Georges Seurat – Alles über den Maler und Erfinder des Pointillismus

Georges Seurat war ein französischer Künstler, der als Erfinder des Pointillismus bekannt ist. Seurats pointillistischer Stil ist in seinem berühmten Gemälde Ein Sonntag im Park (1886) zu sehen. Seine Gemälde gelten als die ersten Beispiele des Neoimpressionismus, auch Divisionismus genannt. Die Kunstwerke von Georges Seurat zeichnen sich durch eine sanft schimmernde Oberfläche aus kleinen Farbflecken oder -streifen aus. Obwohl seine Erfindungen auf neuen, quasi wissenschaftlichen Ideen über Farben und Emotionen beruhten, lässt sich die exquisite Eleganz seiner Werke durch den Einfluss ganz unterschiedlicher Quellen erklären.

Eine Biografie von Georges Seurat

Zunächst war der Künstler Seurat der Meinung, dass herausragende zeitgenössische Kunst das gegenwärtige Leben auf eine Art und Weise darstellen würde, die der traditionellen Kunst ähnelt, aber mit technologisch fortschrittlichen Mitteln. Später in seinem Leben interessierte er sich zunehmend für gotische Kunstwerke und zeitgenössische Werbung, und die Wirkung, die diese auf seine Werke hatten, macht sie zu den frühesten zeitgenössischen Kunstwerken, die solche untypischen Kommunikationsformen verwenden. Sein Triumph katapultierte ihn in das Zentrum der Pariser Avantgarde. Sein Erfolg war jedoch nur von kurzer Dauer, denn er starb im Alter von 31 Jahren nach nur 10 Jahren reifen Schaffens.

Allerdings hatten seine Fortschritte einen bedeutenden Einfluss auf das Schaffen von so unterschiedlichen Malern wie den italienischen Futuristen und Van Gogh.

Georges Seurat, 1888; Unbekannter Fotograf, Public domain, via Wikimedia Commons

Georges Seurats frühes Leben

Der Künstler Georges Seurat wurde am 2. Dezember 1859 in Paris als letztes von drei Geschwistern geboren. Sein Vater Antoine Chrysostomé war Magistrat, seine Mutter Ernestine stammte aus einer wohlhabenden Familie, die zahlreiche Bildhauer hervorgebracht hatte. Als Georges Seurat geboren wurde, hatte sich sein unkonventioneller Vater praktisch mit einem kleinen Vermögen eingerichtet, und er verbrachte viele Tage in Le Raincy, etwa 12 Kilometer vom luxuriösen Familienhaus in Paris entfernt.

Der jugendliche Seurat teilte sich ein Haus mit seiner Mutter und zwei seiner Geschwister. Der Seurat-Clan zog 1870 für die Dauer des Deutsch-Französischen Krieges und des darauffolgenden Aufstands der Pariser Kommune nach Fontainebleau.

Als Kind interessierte sich Seurat für die Malerei und wurde von seinem Onkel Paul Haumonté, einem Stoffhändler und Hobbykünstler, inspiriert.

Die frühe Ausbildung des Künstlers Seurat

Seurats akademische Ausbildung begann 1875, als er sich an der nahe gelegenen staatlichen Kunsthochschule unter der Leitung des Künstlers Justin Lequien einschrieb. Dort lernte er Edmond Aman-Jean kennen, und die beiden schrieben sich an der École des Beaux-Arts ein. Von Anfang 1878 bis Ende 1879 war Seurat Student an diesem Institut. Der Lehrplan legte einen starken Schwerpunkt auf das Skizzieren und Arrangieren, und Seurat verbrachte die meiste Zeit damit, nach echten Modellen und Abgüssen aus Gips zu arbeiten.

