Griechische Kunst – Geschichte, bekannte Künstler und Werke

Die griechische Kunst ist seit 650 v. Chr. eine Quelle der künstlerischen Inspiration, die viele Jahrhunderte lang unglaubliche Entwicklungen in der Bildhauerei und Töpferei aufweist. Von der rotfigurigen Töpferei bis zur figürlichen Vasenmalerei ist die Geschichte der antiken griechischen Kunst reich an kulturellen und sozioökonomischen Ereignissen, die Historikern einen umfassenden Einblick in das Leben und die Kunst der griechischen Kultur geben. In diesem Artikel werden wir die vielen einzigartigen Schätze der griechischen Kunstwelt anhand der komplexen Kunstformen der einzelnen Kunstepochen der Antike erkunden. Lies weiter, um mehr über die Geschichte der griechischen Kunst und ihre vielen ikonischen Beiträge zur Kunst zu erfahren!  

Hellas und die Basis Griechenlands

Bevor wir in die umfangreiche Geschichte der antiken griechischen Kunst eintauchen, lass uns die Größe des Ortes erkunden, mit dem wir uns beschäftigen, nämlich Griechenland. Wenn wir an Griechenland oder Hellas, wie es früher hieß, denken, wissen wir sofort, welchen Einfluss diese antike Zivilisation auf die Kunstformen vieler westlicher Zivilisationen hatte.     

Griechenland ist ein belebter geografischer Hotspot auf der Weltkarte, der in Südosteuropa liegt. Das Land ist in neun Regionen unterteilt, nämlich die Ägäischen Inseln, Mittelgriechenland, Kreta, Epirus, die Ionischen Inseln, Mazedonien, Peloponnes, Thessalien und Thrakien. Es liegt außerdem in der Nähe des Zusammenflusses von Afrika, Asien und Europa und grenzt an Albanien, Nordmazedonien, Bulgarien und die Türkei.

Zu den Meeren, die Griechenland umgeben, gehören das Ägäische Meer (im Osten des Festlandes), das Ionische Meer (im Westen) und das Kretische Meer und das Mittelmeer (im Süden). Außerdem gibt es zahlreiche Inseln, die Griechenland umgeben.

Karte des antiken Griechenland von Matthäus Seutter, 1740; Matthäus Seutter, Public domain, via Wikimedia Commons

Wir kennen auch den berühmten Olymp, den höchsten Berg Griechenlands mit dem Mytikas, seinem höchsten Gipfel, der 9.570 Fuß hoch ist. Der Olymp nimmt in der griechischen Mythologie einen wichtigen Platz ein, denn er ist die Residenz der Götter mit Zeus auf dem Thron. Griechenland gilt auch als die „Wiege“ oder „Geburtsstätte“ der westlichen Zivilisation und als Geburtsort verschiedener kultureller und politischer Lehren wie Demokratie und Philosophie. Sie erforschte und entwickelte auch verschiedene Prinzipien in Bezug auf Mathematik und Wissenschaft. In der Kultur war sie die Bühne für Drama, Kunst, Architektur, Töpferei, Bildhauerei und Literatur und im Sport für die Olympischen Spiele, die bis in unsere Zeit andauern.

Geschichtliche Grundlagen: Was sind die Ursprünge des antiken Griechenlands?

Der beste Weg, die historischen Grundlagen des antiken Griechenlands zu verstehen, ist, die verschiedenen Perioden seiner Entwicklung als Zivilisation zu betrachten, denn es gibt zahlreiche Zeitrahmen und Entwicklungsstufen. Die griechische Geschichte reicht bis in die Vorgeschichte zurück, von der Steinzeit, die um 3.200 v. Chr. endete, bis in die Bronzezeit, die um 3.200 v. Chr. begann.

Die Steinzeit

Die Steinzeit wurde in drei verschiedene Perioden unterteilt: die früheste, die Altsteinzeit, gefolgt von der Mittelsteinzeit und der letzten, der Jungsteinzeit. In der griechischen Jungsteinzeit (7000-3200 v. Chr.) entwickelten sich Ackerbau und Viehzucht weiter und es gab neue Fortschritte in der Architektur und bei der Verwendung verschiedener Werkzeuge.

Die Griechische Jungsteinzeit wurde in sechs Phasen unterteilt, nämlich in die akeramische (vorkeramische), die frühe, die mittlere, die späte, die zweite und die letzte Jungsteinzeit. Mit jeder Mikroperiode innerhalb der Jungsteinzeit gab es neue Entwicklungen in der Landwirtschaft und Kultur.

Es ist wichtig zu verstehen, dass diese Perioden sozusagen die Bühne für die antike griechische Kunst bereiteten.

In der frühen Neolithischen Periode entwickelten die Menschen Techniken zum Brennen von Vasen. Die mittlere Jungsteinzeit brachte neue Entwicklungen in der Architektur mit sich, nämlich das „Megaroid“, das auch als „Megaron“ bezeichnet wird. Dabei handelte es sich um ein rechteckiges Haus mit einem Schlafzimmer und Veranden (offen oder geschlossen), das auch Säulen an den vorderen Eingängen hatte.

Die Bedeutung der Megaron-Struktur liegt darin, dass sie sich zur Halle für griechische Paläste entwickelte. Es ist eines der Hauptmerkmale der griechischen Architektur und wird auch als „geradlinige“ Form beschrieben. Diese Form wurde auch für die griechischen Tempel übernommen.

