Romantik Kunst – Alles über die Malerei der romantischen Kunstepoche

Um die Wende zum 19. Jahrhundert begann sich die romantische Bewegung in ganz Europa zu entwickeln. Die romantische Bewegung, welche Emotionen und Fantasie betonte, entstand als Antwort auf die künstlerische Desillusionierung mit den Ideen der Aufklärung von Ordnung und Vernunft. Die Romantik umfasste Kunst in allen Formen, von literarischen Werken bis hin zu architektonischen Meisterwerken. Mit der Betonung des Subjektiven, Individuellen, Spontanen, Irrationalen, Visionären, Fantasievollen und Transzendentalen lehnte die Romantik den Stil und die Vorstellungen des Neoklassizismus ab.

Eine kurze Zusammenfassung der romantischen Bewegung

Was ist Romantik? Die Ausbreitung der Romantik in ganz Europa und sogar in den Vereinigten Staaten war gegen Ende des 18. Jahrhunderts rasant. Die Romantik forderte die rationalen Ideale heraus, die von den Künstlern der Aufklärung so geliebt wurden. Romantische Künstler glaubten, dass Emotionen und Sinne genauso wichtig waren wie Ordnung und Vernunft, um die Welt zu erfahren und zu verstehen.

Nach der Französischen Revolution befeuerte die anhaltende Suche nach individueller Freiheit und Rechten die romantische Feier der Intuition und Fantasie. Die romantischen Ideen der subjektiv schöpferischen Kräfte des Künstlers trieben die Avantgarde-Bewegungen bis ins 20. Jahrhundert. Romantische Künstler, die auf den düsteren neoklassischen Stil reagierten, fanden ihren Ausdruck in Musik, Literatur, Architektur und bildender Kunst. Die romantische Bewegung umfasst eine Vielzahl von Stilen, weil sie Phantasie, Inspiration und Originalität schätzte. Persönliche Verbindungen zur Natur und eine idealisierte Vergangenheit waren ein wichtiges Thema für viele romantische Künstler, die versuchten, die Wellen des Industrialismus aufzuhalten.

Romantik Merkmale: Eine Definition der Romantik

Du wirst bereits sehen, dass die romantische Bewegung breit und weitreichend war. Trotz der Vielfalt der individuellen Ausdrucksformen, die von der Romantik gefördert wurden, gibt es einige zentrale Merkmale der Romantik, die der romantischen Kunst zugrunde liegen. Dazu gehören der wachsende Nationalismus, die Subjektivität, die Pleinair Malerei und die Sorge um Gerechtigkeit und Gleichheit.

Liberty Leading the People (1830) von Eugène Delacroix, das den Kriegsschauplatz während der französischen Julirevolution darstellt (July 28, 1830); Eugène Delacroix, Public domain, via Wikimedia Commons

Nationalismus

Der wachsende Nationalismus in ganz Europa nach der Amerikanischen Revolution war eng mit der Romantik verbunden. Du kannst diesen Nationalismus in der Betonung von Landschaften, Traditionen und Folklore in der romantischen Literatur und Kunst sehen. Durch die visuelle Bildsprache in diesen Werken nährten die Künstler der Romantik ein Gefühl von Nationalstolz und Identität. Viele romantische Gemälde sind durchdrungen von einem Aufruf zur spirituellen Erneuerung, die ein neues Zeitalter der Freiheiten einläuten sollte.

Subjektivität

Eines der wichtigsten Elemente der Romantik war die verstärkte Betonung der persönlichen und subjektiven Kraft des einzelnen Künstlers. Die neoklassische Periode, die der Romantik vorausging, schätzte strenge regelbasierte Praktiken und logisches Denken in der Kunst. Wir können die Romantik als eine direkte reaktionäre Antwort auf die neoklassische Periode betrachten.

Romantische Künstler begannen, verschiedene psychologische, emotionale und stimmungsmäßige Zustände in ihren Werken zu erforschen. Die neoklassische Besessenheit von Genie und Held verwandelte sich in neue Ideen über den Künstler. Künstler waren in der Lage, sich voll und ganz auszudrücken, frei von den Geschmäckern und Regeln akademischer Institutionen.

Plein Air Malerei

In ganz Europa begannen die Künstler der Romantik, ihre Aufmerksamkeit auf die natürliche Welt zu richten. Mit dieser zunehmenden Faszination für die Natur wuchs auch die Praxis des Malens en plein air, also im Freien. Künstler malten natürliche Szenen, indem sie sie direkt beobachteten. Dieser Prozess ermöglichte es den Künstlern, erhabene Landschaften zu produzieren. Die nahe und intime Beobachtung der natürlichen Welt führte zu gefühlvollen und atmosphärischen Szenen.

Einige romantische Künstler malten Szenen, die den Menschen als eins mit der Natur betonten. Andere Künstler zogen es vor, die mächtigen und unvorhersehbaren Kräfte der Natur in Gemälden darzustellen, die Gefühle von Ehrfurcht und manchmal auch Schrecken hervorrufen. Romantische Künstler hatten eine tiefe Wertschätzung für die Schönheit der natürlichen Welt.

