Mark Rothko – Rothkos Periode des Abstrakten Expressionismus

Mark Rothkos Kunstwerke durchliefen verschiedene kreative Genres, bevor er sich in den 1950er Jahren auf sein charakteristisches Muster weicher, rechteckiger Figuren festlegte, die auf einer farbigen Leinwand treiben. Die Gemälde des Abstrakten Expressionismus von Rothko waren voller Tiefe und voller Ideen und wurden stark von Philosophie und Mythologie inspiriert. Rothkos Kunst war voller emotionaler Bedeutungen, die er durch ein Spektrum von Formen vermittelte, das von figurativ bis abstrakt reichte und stark von der griechischen Mythologie, Nietzsche und seiner russisch-jüdischen Herkunft beeinflusst war.

Mark Rothkos Biografie

Die frühen Werke Mark Rothkos, zu denen Landschaften, Stillleben, Charakteranalysen und Porträts gehören, zeigen sein Talent, den Expressionismus mit dem Surrealismus zu verbinden. Sein Streben nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten führte zu seinen Farbfeldbildern, die mit schillernden Farben ein Gefühl von Spiritualität erzeugen. Mark Rothkos sozialrevolutionäre Ansichten aus seiner Kindheit blieben ihm sein ganzes Leben lang erhalten.

Insbesondere setzte er sich für die völlige Redefreiheit der Künstler ein, die seiner Meinung nach durch den Markt untergraben wurde. Diese Überzeugung brachte ihn häufig in Konflikt mit dem Establishment der Kunstindustrie, was ihn dazu veranlasste, öffentlich auf Kritik zu antworten und gelegentlich Verträge, Verkäufe und Ausstellungen zu verweigern.

Kindheit

Marcus Rothkovich wurde als Sohn von Jacob und Anna Rothkovich in Dvinsk, Lettland, geboren. Aufgrund der ständigen Feindseligkeit der Russen gegenüber zionistischen Juden wanderte Marcus‘ Vater 1910 mit seinen beiden älteren Söhnen und 1913 mit dem Rest seines Haushalts in die Vereinigten Staaten aus. Sie landeten in Portland, Oregon, aber Jakob starb nur wenige Monate nach ihrer Ankunft und zwang sie, in ihrem neuen Land zu arbeiten, obwohl sie nur Hebräisch und Russisch verstanden.

Rothko wurde gezwungen, Englisch zu lernen und zu arbeiten, als er noch sehr jung war, was ihm einen sauren Geschmack im Mund wegen seiner verlorenen Jugend hinterließ.

Gelatinsilberfotografie von Mark Rothko, aufgenommen um 1949 von Consuelo Kanaga, im Brooklyn Museum in New York City; Consuelo Kanaga, Keine Einschränkungen, via Wikimedia Commons 

Er machte vorzeitig seinen Abschluss an der Lincoln High School, weil er sich mehr für Musik als für visuelle Kunst interessierte. Ihm wurde ein Stipendium an der Yale University angeboten, aber er entdeckte bald, dass das Umfeld dort traditionell und restriktiv war, und brach das Studium 1923 ohne Abschluss ab.

Frühe Ausbildung

Nachdem er Yale verlassen hatte, zog Rothko nach New York City, „um ein bisschen zu bummeln und zu hungern“, wie er es ausdrückte. In den folgenden Jahren arbeitete er in Gelegenheitsjobs und besuchte die Workshops für Figurenzeichnen und Stillleben von Max Weber an der Art Students League, die ihm als einzige kreative Ausbildung diente.

Rothkos frühe Arbeiten waren vor allem Porträts, Nudisten und Stadtansichten.

Foto von Mark Rothkos früherem Atelier in 153 East 69th Street, zwischen Lexington und Third Avenues in Manhattan, New York City; Beyond My Ken, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Bei einer anschließenden Reise nach Portland wurde Rothko ausgewählt, 1928 in einer Gruppenausstellung in der Opportunity Gallery neben Milton Avery und Lou Harris aufzutreten. Das war ein großer Erfolg für einen jungen Ausländer, der das College verlassen und erst drei Jahre zuvor mit der Malerei begonnen hatte.