Romantische Rekonstruktionszeichnung des „Megaron der Königin“ von Emile Gilliéron dem Jüngeren. Aus den Unterlagen von Arthur Evans zu Ausgrabungen auf Kreta, zwischen 1922 und 1926; Gilliron, Ðmile fils, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Andere architektonische Entwicklungen waren die „Tsangli“-Struktur, die eine Siedlung war. Diese Struktur beinhaltete zwei Strebepfeiler im Inneren des Hauses, um das Dach zusätzlich zu stützen. Außerdem gab es Räume, die für verschiedene Zwecke bestimmt waren. Die Häuser aus dieser Zeit hatten bessere Steinfundamente als die Hütten aus der früheren Phase.

Während der späteren Jungsteinzeit gab es immer mehr Fortschritte in der Landwirtschaft, und diese Periode ging in die Bronzezeit über, als die Menschen Kupfer und Bronzemetalle einführten.

Die griechische Jungsteinzeit fand an verschiedenen Orten in Griechenland statt, nämlich in Athen, Dimini, der Franchthi-Höhle, Knossos, Milos, Nea Nikomedeia und Sesklo.

In die Bronzezeit Griechenlands – Die Zivilisationen der Ägäis

Die griechische Bronzezeit wird durch drei dominante Orte kategorisiert und wird auch als Ägäische Zivilisation bezeichnet, die sich um das Ägäische Meer drehte. Die wichtigsten Schauplätze waren die Kykladen, eine Inselgruppe südöstlich des griechischen Festlandes, Kreta, die südlicher als das griechische Festland liegt, und das griechische Festland.

Jedes geografische Gebiet hatte seine eigene Kultur. Die Kykladenkultur (ca. 3300-2000 v. Chr.) auf den Kykladen, die minoische Zivilisation (ca. 2700-1100 v. Chr.) auf Kreta und die mykenische Zivilisation (ca. 3200-1050 v. Chr.) auf dem griechischen Festland. Die Entwicklung der beiden Zivilisationen überschnitt sich, obwohl die mykenische Zivilisation schließlich mit der minoischen Gruppe verschmolz.

Zu den bemerkenswerten Merkmalen dieser Perioden gehören die Schrift, bekannt als Linear A und Linear B, verstärkte Handelsaktivitäten und die Entwicklung verschiedener neuer Werkzeuge.

Die Kykladen-Zivilisation schuf weibliche Figuren oder Idole, die aus Marmor geformt wurden. Viele von ihnen haben große ovale Gesichter und längliche Nasen. Die wichtigsten Stätten dieser Zivilisation waren Keros, Grotta, Phylakopi und Syros. Die Minoer lebten hauptsächlich in Knossos und in anderen Gebieten wie Malia, Phaistos und Zakros. Die Minoer sind dafür bekannt, dass sie die frühesten Grundlagen für die europäische Zivilisation schufen und viele Fortschritte in Schrift und Handel entwickelten. Ihre Kunst und Architektur bestand aus altgriechischen Gemälden, den sogenannten Fresken, die farbenfroh gemalt waren und Themen wie Tiere vom Land und vom Meer sowie natürliche Landschaften darstellten. Sie wurden oft im Inneren der Paläste gemalt und mit Bordüren versehen, die dekorative Muster, Symbole und beliebte Motive zeigten.

Toreador-Fresko (Stierspringer-Fresko) (ca. 1600-1450 v. Chr.), gefunden im Palast von Knossos, Kreta, Griechenland. Das ikonische Toreador Fresko ist Teil einer fünfteiligen Komposition und zeigt einen Akrobaten auf dem Rücken eines angreifenden Stiers. Eine zweite Figur bereitet sich auf den Sprung vor, während eine dritte mit ausgestreckten Armen wartet.Heraklion Archaeological Museum, CC0, via Wikimedia Commons

Die Minoer produzierten auch eine große Vielfalt an griechischer Töpferei und Keramik. Beispiele für die verschiedenen Formen von Gefäßen sind die Amphora (mit drei Henkeln), verschiedene Becher, runde Gefäße und Vorratskrüge, die Pithos genannt werden. Zeremonielle Krüge, die Trankopfer für Rituale enthielten, wurden als rhyta bezeichnet und hatten die Form eines Tierkopfes.

Der Stier war ein wichtiges Tier in der minoischen Kultur und sie stellten die Hörner des Stiers oft in ihrer Kunst und ihren Dekorationen dar. Die Minoer besaßen auch Goldschmuck, Skulpturen und Paläste, die bis zu vier Stockwerke hoch waren. Die Paläste waren ebenso wichtig für die Kultur wie die ausgedehnten architektonischen Anlagen, die verschiedenen landwirtschaftlichen Gemeinschaften und die Straßen, die zur Verbindung der Höfe und Dörfer gebaut wurden.

Die mykenische Zivilisation war hauptsächlich in Mykene und anderen Gebieten wie Athen, Theben, Pylos und Sparta angesiedelt. Sie wird auch als helladische Periode bezeichnet, da die Mykener auf dem griechischen Festland lebten und als einheimisch galten.

Der Handel war in der mykenischen Zivilisation weit verbreitet. Sie tauschten Waren und Materialien wie Gold, Glas, Kupfer und sogar Elfenbein.