Gerechtigkeit und Gleichheit

Teilweise durch den Idealismus der Französischen Revolution vorangetrieben, umfasste die Romantik den Kampf für Gleichheit, Freiheit und den Fortschritt der Gerechtigkeit. Viele romantische Maler begannen, Szenen aktueller Gräueltaten und sozialer Ereignisse zu malen. Dramatische Kompositionen beleuchteten Fälle von Ungerechtigkeit und konkurrierten mit den strengeren Historienbildern der neoklassischen Periode.

Die Entwicklung der romantischen Kunst

Ende des 18. Jahrhunderts verwendeten die deutschen Kritiker Friedrich und August Schlegel in ihrem Artikel über „Romantische Poesie“ erstmals den Begriff Romantik. In Frankreich wurde der Begriff im frühen 19. Jahrhundert dank Madame de Stael, einer einflussreichen intellektuellen französischen Führungspersönlichkeit, populär. Sie benutzte den Begriff in einem veröffentlichten Bericht über ihre Reisen in Deutschland im Jahr 1813.

In England war der Dichter William Wordsworth ein bedeutender Verfechter der Romantik. Wordsworth glaubte, dass Poesie ein natürlicher Ausdruck von starken Emotionen sei. Die Künstler der Romantik teilten eine Haltung gegenüber der Menschheit, der Natur und der Kunst, aber jeder war in seinen einzigartigen Ausdrucksformen verschieden. Die Ablehnung etablierter Ordnungen, einschließlich religiöser und sozialer Systeme, wurde zu einem dominanten Thema der romantischen Bewegung. Um 1820 hatte sich die Romantik in ganz Europa fest etabliert.

Benjamin Haydons romantisches Porträtgemälde von William Wordsworth, Wordsworth on Helvellyn (1842); Benjamin Haydon, Public domain, via Wikimedia Commons

Romantik Literatur

Die frühesten Ausdrucksformen der Romantik waren literarisch. Die deutsche Bewegung Sturm und Drang war ein Vorläufer der Romantik. Diese Bewegung war hauptsächlich musikalisch und literarisch und war zwischen 1760 und 1780 populär. Sturm und Drang hatte einen weitreichenden Einfluss auf das künstlerische und öffentliche Bewusstsein. Die Romantik wurde durch den Titel eines Theaterstücks von Friedrich Maximilian Klinger namens „Sturm und Drang“ (1777) inspiriert.

Vorromantische Literatur: Die Entwicklung des unruhigen Helden

Johann Wolfgang von Goethe, der deutsche Staatsmann und Schriftsteller, war der berühmteste Verfechter der wachsenden romantischen Bewegung. Sein Roman „Die Leiden des jungen Werther“ (1774), eine Geschichte über einen emotional gequälten jungen Künstler, der Selbstmord begeht, als die Frau, die er liebt, einen anderen heiratet, wurde zu einem kulturellen Phänomen. Junge Männer begannen, die Kleidung und das Verhalten des Protagonisten zu übernehmen, und es kam sogar zu Nachahmungsselbstmorden. Einige Länder, darunter Italien und Dänemark, haben den Roman daraufhin verboten.

Ein Druck einer Szene aus Die Leiden des Jungen Werthers (‚The Sorrows of Young Werther, 1774) von Johann Wolfgang von Goethe, Darstellung von Werther, der Lotte mit ihren Brüdern und Schwestern sieht; Rijksmuseum, CC0, via Wikimedia Commons

Obwohl Goethe sich später von seinem Roman lossagen sollte, hat sich die Idee eines emotional gequälten jungen Künstlers, eines missverstandenen Genies, in das öffentliche Bewusstsein geschlichen. Viele glauben, dass der Protagonist dieses Romans den Helden in der Literatur der Romantik inspiriert hat.

Die Beschäftigung mit dem missverstandenen emotionalen Helden wurde durch die Veröffentlichung von „Childe Harolds Pilgerfahrt“ (1812) des britischen Dichters Lord Gordon Byron weiter verstärkt. Diese Veröffentlichung führte den Begriff „Byronischer Held“ ein, die grüblerische und einsame Geniefigur, die zwischen ihren schlechtesten und besten Eigenschaften hin- und hergerissen ist.

Romantik Merkmale in der Literatur

Durch die Literatur wurden viele Romantik Motive erst entwickelt, aber was ist Romantik in der Literatur? Vor allem in England, Frankreich und Deutschland schürten die romantischen Autoren das wachsende Interesse an Subjektivität, dem missverstandenen Genie und Nationalismus. Hier ist eine kurze Liste mit einigen der berühmtesten Schriftsteller und Dichter der frühen Romantik.

Das Aufkommen der Romantik in der Literatur beginnt in den 1790er Jahren mit den lyrischen Balladen von William Wordsworth. Das Vorwort dieser Veröffentlichung enthielt die Beschreibung der Poesie als „spontanes Überfließen mächtiger Gefühle“, was zu einer Art Manifest der Romantik wurde. Diese Aussage stellte für die frühen Schriftsteller die Definition der Romantik dar.

