Edward Hopper Bilder – Die besten Gemälde

Ein Blick auf die Gemälde von Edward Hopper

Wer ist Edward Hopper? Es wird gesagt, dass es nur selten einem Künstler gelungen ist, das Gefühl der Verzweiflung und Einsamkeit des Lebens in der Stadt so darzustellen wie ihm. Edward Hoppers Kunstwerke sind einzigartig in ihrer Fähigkeit, leere Räume auszudrücken, die einen Einblick in eine Zeit geben, in der sich Amerika in den Fängen der Großen Depression befand. Seine Fähigkeit, eine Botschaft zu vermitteln, indem er seine Figuren auf bestimmte Art und Weise in Szene setzt, und die Verwendung bestimmter Farben trugen maßgeblich dazu bei, dass die Gemälde von Hopper so berühmt wurden.

Ein Foto von Edward Hopper im Jahr 1937; Harris & Ewing, Fotograf, Public domain, via Wikimedia Commons

Es gibt weniger Gemälde von Edward Hopper, als man meinen könnte, denn er arbeitete lieber methodisch und langsam und versuchte, jedes Detail perfekt einzufangen. Gegen Ende seines Lebens schuf er nur noch etwa zwei Ölgemälde pro Jahr. Edward Hoppers Werke haben einen großen Einfluss auf die kreative Welt gehabt und zahlreiche Filmemacher, Fotografen, Schriftsteller und Musiker inspiriert. Sein Stil war so gleichbedeutend mit einer bestimmten Stimmung, dass der Begriff „Hopperesk“ geprägt wurde, um einen einsamen Ton zu beschreiben.

Wir können diese Eigenschaft beobachten, indem wir einige bemerkenswerte Gemälde von Hopper untersuchen.

Haus an der Eisenbahn (1925)

Hoppers „House by the Train“ strahlt am späten Nachmittag. Es zeigt ein prächtiges viktorianisches Herrenhaus, dessen Fundament und Gärten von Eisenbahnschienen bedeckt sind. Die Schienen bilden eine grafische Begrenzung, die den Eingang des Hauses zu versperren scheint, das in einer ansonsten kargen Umgebung isoliert ist. Der Kontrast zwischen dem Haus und den Eisenbahnschienen könnte als Konflikt im Amerika des frühen 20. Jahrhunderts zwischen der Starrheit der Traditionen und dem Potenzial der Bewegung gesehen werden.

Gleichzeitig erinnern diese Merkmale an die ruhige und doch dynamische Stimmung, die ein Markenzeichen der Gemälde von Hopper ist.

House by the Railroad (1925) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Hopper malte genau studierte Stadtszenen, Landschaften (vor allem in Neuengland) und Innenräume, von denen viele nur spärlich oder gar nicht bevölkert waren. Obwohl er betonte, dass es sich bei seinen Werken um einfache Darstellungen der realen Welt handelt, sind sie häufig von einem Gefühl der Isolation, Entfremdung, Stille und Mystik durchdrungen. Die Beleuchtung, ob organisch oder künstlich, ist entscheidend für die Schaffung einer Atmosphäre. Es ist ein Kunstwerk, das wir heute mit Traurigkeit assoziieren. Hopper behauptete, seine Kunstwerke seien nicht gefühlsbetont, sondern nur realistisch.

Aber wenn wir dieses Gemälde jetzt betrachten, überkommt uns ein Gefühl. Es wird angenommen, dass es eher das Gefühl als das Objektive ist, das Hopper als einen nachhaltigeren Maler auszeichnet als viele seiner Zeitgenossen.

Automat (1927)

Dieses Kunstwerk von Edward Hopper zeigt eine Dame, die allein in einem Automaten sitzt und eine Tasse Kaffee genießt. Die Bilder und Symbole dieses Kunstwerks sollen die brisante Zeit widerspiegeln, in der es entstanden ist. Die einsame Frau, die in einem Automatenrestaurant sitzt, ist der auffälligste Anblick im Automat. Der Betrachter kann die tiefe Dunkelheit durch die Fenster hinter ihr sehen. Der einfallsreiche Einsatz von Ölfarbe erzeugt ein reflektiertes Licht, das das Gefühl der Isolation noch verstärkt. Das Kunstwerk ist in den Roaring 20s entstanden, doch sie scheint kein Teil davon zu sein.

Dieses Kunstwerk setzt Licht und Schatten ein, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die zahlreichen Botschaften in seinem Kunstwerk zu lenken. Die Melancholie der Frau wird durch den abgedunkelten Raum und die Schatten unter der Tischplatte hervorgehoben.

