Edvard Munch – Ein Blick auf den Künstler

Kritiker haben Edvard Munch einmal vorgeworfen, dass er schlampige Kunst macht. Nichts könnte weiter von der Wahrheit entfernt sein. Der isolierte Künstler Munch kümmerte sich so sehr um seine Werke, dass er sie wie Kinder behandelte. Er nahm sie buchstäblich mit an den Strand oder zum Tee. Diese wohl merkwürdige Beziehung zu seiner Kunst war eine Folge von Edvard Munchs Biografie, die von Krankheit, Tragödien und Verlusten geplagt war.

Die dunkle Anziehungskraft von Edvard Munch

Der Schrei von Edvard Munch ist eines der berühmtesten Bilder der Welt. In sechs Jahrzehnten schuf er Tausende von Zeichnungen, Gemälden, Drucken, Skulpturen und Fotografien über Leben und Tod, Liebe und Geburt.

Heute schockiert uns seine Arbeit nicht mehr, aber zu seiner Zeit sorgte sie für Aufruhr in der Öffentlichkeit und bei den Kritikern gleichermaßen. Seine Beharrlichkeit ist ein Beweis für wahren künstlerischen Ehrgeiz.

Foto von Edvard Munch; Nationalbibliothek von Norwegen, Keine Einschränkungen, via Wikimedia Commons

Eine Biografie von Edvard Munch

Edvard Munch wurde am 12^th Dezember 1863 in dem Dorf Løten geboren. Seine Mutter Laura Catherine Bjølstad und sein Vater Christian Munch heirateten im Jahr 1861 und zogen 1864 nach Christiania. Er hatte drei Schwestern, Sophie, Laura und Inge, und einen Bruder Andreas. 1868, im Alter von fünf Jahren, starb Edvards Mutter an Tuberkulose, und 1877 starb auch seine ältere Schwester Sophie an Tuberkulose. Bei seinem Großvater und seiner jüngeren Schwester Laura wurden psychische Erkrankungen diagnostiziert.

Sein Vater, der bis zum Tod der Mutter Laura ein guter Elternteil gewesen war, litt unter schweren Depressionen und zwanghaftem Verhalten. Daher widmete Edvard Munchs Tante Karen, die unverheiratet blieb, ihr Leben der Erziehung der Kinder ihrer toten Schwester.

Selbstporträt (von Edvard Munch) Am Strom 53 in Warnemünde, 1907; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Später im Leben schrieb Edvard Munch einen Tagebucheintrag, in dem er seinen tiefen Groll gegen seinen Vater zum Ausdruck brachte, der, obwohl er Arzt war, nichts für seine sterbenden Familienmitglieder tat, außer die Hände zu falten und zu beten und den Tod als göttliche Vergeltung zu betrachten. 1879 erkrankte Edvard Munch selbst an Tuberkulose und war lange Zeit bettlägerig, während derer er mit dem Zeichnen begann.

Munchs künstlerische Neigungen wurden von seiner Tante Karen gefördert, die selbst eine Künstlerin war. Er zeichnete und malte für den Rest seiner Kindheit weiter.

Selbstporträt mit Pinseln (1904) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Ein moderner Skandinavier

Während er sich kurzzeitig dem Wunsch seines Vaters beugte und ein Ingenieurstudium begann, erklärte er später: „Es ist jetzt meine Entscheidung, Maler zu werden.“ Munch schrieb sich 1881 an der Königlichen Zeichenschule in Oslo ein. Seine frühen Arbeiten waren typisch für die norwegische Kunst des 19. Jahrhunderts, die bis dahin von der Moderne unberührt war. Die norwegischen Maler beherrschten naturalistische Landschaften und Darstellungen von menschlichen Motiven.

Diese idyllischen Bilder waren Teil einer Kampagne, mit der Norwegen, das die Unabhängigkeit von Schweden anstrebte, ein Gefühl des Nationalismus vermittelt werden sollte. Viele der älteren norwegischen Maler waren jedoch in Europa ausgebildet worden.

Einige brachten diese neuen Stile zurück nach Norwegen und gründeten informelle Akademien. Munch lernte 1882 bei dem naturalistischen Maler Christian Krohg und 1883 bei dem Impressionisten Frits Thaulow. Sowohl Krohg als auch Thaulow ermutigten ihre Schüler dazu, mit der impressionistischen Methode im Freien zu malen, um die Vergänglichkeit von Bewegung und Licht einzufangen.