Die Mykener schufen Kunstwerke, die von der minoischen Zivilisation beeinflusst waren. Sie waren für ihre starke Kriegerkultur bekannt und der Trojanische Krieg war ein berühmtes Ereignis, das die griechische Kultur popularisierte. Wenn wir uns mykenische Fresken ansehen, können wir eine Vielzahl von Szenen entdecken, die sich auf Schlachten, Tiere, die Natur und marschierende Krieger mit ihren Waffen beziehen. Die Ähnlichkeiten zwischen mykenischer und minoischer Kunst werden oft bemerkt, obwohl die mykenische Kunst als geometrischer und formaler in ihrem Stil beschrieben wird. Der Handel zwischen Kreta (Minoer) und Mykene hat jedoch auch die Kunststile und ihre Entwicklung zwischen den beiden Kulturen beeinflusst.

Das bekannte Löwentor (ca. 1250 v. Chr.) ist eines der bleibenden Überreste einer architektonischen Reliefskulptur. Es zeigt zwei Löwen (oder Löwinnen), die sich gegenüberstehen und auf ihren Hinterbeinen stehen, während ihre Vorderbeine auf einem blockartigen Sockel und einer Säule in der Mitte ruhen. Das Löwentor befindet sich am Haupteingang zur Akropolis, wo sich einst der Palast und die Zitadelle befanden.

Relief des Löwentors (c. 1250 v. Chr.), Mykene; Zde, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das griechische finstere Zeitalter und der Beginn der griechischen Zivilisation

Die mykenische Zivilisation endete um 1100 v. Chr. Der Untergang dieser und vieler anderer Zivilisationen um diese Zeit herum ist ein viel diskutiertes Thema. Viele Quellen verweisen auf Invasionen durch die dorische Zivilisation, den Klimawandel, Naturkatastrophen und andere soziale Probleme wie Hungersnöte und Überbevölkerung. Diese Ära wird als der „Zusammenbruch der späten Bronzezeit“ bezeichnet, der später als das griechische finstere Mittelalter bekannt werden sollte. Diese Periode fand zwischen 1100 v. Chr. und 750 v. Chr. statt und wurde als die „homerische“ Periode bezeichnet, die sich auf zwei Gedichte Homers bezog, die Ilias und die Odyssee.

Nahezu deckungsgleich mit den oben genannten Perioden trat die Geometrische Periode (900-700 v. Chr.) gegen Ende des griechischen finsteren Zeitalters auf. Im Zusammenhang mit dem Stil wurde die Kunst auf Keramik in geometrischen Formen dargestellt, was dieser Periode ihren Namen gab. Nach dieser Zeit begann sich Griechenland schnell zu entwickeln und zu verändern.

Nach dieser Epoche wuchs die Bevölkerung und die antike griechische Kunst nahm Gestalt an und verkörperte die Ideale der Klassischen Kunst, wie wir sie heute kennen.

Merkmale der griechischen Kunst und Architektur

Wenn wir griechische Kunst betrachten, denken wir an idealisierte Marmorskulpturen und menschliche Figuren, die perfekt und schön erscheinen. Es gab drei verschiedene Perioden in der griechischen Kunst, die ihre Entwicklung geprägt haben. Im Folgenden sehen wir uns diese drei Perioden zusammen mit ihren jeweiligen Beiträgen zu verschiedenen Kunstformen und bemerkenswerten Künstlern innerhalb jeder Periode an.

Epiphanie des Dionysos Mosaik, aus der Villa des Dionysos (2. Jahrhundert nach Christus) in Dion, Griechenland. Heute im Archäologischen Museum von Dion; Anonymer unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Die archaische Periode (ca. 650 – 480 v. Chr.)

Die archaische Periode begann mit dem Beginn der griechischen Olympischen Spiele im Jahr 776 v. Chr. und brachte viele politische und soziale Entwicklungen mit sich. Griechenland wurde zu einem Stadtstaat, der als Polis bezeichnet wird, was auf Griechisch „Stadt“ bedeutet. Diese Polis wurden hauptsächlich unter Tyrannei regiert, obwohl es auch eine Debatte darüber gibt, dass diese tyrannische Herrschaft nicht dasselbe war, was sie in späteren Jahren wurde. Tyrannen verhalfen den Gemeinschaften zu größerem Reichtum und boten den Menschen mehr Beschäftigungsmöglichkeiten.

Die Kunst der archaischen Periode wird als naturalistisch beschrieben, verglichen mit der geometrischen Periode. Zu den wichtigsten Kunstwerken gehörten Töpferwaren, Malerei, Skulpturen und Architektur. Aufgrund des Handels zwischen verschiedenen östlichen Ländern gab es einen starken orientalischen Einfluss, der sich auf Vasen und Gefäßen bemerkbar machte. Tiere wie Löwen, Greife und Sphinxe wurden in die griechische Kunst aufgenommen und die Künstler verwendeten dekorative Motive wie Kurven und Blumenmuster.

Auch die menschliche Gestalt wurde nicht nur auf Töpferarbeiten, sondern auch in der Bildhauerei dargestellt. Dies zeigte sich in den verschiedenen lebensgroßen Skulpturen aus Stein. Neben realistischen Elementen in der Darstellung gab es auch einen Idealismus, der stark von den Mykenern und der Darstellung von Stärke und körperlicher Kraft in der Darstellung der männlichen Form beeinflusst war.