Eine Skizze aus dem Jahr 1878 von Georges Seurat; Georges Seurat (1859-1891), Public domain, via Wikimedia Commons

In seiner Freizeit verfolgte Seurat seine eigenen kreativen Interessen und besuchte Bibliotheken und Museen in Paris. Außerdem ließ er sich von dem Künstler Pierre Puvis de Chavannes beraten, der sich auf großformatige, traditionelle und mythologische Themen spezialisiert hatte. Seurats Zeichnungen aus dem Jahr 1874 enthalten Reproduktionen von Holbeins Werken, eine Studie der Hand von Nicolas Poussin aus seinem berühmten Selbstporträt im Louvre und Figuren aus Raffaels Illustrationen.

In Die Prinzipien der Harmonie und des Kontrasts der Farben (1839) von Michel-Eugène Chevreul und Die Grammatik der Malerei und des Kupferstichs (1867) von Charles Blanc lernte Seurat verschiedene Theorien über Farben und die Wissenschaft der Optik kennen, die für seine Überlegungen und seine Tätigkeit als Künstler wichtig waren. Chevreuls Erkenntnis, dass man durch die Gegenüberstellung von Komplementärfarben die Illusion einer weiteren Farbe erzeugen kann, bildete die Grundlage für den divisionistischen Ansatz des Künstlers Seurat.

Eine ausklappbare Farbtafel aus The Principles of Harmony and Contrast of Colors (1839) von Michel-Eugène Chevreul, Tafeln 6, 7, und 8; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Seurat besuchte die Vierte Impressionisten-Ausstellung im April 1879. Dort sah er zum ersten Mal ihre Werke, und die Arbeiten von Camille Pissarro und Claude Monet, Maler, die frei von akademischen Beschränkungen waren, beeinflussten sein späteres Experimentieren erheblich.

Seurats Forschungen gipfelten in einer gut durchdachten und produktiven Theorie der Kontraste, die sein gesamtes späteres Werk prägte.

Doch sein Wehrdienst begann im November in Brest, wo er seine gesamte Freizeit damit verbrachte, zu recherchieren und andere Kadetten, Küstenlinien und Stadtansichten zu skizzieren. Seurats Verständnis für Farbtheorien und die Wirkung von Farben auf das menschliche Auge wuchs im Laufe der Jahre. Er beschäftigte sich auch mit den Pinselstrichen von Eugène Delacroix und las Modern Chromatics (1879) von Ogden N. Rood, der vorschlug, dass Maler durch das Nebeneinandersetzen kleiner farbiger Punkte erkunden, wie das Auge sie mischt.

Die Titelseiten von Modern Chromatics (1879) von Ogden N. Rood; Metropolitan Museum of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Georges Seurat – die Karriere des Künstlers

Der Künstler verbrachte das Jahr 1883 damit, sich auf sein erstes großes Werk Badende in Asnières (1884) zu konzentrieren, ein gewaltiges Gemälde, das Jugendliche zeigt, die sich in einem Pariser Viertel an der Seine ausruhen. Obwohl das Kunstwerk in der Verwendung von Farbtönen und Beleuchtung vom Impressionismus beeinflusst ist, zeigt es mit seinen nahtlosen, stromlinienförmigen Texturen und durchdachten, etwas skulpturalen Formen den anhaltenden Einfluss seiner neoklassischen Ausbildung; Seurat wich auch vom impressionistischen Standard ab, indem er das Werk in seiner Werkstatt mit einer Reihe von Skizzen und Ölzeichnungen probte, bevor er mit der Arbeit an den Leinwänden begann.

Das fertige Werk ist eine wunderbare Darstellung des Lichts und der Atmosphäre des Hochsommers.

Väter bei Asnières (1884) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Es ist größtenteils in einem kreuz und quer geführten Pinselstil gemalt, der als Balayé bekannt ist, und er retuschierte es später an ausgewählten Stellen mit gegensätzlichen Farbtupfern. Väter in Asnières wurde vom Pariser Salon nicht angenommen und er stellte es stattdessen im Mai 1884 bei der Groupe des Artistes Indépendants aus. Da er mit der mangelnden Struktur der Indépendants unzufrieden war, gründeten Seurat und einige andere Maler, die er über die Gruppe kennengelernt hatte – darunter Henri-Edmond Cross, Charles Angrand und Albert Dubois-Pillet – eine neue Gruppe, die Société des Artistes Indépendants.