Automat (1927) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Außerdem scheinen der gebleichte Teint und der leblose Ausdruck der Frau den Betrachter zu verführen. Sein Einsatz von Symmetrie erzeugt kraftvolle Bilder und bleibt dabei unaufdringlich. Die leuchtenden Farbtöne und starren Formen, wie das große schwarze Fenster, das nur schillernde Lichter zeigt, stellen eine großartige architektonische Form dar. Die übermäßig weiße Teetasse und der Teller werden ebenfalls verwendet, um den Fokus auf die einsame Person zu lenken. Edward Hopper nutzte seine unverwechselbare Technik, um die verschiedenen Paradoxien der 1920er Jahre darzustellen.

Die Darstellung einer einsamen Frau, die lebhaften Farbtöne und die geometrische Struktur tragen zu einem starken visuellen Bild bei. Mit diesem Gemälde drückte er seine Gefühle über die Zeit aus, in der er lebte.

Chop Suey (1929)

Hopper beschäftigte sich vor allem mit kollektiven menschlichen Idealen, und er nutzte die Kunst, um die Prozesse in der heutigen Zeit aufzuzeigen. Chop Suey, Hoppers bekanntestes Gemälde, das sich immer noch in Privatbesitz befindet, ist ein Beispiel für die geistige Tiefe, für die seine Kunst bekannt ist. Es hält ein alltägliches Szenario aus einem sich schnell verändernden Amerika fest.

Hopper studierte Kunst bei Robert Henri, dem Begründer der Ashcan School, die einen harten Realismus betonte. Obwohl sich seine Technik im Laufe der Jahre weiterentwickelte, hat Hopper die grundlegende Anweisung von Henri nie verworfen: die Stadt und das Leben in der Nachbarschaft darzustellen, mit dem er am meisten vertraut war.

Während sich einige seiner Kollegen zur schrillen Bohème hingezogen fühlten, zog es Hopper zu den ruhigeren, alltäglichen Geschichten, die in bescheidenen Umgebungen wie asiatischen Restaurants, Automaten und Cafés spielen.

Chop Suey (1929) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Mitte der 1920er Jahre hatten sich Chop-Suey-Restaurants zu modischen Imbissbuden entwickelt, in denen die aufstrebende Mittelschicht einen schnellen Happen essen konnte. Edward  Hoppers Ölgemälde wurden häufig von einer Mischung aus seinen früheren Begegnungen beeinflusst, und Chop Suey soll weitgehend von Lokalen inspiriert worden sein, die der Maler in den 1920er Jahren besuchte. Der Far East Tea Garden war ein Lokal, das Hopper und seine Frau in den ersten Jahren ihrer Beziehung häufig aufsuchten.

Das Empire Chop Suey Gebäude, in dem die Hoppers 1927 mehrere Monate verbrachten, hatte eine 24 Fuß hohe und 600 Pfund schwere Plakatwand, die identisch mit der auf dem Bild ist. Keine der beiden Einrichtungen ist noch in Betrieb.

Frühen Sonntagmorgen (1930)

Early Sunday Morning ist ein Kunstwerk, das man als ruhige und beschauliche Szene verschlossener lokaler Geschäfte oder als Kommentar zur Depression sehen kann. In einem Gespräch erwähnte Hopper, dass das Wort „Sonntag“ nicht im Namen des ursprünglichen Gemäldes vorkommt. „Ich genieße auch den frühen Sonntagmorgen, aber das war nicht immer an einem Sonntag. Jemand anderes hat diesen Begriff hinzugefügt.“

Obwohl Hopper später sagte, dass das Gemälde praktisch eine exakte Übersetzung der Seventh Avenue sei, scheint sein Bild eher einen Eindruck von Amerika als von New York zu vermitteln. Sowohl die Friseurstangen am Bordstein als auch die weißen Vorhänge in der Wohnung im zweiten Stock stehen für das Leben der vergleichsweise kleinen Firmeninhaber im ganzen Land.

Hopper hatte ursprünglich einen Menschen in das Fenster im zweiten Stock gemalt, aber er war später der Meinung, dass das Gebäude seine Gefühle ausdrückt und malte deshalb diesen Menschen weg.