Dies zeigte sich vor allem in den Figuren der Athleten und Krieger jener Zeit und kennzeichnete die mykenische Kultur als „Goldenes Zeitalter“ für Darstellungen von Tapferkeit und Heldentum.

Die menschliche Form in der Bildhauerei während der archaischen Zeit wurde in kouros („Junge“) und kore („junges Mädchen“) Statuen festgehalten. Diese Statuen wurden in einer „frontalen“ Haltung geschaffen, die von den ägyptischen Statuen dieser Zeit beeinflusst ist, und sie sind auch „freistehend“. Zu den charakteristischen Merkmalen gehören eine aufrechte Haltung mit seitlich angelegten Armen, eng nebeneinander stehenden Füßen und breiten Schultern.

Statue eines Kore (links) und eines Kouros (rechts), beide aus parischem Marmor. Gefunden in Merenda (antikes Myrrhinous), Attika. Beide sind wichtige Werke des reifen archaischen Stils und seiner Zeit; George E. Koronaios, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das weibliche Gegenstück, die kore, wurde oft in Kleidern ihrer Zeit mit verschiedenen Stilelementen dargestellt. Bei beiden Statuentypen sehen wir das so genannte „archaische Lächeln“, das sowohl bei den männlichen als auch bei den weiblichen Statuen den Anschein von Sanftheit und Gelassenheit erweckt.&nbspAußerdem variierte der Verwendungszweck dieser Statuen, zum Beispiel wurden die korai als Votivgaben für griechische Göttinnen wie Athene verwendet. Die kouroi wurden entweder als Denkmal für verstorbene Personen verwendet oder den Gewinnern von Spielen überreicht, an denen sie teilnahmen.

Es gibt zahlreiche Gründe, warum diese Statuen verwendet wurden, denn manche glauben, dass sie in Anlehnung an griechische Gottheiten geschaffen wurden und den Gott Apollo repräsentierten.

Beispiele für Griechische Bildhauer und die athenische Kunst in dieser Zeit sind der Athener Kritios, der in den späteren Phasen der archaischen Periode arbeitete. Es wird angenommen, dass er die realistischeren Kunststile in der Bildhauerei der nachfolgenden klassischen Periode stark beeinflusst hat. Er ist als Schüler des Bildhauers Antenor (ca. 540-500 v. Chr.) bekannt, der Die Tyrraniciden (510 v. Chr.) schuf.

Statue von Harmodius und Aristogeiton, Teil der Tyrranicides-Gruppe; Elliott Brown, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Die Tyrranizide wurden von Kleisthenes in Auftrag gegeben, einem politischen Führer, der im 6^ten Jahrhundert v. Chr. die Grundlagen für die Demokratie in Athen legte. Er wurde als Begründer der athenischen Demokratie verehrt. Die Skulptur stellt die beiden Figuren Harmodius und Aristogeiton dar, die den Tyrannen Hipparchos ermordet haben. Kritios hat diese Skulptur zusammen mit einem anderen Bildhauer namens Nesiotes neu geschaffen, nachdem sie während des Krieges zwischen Persien und Griechenland von Xerxes I. gestohlen worden war. Kritios ist auch für seine Skulptur namens Kritios Knabe (ca. 490-480 v. Chr.) berühmt. Sie ist kleiner als eine lebensgroße Skulptur.

Als frühes Werk der klassischen Periode zeigte Kritios den griechischen Bildhauern eine neue Art der Darstellung der menschlichen Figur. Diese Technik wird auch in Gemälden und Skulpturen der Renaissance und des Neoklassizismus verwendet und als contrapposto bezeichnet. Der Kritios-Junge steht mit seinem Gewicht auf einem Bein, was dem Körper eine leichte S-Kurve verleiht. Weitere Merkmale dieses Werks sind die heruntergezogene linke Schulter, der erweiterte Brustkorb als Zeichen des Einatmens und der Gesichtsausdruck, der nicht so idealisiert ist, wie wir es von früheren früharchaischen Skulpturen kennen.

Kritios soll einen „strengeren“ Stil gehabt haben. Das zeigt sich am Mund der Figur, denn er ist nicht das archaische Lächeln, das wir in den idealisierten Darstellungen zuvor gesehen haben, sondern wirkt eher grimmig und ernst.

Diese Statue befindet sich heute im Akropolis-Museum in Athen zusammen mit vielen anderen athenischen Kunstwerken. Die Statue war eines von vielen anderen antiken griechischen Artefakten, die im „Perserschutt“ gefunden wurden, den die persischen Invasoren nach der Plünderung der Akropolis im Jahr 480 v. Chr. zurückließen. Eine wichtige Debatte ist heute die Entfernung der Elgin Marbles, die im 19. Jahrhundert aus dem Parthenon entnommen und im Britischen Museum aufbewahrt wurden.&nbsp

Kritios Boy (ca. 480 v. Chr.) von Kritios; Kritios, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons

Klassische Periode (ca. 480 – 323 v. Chr.)

Während die archaische Periode oft als experimentell beschrieben wird, weil sie die menschliche Gestalt realistisch darstellte, war die klassische Periode ein großer Fortschritt, weil sie die menschliche Gestalt naturalistisch darstellte. Diese Periode in Griechenland wurde auch als das „Goldene Zeitalter“ bezeichnet, weil die Griechen im Griechisch-Persischen Krieg über Persien siegten. Diese neue Periode des Friedens und des Sieges brachte nicht nur viele neue Entwicklungen in Kunst und Architektur, sondern auch in der Philosophie (mit einigen der größten Philosophen der westlichen Geschichte, nämlich Sokrates, Platon und Aristoteles), der Wissenschaft und der Politik hervor. Auch der Stadtstaat Athen wurde nach dem Krieg wiederaufgebaut.