Reifezeit

Mitte der 1930er Jahre waren die Auswirkungen der Großen Rezession in der gesamten amerikanischen Kultur zu spüren, und Rothko beschäftigte sich mit den politischen und sozialen Auswirkungen der Massenarbeitslosigkeit. Dies veranlasste ihn, an Treffen der sozialistischen Künstlervereinigung teilzunehmen. Unter anderem setzten er und viele andere Designer sich für eine städtische Galerie in dieser Stadt ein, die schließlich bewilligt wurde.

In der Staffeleiabteilung der Works Progress Administration lernte Rothko zahlreiche andere Künstler kennen, aber am wohlsten fühlte er sich in einem Kreis anderer russisch-jüdischer Künstler. Diese Gruppe, zu der auch Joseph Solman, Adolph Gottlieb und John Graham gehörten, stellte 1934 in der Galerie Secession aus und wurde dann als „The Ten“ bekannt. „The Ten: Whitney Dissenters“ wurde 1936 in den Mercury Galleries ausgestellt, kaum drei Tage nach der Whitney-Ausstellung, gegen die sie protestierten.

In den 1930er Jahren war sein vom Expressionismus beeinflusstes Werk durch klaustrophobische, urbane Themen gekennzeichnet, die er in häufig säuerlichen Farbtönen darstellte, wie z.B. „Entrance to Subway“ (1938). In den 1940er Jahren wurde er jedoch vom Surrealismus beeinflusst und wandte sich vom Expressionismus ab, um abstraktere Bilder zu schaffen, die humanoide, pflanzliche und tierische Formen miteinander verbinden. Diese verglich er mit archaischen Emblemen, von denen er glaubte, dass sie die in alten Erzählungen enthaltenen Gefühle vermitteln könnten.

Rothko begann, die Menschheit als in einen legendären Kampf mit seinem persönlichen Willen und der Natur verwickelt zu betrachten. 1939 nahm er eine vorübergehende Auszeit von der Malerei, um Mythologie und Philosophie zu studieren, wobei er besondere Bedeutung in Nietzsches Geburt der Tragödie fand. Er war besessen vom Ausdruck innerer Emotionen und nicht von der Ähnlichkeit der Darstellung.

In dieser Zeit wurde Rothkos Privatleben von seiner akuten Verzweiflung und einer wahrscheinlich unentdeckten bipolaren Störung überschattet. Er heiratete 1932 die Schmuckdesignerin Edith Sachar, trennte sich aber 1945 von ihr, um erneut mit Mary Alice Beistel zu heiraten, mit der er zwei Töchter hatte.  Während Rothko manchmal zusammen mit Still und Newman als einer der drei Hauptinspiratoren der Farbfeldmalerei angesehen wird, gab es in seinen Werken mehrere plötzliche und klar definierte Stiländerungen.

Der Wendepunkt kam in den späten 1940er Jahren, als er begann, Prototypen für seine populärsten Werke anzufertigen. In der Folge wurden seine „Multi-Formen“ bekannt: Figuren fehlen völlig, und die Arrangements werden von vielen weichkantigen Farbklumpen dominiert, die im Raum zu schweben scheinen.

Rothko versuchte, alle Grenzen zwischen dem Schöpfer, dem Kunstwerk und dem Betrachter aufzuheben. Er entschied sich für eine Strategie, bei der die schimmernde Farbe das Gesichtsfeld des Betrachters überwältigt. Seine Bilder sollten den Betrachter vollständig umgeben und ihn aus der mechanistischen, kommerziellen Kultur herausheben, die Künstler wie Rothko verachteten.