Morgen (1884) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Morgen (1884), Munchs erstes öffentlich ausgestelltes Werk, zeigt seine Grundlagen im Realismus. Die Kombination aus dem Ausdruck menschlicher Spannungen und der Auseinandersetzung mit Licht und Farbe macht deutlich, dass der junge Künstler den Impressionismus sehr gut kannte.

Im Jahr 1884 begann Munch ein Porträt seiner jüngeren Schwester, das ihr Gesicht und ihre Hände mit der leicht erhobenen linken Hand beleuchtet.

Der Rest ihres Körpers, der in Dunkelheit gehüllt ist, scheint sich nicht zu bewegen. Als Edvard Munch dieses Gemälde, Inger in Schwarz (1884), zum ersten Mal ausstellte, bezeichnete die konservative Presse in Christiania es als „sein fast erschreckend hässliches Porträt einer Dame in Schwarz“, womit ein fast 15-jähriger Angriff auf sein Werk durch Kritiker in Norwegen und im Ausland begann.

Inger in Schwarz (1884) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Das kranke Kind (1885-1886)

Das Thema des sterbenden Kindes war in der Kunst des späten 19. Jahrhunderts weit verbreitet. Munch schöpfte aus seinen eigenen Erfahrungen und Erinnerungen, um Das kranke Kind (1885-1886) zu malen. Das 119,5 cm mal 118,5 cm große Bild zeigt seine Schwester Sophie auf ihrem Sterbebett. Ihr Kopf liegt auf einem Kissen und ihr Gesicht ist der Dunkelheit zugewandt, während ihre Mutter Laura, die ebenfalls starb, als Munch noch jung war, ihren Kopf bereits in Trauer gesenkt hat.

Der Tod seiner Schwester Sophie war das Thema vieler Tagebucheinträge, in denen er versuchte, die Details der Erinnerung wieder aufleben zu lassen.

Er schrieb, dass er die Erinnerung an ihr blasses Gesicht auf dem weißen Kissen und ihr rotes Haar festhalten wollte. Er tat dies durch die Verwendung von Komplementärfarben. Das Rot der Haare und die Grüntöne des Kleides und der Bettwäsche bildeten eine farblich überzeugende Komposition. Seine Modelle waren seine Tante Karen und ein junges Mädchen namens Betsie Nelson, die eine Patientin seines Vaters gewesen war.

Das kranke Kind (1885-1886) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Während sich die Impressionisten auf das Licht konzentrierten, um die Natur der Dinge zu erforschen, versuchte Munch, über die Darstellung der äußeren Realität hinauszugehen und etwas Tieferes über den Zustand des Menschen zu erkunden. Im Gegensatz zum schnellen Tempo der impressionistischen Gemälde, die oft an einem Nachmittag entstanden, brauchte Munch über ein Jahr, um dieses Werk fertigzustellen.

Es wurde eines der ersten expressionistischen Kunstwerke in der Geschichte der westlichen Kunst.

Munch trug mit Pinsel, Spachtel und sogar Küchenmesser Schicht um Schicht Farbe auf, kratzte sie ab und trug sie erneut auf. Die tief eingeritzte Leinwand von Das kranke Kind bildete einen komplexen Wandteppich aus Farbe und Textur. Munchs Prozess des Arbeitens und Überarbeitens grub die Oberfläche für einen Moment aus, der sich in sein Gedächtnis einprägte.

Edvard in Love

1885, im Alter von 21 Jahren, ließ sich Munch auf seine erste Liebesbeziehung ein. Die 24-jährige Andrea Frederika Emily Thauwlow, genannt „Milly“, war eine Gesellschaftsdame aus Christiania, die mit seinem Cousin, einem neun Jahre älteren Stadtarzt, verheiratet war. Die Affäre zwischen Munch und Milly begann in den Sommermonaten, wenn Munch den Küstenort Åsgårdstrand besuchte, und dauerte mehrere Jahre lang an und ab.

Porträt von Andrea Frederika Emily Thauwlow (Milly), ca. 1885; Louise Abel, Public domain, via Wikimedia Commons

In seinen Tagebüchern nannte er sie Mrs. Heiberg. Anfangs war er in sie vernarrt, doch bald merkte Munch, dass Milly die Macht in ihrer Beziehung hatte. Ihr Umgang mit anderen Männern machte ihm zu schaffen. Trotzdem war er von ihr besessen und folgte ihr überall hin. Als er sie eines Tages in der Öffentlichkeit begrüßte, wurde er zurechtgewiesen, weil er ihre Verschwiegenheit gefährdet hatte. Sie beendete die Beziehung abrupt nach zwei Jahren und ließ Munch am Boden zerstört zurück.