Titelblatt von Wordsworth, William und Samuel Taylor Coleridge’s Lyrical Ballads, with a few other poems. London: Printed for J. & A. Arch, 1798; William Wordsworth (1770-1850) and Samuel Taylor Coleridge (1772-1834)., Public domain, via Wikimedia Commons

Der Dichter William Blake war ein weiterer Gründungsdichter der ersten englischen romantischen Phase. Die erste deutsche romantische Phase beinhaltete viele Innovationen im literarischen Stil und Inhalt. Eine Beschäftigung mit dem Unbewussten, Mystischen und Übernatürlichen kennzeichnete auch die Romantik. Schriftsteller wie Jean Paul, August Wilhelm Schlegel, Ludwig Tieck, Johann Wolfgang von Goethe, Wilhelm Heinrich und Friedrich Schelling waren während dieser ersten romantischen Periode in Deutschland prominent.

Die zweite romantische Periode dauerte von 1805 bis zu den 1830er Jahren. Während dieser Zeit gab es einen sehr schnellen Anstieg des kulturellen Nationalismus, und Künstler und Schriftsteller richteten ihre Aufmerksamkeit auf nationale Ursprünge. Einheimische Folklore, Volksmusik, Volkstänze, Volksdichtung und Balladen wurden gesammelt und ausgiebig imitiert. Sir Walter Scott übersetzte diese wiederbelebte historische Wertschätzung in seine fantasievollen Schriften. Ihm wird daher oft die Erfindung des historischen Romans zugeschrieben.

Auch die englische romantische Dichtung erreichte in dieser Zeit ihren Höhepunkt, mit den populären Werken von Percy Bysshe Shelley, Lord Byron und John Keats. Die Faszination für das Übernatürliche war ein grundlegendes Merkmal der romantischen Literatur und verband sich mit dem Interesse an der subjektiven Gefühlswelt. Werke wie Frankenstein von Mary Shelley und andere Werke von Marquis de Sade, Charles Robert Maturin und E. T. A. Hoffmann erkunden diese Faszination.

Frankenstein, oder der moderne Prometheus (Überarbeitete Ausgabe, 1831) von Mary Shelley; Mary Wollstonecraft Shelley, Public domain, via Wikimedia Commons

In den 1820er Jahren wurde die Reichweite der romantischen Literatur erheblich erweitert, einschließlich des größten Teils Europas. Gegen Ende dieser zweiten Phase wurde die Romantik zunehmend nationalistisch und nicht mehr universell. Autoren begannen, sich auf ihre nationale und kulturelle Geschichte zu konzentrieren und untersuchten und verherrlichten die Kämpfe und Leidenschaften wichtiger historischer Figuren.

Die prominentesten Figuren der romantischen Literatur sind zweifelsohne die englischen, französischen und deutschen Autoren, die wir bereits erwähnt haben. Es gab jedoch auch andere bedeutende Autoren aus vielen europäischen Ländern. In Italien waren Giacomo Leopardi und Alessandro Manzoni besonders einflussreich. Angel de Saavedra und José de Espronceda dominierten die spanische romantische Literatur, während in Russland Michail Lermontov und Aleksandr Puschkin herausragende Figuren waren.

Romantik in der bildenden Kunst

Die gleiche Faszination für emotionale Intensität, das Übernatürliche, Nationalismus und die Heldentrophäe in der romantischen Literatur überträgt sich auf die romantische Kunst. Die bildende Kunst der Romantik erforschte auch die natürliche Welt durch Landschaften und Ideen von Revolution und Gerechtigkeit. Der Orientalismus war auch in der romantischen Malerei weit verbreitet und es ist möglich, die Auswirkungen der Romantik in der Porträtmalerei der Zeit zu sehen.

Das Erhabene: Die Anregung des romantischen Geistes

Die Epoche der Romantik sah so etwas wie ein großes Erwachen zur Philosophie des Geistes. Philosophen, Romanciers und bildende Künstler begannen gleichermaßen, die Beziehung zwischen Erfahrung und den Feinheiten des menschlichen Geistes zu erforschen. Das Erhabene hielt Einzug in die Romantik nach der Veröffentlichung von Edmund Burkes „A Philosophical Enquiry into the Origins of Our Ideas of the Sublime and Beautiful“ im Jahr 1756.

Eines von zwei Motiven der Romantik auf der gleichen Platte. Ein Schuster (links) predigt in einem kahlen, mit Sparren versehenen Raum mit einem Flügelfenster. Er steht hinter einem Lesepult, auf dem ein großes, aufgeschlagenes Buch liegt, beugt sich vor, zeigt auf etwas, gestikuliert und ruft. Die Köpfe seiner Gemeinde, alte Männer und Frauen, stehen unten und rechts. Der Titel stammt aus Burkes Buch, A Philosophical Enquiry into the origin of our Ideas of the Sublime and the Beautiful (1756). 1. Oktober 1785; British Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Ein Teil der Bedeutung dieser philosophischen Untersuchungen lag in ihrem direkten Widerspruch zur aufklärerischen Rationalität. Das Erhabene war eine Erfahrung, bei der man ein Objekt betrachtet, das so schön und erstaunlich ist, dass wir nicht in der Lage sind, etwas anderes im Kopf zu behalten. Das Erhabene zu erleben, ist mehr als die Erfahrung von Schönheit. Stattdessen ist es die Erfahrung von etwas, das so ehrfurchtgebietend ist, dass es unseren Sinn für die objektive Realität überholt. Das Erleben des Erhabenen ist für die Malerei der Romantik entscheidend, weil es die notwendige Selbstprüfung auslöst.