1949 verringerte Rothko die Anzahl der Formen in seinen Gemälden drastisch und dehnte sie so aus, dass sie die Leinwand ausfüllten und über beschädigten Farbfeldern schwebten, die nur an den Rändern zu erkennen waren. Diese bekanntesten Gemälde sind als „Sectionals“ bekannt geworden, weil Rothko der Meinung war, dass sie besser zu seinem Ziel passten, universelle Symbole der menschlichen Not zu schaffen. Mark Rothkos Kunstwerke, so behauptete er, seien keine Selbstdarstellung, sondern vielmehr Aussagen über den Status des Menschen.

Rothko arbeitete tatsächlich bis zu seinem Tod an den „Sectionals“ weiter. Sie gelten als ziemlich verwirrend, da ihre formale Absicht im Widerspruch zu ihrer Bedeutung steht. Rothko selbst bemerkte, dass seine stilistischen Veränderungen durch die zunehmende Klarheit seiner Inhalte inspiriert waren.

Die All-Over-Kompositionen, die aufgeweichten Ränder, die Kontinuität der Farben und die Fülle der Formen waren allesamt Teil von Rothkos Entwicklung hin zu einem mystischen Gefühl des Erhabenen, das sein Ziel war. „Die Bewegung der künstlerischen Produktion wird zur Klarheit führen, während sie sich im Raum von Punkt zu Punkt bewegt“, erklärte er, „zur Auslöschung aller Hindernisse zwischen dem Künstler und dem Konzept und zwischen der Vision und dem Betrachter.“

Rothko erhielt im Laufe seiner Karriere mehrere Auszeichnungen, darunter die Ernennung zum Vertreter der Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig 1958. Doch das Lob schien Rothkos aufgewühlte Seele nie zu besänftigen, und er wurde als harte und streitlustige Person bekannt. Er lehnte einen Preis der Guggenheim Foundation ab, weil er sich gegen die Vorstellung wehrte, dass Kunst aggressiv sein sollte.

Er war immer selbstbewusst und geradeheraus, wenn es um seine Meinung ging: „Ich bin nicht einmal ein Abstraktionist“, erklärte er einmal. Er verzichtete darauf, seine Werke als „ungegenständliche, farbenfrohe Gemälde“ zu bezeichnen. Vielmehr betonte er, dass diese Gemälde von Rothko von menschlichen Emotionen wie „Tragödie, Freude und Schrecken“ inspiriert wurden. Er vertrat die Ansicht, dass Kunst eher in Bezug auf die menschliche Existenz als auf den Eindruck formaler Bindungen zu verstehen sei. Er bestritt auch, ein Kolorist zu sein, ungeachtet der Tatsache, dass Farbe für seine Arbeit wichtig war.

Rothko war dafür bekannt, dass er für seine Prinzipien einstand, auch wenn er dafür einen hohen Preis zahlen musste. In einem selbstzerstörerischen Racheakt lehnte er 1953 ein Angebot des Whitney Museums ab, zwei seiner Leinwände zu kaufen, weil er „eine starke Fürsorge für das Leben hatte, das meine Werke in der Welt führen würden.“

Eine weitere wichtige Arbeit, die ihn unglücklich machen sollte, war die Reihe von Gemälden, die er 1958 für das Seagram Building anfertigte.

Anfangs fühlte er sich von der Idee angezogen, seine Arbeit in einen architektonischen Kontext zu stellen, weil er Vasaris und Michelangelos Kapellen bewunderte.
Er verbrachte zwei Jahre damit, drei Sammlungen von Werken für dieses Bauwerk zu schaffen, war aber von den ersten beiden enttäuscht; dann ärgerte er sich über den Gedanken, dass seine Gemälde in dem verschwenderischen Restaurant Four Seasons ausgestellt werden sollten. Rothkos soziale Überzeugungen trieben ihn dazu, den Auftrag zu kündigen, weil er sein eigenes Image oder seine Würde als Maler nicht mit der extravaganten Umgebung vereinbaren konnte.