Die neuen Ansichten des Künstlers Seurat über den Pointillismus hatten einen besonders großen Einfluss auf Signac, der später auf die gleiche Weise arbeitete.

Im Anschluss an die Väter-Gemälde begann Seurat mit der Arbeit an Ein Sonntag auf der Grande Jatte (1886), einem Gemälde von der Größe eines Wandbildes, für dessen Fertigstellung er zwei Jahre brauchte. Auf dem Bild sind Angehörige aller sozialen Schichten bei verschiedenen Aktivitäten im Park zu sehen. Zur Vorbereitung auf das endgültige Werk reiste der Maler mehrmals nach La Grande Jatte, einer Insel in der Seine im Pariser Stadtteil Neuilly, und fertigte Skizzen und mehr als 30 Ölstudien an.

Ein Sonntag auf La Grande Jatte (1884-1886) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Er schuf das Bild im Winter 1885 neu, indem er einen Stil verwendete, den er „Chromoluminarismus“ nannte und der manchmal auch als Divisionismus oder Pointillismus bezeichnet wird. Die kleinen, nebeneinander liegenden Flecken mehrfarbiger Farbe ermöglichen es dem Auge des Betrachters, die Farben visuell zu verschmelzen, anstatt die Farben auf der Leinwand physisch zu vermischen. Aus der Entfernung betrachtet, verbinden sich die Punkte mit entgegengesetztem Farbton zu einem schillernden, kräuselnden Eindruck. Um 1887 malte er auch Teile der Badenden auf die gleiche Weise neu.

Im Mai 1886 stellte Seurat La Grande Jatte auf der Achten Impressionistenausstellung aus. Seurat profilierte sich als Anführer einer neuen Avantgarde mit seinen atemberaubenden Farb- und Lichtbildern und seiner raffinierten Darstellung verschiedener sozioökonomischer Gruppen. Die Präsentation von La Grande Jatte im Jahr 1886 weckte unerwartet die weltweite Aufmerksamkeit für Seurats Bilder.

Kurz nach Seurats Ausstellungen wurde er in einer Avantgarde-Zeitschrift zitiert, und mehrere seiner Werke wurden sowohl in New York als auch in Paris von dem berühmten Kunsthändler Paul Durant-Ruel präsentiert.

Spätere Periode

In dieser Zeit schloss er sich einer kleinen Gemeinschaft von symbolistischen Malern und Autoren an, die ihren Sitz in Paris hatte. Seine neuen Zugehörigkeiten irritierten seine Kollegen Pissarro und Signac, die der Meinung waren, dass er grundlegende Farb- und Lichtstudien zugunsten romantisierter Themen aufgab.

Seurats letzte wichtige Arbeiten zeigen das Pariser Nachtleben und haben alle einen ähnlich gedämpften Farbton, der in starkem Kontrast zu der Ausgelassenheit der Gemälde von George Seurat aus einer früheren Ära steht.

Seurat verbrachte seine Sommer an der Küste der Normandie und malte, abgesehen von einem kurzen, wiederholten Militärdienst im Sommer 1887, Küstenszenen von Port-en-Bessin im Jahr 1888 und Gravelines im Jahr 1890. Im Winter vollendete er diese Werke und schuf riesige Figurenensembles. Obwohl sie in seiner pointillistischen Manier entstanden, waren die Punkte in seinen Werken feiner und verteilter, was ihnen ein natürlicheres Aussehen verlieh.

Port-en-Bessin, Eingang zum Hafen (1888) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Seurat zog 1889 nach Belgien und wurde im Salon des Vingt in Brüssel ausgestellt. Nach seiner Rückkehr von dieser Reise lernte er Madeleine Knobloch, ein junges, schönes Modell, kennen und begann, heimlich mit ihr zu leben. Von seiner Familie und seinen Freunden unbemerkt, brachte Knobloch im Februar 1890 einen Jungen zur Welt. Seurat stellte sein einziges bekanntes Bild von Madeleine, Junge Frau, die sich einpudert(1889-1890), im darauffolgenden Jahr in seiner Ausstellung Salon des Indépendants aus.