Romantische Landschaften: Romantik Malerei und die natürliche Welt

Viele führende Künstler der Romantik in England, den Vereinigten Staaten und Deutschland richteten ihren Blick vor allem auf Landschaften. Viele Künstler der Romantik versuchten, das Erhabene in ihren Landschaften einzufangen. Die natürliche Welt in den Romantik Bildern war eine der primären Möglichkeiten, in der die Menschen das Erhabene erfahren konnten.

Die überwältigende Kraft und Schönheit der natürlichen Welt, seien es die rollenden Gewitterwolken eines herannahenden Sturms oder eine ausgedehnte Landschaft, kann den menschlichen Geist dazu bringen, seinen Platz in der Welt zu überdenken. Der Versuch, die Formlosigkeit, Unregierbarkeit und Grenzenlosigkeit der natürlichen Welt zu verstehen oder wahrzunehmen, führt zu überwältigenden Emotionen.

Die Darstellung von Schiffswracks war ein häufiges Motiv der Romantik in vielen Landschaften der französischen und britischen Künstler. Ein Schiffswrack ist eine kraftvolle Darstellung der überwältigenden Kraft der Natur und der menschlichen Versuche, sie zu bekämpfen. Die unkontrollierbare Kraft der natürlichen Welt bietet eine direkte Alternative zu der strukturierten und kontrollierten Welt der Aufklärungsphilosophie.

Nach Edmund Burke und Denis Diderot, dem französischen Philosophen, ist alles, was „die Seele betäubt“ und uns mit einem „Gefühl des Schreckens“ zurücklässt, ein direkter Weg zum Erhabenen. Viele Kunsthistoriker glauben, dass die Schiffswrack-Bilder ihren Höhepunkt mit dem Floß der Medusa (1819) von Théodore Géricault erreicht haben. Diese kraftvolle Szene ist unglaublich explizit und erzeugt einen überwältigenden Zustrom an intensiver Emotionalität. Das auffällige Fehlen eines Helden innerhalb der Szene machte dieses Gemälde zu einer ikonischen Darstellung der Romantik.

Le Radeau de La Méduse (‚The Raft of Medusa‘, 1818-1819) von Théodore Géricault; Théodore Géricault, Public domain, via Wikimedia Commons

Die englischen Maler der Romantik waren einige der prominentesten Landschaftsmaler innerhalb der Bewegung. Künstler wie John Constable und J. M. W. Turner verkörpern die romantische Faszination für die natürliche Welt und sind in der Lage, die Kraft und Unvorhersehbarkeit ihrer Schönheit einzufangen.

Die dramatischen und flüchtigen Effekte von Farbe, Licht und Atmosphäre in diesen Werken fangen die Dynamik der natürlichen Welt ein und rufen ein Gefühl von Erhabenheit und Ehrfurcht hervor. Schneesturm: Hannibal und seine Armee beim Überqueren der Alpen (1812) von J. M. W. Turner ist eine berühmte Komposition, die die menschliche Erfahrung im Angesicht der Macht der Natur in den Schatten stellt. Drei oder vier Figuren werden von einem großen, wirbelnden Schneesturm verschlungen, völlig überwältigt von den Kräften, die sie nicht kontrollieren können.

Die Landschaften von John Constable unterstreichen eine weitere wichtige romantische Einstellung zur Natur. John Constables Landschaften in seinen romantischen Bildern drücken seine individuelle Beziehung zu seiner englischen Heimatlandschaft aus. Andere Künstler und Kritiker umarmten Constables Werke als „die Natur selbst“ in einer Ausstellung im Pariser Salon 1824. Das hohe Maß an Subjektivität und Aufmerksamkeit für die Landschaften unterstreicht den tief verwurzelten Sinn für Individualität in der Romantik.

The Hay Wain (1821) von John Constable; John Constable, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Tierreich – Romantik Merkmale

Während die Landschaften der Romantik selten menschliche Gestalten enthielten, zeigten sie oft verschiedene Mitglieder des Tierreichs. Tatsächlich stellten viele romantische Maler Tiere als Metaphern für menschliches Verhalten und die Kräfte der Natur dar.

In den 1820er Jahren schufen Künstler wie Edwin Landseer und Eugenène Delacroix und Antoine-Louis Barye Skizzen von wilden Tieren in den Londoner und Pariser Menagerien. Gericault war ein weiterer romantischer Künstler, der von Mitgliedern des Tierreichs fasziniert war, und er hatte ein besonderes Faible für Pferde. Von Rennpferden bis hin zu Arbeitspferden, Gericault stellte Pferde ausgiebig in seinen Werken dar. Für Künstler wie Théodore Chassériau und Delacroix inspirierte Lord Byrons Geschichte von Mazeppa, der an ein wildes Pferd gefesselt war, zu Darstellungen von Leidenschaft und Gewalt.