Zusätzlich erschwerend kam hinzu, dass Munchs religiöse Erziehung ihn mit Schuldgefühlen wegen der ehebrecherischen Affäre erfüllte. Die frommen Lehren seines Vaters verfolgten ihn mit Gedanken an den Tod und einen Abstieg in die Hölle.

Seine Affäre mit Milly prägte seine Beziehungen zu Frauen und hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Edvard Munchs Kunstwerk. Er hatte Angst davor, von Frauen vereinnahmt zu werden. Gleichzeitig litt er unter der Angst vor dem Verlassenwerden. Während Munch oft mit Themen des Leidens gearbeitet hatte, begann er zum ersten Mal, Liebe, Bindung und Eifersucht darzustellen. Nicht nur die Ereignisse, sondern auch ihre Psychologie.

Der Kuss (1892) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Er begann mit der Produktion verschiedener Versionen von Der Kuss (1892). Darin werden die gesichtslosen Gesichter der sich küssenden Liebenden in der Ecke eines dunklen Zimmers ineinander aufgelöst. Die Verschmelzung der beiden Personen vermittelte etwas, das über die physische Realität einer solchen Umarmung hinausging. Munchs Freund, August Strindberg, beschrieb Munchs Der Kuss als: „eine Verschmelzung zweier Wesen, von denen das kleinere, das wie ein Kalb geformt ist, im Begriff zu sein scheint, das größere zu verschlingen, wie es die Gewohnheit von Ungeziefer, Mikroben, Vampiren und Frauen ist“.

Der Fries des Lebens (1893 – 1894)

Verfolgt von seinen Dämonen und dem schwierigen Umgang mit dem anderen Geschlecht, riss er alte Wunden auf und nutzte sie als Treibstoff für Edvard Munchs Kunstwerke. Munchs beeindruckende Gemälde, die unter dem Namen Der Fries des Lebens bekannt sind, sind ein ehrgeiziges Projekt, das seine späteren Jahre dominieren sollte.

Es erforscht Munchs Ideen über Leben und Tod, Liebe und Geburt und wurde in verschiedenen Formen und an verschiedenen Orten ausgestellt.

Was auf den ersten Blick von der Stärke der Frauen zu handeln scheint, wird kaum in einem positiven Licht dargestellt. Der Künstler Munch war auf rachsüchtige Frauen fixiert; Frauen, die sich quälen oder provozieren. Auf die dunkle und teuflische Macht, die Frauen angeblich über Männer ausüben. Meistens stellte er Männer als Opfer dar, obwohl seine Werke manchmal auch den Mann als Raubtier zeigten.

Der Fries des Lebens: Die Saat der Liebe

Puberty (1894-1895) zeigt ein ängstliches junges Mädchen, das an der Schwelle zu einem neuen Lebensabschnitt steht. Der unheimliche Schatten hinter ihr nimmt eine Art räuberisches Eigenleben an. Die psychologische Intensität dieses Gemäldes zeigt, dass Munch einem fast beispiellosen Thema mit einer gewissen sympathischen Rohheit begegnet.

Puberty (1894-1895) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Madonna (1894-1895) zeigt eine mit einem Heiligenschein gekrönte, sexuell dominante, klimatische Frauenfigur. Ihre Augen sind halb geöffnet und ihr Körper wölbt sich vor Lust. Sie ist in ihrer eigenen Welt verloren und spricht den Betrachter nicht an. Die nackte Frau wird aus der Perspektive ihres Liebhabers beim Geschlechtsverkehr gesehen. Munch malte Spermien- und Embryo-Motive um sie herum als Symbol für sein Verlangen.

Aber „Madonna“ symbolisiert eher Munchs unterschwellige Probleme mit Frauen als seine Anbetung.

Madonna (1894-1895) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Munch malte seine Madonna mit einem, wie er es nannte, „Leichenlächeln“, das mehr Bedrohung als Schönheit verrät. Das Modell für dieses Werk war Dagny Juel-Przybyszewska, mit der er eine turbulente Affäre hatte. August Strindberg, mit dem Munch Dagny teilte, beschrieb sie einmal wie folgt:

„Groß, dünn, abgemagert vom Alkohol und den späten Stunden, sprach mit einer gezeichneten Stimme, die wie von verschluckten Tränen gebrochen war, mit einer Madonnenfigur und einem Lachen, das Männer in den Wahnsinn trieb.“  

Der Fries des Lebens: Das Aufblühen und der Untergang der Liebe

Ashes (1894) erforscht die Psychologie des Scheiterns einer Liebesbeziehung. Der Mann scheint niedergeschlagen. Die Frau ist triumphierend, aber moralisch kompromittiert. In einer lithografischen Version des Werks hat Munch geschrieben: „Ich fühlte, wie unsere Liebe wie ein Aschehaufen auf der Erde lag“, und gab dem Gemälde damit seinen Namen.

