel der Linien, die sich mit der Form krümmen. Diese Linien teilen das Kreuz in gitterartige Bereiche, wobei Mangold die mathematische Gleichmässigkeit des Rasters durch Kurven statt gerader Linien bewusst kompliziert.

Mary Obering (1937 – Present)

In der Liste minimalistischer Künstlerinnen und Künstler wird die amerikanische Malerin Mary Obering häufig übersehen. Sie schafft stark rasterartige Bildwelten aus monochromen, geometrischen Formen und verbindet bestimmte minimalistische Konzepte mit traditionellen Materialien wie Eitempera und Blattgold.

Obering erwarb einen Bachelor in Experimentalpsychologie und einen Master in Verhaltenswissenschaft. Erst Anfang der 1970er-Jahre begann sie nach einer Italienreise und der Begegnung mit dem Künstler Carl Andre, mit Kunst zu experimentieren.

Nach ihrem Umzug nach New York im Jahr 1972 kaufte Obering ein Atelier und wurde vollständig Teil der Kunstszene, wo sie bis heute lebt und arbeitet. Ihre früheren Werke, die als von Frank Stella inspiriert gelten, bestehen aus geformten Paneelen, die Elemente von Malerei und Skulptur kombinieren.

Das verleiht ihren Gemälden eine harte Form von Abstraktion, wobei ihre präzise gemalten Quadrate und Rechtecke die Gleichförmigkeit und Akribie ihrer Arbeit verstärken.

Obering sagt, ihr Malstil sei von den Alten Meistern in Italien beeinflusst, wo sie viel Zeit verbracht hat. Das zeigt sich in ihrer Verwendung von reichen, geschichteten Pigmenten, Eitempera, gessierten Paneelen und Blattgold. Obwohl diese Aspekte den strengeren Philosophien des Minimalismus widersprechen können, etablierte Obering sich als festes Mitglied der Gruppe, indem sie innerhalb eines Kreises arbeitete, der in den 1970er-Jahren als Speerspitze der Minimalismus-Bewegung galt. Die sorgfältige Struktur ihrer Werke verstärkt zudem das minimalistische Gefühl.

Firefall (1975)

In allen Gemälden, die Obering im Verlauf ihrer Karriere schuf, behielt sie stets ein ausgeprägtes Gespür für opulente Farbe bei, was zeitweise eher als maximalistisch denn minimalistisch interpretiert wurde. In Firefall erzeugte Obering durch zwei parallele pinke Linien den sehr strukturierten Eindruck eines abgeschnittenen Quadrats, das auf einem Rechteck platziert ist.

Da eine Linie länger ist als die andere, entsteht ein Hauch von Schatten, der durch das Rot angedeutet wird.

Durch die Einbindung einer Form, die scheinbar von der rechteckigen Leinwand rutscht, und durch ihren leichten Schatten konnte Obering in diesem Werk Elemente von Malerei und Skulptur verbinden. Beim Betrachten der Komposition entsteht ein dreidimensionaler Effekt. Die Verwendung satter Farben in Grün-, Pink- und Rottönen verstärkt die Opulenz des Gemäldes.

Die Minimalismus-Bewegung erwies sich als ausgesprochen innovativer Kunststil, da sie sich stark von der vorherigen Bewegung des Abstrakten Expressionismus unterschied. Nach dem Überblick über die zehn berühmtesten minimalistischen Malerinnen und Maler oben wird deutlich, dass über diesen Stil noch viel mehr gelernt werden kann, ebenso über andere ebenso gefeierte Künstlerinnen und Künstler, die nicht immer auf solchen Listen auftauchen. Wenn dir diese Künstlerinnen und Künstler gefallen haben, empfehlen wir dir, auch unseren Artikel zur minimalistischen Kunst zu lesen und dein Wissen über die Bewegung zu vertiefen.

Häufig gestellte Fragen

Was war die Minimalismus-Kunstbewegung?

Minimalismus entwickelte sich in den Vereinigten Staaten und explodierte in den 1960er-Jahren in der Kunstszene. Künstlerinnen und Künstler, die mit diesem neuen Stil experimentierten, schufen Gemälde und Skulpturen aus einfachen geometrischen Formen wie Rechtecken und Quadraten. Minimalistische Werke zeigten eine Wertschätzung für Qualitäten wie Ehrlichkeit, Struktur, Einfachheit und Balance.

Wer war der bekannteste Minimalismus-Künstler?

Da der Minimalismus in den 1960er- und 1970er-Jahren rasant wuchs, galten mehrere bekannte Künstlerinnen und Künstler als Wegbereiter der Bewegung. Dazu gehörten Agnes Martin, Sol LeWitt, Dan Flavin, Donald Judd und Carl Andre, um nur einige zu nennen. Allgemein gilt Frank Stella als der erste Minimalismus-Künstler, da er bereits Ende der 1950er-Jahre begann, seine ikonischen «Pinstripe»-Gemälde zu schaffen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.