Spätphase

John und Dominique de Menil, berühmte Kunstsammler und Wohltäter aus Houston, gaben Rothko 1964 einen umfangreichen Auftrag. Er sollte massive Kunstwerke für eine nicht-konfessionelle Kirche auf dem Campus der Katholischen Universität St. Thomas anfertigen, wo Dominique den Vorsitz der Kunstabteilung innehatte. Er schuf 14 Gemälde und arbeitete mit einer Gruppe von Architekten zusammen, um einen ruhigen Raum mit einer dunklen Farbpalette zu schaffen. Seitdem hat die Rothko-Kapelle internationale Versammlungen einiger der am meisten verehrten religiösen Persönlichkeiten der Welt beherbergt, darunter auch den Dalai Lama.

Im Jahr 1968 wurde Rothko für einige Wochen ins Krankenhaus eingeliefert, nachdem er ein Aortenaneurysma erlitten hatte. Diese Nahtoderfahrung sollte ihn sein ganzes Leben lang verfolgen. Er war frustriert, dass seine Kunst nicht mit dem Respekt und der Hingabe behandelt wurde, die sie seiner Meinung nach verdiente.

Er begann auch zu befürchten, dass seine Kunst kein bedeutendes Erbe hinterlassen würde, was ihn dazu veranlasste, mit seiner letzten großen Serie, Schwarz auf Grau (1970), zu beginnen, die 25 Gemälde umfasste und eine deutliche Abkehr von seinem früheren Werk bedeutete.

Die Arbeit konnte seine Stimmung jedoch nicht heben, und im Alter von 66 Jahren beging Rothko Selbstmord durch Antidepressiva. Am 25. Februar 1970 kam sein Assistent Oliver Steindecker ins Atelier und fand ihn auf dem Boden der Toilette. Viele seiner Bekannten waren nicht schockiert über Rothkos plötzlichen und dramatischen Tod und behaupteten, dass er seinen Antrieb und seine Motivation verloren hatte.

Einige spekulierten, dass Rothko wie andere gestörte Künstler vor ihm dem Prozess der Selbstvernichtung des gequälten Künstlers erlegen war.

Kurz nach seinem Tod wurden drei seiner engsten Vertrauten zu Vormündern seines Vermögens ernannt und übergaben die rund 800 Werke heimlich für einen Hungerlohn an die Marlborough Gallery, die Rothko seit einigen Jahren betreut hatte. Kate Rothko, Rothkos Tochter, brachte die Männer und die Galerie in einem berüchtigt hässlichen und langen Rechtsstreit vor Gericht.

Während des langwierigen Rechtsstreits wurden die gelegentlich illegalen und unmoralischen Handlungen der Kunstwelt zum ersten Mal öffentlich aufgedeckt. Die Rothko-Kinder gewannen schließlich den Prozess und bekamen die Hälfte des Vermögens.

Der „Rothko-Fall“ war laut Time-Autor Robert Hughes weitgehend für das verantwortlich, was er den „Tod des Abstract Expressionismus“ nannte.  

Wichtige Gemälde von Rothko

Rothko sprach auch über seine Vorstellung von einer gemeinschaftlichen Psyche, die in der Antike und der Mythologie begründet ist. Geschichten, so argumentierte er, erforschten die Grundlagen der menschlichen Erfahrung: „Wenn die Namen meiner Bilder bekannte Mythen aus der Antike heraufbeschwören. Ich habe sie ausgewählt, weil sie die zeitlosen Symbole sind, auf die wir uns verlassen müssen, um grundlegende psychologische Konzepte auszudrücken. Sie sind die Embleme für die grundlegenden Ängste und Triebe des Menschen, die sich nur im Grad, aber nie im Wesen verändern, und die zeitgenössische Psychologie findet sie in unseren Träumen, in der Umgangssprache und in der Kunst beständig, trotz der Veränderungen in den äußeren Bedingungen des Lebens.“

Hier sind einige Beispiele für die wichtigsten Gemälde von Rothko.