Das „Goldene Zeitalter“ dauerte etwa 50 Jahre bis zum Peloponnesischen Krieg im Jahr 431 v. Chr., als Sparta die Macht über Athen gewann. Doch dann übernahm der Makedonische Krieg die griechischen Staaten unter der Herrschaft von König Philipp II. und dann seinem Sohn, Alexander dem Großen. Die Philosophien von Platon und Aristoteles hatten einen großen Einfluss auf die griechische Kunst und die Art und Weise, wie griechische Künstler die menschliche Figur darstellten. Platon gründete auch eine Akademie in Athen (ca. 387 v. Chr.). Dies führte zu neuen Denkweisen und machte Vernunft und Wissen zu einem wichtigen Faktor, der viele Überzeugungen und Perspektiven untermauerte. Viele Abbildungen griechischer Figuren finden sich auf schwarz- und rotfigurigen Töpferwaren sowie in den Werken von Skopas und Lysippos.&nbsp

Platos Akademie Mosaik (aus Pompeji, ca. erstes Jahrhundert), heute im Museo Nazionale Archeologico, Neapel; Naples National Archaeological Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Klassische griechische Bildhauerei

Im klassischen Griechenland wurde die Kunst zu einer Darstellung der natürlichen Welt. Griechische Künstler begannen, Skulpturen zu schaffen, die menschenähnlich und detailliert, aber dennoch schön und perfekt in ihrer Darstellung waren. Das bringt uns zu dem, was als „Kanon der Proportionen“ bekannt war. Dieser Begriff bezieht sich auf das „perfekte“ Kunstwerk, so der griechische Bildhauer Polykleitos. Er entwickelte den so genannten Kanon (ca. 450 v. Chr.), der sich auf eine Reihe von Verhältnissen bezieht, die auf mathematischen Messungen des menschlichen Körpers basieren, um jedes Körperteil in perfekter Ordnung und Symmetrie darzustellen, was allgemein als eine Reihe von perfekten Proportionen verstanden wird.

Ein Beispiel dafür ist seine Skulptur Doryphoros (ca. 440 v. Chr.), auch bekannt als Speerträger, die einen nackten männlichen Krieger darstellt. Dieses Werk wurde von anderen Bildhauern in Marmor nachgebildet, da die ursprüngliche Bronzeskulptur verloren gegangen ist. Die Repliken zeigen jedoch die ideale Perfektion der männlichen Form, die durch mathematische Messungen erreicht wurde.

Doryphoros (‚Speerträger‘, c. 440 v. Chr.) von Polykleitos; Minneapolis Institute of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Skulptur war auch ein physisches Beispiel für Polykleitos‘ theoretische Überlegungen zur perfekten Form durch Proportionen, die letztlich Harmonie und perfektes Gleichgewicht veranschaulichen sollten. Das Wort „Kanon“ bedeutet „Regel“ oder „Maß“. In der griechischen Bildhauerei verbreitete sich das Interesse an der idealisierten menschlichen Figur, die in der Regel in den Figuren von männlichen Athleten und Kriegern gesucht wurde. Wir sehen dieses Element auch in den Werken anderer griechischer Bildhauer der klassischen Periode, wie zum Beispiel in Myron’s klassischem Discobolus oder Discus-Werfer (um 425 v. Chr.).

Der Discobolus wurde ursprünglich in Bronze gegossen, aber im Laufe der Zeit von verschiedenen römischen Bildhauern in Bronze und Marmor nachgebildet. Es handelt sich um einen männlichen Diskuswerfer, der beim Werfen des Diskus dargestellt ist. Sein Körper scheint verkrümmt zu sein, um sich auf den Wurf vorzubereiten, so dass er die klassische contrapposto Haltung einnimmt. Wir sehen seinen rechten Arm hinter ihm, der den Diskus hält, und sein Kopf ist in dieselbe Richtung gedreht. Jeden Moment erwarten wir, dass der Arm nach vorne schwingt. Dieses Bild schafft ein Gefühl von Naturalismus in der menschlichen Figur und zeigt jedes Körperteil in Korrelation zu den anderen.

Der Discobolus Lancellotti, römische Kopie eines griechischen Originals aus dem 5. Jahrhundert v. Chr. von Myron, Hadrianische Zeit, Palazzo Massimo alle Terme; Carole Raddato aus FRANKFURT, Deutschland, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Praxiteles war ein weiterer prominenter Bildhauer aus dem 4^th Jahrhundert v. Chr. Er war berühmt für seine lebensgroßen weiblichen Aktskulpturen, für die er ein Vorreiter war. Eine seiner beliebtesten Skulpturen ist die Aphrodite von Cnidus (ca. 4^th century BCE), die eine nackte Frau darstellt, die ein Badetuch in der linken Hand hält (oder danach greift), während sie mit der rechten Hand ihre Genitalien bedeckt und ihre Brüste entblößt.