Mazeppa und die Wölfe (1826): Horace Vernet

Im Salon von 1827 zeigte Horace Vernet zwei Szenen direkt aus Mazeppa. Diese besondere Komposition stellt einen Teil der Legende von Mazeppa dar. In dieser Szene wird Mazeppa, nachdem er eine Affäre mit einer Gräfin hatte, nackt auf den Rücken eines Pferdes gebunden. Das Pferd trägt ihn hinunter auf den Grund der Steppe in der Ukraine. Laut der Legende, die auf dem Gemälde dargestellt ist, wurde der Held auf seiner Reise von einem Rudel Wölfe angegriffen.

Mazeppa und die Wölfe (1826) von Horace Vernet; Horace Vernet, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Hudson River Schule

In Amerika sind die romantischen Landschaften nicht von der Hudson River School zu trennen. Die Maler der amerikanischen Romantik ließen sich von der wilden und rauen amerikanischen Landschaft und der Philosophie des Transzendentalismus inspirieren. Die Landschaften der Künstler der amerikanischen Romantik neigen dazu, sehr detaillierte, lebendige und oft idealisierte Naturszenen zu sein.

Maler, die diesen Stil verwendeten, waren Mitglieder der Hudson River School. Die Gruppe wurde von dem berühmten Landschaftsmaler Thomas Cole gegründet. Die zweite Gruppe der Hudson River Landschaftsmaler kam aus New York. Diese Künstler wagten sich hinaus in die wilden Landschaften des Westens. Alle Maler der Hudson River Romantik teilten den Wunsch, die Majestät und Erhabenheit der natürlichen Welt einzufangen.

The Voyage of Life (1840): Thomas Cole

Im Jahr 1840 malte Cole eine vierteilige Serie von Landschaften. Diese Landschaften, mit einem romantischen Hintergrund, dienen als christliche Allegorie für die vier Lebensabschnitte eines Menschen.

Das erste Gemälde ist Childhood, und es setzt die Bühne für die gesamte Serie. Die Komposition zeigt ein Baby, das auf einem kleinen, lichtdurchfluteten Boot einen dunklen Kanal verlässt. Das Wasser unter ihm ist glatt und ruhig und ein sanftes, weißes Licht taucht die Landschaft um das Kind herum. An der Pinne des Bootes steht ein Schutzengel, der das Kind sanft auf das Wasser hinausführt.

The Voyage of Life: Childhood (1842) von Thomas Cole; Thomas Cole, Public domain, via Wikimedia Commons

Das zweite Bild heißt Youth. Die Komposition bleibt die gleiche wie beim ersten Bild und die Umgebung ist weiterhin üppig und friedlich. Der große Unterschied zwischen dem ersten und dem zweiten Gemälde ist der Schutzengel, der den Jungen auf sich allein gestellt lässt. Der Junge ergreift eifrig die Pinne und macht sich auf den Weg zu seinen Ambitionen und Träumen. Eine jugendliche Unschuld durchdringt immer noch dieses Bild, aber kurz hinter der Biegung des Flusses beginnt das Wasser kabbelig zu werden. Ein Hinweis auf eine mühsame und schwierige Reise in Richtung seiner Träume liegt vor ihm.

The Voyage of Life: Youth (1842) von Thomas Cole; Thomas Cole, Public domain, via Wikimedia Commons

Manhood ist das dritte Bild in dieser Serie. Ein erwachsener Mann ersetzt den kleinen Jungen auf dem Boot. Die friedliche und üppige Landschaft auf beiden Seiten des Flussufers ist verschwunden und der Himmel ist dunkel geworden. Das Wasser ist kabbelig und große zerklüftete Felsen säumen den Rand des Wassers. Dem Boot fehlt die Pinne, und der Mann hat keine Kontrolle mehr.

The Voyage of Life: Manhood (1842) by Thomas Cole; Thomas Cole, Public domain, via Wikimedia Commons

Aus der Ferne wird er immer noch von seinem Schutzengel beobachtet, wo der Mann ihn nicht sehen kann. Er muss weiterhin den Glauben haben, dass er über ihn wacht. Historikern zufolge wollte Cole vermitteln, wie der Idealismus und die Träume, die wir in der Jugend haben, im Erwachsenenalter zusammenbrechen. Der Ozean, der in der Ferne auftaucht, symbolisiert das Ende des Lebens des Mannes und die warmen Rottöne des Sonnenuntergangs deuten auf Hoffnung trotz seiner Prüfungen hin.

Das letzte Gemälde dieser Serie trägt den Titel Old Age. Der Engel kehrt an die Seite des nun alten Mannes zurück. Sein Boot liegt nun auf dem weiten Ozean und das Wasser ist wieder glatt und ruhig. Das Licht beginnt, durch die dunklen Wolken am Himmel zu brechen, und der Glaube des Mannes hat ihn sicher durch die Prüfungen seines Lebens getragen. Die Schönheit der Ewigkeit wartet nun auf ihn.

The Voyage of Life: Old Age (1842) von Thomas Cole; Thomas Cole, Public domain, via Wikimedia Commons

Romantische Malerei – Porträts

Das Interesse der Romantiker an inneren, subjektiven Zuständen lässt sich vielleicht am besten in ihren Porträts festhalten. Während die traditionelle, neoklassische Porträtmalerei darauf abzielte, das Abbild eines Individuums zu erfassen, war die romantische Porträtmalerei viel mehr an den psychologischen und emotionalen Zuständen des Individuums interessiert.