Crucifixion (1935)

Im November 1936 war Rothko einer von mehreren Malern, die von Joseph Brummer eingeladen wurden, in der Galerie Bonaparte in Paris auszustellen; die Kreuzigung war eines der ausgestellten Werke. Rothkos Werke zeigten laut dem französischen Kritiker Waldemar George eine Sehnsucht nach der italienischen Kunst des 14. Jahrhunderts und wiesen „einen echten koloristischen Wert“ auf.

Dieses Werk wird kontextuell mit der christlichen Kunst der Renaissance in Verbindung gebracht, aber es enthält auch Hommagen an die „Beweinung des toten Christus“ (1637) von Rembrandt.

Die beiden Kreuze im Vordergrund, das dritte, das hinten abgetrennt ist, und die Figurentrauben erinnern an Rembrandts Kunstwerk. Dieses Werk ist von Rothkowitz signiert, weil er erst 1940 zu Rothko wurde.

Eingang zur U-Bahn (1938)

Rothkos Faszination für das aktuelle Stadtleben wird in diesem frühen figurativen Gemälde deutlich. Die architektonischen Elemente des Bahnhofs, darunter die Fahrkartenschranken und das „N“ an der Wand, sind wackelig nachempfunden. Obwohl der impressionistische Einfluss die Atmosphäre der Fotos abschwächt, repräsentiert er viele der Ansichten des Künstlers über die moderne Metropole.

New York City sollte seelenlos und unnatürlich sein, und die gesichtslosen, kaum gezeichneten Gesichter der Figuren spiegeln einen Teil davon wider.

Ödipus (1944)

In den frühen 1940er Jahren war die griechische Mythologie ein wichtiges Thema in Rothkos Kunstwerken. Ödipus, der das Rätsel der Sphinx gelöst haben soll, war sowohl der Mörder seines Vaters als auch der Liebhaber seiner Mutter. Seine Geschichte hat sowohl Künstler als auch Psychologen beeinflusst.

Für Rothko verkörperte er die Opfer von Ego und Wut, die er als die Quelle des schrecklichen Charakters des Menschen sah.

Wie andere figurative Künstler seiner Zeit zerlegte Rothko seine Figuren und fügte sie dann so zusammen, dass sie eine einzige Masse menschlicher Ansammlung bildeten. Mit diesem Ansatz hoffte Rothko zu vermitteln, wie der Kummer die Menschheit zusammenhält. Die Menschen scheinen in einer ungewöhnlichen Ecke eines seltsam gestalteten Raumes versammelt zu sein.

Das blau-grüne Zickzackmuster taucht in einer Reihe seiner mythischen Gemälde auf.

„Wenn unsere Namen an bekannte Geschichten aus der Antike erinnern, haben wir sie wieder verwendet, weil sie die zeitlosen Symbole sind, auf die wir zurückgreifen müssen, um wesentliche psychologische Begriffe zu vermitteln“, bemerkte Rothko. „Sie drücken etwas Echtes und Existentes in uns selbst aus.“

Slow Swirl at the Edge of the Sea (1944)

Dieses Gemälde ist ein Beispiel für Rothkos Surrealistische Phase. Der Einfluss von Miro ist am deutlichsten zu erkennen, vor allem in Miros Die Familie (1924). Rothkos All-Over-Komposition aus gedämpften Farbtönen, seltsamen transparenten Formen, horizontalen Linien, Kurven und Wirbeln schafft ein dynamisches und doch verschleiertes Bild einer unbekannten Urwelt.

Dieses bezaubernde Bild, das er während seiner Beziehung zu Mary Beistel malte, die später seine zweite Frau wurde, kann auch als eine Romanze in einem mythologischen und magischen Reich betrachtet werden, in dem die Figuren das Wasser genießen, während eine rosafarbene Morgendämmerung über den Horizont bricht.

Nr. 9 (1947)

Im Frühjahr 1949 stellte Rothko 11 Kunstwerke in der Betty Parsons Gallery aus, darunter auch No. 9. In Abkehr von seinen früheren Figuren und Landschaften bestanden die „Multiformen“, von denen dies ein Beispiel ist, aus undeutlichen Formen, die aus aufeinanderfolgenden Farbschichten entstanden.