Early Sunday Morning (1930) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Mit Ausnahme des Friseursalons lässt sich anhand der Beschilderung an den Fassaden nicht erkennen, um welche Art von Unternehmen es sich handelt, aber die Proportionen der Einrichtungen deuten darauf hin, dass sie kostengünstige Dienstleistungen und Waren anboten. Während der Großen Depression hatten wichtige Branchen wie die Stahlindustrie zu kämpfen, aber kleine Anbieter von Schuhen, Kleidung, Lebensmitteln, Medikamenten und Treibstoff blieben geöffnet und florierten in einigen Fällen: Tankstellen, Waschsalons, Schönheitssalons und Friseure, die ein wachsendes Publikum bedienen.

Die Läden in Early Sunday Morning, die sich in einem regelmäßigen Muster über die Bildgrenzen hinaus fortsetzen und die horizontale Struktur der Leinwand unterstützen, verdeutlichen die weite Verbreitung von Kleinbetrieben in den Vereinigten Staaten.

Der bräunliche Farbkanal in der oberen rechten Ecke des Bildes erinnert an die Seite eines riesigen Bauwerks und lässt die wahrscheinliche Invasion der kommerziellen Welt auf diesen hellen Block erahnen.

Büro bei Nacht (1940)

Dieses Kunstwerk von Edward Hopper zeigt einen Arbeitsplatz mit einer schönen jungen Dame in einem kleinen Kleid, die vor einem geöffneten Schrank steht, und einem etwas älteren Mann, vielleicht Anfang dreißig. Er trägt einen dreiteiligen Anzug und sitzt an einem Tisch. Die Funktion des Arbeitsplatzes ist nicht bekannt; es könnte das Büro eines Buchhalters oder der Sitz einer kleinen Firma sein. Ein Büro als Thema für ein Kunstwerk zu verwenden, war nicht üblich, aber Hopper hatte durch seine Designarbeit für verschiedene Zeitschriften ein großes Verständnis für die Darstellung von Büroräumen entwickelt und konnte diese Fähigkeiten auf seine Kunst übertragen.

„Den Anstoß dazu gaben wahrscheinlich mehrere Fahrten mit dem ‚L‘-Zug in New York City, nachdem ich mitternächtliche Blicke auf Geschäftsräume geworfen hatte, die so flüchtig waren, dass sie lebhafte und starke Bilder in meinem Kopf hinterließen“, sagte Edward Hopper.

Office at Night (1940) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Dies ist kein hochkarätiger Arbeitsplatz, wie die seltsame Keilform des Raumes und die bescheidene Größe des Arbeitsplatzes des Mannes zeigen. Es gibt auch einen kleinen Arbeitsplatz mit einer Schreibmaschine darauf. Das deutet darauf hin, dass die Frau vielleicht seine Empfangsdame ist. Es gibt auch eine potenziell sexuelle Interpretation der Verbindung zwischen den beiden Menschen. Das Bewegen von Vorhängen oder Jalousien scheint in diesem Bild geistige oder körperliche Unterströmungen widerzuspiegeln, so wie in vielen von Hoppers Gemälden.

Ziellose Vorhänge in anderen Werken Hoppers scheinen auf psychischen Stillstand oder ein Versagen in der Kommunikation hinzuweisen.

Nighthawks (1942)

Der Anlass für dieses berühmte Kunstwerk von Edward Hopper war „ein Café in der New Yorker Greenwich Avenue, wo sich zwei Straßen kreuzen“, so Edward Hopper. Doch das Gemälde hat mit seiner sorgfältig ausgearbeiteten Anordnung und dem Fehlen einer Geschichte einen ewigen, zeitlosen Aspekt, der über den konkreten Ort hinausgeht. Das Bild zeigt ein Nachtrestaurant mit drei Gästen, die alle in ihre eigenen Gedanken vertieft sind, und ist eine der bekanntesten Szenen der Kunst des 20.

Die Brillanz des Kunstwerks rührt von Hoppers Wissen um das ausdrucksstarke Potenzial des Lichts, das auf einfache Formen wirkt.

Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

In den frühen 1940er Jahren war die Leuchtstoffröhrenbeleuchtung gerade erst populär geworden, und das Nachtcafé strahlt wie ein Leuchtturm an einer dunklen Straßenecke. Hopper hat alle Spuren eines Eingangs entfernt, und der Betrachter, der von der Helligkeit angelockt wird, wird durch ein durchgehendes Stück der Scheibe vom Bild abgeschnitten. Die vier namenlosen und ungeselligen Menschen scheinen vom Betrachter genauso weit entfernt zu sein wie von einander. (Die Ehefrau des Künstlers, Jo, hat für die rothaarige Dame posiert.)