Asche (1894) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Macht der Frau über den Mann wird auch im Vampir (1894) dargestellt, in dem eine Frau die männliche Figur in ihrer Umarmung sowohl tröstet als auch verzehrt. Munch bestand darauf, dass die weibliche Figur den Mann nur auf den Nacken küsst, während ihr tentakelartiges rotes Haar seine Gestalt umhüllt.

Vampir (1894) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Fries des Lebens: Angst

Eines der bekannteren Werke von Edvard Munch,Abend auf Karl Johan (1892), ist konfrontativ und zeigt einen modernen Mob, der die Hauptstraße in Christiania auf den Betrachter zu marschiert. Rechts scheint eine dunkle Gestalt gegen den Strom zu laufen, eine Gestalt, von der Gelehrte annehmen, dass es sich um Munch handelt, der von der christlichen Gesellschaft gemieden wird.

Abend auf Karl Johan (1892) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Die geisterhaften Gesichter, die sich dem Betrachter entgegenstellen, sind ein wichtiger Vorläufer für „Der Schrei“ (1893), den Munch ein Jahr später malen sollte.

Auch im Red Virginia Creeper (1898-1900) starrt uns das unheimliche Gesicht an und fordert unsere Aufmerksamkeit. Auch das Haus hinter der Figur mit den leuchtend roten Schlingpflanzen, die wie Blut an den Wänden herunterlaufen, zieht unsere Aufmerksamkeit auf sich. Wir fragen uns, welche Schrecken darin lauern.   

Red Virginia Creeper (1898-1900) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Fries des Lebens: Tod

Die Todesbilder greifen Munchs persönliche Tragödie auf und bilden den letzten Teil von Der Fries des Lebens. In Tod im Krankenzimmer (1893) stellt Munch sich selbst mit seinen Schwestern in den Vordergrund. Im Hintergrund steht Andreas mit Munchs Vater und seiner Tante um den Stuhl, in dem seine Schwester Sophie starb. Die Geschwister werden als Erwachsene gezeigt, nicht als die Kinder, die sie damals waren, als ob Munch das traumatische Ereignis nachstellen würde.

Die Komposition hat etwas Theatralisches, denn der Boden ist schräg nach unten geneigt und die Figuren stehen wie auf einer Bühne.

Tod im Krankenzimmer (1893) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Im April 1895 heiratete Munchs jüngerer Bruder Andreas die 22-jährige Johanna Kink. Sein Bruder Andreas sollte der einzige der fünf Geschwister sein, der heiratete. Nur ein paar Monate nach der Hochzeit starb Andreas an einer Lungenentzündung. Ein Jahr später wurde Am Totenbett (1896) gedreht.

In „Am Totenbett“ steht Sophie nicht mehr allein im Mittelpunkt.

By the Death Bed (1896) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Während die Familie noch um Sophies Sterbebett versammelt ist, verschiebt sich der Fokus auf ihre Hände und Köpfe. Wir sehen seine beiden Schwestern Laura und Inge, seinen Bruder Andreas, seinen Vater Christian und seine längst verstorbene Mutter, deren Gesicht wie ein Schädel aussieht, der sich an den Bettpfosten klammert und abseits vom Rest der Familie steht. Munch ist abwesend, aber die Familie scheint in ihrer Trauer durch einen großen schwarzen Schatten verbunden zu sein.