Das Gemälde ist ein Vorbote von Rothkos Durchbruch zu den sogenannten „Sectionals“ im Jahr 1949.

Die wärmeren Gelb-, Orange- und Rottöne von Nr. 9 werden von einer seltsamen schwarzen Masse unterbrochen, die sich von links nähert, sowie von buschigen bläulichen Spiralen in der unteren Hälfte. Es gibt unscharfe Ränder, geteilte Farbblöcke und die Anfänge von rechteckigen Registern sowie einige Größen- und Maßstabsexperimente.

Rothko hingegen sah diese Muster als Dinge, die mit seiner Lebenskraft ausgestattet waren – Lebensformen, die den Drang zum Selbstausdruck haben.

Vier Dunkle in Rot (1958)

1969 stellte Rothko 11 Gemälde in der Sidney Janis Gallery aus, vor allem Four Darks in Red. Das Werk ist ein Beispiel für Rothkos späte Vorliebe für Braun- und Rottöne mit seiner düsteren, begrenzten Farbpalette. Es diente als Vorbild für die dunklere Farbpalette und die horizontale Anordnung, die er später in den Seagram Building-Arbeiten verwenden sollte, die jedoch nie montiert wurden.

Obwohl die Ikonografie von Gemälden wie „Four Darks in Red“ weit von der seiner anderen Werke entfernt zu sein schien, war Rothko der Meinung, dass die Rechtecke nur ein neues Mittel darstellten, um die Präsenzen oder Geister darzustellen, die er in seinen früheren Werken versucht hatte einzufangen.

Die Rothko-Kapelle (1965)

Die Rothko-Kapelle auf dem Campus der St. Thomas Catholic University wurde von Dominique und John de Menil finanziert und enthält 14 Rothko-Wandmalereien. Drei Triptychen und fünf einzelne Gemälde sind dabei.

Alle diese Kunstwerke sind unglaublich groß und in dunklem Kastanienbraun, Violett und Schwarz gehalten.

Rothko arbeitete intensiv mit den Architekten zusammen und übte fast die gesamte Kontrolle über die Gestaltung des Bauwerks und die kontemplative Umgebung darin aus. Die Dunkelheit der Werke kann als melancholisch und als Anspielung auf Rothkos Stimmung in seinen letzten Jahren gesehen werden.

Unglücklicherweise hat Rothko die offizielle Eröffnung der Kapelle nicht mehr erlebt.

Untitled, Black on Gray (1969)

Rothko lud viele Mitglieder der New Yorker Kunstelite in sein Atelier ein, um seine letzte Gemäldeserie, die Schwarz auf Grau, zu betrachten. Während der Vorfall meist im Verborgenen stattfand, spekulierten andere, dass es sich dabei um Vorboten seines Todes handelte. Andere vermuteten aufgrund der Bekanntheit von Mondbildern in der Populärkultur, dass es sich um Darstellungen von Mondlandschaften handelte, während wieder andere annahmen, dass es sich um Gemälde von Nachtaufnahmen handelte.

Im Durchschnitt wurden sie nicht ernst genommen, was für Rothko sowohl herzzerreißend als auch beruhigend war, da er oft dachte, dass die inneren Welten seiner Bilder nur für ihn selbst verständlich waren.

Weil Rothko gerne „gegen“ malt, wurden die Schwarz auf Grau Gemälde direkt auf eine weiße Leinwand und ohne Untermalung gemalt. Er produzierte nur in zwei Registern, reduzierte die Farben und schrumpfte das Gemälde auf einen handlicheren und persönlicheren Maßstab.

Der starke Kontrast zwischen Hell und Dunkel erzeugt Trauer, die sich wie ein legendäres und tragisches psychologisches Drama entfaltet.