Young Woman Powdering Herself (1889-1890) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Madeleine Knobloch wurde Anfang 1891 erneut schwanger, als Seurat gerade an Der Zirkus (1891) arbeitete. Dieses Kunstwerk wurde nicht fertiggestellt. Seurat erkrankte am 26. März an Fieber und starb drei Tage später. Zwei Wochen später starb sein Kind an einer schweren Krankheit und wurde neben Seurat auf dem Pariser Friedhof Père-Lachaise beigesetzt.

Der Zirkus (1891) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons
 

Seurats pointillistischer Kunststil

Wissenschaftliche Autoren wie Ogden Rood, Michel Eugène Chevreul und David Sutter verfassten im 19. Jahrhundert Abhandlungen über Farben, optische Phänomene und Wahrnehmung. Jahrhundert Abhandlungen über Farben, optische Phänomene und Wahrnehmung. Sie übertrugen die wissenschaftlichen Studien von Isaac Newton und Hermann von Helmholtz auf eine für Laien verständliche Weise.

Künstler waren von den neuen Durchbrüchen in der Wahrnehmung begeistert.

Moderne Ideen

Chevreul war zweifellos der einflussreichste Künstler dieser Zeit, und sein größter Beitrag war die Schaffung eines Farbkreises, der Primär- und Zwischenfarben umfasst. Er war ein französischer Wissenschaftler, der sich auf die Restaurierung von Wandteppichen spezialisiert hatte. Bei seinen Reparaturen entdeckte er, dass die einzige Möglichkeit, einen Teil effektiv zu reparieren, darin bestand, die Wirkung der Farben um die verlorene Wolle herum zu berücksichtigen; er konnte den perfekten Farbton erst herstellen, wenn er die umgebenden Farben kannte.

Chevreul beobachtete, dass zwei Farben, die nebeneinander liegen, sich etwas überlappen oder extrem nahe beieinander sind, aus der Ferne betrachtet wie eine andere Farbe erscheinen.

Die Beobachtung dieses Phänomens diente den Künstlern des Neoimpressionismus als Grundlage für ihre pointillistische Technik. Chevreul entdeckte auch, dass der „Heiligenschein“, den man beim Anstarren einer Farbe sieht, die Kontrastfarbe ist. Zum Beispiel kann man nach dem Betrachten eines roten Gegenstands einen cyanfarbenen Nachhall/Halo des Originals wahrnehmen. Diese Komplementärfarbe (z. B. Cyan für Rot) wird durch die Netzhautretention verursacht.

Chevreuls Farbkreis, eine Diskussion über eine Methode zur Definition und Benennung von Farben, Tafel 3, 1861; Michel Chevreul, Public domain, via Wikimedia Commons

Künstler, die sich mit dem Zusammenspiel von Farben beschäftigten, wie die Neoimpressionisten, machten in ihren Werken viel Gebrauch von komplementären Farbtönen. Chevreul wies die Künstlerinnen und Künstler in seinen Werken an, nicht nur die Farbe des zentralen Gegenstandes zu bedenken und zu gestalten, sondern Farben hinzuzufügen und geeignete Änderungen vorzunehmen, um ein farbliches Gleichgewicht zu erreichen. Es scheint, dass die von Chevreul beschriebene Harmonie das ist, was Seurat später als „Emotion“ bezeichnete.

Es ist unklar, ob Seurat Chevreuls Buch über Farbkontraste, das 1859 erschien, vollständig studiert hat, aber er schrieb viele Sätze aus dem Abschnitt über die Farbe heraus und er hatte Charles Blancs Grammaire des arts du dessin (1867) studiert, in dem Chevreuls Arbeit anerkannt wird. Blancs Buch wurde für Künstler und Kunstsammler geschrieben. Aufgrund der emotionalen Bedeutung der Farbe für ihn, machte er klare Vorschläge, die denen ähnelten, die später von den Neoimpressionisten übernommen wurden.