Der Schrei der Natur(1893)

Am 22^nd Januar 1892 machte Edvard Munch einen Tagebucheintrag, der das Ereignis beschrieb, das sein berühmtestes Gemälde inspirierte. „Ich war mit zwei Freunden auf der Straße unterwegs. Als die Sonne unterging, spürte ich einen Anflug von Melancholie. Plötzlich färbte sich der Himmel blutrot. Ich blieb stehen, lehnte mich an das Geländer und erschrak zu Tode, als der flammende Himmel wie Blut hing und sich über den blauschwarzen Fjord und die Stadt erhob. Meine Freunde fuhren weiter.“

Er fuhr fort: „Ich stand da, zitterte vor Angst und fühlte einen riesigen, unendlichen Schrei durch die Natur.“

Im selben Jahr, in dem er begann, unter Agoraphobie zu leiden, schuf Munch die erste Version von Der Schrei (1893). Es war das letzte Stück der ersten Version des Der Fries des Lebens. Das Gemälde zeigt obskure, verzerrte Figuren. Die Hauptfigur befindet sich im Vordergrund und zwei Figuren im Hintergrund. Die Figur erscheint mit offenem Mund und bedeckten Ohren in einem gesichtsschmelzenden, gruseligen existenziellen Horror, der im Hintergrund des Gemäldes widerhallt.

Der Schrei (1893) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Linien der Komposition werden als fließende, gewellte Farbstriche wiedergegeben, die durch unregelmäßige Pinselstriche und Pastellfarben verstärkt werden. Die feurigen Wolkenlandschaften aus wirbelndem Rot, Orange und Gelb ergänzen das mitternachtsblaue Wasser und das dunkelbraune Land. Die drei Hauptlinien verschwinden in einem Fluchtpunkt in der Mitte des Bildes mit zwei Booten in der Ferne, die die Tiefe widerspiegeln.

Während Der Schrei von Edvard Munch im sehr realen Christiania Fjord entstand, gab Munch auf dem Ekeberg bei Oslo den Naturalismus auf, um Dinge des Geistes darzustellen. Er vertrat die Ansicht, dass er die Wolken so darstellen sollte, wenn er sie während eines gestörten Vorfalls als blutrot erlebt hatte.

Inmitten des turbulenten roten Himmels dieses Gemäldes sind mit Bleistift die Worte geschrieben: „Dieses Bild kann nur von einem Verrückten gemalt worden sein“.

Der Schrei ist auch für moderne Betrachterinnen und Betrachter immer noch aktuell, denn er spiegelt eine gemeinsame Angst vor der sich entwickelnden modernen Welt und der daraus resultierenden Entfremdung von der Natur wider. Er wurde unzählige Male parodiert und von Künstlern wie Andy Warhol zitiert, der 1984 eine Version davon anfertigte. Kopien von Der Schrei wurden in Massenproduktion hergestellt. Millionen von Menschen beschäftigen sich mit ihm durch Halloween-Masken, Filme, Memes und Emojis. Er inspirierte sogar das Filmplakat für Home Alone.

Der Tanz des Lebens (1900)

1898 begann Munch eine verhängnisvolle Liebesaffäre mit Tulla Larsen, der Tochter eines der führenden Weinhändler Oslos. Die flotte, besessene Larsen verfolgte Munch aggressiv und wollte ihn unbedingt heiraten. Er behauptete, die Beziehung habe gegen seinen Willen begonnen und diese Verstrickung habe ihn zu Wut und Alkohol getrieben.

Er schrieb einmal, ihre romantische Zuneigung sei wie der „Kuss einer Leiche“. Während er sie als verzweifelte Angreiferin darstellte, gab er ihren Annäherungsversuchen immer wieder nach und bat sie sogar, ihn zu heiraten.

Tulla Larsen (1898-1899) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Irgendwann flüchtete er nach Berlin und dann nach Paris, aber sie folgte ihm. Nach einem Jahr der Trennung willigte er 1902 ein, sich mit ihr zu treffen. Sie stritten sich und die turbulente Beziehung erreichte einen dramatischen Höhepunkt, der zu physischen und psychischen Verletzungen führte. Schüsse wurden abgefeuert. Es ist nicht bekannt, wer geschossen hat, aber die linke Hand des Künstlers wurde schwer verwundet. Er verlor die Spitze seines Fingers. Munch war für die nächsten Jahre verstümmelt und verbittert. Er zeigte nie wieder seine ganze Hand in der Öffentlichkeit und achtete darauf, immer einen Handschuh zu tragen.

Er schrieb: „Er hatte einer Diebin seine Hand angeboten und sie hatte sie abgebissen. Hilfe! Hilfe, hatte sie geschrien. Ich bin am Ertrinken. Doch sie war weggelaufen und er war es, der ertrunken war.“

Diese Beziehung hat er in Der Tanz des Lebens (1899-1900) festgehalten, in dem Paare in einer nordischen Sommernacht tanzen und sich gegenseitig nicht zu bemerken scheinen. Das zentrale Paar ist in seiner eigenen Umarmung verloren. Ihre totenkopfähnlichen Gesichter erinnern uns an ihren unausweichlichen Untergang.