Gericault erforschte emotionale Ängste in den Extremen der geistigen Gesundheit durch Porträts, die er von psychiatrischen Patienten malte. Die Emotionalität, die Gericault einzufangen vermag, stellt den Inbegriff des romantischen Interesses am Wilden und Subjektiven dar. Gericault erforschte auch die dunkleren Seiten der Kindheit.

Alfred Dedreux (1810-1860): Théodore Géricault

Dieses Porträt ist eines der besten Beispiele für Gericaults Porträts von kleinen Kindern. Das Porträt zeigt einen kleinen Jungen namens Alfred Dedreux, den Neffen von Pierre-Joseph Dedreux-Dorcy, einem guten Freund von Gericault. Obwohl der Junge nur etwa fünf oder sechs Jahre alt ist, scheint er ein Erwachsener zu sein. Sein Gesicht trägt die Ernsthaftigkeit eines erwachsenen Mannes und der dunkle Hintergrund mit schweren und bedrohlichen Wolken vermittelt ein Gefühl der Unruhe.

Alfred Dedreux als Kind (1819-1820) von Théodore Géricault; Théodore Géricault, CC0, via Wikimedia Commons

Während die Malerei der Romantik fast alles aus der neoklassischen Ära ablehnte, haben die Künstler der Romantik die Historienmalerei neu interpretiert. Romantische Künstler verwarfen die pedantischen Regeln und Vorschriften der neoklassischen Historienmalerei zugunsten exotischerer Themen.

Während die Romantik, über die wir bisher gesprochen haben, sich vor allem mit der Darstellung von Szenen hoher Emotionalität, fehlender menschlicher Kontrolle und dem Erhabenen beschäftigte, waren auch orientalische und verklärte Bilder ein wesentlicher Teil des Oeuvres der Bewegung. Viele der Bilder, die wir hier besprechen, wären nach Edward Saids Studie zum Orientalismus heute nicht mehr angebracht. Es ist möglich, den Orientalismus sowohl in der romantischen Malerei als auch in der Literatur zu finden.

Eugène Delacroix, der berühmteste französische Maler der Romantik, besuchte 1832 Marokko, und diese Reise veranlasste viele andere romantische Künstler, ihm zu folgen. Delacroix ist berühmt für seine ausdrucksstarke und freie Pinselführung, seine dynamischen Kompositionen, seine abenteuerlichen und exotischen Themen und seine sinnliche Verwendung von Farben.

Dem Beispiel von Delacroix folgend, besuchte Chasseriau 1846 Algerien, und wir können seine Reise durch seine Notizbücher voller Zeichnungen und Aquarelle verfolgen. Diese Vorstudien sollten später viele Gemälde inspirieren, die in Paris entstanden.

Die übertriebene Exotik der östlichen Welt durch europäische Künstler begann in der Zeit der Renaissance. Du kannst diese frühe Entwicklung in The Reception of the Ambassadors in Damascus (1511) sehen. In orientalischen Gemälden wie diesem versucht der Künstler eine Szene zu schaffen, die die exotische Natur dieser Länder des Nahen Ostens einfängt und verherrlicht. Diese Szenen neigen jedoch dazu, die Grenze zwischen Verherrlichung und Karikatur zu überschreiten. Viele dieser Bilder sind zutiefst beleidigend für die Kulturen, die sie porträtieren.

Die Faszination für Themen aus dem Nahen Osten wuchs während der Romantik, mit Gemälden von nackten Frauen wie „Grande Odalisque“ (1814) von Jean-Auguste-Dominique Ingres und „Die Frauen von Algier“ (1834) von Delacroix. Diese Gemälde projizieren die Ängste und Sehnsüchte der Künstler auf die nahöstlichen und afrikanischen Szenen.

The Women of Algiers (1834): Eugène Delacroix

Als dieses Gemälde 1834 zum ersten Mal in Paris gezeigt wurde, erregte es großes Aufsehen. Nicht nur die stark sexuellen Konnotationen schockierten die Pariser Gesellschaft, sondern das Gemälde zeigte auch den Gebrauch von Opium. Zu dieser Zeit wurde Opium nur in Werken dargestellt, die Prostituierte zeigten.

Dieses Gemälde war auch berüchtigt wegen der Art und Weise, wie Delacroix muslimische Frauen malte, deren Verhüllung es schwierig machte, sie zu malen. Delacroix‘ Geheimnis war, dass er einige dieser Frauen während seines Besuchs in Marokko 1832 skizzieren konnte. Trotz der Sensation kaufte König Louis Philippe das Gemälde und schenkte es dem Luxemburger Museum. Es hängt nun im Louvre, neben vielen seiner anderen Meisterwerke.