Edward Hopper behauptete, dass er seine Werke bewusst mit der Symbolik von persönlicher Einsamkeit und großstädtischer Trostlosigkeit durchtränkte, obwohl er zugab, dass er in diesem speziellen Gemälde „möglicherweise unbeabsichtigt die Melancholie einer riesigen Metropole darstellte.“

Hotel Lobby (1943)

Das Kunstwerk stellt zwei Damen und einen Herrn im Empfangsbereich eines Hotels dar. Eine Dame mit Locken und einem blauen Kleid sitzt mit gekreuzten Beinen an der Seite und liest einen Roman. Eine ältere Dame in einem karmesinroten Kleid, einer Jacke und einer Mütze sitzt auf der anderen Seite. Neben ihr steht ein Mann mit einem Hemd und einer über den Unterarm geworfenen Jacke und blickt nach vorne. An der gegenüberliegenden Wand, über der Dame, hängt ein montiertes Landschaftsbild. Hinter dem Concierge-Schreibtisch ist eine Empfangsdame in der Dunkelheit praktisch unsichtbar.

„Hotel Lobby“ ist ein wegweisendes Werk Hoppers, das seine traditionellen Konzepte von Isolation und Strenge illustriert.

Hotel Lobby (1943) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Während seines Berufs reisten die Hoppers viel und übernachteten in verschiedenen Hotels und Resorts. Dies ist eines von zwei Hotelmotiven in seinem Repertoire, das andere ist Hotel Window (1955). Es ist auch eines der Kunstwerke aus dem Jahr 1952, die sich mit entfremdeten Ehepartnern beschäftigen. Bei dem älteren Paar soll es sich um Hopper und seine Ehefrau handeln, die in ihren 60ern sind.

Die Mäzene wurden als „wandernd und in der Zeit gefangen“ beschrieben und zeigen eine düstere und tragische Atmosphäre, die an klassische Filme, die Hopper gesehen haben könnte, und an das komplizierte Design und die Emotionen von Gemälden von Edgar Degas erinnert.

Zimmer am Meer (1951)

Dieses Edward Hopper-Kunstwerk wurde von seinem Atelier in Cape Cod inspiriert. Seine Ästhetik entspricht ganz der Methode, die er während seiner gesamten Karriere verwendete. Es wurde als die Szene angegeben, die er vom Hintereingang seines Ateliers aus beobachtet hätte, und es ist ein wortwörtliches Bild der Stille und Einsamkeit. Edward Hopper war schon früh vom Licht fasziniert und beschrieb einen Moment, in dem er zum ersten Mal einen Lichtkontrast beobachtete, bei dem eine Seite stärker war als die andere, was zu einem bedeutenden Motiv in seinen Bildern wurde.

Sein Einfluss endete jedoch nicht dort; er unterhielt sich mit Kollegen darüber, wie ein geschlossener Raum aussehen könnte, wenn niemand anwesend war.

Das Konzept eines leeren Gebäudes kann Präsenz vermitteln, und dieser Gedanke wird ihn sein ganzes Leben lang begleiten. Rooms by the Sea schafft mit seiner halluzinatorischen Atmosphäre einen beunruhigenden Aufruhr. Auf der einen Seite ein einfacher Raum, der in eintönigen Farben erstrahlt, und auf der anderen Seite ein lebensfroher Raum, der von der Sonne verschlungen wird und jeden zum Springen verleitet. Der ursprüngliche Titel war Rooms by the Sea. Alias the Jumping Off Place, was auch angemessen war.

Edward Hoppers Kunstwerk war das Markenzeichen eines Menschen mit Bewusstsein und Verständnis für das Universum; seine Anziehungskraft kam durch seine schlichten Bilder.

Wenn er jedoch kompetent wäre, wäre er wahrscheinlich kein so hervorragender Künstler. Edward Hopper nutzte Gegenstände als Porträt von sich selbst und seiner Umgebung als Symbol dafür, wie er seine eigene Realität sieht, und schuf persönliche Kunstwerke, von denen nur er wusste, was sie darstellten. Aufgrund dieser Ästhetik inspiriert Rooms by the Sea auch heute noch Ehrfurcht und Kontroversen.

Büro in einer kleinen Stadt (1953)

Gegen Sommer 1930 mieteten Hopper und seine Frau ein Haus in Truro, Massachusetts, und kehrten bis in die 1950er Jahre regelmäßig dorthin zurück. Im Jahr 1953 begann Hopper während seines Urlaubs in Truro mit der Arbeit an Office in a Small City und stellte es im Herbst in seinem New Yorker Atelier fertig. Anstatt die Landschaft von Cape Cod zu zeigen, stellt Office in a Small City eine Situation dar, die sich in jeder amerikanischen Gegend Mitte des 20. Sein Ziel war es, das Gefühl einer einsamen und isolierten Büroumgebung hoch über dem Boden zu erwecken, indem er Bürogeräte verwendet, die für ihn eine ganz besondere Bedeutung haben.