Eine Skulptur wie diese war zu dieser Zeit revolutionär, da alle Skulpturen normalerweise männliche Akte darstellten. Außerdem sorgte die lebensgroße Darstellung der griechischen Göttin für noch mehr Aufsehen, und es war klar, dass Praxiteles in der griechischen Bildhauerei neue, gewagte Akzente gesetzt hatte. Seine Aphrodite wurde auch von dem berühmten römischen Autor Plinius dem Älteren als eine der schönsten Skulpturen beschrieben.

Aphrodite von Knidos (ca. 4. Jahrhundert v. Chr.) von Praxiteles; José Luiz Bernardes Ribeiro, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Klassische griechische Architektur

Die Erhabenheit der klassischen griechischen Architektur ist in den Mauern des berühmten griechischen Tempels, dem Parthenon (447-432 v. Chr.), eingefangen. Es ist ein großer rechteckiger Bau auf der Akropolis von Athen, einem flachen Hügel, der die Stadt überragt. Es wurde von den Architekten Iktinus und Kallikrates entworfen und der griechischen Göttin Athene gewidmet.

In der Mitte des Tempels befand sich eine monumentale Skulptur mit dem Titel Athena Parthenos. Sie wurde von einem bekannten griechischen Bildhauer, Phidias, geschaffen. Die Skulptur war ein Beispiel für die Majestät der Athene. Sie war etwa 40 Fuß hoch und wurde aus Elfenbein und Gold gefertigt (die Haut der Göttin war aus Elfenbein und ihre Kleidung aus goldenem Stoff gefertigt).

Parthenon von Vasiliy Polenov (1881-1882); Vasily Polenov, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Parthenon war von zahlreichen anderen Skulpturen und Friesen umgeben, darunter 17 Säulen dorischer Ordnung entlang der längeren horizontalen Seiten und acht entlang der kürzeren Seiten. Die Säulen dorischer Ordnung waren ein Zeugnis für eine andere architektonische Entwicklung in dieser Zeit, nämlich den dorischen und den ionischen Säulenstil. Letzterer, der ionische Stil, war auch in der hellenistischen Periode vorherrschend, aus der auch der dritte, der korinthische Stil, hervorging.

Der dorische Stil, die erste Entwicklung der architektonischen „Ordnungen“, ist schlichter und wird als „streng“ bezeichnet. Er besteht aus dem oberen Teil der Säule, dem so genannten Kapitell, das nicht verziert, sondern aus einfachem Stein gefertigt ist. Die Basis ruht ohne Stütze auf der Stylobate, der obersten Stufe des Krepidoma (dem ebenen oder gestuften Fundament, das den Überbau trägt) eines Tempels. Der Unterschied zwischen dem ionischen Stil und dem dorischen Stil besteht darin, dass das Kapitell stilisierter und verzierter ist und oft als schlanker beschrieben wird als der robuste dorische Stil. Die ionische Säule hat auch einen Sockel, der sie stützt.

Ein Foto des Parthenon von Westen; Benutzer:Mountain, Public domain, via Wikimedia Commons

Die hellenistische Periode (ca. 323 – 27 v. Chr.)

Während die klassische Periode durch die Herrschaft von Philipp II. von Makedonien gekennzeichnet ist, wurde König Philipp II. gegen Ende dieser Periode ermordet und durch seinen Sohn Alexander den Großen ersetzt. Die hellenistische Periode oder der Hellenismus trat nach dem Tod Alexanders 323 v. Chr. in Kraft. Da Alexander jedoch keinen Nachfolger hatte, gab es eine Zeit der Unsicherheit zwischen allen Generälen. Diese Ungewissheit führte dazu, dass Alexanders Generäle ihre Macht in verschiedenen Dynastien festlegten. Schließlich übernahm die Römische Republik 146 v. Chr. Makedonien, und 27 v. Chr. übernahm Kaiser Augustus Griechenland und es wurde Teil des Römischen Reiches.

Die Römer ließen sich von der griechischen Kunst und Architektur inspirieren, denn es wurden zahlreiche Nachbildungen in Marmor gefunden, die von Originalwerken griechischer Künstler abstammen.

Während der hellenistischen Periode wurde die griechische Kunst vielfältiger und bot eine breitere Palette von Motiven, darunter nicht nur junge oder kriegerische Männer, sondern auch Alltagsmenschen und Tiere. Die griechischen Künstlerinnen und Künstler entfernten sich auch von der Darstellung idealisierter Formen, denn es gab eine verstärkte Tendenz zum Naturalismus, die in der Bildhauerei und Malerei fast schon dramatisch wirkte. Kunst wurde auch von Mäzenen in Auftrag gegeben und als dekoratives Beiwerk für Häuser geschaffen, wie z. B. Bronzestatuen.

Hellenistische griechische Bildhauerei

Griechische Skulpturen erschienen in dieser Zeit gefühlvoller. In Anbetracht der Starrheit und des Idealismus des „archaischen Lächelns“ aus den vorangegangenen Perioden gab es eine beträchtliche Entwicklung bei der Darstellung der menschlichen Gestalt. Der Schwerpunkt lag auf Drama und Emotionen, und diese Zeit wird oft als theatralischere Kunst und Architektur beschrieben. Im hellenistischen Griechenland wurden viele berühmte Skulpturen geschaffen, darunter der Koloss von Rhodos (ca. 220 v. Chr.) von Chares von Lindos, der etwa 110 Fuß hoch war. Diese prächtige Statue war eine männliche Figur, die Helios, dem Sonnengott, gewidmet war. Leider wurde diese Statue bei einem Erdbeben zerstört.