Les Femmes d’Alger dans leur appartement (‚The Women of Algiers‘, 1834) von Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Public domain, via Wikimedia Commons

Musik und Romantik

Wie in der Literatur und der bildenden Kunst, betont die romantische Musik Individualität, Subjektivität, emotionalen Ausdruck und Freiheit des Ausdrucks. Vor allem zwei Komponisten haben die Lücke zwischen der Romantik und der Klassik überbrückt. Diese beiden musikalischen Künstler sind Franz Schubert und Ludwig van Beethoven. Eine Zeit lang waren die musikalischen Techniken, die diese beiden verwendeten, streng und formal und sehr klassisch. Es war jedoch ihre Verwendung von programmatischen Elementen und die Vermittlung von intensiver Emotionalität, die die Bühne für die Musik der romantischen Ära bereiteten.

Die Romantik beeinflusste die Musikwelt auf verschiedene Weise. Romantische Komponisten brachten die Oper zu neuen Höhen, und es gab viele Innovationen bei den Musikinstrumenten, die es Musikern und Komponisten ermöglichten, neue Möglichkeiten des dramatischen Ausdrucks zu schaffen.

Romantische Oper

Die romantische Oper begann nacheinander in Deutschland und Italien. In Deutschland lösten die Werke von Carl Maria von Weber die romantische Oper aus und gipfelten in den Werken von Richard Wagner. Wagner kombinierte verschiedene Elemente der Romantik in seinen Opernwerken. Vom Kult des Helden bis hin zum glühenden Nationalismus, ausdrucksstarker Musik, exotischen Kostümen und Bühnenbildern und der Virtuosität in der Gesangs- und Orchesterbesetzung.

In Italien waren Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini und Gaetano Donizetti die führenden Komponisten der romantischen Oper. Während diese Komponisten die italienische romantische Oper entwickelten, war es Guiseppe Verdi, der den Höhepunkt erreichte.

Entwicklungen bei Musikinstrumenten

Ohne Innovationen im Instrumentenrepertoire konnten die Komponisten der Romantik ihre Träume nicht verwirklichen. Die Perfektionierung und Erweiterung des Instrumentenrepertoires ermöglichte es den Komponisten, neue Ebenen des dramatischen Ausdrucks zu erreichen. Dank der Erschaffung neuer musikalischer Formen konnten Komponisten ihre einzigartige Subjektivität und intensive Emotionalität durch die Musik auf ganz neue Weise ausdrücken. Zu diesen Formen gehören das Nocturne, das Capriccio, die Mazurka, das Präludium, das Intermezzo und das Lied.

Romantische Komponisten fanden oft Inspiration in nationalen Volksmärchen, Poesie und Legenden. Viele verknüpften Musik und Worte durch Formen wie die Begleitmusik, die Konzertouvertüre programmatisch. Dies sind einzigartige Merkmale, die die Musik der Romantik auszeichnen.

Die erste Phase der Romantik wurde von vielen berühmten Komponisten dominiert, darunter Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Franz Liszt und Frederic Chopin. Jeder dieser Komponisten erweiterte das Vokabular der Harmonie bis an die Grenzen und nutzte die gesamte Bandbreite der chromatischen Skala. Sie brachten auch die Orchesterinstrumente an die Grenzen ihrer Ausdrucksmöglichkeiten und erforschten die Verbindung zwischen der menschlichen Stimme und der Instrumentierung.

Autographe Partitur des polnischen Komponisten Frédéric Chopin seiner Polonaise Op. 53 in As-Dur für Klavier, 1842; Frédéric Chopin, Public domain, via Wikimedia Commons

Während der Phase der mittleren Romantik dominierten Komponisten wie Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Edvard Grieg und Antonin Dvorak die Musikszene. Diese Komponisten schufen komplexe, einzigartige und hochemotionale Stücke. Der Nationalismus innerhalb der Romantik begann in dieser Phase die Musik zu durchdringen.

Komponisten wie Bedrich Smetana und Dvorak verbanden nationale Volksmelodien mit hochexpressiver Musikalität und schufen fantastische und kraftvolle Werke. Komponisten wie Jean Sibelius, Edward Elgar, Richard Strauss und Gustav Mahler schlossen die letzte Phase der romantischen Musik ab.

Romantische Architektur: Das Gothic Revival

Genau wie in der Kunst, Literatur und Musik lehnte die romantische Architektur die Ideale des neoklassischen Designs ab. Die wichtigste Art und Weise, wie die romantische Architektur den neoklassischen Stil untergrub, war die Bezugnahme auf historische Stile. Romantische Architekten verwendeten Stile aus verschiedenen Ländern und Epochen, um Gefühle von Exotik und Nostalgie hervorzurufen. Ein Revival-Stil, wie der des Orientalischen Revivals und des Gotischen Revivals, dominierte die romantische Architektur.

Bereits in den 1740er Jahren begannen Architekten gotische Designelemente einzubauen. Es war jedoch erst in den 1800er Jahren, dass das Gothic Revival an Popularität gewann. Der Roman von Victor Hugo, „Der Glöckner von Notre Dame“ (1831), hat die Popularität der neugotischen Architektur begründet. Das vielleicht deutlichste britische Beispiel für das Gothic Revival sind die Houses of Parliament. Diese Gebäude wurden von dem Architekten Charles Berry und A. W. N. Pugin entworfen und umgebaut.