Er erklärte, dass die Farbe nicht von der „Bewertung der Vorlieben“ abhängen sollte, sondern von dem, was wir tatsächlich fühlen. Blanc wollte nicht, dass die Maler identische Farbintensitäten verwenden, sondern dass sie die Bedeutung jedes Farbtons bei der Herstellung eines Ganzen planen und erfassen. 

Ein Farbdiagramm aus Charles Blancs Grammaire des arts du dessin (1867); Charles Blanc, Public domain, via Wikimedia Commons

Während Chevreul seine Schlussfolgerungen aus Newtons Ideen zur Lichtmischung zog, basierte Ogden Rood seine Artikel auf Helmholtz‘ Studien. Er untersuchte die Auswirkungen der Kombination und des Nebeneinanderstellens verschiedener Materialfarben. Rood betrachtete Grün, Rot und Blau-Violett als Grundfarben. Wie Chevreul ist er der Meinung, dass zwei Farben, die nebeneinander liegen, aus der Ferne wie eine dritte separate Farbe erscheinen.

Er stellte außerdem fest, dass das Nebeneinanderstellen von Hauptfarben in der Wahrnehmung des Auges und des Gehirns eine wesentlich kräftigere und attraktivere Farbe ergibt als das bloße Mischen von Farbe.

Da sich materielle Farben und optische Pigmente nicht auf die gleiche Weise verbinden, wies Rood die Malerinnen und Maler an, den Unterschied zwischen subtraktiven und additiven Eigenschaften von Farbe zu kennen. Auch Sutters Buch Phenomena of Vision (1880), in dem er argumentierte, dass „die Regeln des Gleichgewichts erlernt werden können, wenn man die Prinzipien der Harmonie und der Musik studiert“, hatte Einfluss auf Seurat. In den 1880er Jahren besuchte er an der Sorbonne Seminare des Mathematikers Charles Henry, der die emotionalen Eigenschaften und die symbolische Bedeutung von Linien und Farben untersuchte. Inwieweit Seurat sich Henrys Konzepte zu eigen machte, ist bis heute umstritten.

Die Sprache der Farben

Seurat übernahm das Konzept der Farbtheoretiker, die eine wissenschaftliche Technik für die Malerei entwickelten. Er war der Meinung, dass ein Maler Farben einsetzen kann, um Harmonie und Emotionen in der Kunst zu erzeugen, so wie ein Gitarrist Kontrapunkt und Vielfalt in der Musik. Er stellte die Hypothese auf, dass die wissenschaftliche Nutzung von Farbe ähnlich wie jede andere natürliche Regel ist, und er fühlte sich verpflichtet, diese Hypothese zu belegen.

Er glaubte, dass das Verständnis des Sehens und der optischen Prinzipien genutzt werden könnte, um eine neue Kunstsprache zu entwickeln, die auf eigenen Kriterien beruht, und er machte sich daran, dieses Vokabular anhand von Linien, Farbstärke und Farbschema zu demonstrieren. Chromoluminarismus war der Name, den Seurat dieser Sprache gab.

Ein Diagramm von Seurats 12-Farben-Palette, basierend auf Chevreuls RYB-Farbdiagramm; Bcurvey, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

In einem Brief an den Schriftsteller Maurice Beaubourg aus dem Jahr 1890 schrieb er: „Harmonie wird durch Kunst erreicht. Harmonie ist der Vergleich von gegensätzlichen und gleichen Komponenten von Ton, Farbe und Linie. Heller gegen dunkler im Farbton. Die Komplementärfarben sind orange-blau, rot-grün und gelb-violett. Diejenigen, die einen geraden Winkel in der Linie bilden. Der Rahmen steht in einer Harmonie, die mit den Tönen, Farben und Linien des Bildes kontrastiert; diese Merkmale werden im Verhältnis zu ihrer Autorität und unter der Wirkung des Lichts in fröhlichen, friedlichen oder traurigen Kombinationen analysiert.“ Im Folgenden sind einige von Seurats Theorien aufgeführt:

• Frohsinn kann durch das Vorherrschen von leuchtenden Farbtönen, das Vorherrschen von warmen Farben und die Verwendung von nach oben geneigten Linien erreicht werden.
• Gelassenheit wird durch eine gleichmäßige Verwendung von Dunkelheit und Licht, eine Kombination aus warmen und kühlen Farben und horizontalen Linien erreicht.
• Traurigkeit wird durch die Verwendung von dunklen und kalten Farben sowie nach unten zeigenden Linien vermittelt.

Der Einfluss und das Vermächtnis von Georges Seurats Kunstwerken

Während das Werk von Paul Cézanne während der extrem ausdrucksstarken Ära des Proto-Kubismus von 1908 bis 1910 von enormer Bedeutung war, weckte Georges Seurats Kunstwerk mit seinen flachen, eher linearen Formen ab 1911 das Interesse der Kubisten.

Seurat war in der Lage, in den kurzen Jahren seines Wirkens eine ästhetische Philosophie mit einem neuen, fokussierten Ansatz zu entwickeln, der gut zu seiner Darstellung passte und auf seinen Erkenntnissen über die Strahlung und die Einflüsse von Kontrasten basierte.

Mit dem Aufkommen des monochromen Kubismus in den Jahren 1910-1911 verdrängten Fragen der Form die Farbe in den Köpfen der Künstler, und Seurat wurde für diese Maler immer wichtiger. Seine Gemälde und Skizzen wurden in Paris mehrfach ausgestellt, und Repliken seiner Hauptwerke fanden unter den Kubisten weite Verbreitung.

Le Chahut (1890) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Le Chahut (1890) wurde als eines der herausragenden Symbole der neuen Hingabe bezeichnet und ist zusammen mit dem Circus (1891) fast ein Synonym für den Synthetischen Kubismus. Die Vorstellung, dass Kunst mathematisch dargestellt werden kann, sowohl in Bezug auf die Farbe als auch auf die Form, wurde von den französischen Malern gut verstanden.

Diese mathematische Darstellung kulminierte in einer autonomen und mächtigen „absoluten Tatsache“, möglicherweise mehr als die tatsächliche Realität der abgebildeten Sache.

Außerdem waren die Neoimpressionisten in der Lage, eine objektive wissenschaftliche Grundlage auf dem Gebiet der Farbe zu entwickeln. Seurat nimmt sich in Le Chahut beider Themen an. Der Kubismus würde bald in den Bereichen Form und Bewegung folgen und der Orphismus würde das Gleiche in der Farbe tun.

Georges Seurat – die Leistungen des Künstlers

Seurat war entschlossen, sich von der Fixierung des Impressionismus auf das Vergängliche abzuwenden und stattdessen das darzustellen, was er als die grundlegenden und unveränderlichen Merkmale des Lebens ansah. Nichtsdestotrotz übernahm er viele seiner Methoden von den Impressionisten, von seiner Verehrung für zeitgenössisches Material und Darstellungen aus der Freizeit bis hin zu seinem Bestreben, nicht nur die „einheimische“ oder offensichtliche Farbe der abgebildeten Objekte darzustellen, sondern alle Farben, die kommunizierten, um ihre Ästhetik zu erzeugen, einzufangen.

Parade de cirque („Zirkus-Seitenschau“) (1887-1888) von Georges Seurat; Georges Seurat, CC0, via Wikimedia Commons

Eine Vielzahl wissenschaftlicher Theorien über Farben, Formen und Gefühle faszinierte Seurat. Er war der Meinung, dass Linien, die in bestimmte Richtungen zeigen, sowie Farben von unterschiedlicher Wärme oder Kühle eine besondere Ausdruckswirkung haben können. Er untersuchte auch die Idee, dass sich gegensätzliche oder komplementäre Farben optisch vermischen können, um deutlich lebendigere Töne zu erzeugen als Farbe allein. Er nannte seinen Ansatz „Chromo-Luminismus“, der jedoch eher als Divisionismus bekannt ist.