Colossus von Rhodos (ca. 220 v. Chr.); Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine weitere Skulptur war Der sterbende Gallier (ca. 230-220 v. Chr.) von Epigonus. Sie stellt ein typisches Beispiel für die ausdrucksstarke Natur hellenistischer Skulpturen dar. Bei der Figur handelt es sich um einen Gallier, wie man an seiner Frisur und dem Ring um seinen Hals erkennen kann, der auch als „Torque“ bezeichnet wird. Er scheint im Sterben gefangen zu sein, was an seiner Haltung und dem zerbrochenen Schwert neben ihm zu erkennen ist. Was diese Skulptur so einzigartig macht, ist, dass sie einen Moment des Todes einfängt, der unweigerlich Emotionen im Betrachter hervorruft, die das Gefühl von Niederlage und Hoffnungslosigkeit wecken. 

Der sterbende Gallier (ca. 230-220 v. Chr.) von Epigonus; Capitolinische Museen, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Andere bemerkenswerte Skulpturen sind der berühmte Venus de Milo (130-100 v. Chr.) von Alexandros von Antiochia. Hier sehen wir eine weibliche Figur (der beide Arme fehlen), angeblich Venus, die griechische Liebesgöttin. Verschiedene wissenschaftliche Debatten legen jedoch nahe, dass es sich entweder um eine Prostituierte oder die Meeresgöttin Amphitrite handeln könnte, da die Statue 1820 auf der Vulkaninsel Milos gefunden wurde.

Wir werden bei dieser Skulptur die vertraute contrapposto Haltung bemerken, die durch das Drapieren ihres Gewandes um ihren unteren Oberkörper und das hochgelegte linke Bein deutlich wird. Der entblößte Oberkörper und das Gewand, das von ihren Beinen zu gleiten scheint, vermitteln einen Hauch von Sinnlichkeit. Die Art und Weise, wie sie posiert, hat auch etwas Dramatisches an sich und zieht die Aufmerksamkeit der Betrachter auf sich.

Venus de Milo (130-100 v. Chr.) von Alexandros von Antiochien, im Musée de Louvre; Edwin Lee, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Dieses gesteigerte Gefühl der Dramatik in einer der heute berühmtesten Skulpturen aus der hellenistischen Zeit zeigt sich auch in Laocoön und seine Söhne (27 v. Chr.-68 n. Chr.), das von drei Bildhauern aus Rhodos geschaffen wurde, nämlich Agesandro, Athendoros und Polydoros. Das Werk wurde 1506 in einem Weinberg in Rom ausgegraben, wobei Michelangelo den Prozess überwachte. Nach der Ausgrabung wurde sie in den Vatikan gebracht und im Hofgarten des Belvedere ausgestellt. Diese Skulptur diente vielen Künstlern der Renaissance als Vorbild und inspirierte Hunderte von Jahren später viele andere moderne Künstler.

Es wird als eines der am meisten studierten und nachgebildeten Werke der griechischen Kunst bezeichnet.

Das Motiv stellt Laokoon in der Mitte mit seinen beiden Söhnen Antiphantes und Thymbraeus dar, die verzweifelt darum kämpfen, die beißenden Seeschlangen von sich zu reißen. Wir sehen, wie Laokön selbst von einer der Schlangen gebissen wird und sein Sohn zur Linken umgestürzt ist, möglicherweise bereits tot. Diese Skulptur fängt den Moment des Todes und des Kampfes der drei Figuren ein, was die Intensität der Emotionen und den dramatischen Effekt verstärkt. Hinzu kommt die überlebensgroße Größe von Laoköns Körper. Die Erzählung wurde von der Legende des Trojanischen Krieges inspiriert, in der Laokön (der ein Priester war) die Trojaner vor dem Holzpferd und ihren Plänen gewarnt haben soll. Daraufhin wurde er von Schlangen angegriffen, die ihn zum Schweigen bringen wollten.

Laokoon und seine Söhne, auch bekannt als die Laokoon-Gruppe. Marmorkopie nach einem hellenistischen Original von ca. 200 v. Chr. Gefunden in den Thermen von Trajan, 1506; Vatikanische Museen, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Hellenistische griechische Architektur

In der hellenistischen Architektur erfreute sich die korinthische Ordnung großer Beliebtheit und war ein aufwändigerer Stil, der den Gebäuden eine dekorative Wirkung verlieh. Die Architektur in dieser Zeit wurde angepasst, um mehr Menschen zu Unterhaltungszwecken unterzubringen. Ein Beispiel für diese neue Entwicklung ist die Akropolis von Pergamon. Die Akropolis wurde als kulturelles Zentrum mit Theatern, Bädern, Bibliotheken, Sporthallen und religiösen Gebäuden wie Tempeln errichtet. Sie wurde zu einem echten Zeugnis einer neuen, urbanen Lebensweise.

Ein weiteres architektonisches Element dieser Akropolis ist der Altar des Zeus (Pergamon Altar), der über 30 Meter breit war. Er wurde in Form eines umgedrehten „U“ errichtet, mit Stufen, die den größten Teil der Breite in der Mitte einnehmen. Über den gesamten Überbau verteilten sich zahlreiche Säulen im ionischen Stil. An der Basis des Aufbaus befand sich der Fries der Gigantomachie, der die mythologische Geschichte über den Kampf zwischen den griechischen Göttern des Olymps und den Giganten darstellte.