Der Tanz des Lebens (1899-1900) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Tanz des Lebens nutzt die Symbolik, um drei Phasen der weiblichen Sexualität darzustellen. Auf der linken Seite, in der ersten Phase, erscheint die junge Frau in Weiß hoffnungsvoll und unschuldig. In der Mitte steht die Frau in Rot für den Vater, eine sinnliche Frau, die mit einem Mann tanzt. Ihr rotes Kleid war kurz davor, ihn zu verschlingen. Auf der rechten Seite steht eine ältere Frau in Schwarz, die traurig zu sein scheint. Diese dritte und letzte Stufe der weiblichen Sexualität ist der Tod selbst.

Alle drei Figuren ähneln Tulla Larsen und der Mann im Vordergrund ist wahrscheinlich Munch selbst.

Die grafische Kunst

Als er erfolgreich wurde, wurde klar, dass er sich paradoxerweise nicht von seinen Werken trennen wollte. Weil er viele seiner Werke, vor allem die in Der Fries des Lebens, nur ungern verkaufte, malte er oft mehrere Versionen und erkannte schließlich, dass Drucke ein effizienterer Weg waren, seine Kunst zu verbreiten.

Die Vervielfältigung wurde ein zentraler Bestandteil von Munchs Arbeitsprozess und sein grafisches Werk umfasste Tausende von Radierungen, Lithografien, Kaltnadelradierungen und Holzschnitten.

Munchs Unternehmungen im Bereich der Druckgrafik verhalfen ihm zum ersten Mal zu finanzieller Solvenz. Munch stellte etwa 850 Platten her, von denen im Laufe seiner Karriere etwa 30.000 Auflagen gemacht wurden. Oft behielt er die Platten, von denen seine Drucke gezogen wurden.

Abend. Melancholie (1896) von Edvard Munch, ein Beispiel für einen der vielen Holzschnitte des Künstlers; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Er nutzte die emotionalen Möglichkeiten des Mediums und sah in der Druckgrafik einen anderen Blickwinkel und eine Weiterentwicklung von etwas, das er in seinen Gemälden festgehalten hatte. Er genoss die Beschränkungen, die ihm die Druckmedien auferlegten. Seine Drucke wurden in ganz Europa verbreitet und trugen dazu bei, eine neue Bewegung namens Expressionismus zu inspirieren, die ein Nebenprodukt des Fortschritts der Moderne war.

In Deutschland studierte Munch die neuesten Trends im Kupferstich. Mit kleinen Kupferstücken, die er in seiner Tasche trug, begann Munch seinen ersten Stich mit dem bekannten Thema des Todes und der Jungfrau. Das Bild zeigt einen nackten Körper, der sich in die Umarmung des Todes presst.

LINKS: Lithographie von Angst (1896) von Edvard Munch; Dr. Alexey Yakovlev, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons | RECHTS: Angst (1894) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Mit dem Thema der starren und isolierten Gesichter in seinem Werk Angst versuchte Munch, den Holzschnitt zu erobern. Er hatte gesehen, wie Paul Gaugin die Maserung und Textur des Holzes in den strengen und einfachen Umrissen der Blöcke nutzte, die er in Tahiti geschnitten hatte.

Er lernte sogar von den Japanern die vielfarbigen Konturen des Holzes.

Er erfand seine eigene Methode, Holzstücke mit verschiedenen Konturen auszuschneiden, die Stücke in den verschiedenen Farben einzufärben und sie dann wie ein Puzzle wieder zusammenzusetzen, um sie zu drucken. Er wollte, dass die Maserung des Holzes im Druck zu sehen ist. Er ließ die Blöcke sogar draußen liegen, um die Entwicklung natürlicher Texturen zu fördern.

Der Zusammenbruch

In seinen späteren Jahren lebte Edvard Munch ein Leben voller Krankheit und Isolation. Seine Krankheiten wurden durch starken Alkoholkonsum, Rauchen, Angstzustände und Depressionen noch verschlimmert. Im Jahr 1908 hörte er Stimmen, hatte Halluzinationen und war teilweise auf der linken Seite gelähmt. Nachdem er in Kopenhagen zusammengebrochen war, brachte er sich schließlich in einer psychiatrischen Klinik in Kopenhagen unter. Dort verbrachte er acht Monate mit Schockbehandlung und Tagebuchschreiben als Therapieform.