Trotz seiner innovativen Ansätze war Seurats erster Instinkt in Bezug auf den Stil konventionell und traditionell.

Eine Liste der Georges Seurat-Ausstellungen

Die Gemälde von Georges Seurat wurden viele Male im Salon ausgestellt. Seine Werke wurden auch im Salon des Indépendants sowie in der Achten Impressionismus-Ausstellung gezeigt. Seine Arbeiten wurden nicht nur in Frankreich ausgestellt, sondern auch in vielen Ländern im Ausland.

• 1883 – Salon, Paris
• 1885 – Salon des Indépendants, Paris
• 1886 – Impressionisten-Ausstellung, Paris
• 1887 – Les XX, Brüssel
• 1889 – Salon des Indépendants, Paris
• 1891 – Les XX, Brüssel
• 1931 – Gibbes Memorial Art Gallery

Georges Seurats Gemälde, die du kennen solltest

• Landschaft bei Saint-Ouen (1879)
• Überwachsener Abhang (1881)
• Die Vorstädte(1883)
• Die Arbeiter (1883)
• Ein Sonntag auf La Grande Jatte (Studie) (1885)
• Modelle (1888)
• Der Eiffelturm(1889)
• Junge Frau pudert sich selbst (1890)
• Zirkus (1891)

Der Eiffelturm (1889) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Georges Seurat war ein französischer Künstler, der für die Erfindung des Pointillismus bekannt ist. Die Pointillismus-Technik von Seurat kann man in seinem klassischen Sonntagsbild „Ein Sonntag auf der Grande Jatte“ (1886) sehen. Die Gemälde von Georges Seurat gelten als die ersten Beispiele des Neoimpressionismus, auch bekannt als Divisionismus. Die Kunstwerke von Georges Seurat zeichnen sich durch eine sanft schimmernde Oberfläche mit kleinen Farbflecken oder -schlieren aus. Obwohl die Entdeckungen des Künstlers Seurat aus neuen, quasi wissenschaftlichen Vorstellungen über Farben und Emotionen entstanden, lässt sich die exquisite Raffinesse seiner Werke durch eine Vielzahl von Einflüssen erklären.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Georges Seurat?

Ursprünglich glaubte der Künstler Seurat, dass außergewöhnliche moderne Kunst das zeitgenössische Leben auf ähnliche Weise widerspiegeln würde wie die traditionelle Kunst, aber mit technologisch hochentwickelten Werkzeugen. Später im Leben war er zunehmend von gotischen Kunstwerken und aktuellen Werbespots fasziniert, und der Einfluss von beidem auf seine Werke macht sie zu einer der frühesten zeitgenössischen Kunstwerke, die sich solch unkonventioneller Kommunikationsmittel bedienen. Sein Erfolg katapultierte ihn in die vorderste Reihe der Pariser Avantgarde. Seine Popularität war nur von kurzer Dauer, denn er starb im Alter von 31 Jahren nach nur zehn Jahren reifer Produktivität. Seine Innovationen hatten jedoch einen erheblichen Einfluss auf die Arbeit von Künstlern wie den italienischen Futuristen und Van Gogh.

Welche Art von Kunst hat Georges Seurat gemacht?

Die Gemälde von Georges Seurat sind Beispiele für den Pointillismus oder Neoimpressionismus. Seurat, der Künstler, wollte die Fixierung des Impressionismus auf die vergängliche Gegenwart ablehnen und stattdessen nur das ausdrücken, was er als das Wesentliche und Dauerhafte im Leben ansah. Der Stil des Pointillismus von Georges Seurat zeichnet sich durch eine sanft schimmernde Oberfläche mit kleinen Farbflecken oder -schlieren aus.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.