Altar des Zeus im Pergamonmuseum, Berlin; Lestat (Jan Mehlich), CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Der Fries ist über 100 Meter lang und wurde im Hochreliefverfahren gemeißelt. Die gemeißelten Szenen sind dynamisch dargestellt und bewegen sich entlang jeder Seite des Altars. Einige Figuren scheinen sich vom Fries aus auf der Treppe fortzusetzen, wie wir an ihren Beinen und Füßen sehen können. Sie scheinen ein Teil der gesamten Struktur zu werden, anstatt an den Seiten der Struktur zu bleiben.

Pergamon war eine Stadt, die von der Dynastie der Attaliden regiert wurde. Mit der Errichtung der Akropolis von Pergamon sollte das Königreich Pergamon nach dem Untergang Alexanders des Großen als Teil Griechenlands etabliert werden. Die Pergamon-Dynastie entstand zu einem späteren Zeitpunkt als andere Dynastien in dieser Zeit, und dieses kulturelle Zentrum war ein Zeugnis für ihre Rolle in den griechischen Erbschaften.

Ein Ausschnitt des Gigantomachie-Frieses des Pergamon-Altars im Pergamon-Museum in Berlin, Deutschland; BrokenSphere, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Nach Rom und darüber hinaus

Es gibt zwar noch viele andere Bauwerke und Skulpturen aus der hellenistischen Zeit, aber diese Zeit ging schließlich in die Herrschaft des Römischen Reiches über. Das Königreich Pergamon, das unter der Herrschaft von König Attalus III. stand, wurde nach dem Tod des Königs im Jahr 133 v. Chr. von der Römischen Republik übernommen.

Man sagt, die Römische Republik begann um 509 v. Chr., als der letzte König (von denen es sieben gab), Lucius Tarquinius Superbus, von seinem Neffen Lucius Junius Brutus gestürzt wurde, der als einer der ersten Gründer der Römischen Republik bekannt war. Die Römische Republik entwickelte sich schließlich um 27 v. Chr. zu einem Imperium, mit Gaius Julius Caesar Octavianus (Augustus) als erstem Kaiser. Griechische Kunst wurde von den Römern sehr bewundert und kopiert, und ihre klassische Essenz von Rationalität, Schönheit und Proportion lebte in ihrer Kunst und Architektur weiter. Außerhalb Roms erhielt der griechische Kunststil durch die Augen, Hände und den Geist der Renaissance-Maler und Bildhauer sozusagen einen zweiten Atem.

Auch heute noch sind wir von der Schönheit und Symmetrie der Überreste der antiken griechischen Artefakte berührt. Auch wenn der größte Teil der griechischen Kunst inzwischen verloren gegangen oder zerstört ist, wird sie von denen, die sich vor vielen Jahrhunderten von den antiken Kunststilen inspirieren ließen, in Erinnerung behalten und verewigt. Wir hoffen, dass diese unglaublichen Juwelen der griechischen Kunstgeschichte dich erleuchten werden, während du weiter über die vielen wichtigen künstlerischen Entwicklungen der Vergangenheit lernst. 

Häufig gestellte Fragen

Was waren die verschiedenen Perioden der griechischen Kunst?

Die griechische Kunst hat eine lange Geschichte, die bis in die prähistorische Zeit zurückreicht. Die klassische griechische Epoche wird jedoch in drei Hauptentwicklungsphasen unterteilt, nämlich die archaische Periode (ca. 650-480 v. Chr.), die klassische Periode (ca. 480-323 v. Chr.) und die hellenistische Periode (ca. 323-27 v. Chr.). Diese drei Epochen gelten als die wichtigsten Perioden der griechischen Kunst. 

Was bedeutet die klassische Ordnung in der griechischen Kunst?

Der Begriff Klassische Ordnung wird verwendet, um eine Art von Säulenstil zu beschreiben, der in der antiken Griechischen Architektur verwendet wurde. Es gab drei dominierende Ordnungen, nämlich die dorische, die ionische und die korinthische. Die dorische Säulenordnung war einfach gestaltet, während die ionische und die korinthische Säulenordnung dekorativ und kunstvoll waren und schlanker wirkten als die kürzere dorische Säulenordnung.

Was sind einige Merkmale der griechischen Kunst?

Die griechische Kunst zeichnete sich durch viele Eigenschaften aus. Dazu gehört die Darstellung von Schönheit in idealisierter Form. Die Figuren in der Bildhauerei wurden in ihrer Darstellung der Proportionen und des Gleichgewichts immer naturalistischer. Die berühmte Contrapposto-Technik wurde weit verbreitet und fügte der Darstellung der menschlichen Figur ein neues Element der Dynamik hinzu. In der griechischen Kunst wurde der Glaube an die mathematische Kongruenz zur Bestimmung der Schönheit deutlich. In der griechischen Kunst wurden Materialien wie Ton, Terrakotta, Bronze, Stein und Miniaturwerke aus Elfenbein, Metall und Knochen verwendet.&nbsp

Welches Museum hat die größte Sammlung griechischer Kunst?

Das Nationale Archäologische Museum gilt als die größte Sammlung griechischer Artefakte mit mehr als 11.000 Werken aus der Vorgeschichte bis zur Antike. Das Museum soll auch die meisten griechischen Statuen besitzen und gilt als das größte griechische Museum.&nbsp