Selbstporträt mit Zigarette (1895) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Zusammenbruch war ein entscheidender Moment für Munch. Als er 1909 die Klinik verließ, zog er sich in die Küstenstadt Ekely zurück, wo er sich wieder mit der norwegischen Landschaft beschäftigte. Er hörte praktisch auf zu trinken und erlangte einen Großteil seiner geistigen Klarheit zurück.

Das turbulente Leben, das er geführt hatte, lag nun hinter ihm, doch es begann eine neue Phase der Isolation. Er würde noch 35 Jahre lang allein leben.

Neben den vielen Landschaften aus dieser Zeit entwickelte er ein Interesse daran, arbeitende Menschen und andere alltägliche Szenen zu malen. Die Werke nach dem Zusammenbruch scheinen etwas von der emotionalen Wirkung seiner früheren Gemälde verloren zu haben. Erst als sein eigener Tod näher rückte, erlangten seine Werke wieder etwas von der Kraft, die sie einst hatten.

Die Selbstporträts

Man kann sagen, dass Munchs Arbeiten nach seinem Zusammenbruch nicht mehr die emotionale Intensität seiner früheren Werke haben, aber seine Selbstporträts wurden immer besser. Wenn man sie nacheinander betrachtet, zeigen sie seine Entwicklung von einem talentierten jungen Mann, der im naturalistischen Stil malte, zu einem etablierten und ausdrucksstarken modernen Maler.

Mit einem Spiegelbild malte Munch das erste seiner Selbstporträts, als er 19 Jahre alt war.

Das Selbstporträt (1882) ist ein stark kontrastiertes und präzise wiedergegebenes Bild eines selbstbewussten jungen Mannes mit einer dramatischen Ausstrahlung. Das zweite Selbstporträt (1882-1883) ist fließend, mit sanft aufgetupfter Farbe und einem Blick, der die Verletzlichkeit eines stillen jungen Mannes ausstrahlt.

LINKS: Selbstporträt (1882) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons | RECHTS: Selbstporträt (1882-1883) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Selbstporträt (1886) ist das früheste Selbstporträt, in dem Munch den vielschichtigen, kratzigen Stil einführt, der erstmals in Das kranke Kind zu sehen war, das er kurz zuvor gemalt hatte. In Selbstporträt mit einer Flasche Wein (1906) sehen wir einen melancholischen Munch, der allein in einem Café sitzt, mit einer Flasche Wein und einer Erscheinung im Hintergrund, die wahrscheinlich auf seine innere Zerrissenheit hinweist.

LINKS: Selbstporträt (1886) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons | RECHTS: Selbstporträt mit einer Weinflasche (1906) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

1919 erkrankte er an der Spanischen Grippe, überlebte aber und malte Selbstporträt mit Spanischer Grippe (1919). In Der Künstler und sein Modell (1919-1921) stellt Munch sich selbst mit seinem Modell dar. Die beiden stehen in einem zweideutigen Verhältnis zueinander, wobei eine gewisse Spannung in den Pinselstrichen und der kräftigen Farbgebung zum Ausdruck kommt.

LINKS: Selbstporträt mit Spanischer Grippe (1919) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons |RECHTS: Der Künstler und sein Modell (1919-1921) von Edvard Munch; Edvard Munch, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Munch zog sich weiter in die Isolation seines Anwesens in Ekely zurück, wo er nur selten Besuch empfing. Seine schonungslos offenen Selbstporträts zeigen regelmäßig das Innere seines Hauses. In Der Nachtwanderer (1923-1924) stellt Munch sich selbst als einsamen, alternden Mann dar, der nachts durch sein Haus schlurft. Das Selbstporträt vor der Hauswand (1926) ist ein koloristisches Experiment, das einen sanftmütigen Munch zeigt. 

LINKS: Der Nachtwanderer (1923-1924) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons | RECHTS: Selbstporträt vor der Hauswand (1926) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

In den Monaten vor seinem Tod begann er, das Selbstporträt Zwischen Uhr und Bett (1940-1943) zu malen. Dies sollte sein letztes Selbstporträt sein. Seine ausdrucksstarke Haltung hat etwas überraschend Feierliches und Mutiges. Eine Stärke, die vielleicht von der riesigen Sammlung von Kunstwerken herrührt, die um ihn herum hängt.

Selbstporträt zwischen Uhr und Bett (1940-1943) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Er malt sich selbst als gebrechlichen und eingefallenen alten Mann mit hängenden Schultern und ausgehöhlten Augen, der dem Betrachter fast entschuldigend seinen letzten Abschied wünscht. Er verweilt zwischen den beiden Symbolen für sein bevorstehendes Ableben.