In diesem Bild ist der einsame Büroangestellte sowohl emotional als auch physisch abgekapselt.

Es gibt keinen Hinweis auf seinen Beruf; er sieht aus, als würde er grübeln, anstatt zu arbeiten. Die konsumige Büroeinrichtung, das mechanische Ambiente des Arbeitsplatzes und die Trennung des Mannes von seinen unsichtbaren Kollegen spiegeln das Nachkriegsethos der amerikanischen Industrie wider. Trotz der Luft und des Lichts, die sein Eckbüro bietet, scheint er an einen Ort gebunden zu sein. Er wird vom Bürofenster flankiert, und sein Gesicht hebt sich von dem anderen Bildschirm und der gegenüberliegenden Gebäudewand ab, was darauf hindeutet, dass er in seiner Umgebung eingeschlossen ist.

Die Einsamkeit des Mannes sowie die Gegenüberstellung der rauen, industriellen oberen Ebene des Gebäudes und der schönen Scheinfassade, die unten rechts zu sehen ist, spiegeln Hoppers eigenes Unbehagen gegenüber zeitgenössischen Städten wider.

Two Comedians (1966)

Two Comedians, Edward Hoppers letztes Gemälde, entstand im Alter von 83 Jahren als eine intime Botschaft, eine Art Abschied. Wie Jo später feststellte, zeigt das Bild die beiden, die sich elegant verabschieden. Beide waren in ihren Siebzigern und krank; Hopper starb ein paar Jahre später und seine Frau ein Jahr später.

Im Gegensatz zu seinen früheren Darstellungen von unsympathischen Paaren ergreift der große männliche Komiker, der Hopper darstellt, die Hand der kleinen Komikerin, die seine Frau symbolisiert. Sie ähneln dem jugendlichen Liebespaar Pierrette und Pierrot. Im Tod scheint es so, als ob Hopper die Gesellschaft bevorzugte und Jo am liebsten an seiner Seite hatte. Sie charakterisierte Edward Hoppers letztes Gemälde als „eine schwarze Bühne und zwei winzige Pantomimenfiguren.“

Hopper spielte mit der Wahl seines Themas auf die Absurditäten des Lebens an – sein Bewusstsein für die Sinnlosigkeit menschlicher Erfahrungen.

„90 Prozent von ihnen sind zehn Minuten, nachdem sie gegangen sind, vergessen“, sagte Hopper über Künstler. Mit seinem Pessimismus konnte er jedoch seinen eigenen lang anhaltenden und steigenden Ruhm nicht richtig vorhersehen. Aber er war sich auch dessen bewusst, was unvergesslich ist: „Das einzige Merkmal, das in der Kunst bleibt, ist eine einzigartige Perspektive auf die Welt. Techniken sind vergänglich, während die Persönlichkeit bleibt.“

Hoppers Werk ist ein Beispiel für die Einzigartigkeit seiner Perspektive und macht seine Bilder heute noch genauso wichtig wie am Tag ihrer Entstehung. Seine Kunstwerke sprechen alle an, die sich mit den Herausforderungen der Gesellschaft im Alltag auseinandersetzen, nicht nur eine Nation oder einen bestimmten Moment.

Damit ist unsere Liste der bemerkenswerten Gemälde von Edward Hopper abgeschlossen. Durch seine Kunstwerke konnten wir die Frage „Wer ist Edward Hopper?“ beantworten. Diese Kunstwerke von Edward Hopper haben es geschafft, sich aufgrund seiner einzigartigen Darstellungen des innerstädtischen Lebens während der Großen Depression einen Platz in der Kunstgeschichte zu sichern.

Häufig gestellte Fragen

Wo befindet sich das Edward Hopper Museum?

Hopper wurde in Nyack geboren, das in New York City liegt. Er wuchs in dem Haus auf, in dem sich heute das Edward Hopper Museum befindet. Es befindet sich in der 28 North Broadway Road.

Wovon handelten die Gemälde von Edward Hopper?

Edward Hopper malte in einer Zeit, in der Amerika in großen finanziellen Turbulenzen steckte. Er wollte das Wesen der Isolation einfangen, das die Menschen in den Städten erlebten. Er wollte vor allem Kunstwerke über leere und isolierte Räume schaffen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.