The Hunchback of Notre Dame (1831) von Victor Hugo; Victor Hugo, Public domain, via Wikimedia Commons

Romantik überall auf der Welt

Die Romantik begann in Deutschland, aber schon bald war sie in ganz Amerika und vielen europäischen Ländern beliebt. Jedes Land hatte seinen eigenen, einzigartigen Ausdruck der Romantik, geprägt von der nationalen Kultur und Geschichte.

Französische Romantik

Romantische Maler begannen nach den Napoleonischen Kriegen und dem Exil von Napoleon die neoklassischen Techniken von Jacques Louis David herauszufordern. Im Gegensatz zu den deutschen Romantikern hatten die Franzosen ein viel breiteres Repertoire an Themen. So entstanden Bilder der Romantik wie solche der Historienmalerei und des Porträts. Künstler wie Eugène Delacroix und Jean-Léon Gérome läuteten mit ihren farbenfrohen und dramatisch inszenierten Kompositionen von verschiedenen Teilen Nordafrikas ein Zeitalter des Orientalismus ein.

Die Künstler der französischen Romantik experimentierten auch mit der Bildhauerei. Besonders Géricault experimentierte mit Skulpturen, darunter ein Werk von 1818 mit dem Titel „Nymphe und Satyr“, das eine heftige und suggestive Begegnung zwischen zwei mythologischen Kreaturen darstellt. Tiere waren die prominentesten Themen für die Skulpturen der französischen Romantik.

Satyr and Nymph (1817) von Théodore Géricault; Théodore Géricault, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Künstler waren in der Lage, die Gewalt und Aggression der wilden Bestien mit solch zarter Schönheit einzufangen. Diese Werke sind einige der besten Beispiele für den Versuch der Kunst, das Erhabene zu erreichen, indem sie Szenen des Schreckens und der Ehrfurcht schaffen. Antoine-Louis Bayre ist der berühmteste französische Tierbildhauer.

Englische Romantik

In England wurde die Romantik vor allem in der Literatur und der Landschaftsmalerei sichtbar. Im Gegensatz zu den dramatischen Landschaften, die von deutschen Malern bevorzugt wurden, waren die englischen Landschaftsmaler viel naturalistischer. Ab 1803 wurde die Norwich School, eine Gruppe von Landschaftsmalern, gegründet. John Crome war ein prominentes Gründungsmitglied. Diese Gruppe hielt jährliche Ausstellungen zwischen 1805 und 1833 ab. Viele Mitglieder der Gruppe, darunter auch Crome, praktizierten das Malen en plein air.

Wenn wir über englische romantische Landschaften sprechen, können wir den Einfluss von John Constable nicht ignorieren. Als einer der bedeutendsten romantischen Landschaftsmaler brachte Constable eine tiefe Sensibilität in seine Naturbeobachtungen ein. Eugène Delacroix war stark von der Art und Weise beeinflusst, wie Constable weiße Tupfer und lokale Farben verwendete, um Lichtschimmer zu imitieren.

Wenn es um die Verwendung von Farbe geht, war J. M. W. Turner der radikalste romantische Künstler. Turner war zurückgezogen und exzentrisch und arbeitete in Grafiken, Aquarell und Öl. Mit schnellen Farbstrichen konnte Turner dynamische Kompositionen mit atemberaubenden Lichteffekten schaffen.

The Fighting Téméraire tugged to her last berth to be broken up, 1838 (1839) by J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Public domain, via Wikimedia Commons

Amerikanische Romantik Kunst

Das Zentrum des Romantizismus in Amerika war die Hudson River School. Zwischen 1825 und 1875 fanden die amerikanischen Maler der Romantik ihren primären Ausdruck in der Landschaftsmalerei. Cole ist sicherlich das bekannteste Mitglied der Gruppe, aber sie begann mit Thomas Doughty. Die Arbeit von Doughty betonte eine ruhige Stille in der Natur.

Frederic Edwin Church war ebenfalls ein einflussreiches Mitglied dieser Gruppe von Landschaftsmalern, neben Asher B. Durand und Albert Bierstadt. Die meisten dieser Künstler konzentrierten sich auf die Malerei der Catskills, White Mountains und Adirondacks des amerikanischen Nordostens.

Allmählich begannen die Künstler der amerikanischen Romantik sich dem südlichen und westlichen Amerika und den Landschaften in Lateinamerika zuzuwenden. Wie viele englische Landschaftsmaler benutzten auch die amerikanischen Romantiker Skizzen, die sie im Freien anfertigten, um Gemälde in ihren Ateliers zu schaffen. Die Landschaften der amerikanischen Romantik sind oft hochdramatisch, überwältigend und ehrfurchtgebietende Ausblicke.

Die Romantik war eine natürliche Reaktion gegen die strengen, dogmatischen Regeln der neoklassischen Periode. Gegenüber den Idealen der Aufklärung, die rationales Denken und Logik schätzten, betonten die Künstler der Romantik Emotionalität, unkontrollierbare Natur und die Subjektivität jedes Einzelnen. Diese romantischen Eigenschaften durchdrangen alle Formen der Kunst im 18. Jahrhundert, von der Literatur über die Musik bis hin zur bildenden Kunst und Architektur.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.