Die Uhr steht für den Lauf der Zeit und das Bett für Geburt und Tod.

Ein bleibendes Vermächtnis

1905 war eine Zeit des großen Nationalgefühls für Norwegen, das endlich seine Unabhängigkeit von Schweden erlangt hatte. Nachdem Munch in den 1890er Jahren weitgehend gemieden worden war, wurde er nun endlich als eine Schlüsselfigur der norwegischen Kultur anerkannt.

Seine Arbeiten wurden von der Nationalgalerie gekauft und er wurde beauftragt, die Wandmalereien in Aula zu malen, was eine Sache von großem nationalen Prestige war.

Die Sonne (1911) von Edvard Munch, das Hauptgemälde einer Reihe von 12 Gemälden, die den oberen Teil der Wände in der „Universitetets Aula“, einem Festsaal der Universität Oslo in der Karl Johan Straße im Zentrum von Oslo, ausfüllen; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Er begann eine Serie von großformatigen Gemälden, die 1916 fertiggestellt und in der großen Halle der Universität Oslo, Norwegen, ausgestellt wurden. An seinem 70^ten Geburtstag im Jahr 1933 wurde Munch zum Ritter des königlichen norwegischen St.-Olaf-Ordens ernannt.

Doch 1940 wurde Norwegen von Deutschland überfallen und geriet unter Besatzung. Die Nazis stuften 82 von Munchs Gemälden als „entartet“ ein. Die Werke wurden sowohl aus deutschen als auch aus norwegischen Museen entfernt und versteigert. Eines Tages explodierte ein deutsches Munitionsdepot im Hafen von Oslo. Die Wucht der Explosion reichte bis nach Ekely und verursachte bei Munch eine Lungenentzündung, von der er sich nie mehr erholte. 

Er starb am 23. Januar 1944 im Alter von 80 Jahren. Mit ihm waren seine Haushälterin und seine Kinder – die Kunst. Auf seinem Grundstück befanden sich mehr als 20.000 Kunstwerke. Darunter waren 1150 Gemälde, 17.800 Drucke, 4500 Aquarelle und Zeichnungen, 13 Skulpturen und zahlreiche Schriften und Notizen. In seinem Testament verfügte er, dass sein gesamter Nachlass der Stadt Oslo vermacht werden sollte. Die Sammlung wurde zu dem, was wir heute als Edvard-Munch-Museum in Oslo kennen.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Expressionismus?

Der Expressionismus entstand um 1905. Wie Post-Impressionismus und Symbolismus versuchte der Expressionismus, das Gefühl der Dinge zu erfassen, anstatt das Aussehen.

Wie viele Versionen von Der Schrei hat Edvard Munch gemalt?

Das Originalbild von Der Schrei ist eine von vier Versionen. Es gibt zwei Pastelle und zwei Gemälde auf Karton. Neben diesen vier Gemälden schuf Munch auch eine Reihe von Drucken, von denen es Dutzende gibt.

Wie viel Wert ist Der Schrei?

Die vierte Version gehört zu einer Privatsammlung und wurde bei einer Auktion von Sotheby’s für 119.922.600 $ erworben. Das ist der höchste Betrag, der jemals für ein Gemälde bei einer Auktion bezahlt wurde.

Wie wurde Der Schrei gemacht?

Das Original von Der Schrei wurde mit einer Mischung aus Eitempera und Pastellkreide auf 73,5 mal 91 cm großen Karton gemalt.

Ist Der Schrei beschädigt?

Die empfindlichen Materialien dieses Kunstwerks machen es zu einer Herausforderung, es zu erhalten. Die verschiedenen Versionen haben im Laufe der Jahre unterschiedlich viel Schaden genommen. Sie sind mit Kerzenwachs und Vogelkot bedeckt, da der Künstler glaubte, dass die Bilder durch die Einwirkung der Elemente ausgeglichener werden würden. Manche sagen, die ramponierten Oberflächen spiegeln das Gefühl der Unruhe wider.

Wurde Der Schrei gestohlen?

Ja. Die Originalversion von Der Schrei wurde 1994 gestohlen, aber drei Monate später unbeschädigt wiedergefunden. Die zweite Version, ein Pastell auf Karton aus demselben Jahr, wurde 2004 gestohlen. Zwei Jahre später wurde es wiedergefunden, wenn auch mit einem Feuchtigkeitsschaden.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.