Vermächtnis und Ideen von Mark Rothko

Die Malerei nahm Rothkos Leben in Beschlag, und obwohl er zu Lebzeiten nicht die Anerkennung erhielt, die seine Kunst seiner Meinung nach verdiente, ist seine Popularität in den Jahren nach seinem Tod erheblich gestiegen. Obwohl er im Widerspruch zu den strengeren Malern des Abstrakten Expressionismus stand, untersuchte Rothko die kompositorische Kraft von Farbe und Form auf den menschlichen Geist.

In der Gesellschaft eines Rothko zu sein, bedeutet, in der Gesellschaft der pulsierenden Lebendigkeit seiner riesigen Gemälde zu sein; etwas von der großartigen Spiritualität zu erfahren, die er unermüdlich zu inspirieren versuchte.

Nietzsche, die Mythologie sowie jüdische und politisch-revolutionäre Ideen hatten alle einen bedeutenden Einfluss auf Rothkos Werk und Leben. Der New York Times sagte er einmal, dass er seine Bilder nicht rechtfertigen würde, weil „sie sich selbst erklären“. Nichtsdestotrotz war er ein lautstarker Unterstützer von Künstlern und veröffentlichte mehrere Kritiken sowie Artikel über die Schwierigkeiten des Kunstbetriebs.

Rothko verfasste das Manuskript für The Artist’s Reality um 1941, höchstwahrscheinlich während seiner einjährigen Malpause. Es wurde zu seinen Lebzeiten nie veröffentlicht, sondern schlummerte fast 50 Jahre lang in einem Manila-Ordner mit der Aufschrift „Miscellaneous files“.

Foto des Rothko Chapel Art Museum in Houston, Texas; Mike Linksvayer aus Oakland, Kalifornien, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Diese Abhandlungen erforschen Rothkos Gedanken über Zeitgenössische Kunst, Mythologie, Ästhetik, das Wesen der amerikanischen Kunst und die Schwierigkeiten, in seiner Kultur ein Maler zu sein. Das Buch ist insofern bemerkenswert, als es sich nie auf Rothkos persönliches Werk bezieht und stattdessen aus der Perspektive des Künstlers als Ganzes spricht. Während seine politischen Neigungen unverkennbar links waren, hatte er eine völlig subjektive Einstellung zur Theorie. In The Artist’s Reality betonte Rothko die Rolle von Malern in der Gesellschaft und wie Künstler Schöpfungsmythen auf der Grundlage ihres eigenen Fantasielebens in Realität verwandelt haben.

Er hob hervor, wie die Macht in ihren vielen Erscheinungsformen die Normen festgelegt hat, denen Künstler folgen müssen, und wie der Markt der jüngste Tyrann dieser Regeln war. Zu der Zeit, als er seine Arbeit schrieb, brach in Europa der Zweite Weltkrieg aus, und die Angst vor Uniformität und Diktatur prägte Rothkos Werk mit einem ständigen Gefühl des Unbehagens.

Vor allem trat Rothko für die Unabhängigkeit des Künstlers ein. Rothkos Politik und Poesie waren untrennbar miteinander verbunden, und sein Werk ist der beste Beweis dafür. „Ich bin immer noch ein Anarchist!“, erklärte er im Jahr vor seinem Tod.

Rothko, so der Kritiker Dore Ashton, „konnte sich nicht mit der Welt anfreunden“ und war ständig auf der Suche nach einem Ausweg. Viele haben Rothkos Gemälde im Hinblick auf seinen Selbstmord als Portale betrachtet, durch die er versuchte, eine Realität zu überwinden, in der er keinen Trost fand. Rothko behauptete in seinen Schriften immer wieder, dass seine Kunst aus der Nähe und persönlich betrachtet werden sollte und nicht aus einer sicheren, sterilisierten Distanz.

Mark Rothkos Grab auf dem East Marion Cemetery in East Marion, New York City; Delaywaves, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Für Menschen, die Rothkos Werke einschüchternd finden, mag es beruhigend sein zu wissen, dass er mit seinem Publikum sprechen wollte, anstatt es zu erschrecken. 1951 bemerkte er: „Ich weiß, dass es historisch gesehen etwas Großartiges und Anmaßendes ist, riesige Werke zu malen“. „Aber der Grund, warum ich sie male, ist genau der, dass ich persönlich und echt sein will.“

Die meisten Kritiker betrachteten Rothkos Kunstwerke als formalistisch, was dem Ziel des Künstlers widersprach, ein episches spirituelles Drama zu vermitteln. Infolgedessen dürfte er bei den meisten professionellen Kommentatoren seiner Arbeit auf wenig Gegenliebe gestoßen sein.

Er erklärte: „Alle Kunsthistoriker, Spezialisten und Kritiker sind Menschen, die ich verachte und verabscheue. Sie alle sind Parasiten, die sich vom Körper eines Kunstwerkes ernähren. Ihre Arbeit ist nicht nur ineffektiv, sondern auch trügerisch. Sie haben nichts über die Kunst oder den Maler zu sagen, das es wert ist, gehört zu werden.“

In seiner New Yorker Kolumne „The Art World“ vom März 1978 stellte Rosenberg fest: „Rothko hatte die Kunst auf Masse, Ton und Farbe reduziert, wobei der Farbton die wichtigste Zutat war.“ Rothkos „drei oder vier horizontale Farbbalken“, die er 20 Jahre lang beibehielt, waren „der Inhalt seiner emotionalen Existenz. die überschwängliche tragische Erfahrung das einzige Quellenbuch der Malerei“, erklärte er.

Mark Rothkos Gemälde durchliefen zahlreiche kreative Stile, bevor er in den 1950er Jahren zu seinem charakteristischen Muster aus weichen, rechteckigen Formen kam, die auf einer farbigen Leinwand schweben. Rothkos Gemälde des Abstrakten Expressionismus waren voller Tiefe und Ideen und wurden stark von Philosophie und Mythologie beeinflusst. Rothkos Kunst war zutiefst mit einer emotionalen Bedeutung gewichtet, die er durch ein Spektrum von Formen darstellte, das von figurativ bis abstrakt reichte und stark von der griechischen Mythologie, Nietzsche und seiner russisch-jüdischen Abstammung beeinflusst war.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Mark Rothko?

Die frühen Werke von Mark Rothko, die Landschaften, Stillleben, Charakteranalysen und Porträts umfassten, zeigten eine Vorliebe für die Mischung von Expressionismus und Surrealismus. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten schuf er seine Hue-Field-Skulpturen, die mit schillernden Farben ein spirituelles Gefühl erzeugen. Mark Rothkos jugendliche sozialrevolutionäre Überzeugungen blieben ihm bis ins Erwachsenenalter erhalten. Er setzte sich insbesondere für die uneingeschränkte Freiheit des künstlerischen Ausdrucks ein, die seiner Meinung nach durch den Markt behindert wurde. Diese Überzeugung brachte ihn regelmäßig in Konfrontation mit der Elite der Kunstwelt und veranlasste ihn, öffentlich auf Kritik zu reagieren und gelegentlich Verträge, Verkäufe und Ausstellungen abzulehnen.

Wofür war Mark Rothko berühmt?

Die Malerei nahm Rothkos Leben in Anspruch, und obwohl er zu Lebzeiten nicht die Anerkennung erhielt, die seine Bilder seiner Meinung nach verdienten, ist sein Bekanntheitsgrad in den Jahren nach seinem Tod erheblich gestiegen. Trotz seiner Meinungsverschiedenheiten mit den disziplinierteren Künstlern des Abstrakten Expressionismus untersuchte Rothko die kompositorische Kraft von Farbe und Form auf die menschliche Psyche. In der Nähe eines Rothkos zu sein, bedeutet, die pulsierende Vitalität seiner riesigen Gemälde zu erleben und, wenn auch nur für ein paar Sekunden, etwas von der schönen Spiritualität zu spüren, die er unermüdlich heraufbeschwor.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.