François Boucher – Die Fantasien seiner Kunstwerke

Als Paris am Rande der Revolte stand, nahmen König Ludwig XV. und seine Geliebte die Fantasien des Malers François Boucher von einer utopischen Gesellschaft begeistert auf. Die elegante Umgebung des aristokratischen Lebens wurde von François Boucher, dem Künstler, mit seiner Wertschätzung für königliche Eleganz und Raffinesse sowie mit seinen verführerischen und sexualisierten Untersuchungen der Schönheit verschönert. Gleichzeitig porträtierte François Boucher in seinen Gemälden den Aufstieg des aufklärerischen Denkens und die noblen Salons, die diese Intellektuellen unterstützten. Bouchers Kunstwerke sind ein herausragendes Beispiel für eine anspruchsvollere Rokokoästhetik voller Kontraste, die Tradition, Eleganz und Erfindungsreichtum vereinen.

Das Leben und die Kunst von François Boucher

Der französische Adel bewunderte die Gemälde von François Boucher für ihre weichen Pastelltöne, die exquisiten Oberflächen und die verführerischen Figuren. Selbst seine vertraglich festgelegten Porträts wurden häufig verherrlicht und wurden oft zu allegorischen Interpretationen oder legendären Protagonisten. Während der Herrschaft von Ludwig XV. und Ludwig XVI. waren Bouchers Kunstwerke der Gipfel der Mode.

Frühe Ausbildung

Der Künstler François Boucher, Sohn eines Zeichners, Malers und Stickers, stammte aus armen, aber talentierten Verhältnissen. Seine frühe Ausbildung erhielt er bei seinem Vater in Paris, wo seine Werke von dem bekannten Künstler François Lemoyne beachtet wurden.

Trotz der Tatsache, dass Boucher, der damals 17 Jahre alt war, nur wenige Monate unter Lemoynes Anleitung blieb, bevor er für den Herausgeber Jean-François Cars arbeitete, nahm er die akademische Haltung seines ersten Meisters schnell an.

Jean de Jullienne, ein bekannter Kunstsammler und -förderer, bemerkte Bouchers Talent für Malerei und Gravur und beauftragte den jugendlichen Boucher the artist, die Werke von Antoine Watteau zu radieren. Obwohl er keinen offiziellen Unterricht an der Académie hatte, wurde Bouchers Kunstwerk bereits im Alter von 20 Jahren mit dem Prix de Rome, der höchsten Auszeichnung der Académie, ausgezeichnet.

Porträt von François Boucher (1741) von Gustaf Lundberg; Gustaf Lundberg, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl der Preis eigentlich ein dreijähriges Stipendium für ein Studium in Italien ermöglichen sollte, kamen ihm interne Spannungen innerhalb der Académie in die Quere. Boucher begann, private Aufträge für Gemälde, Zeichnungen und Radierungen zu erhalten, und seine Talente waren so bemerkenswert, dass er 1728 eine eigene Reise nach Italien finanzieren konnte. Dort erkundete er die Werke von Raffael und Michelangelo sowie Barockkünstler wie Castiglione und Bernini. Der Maler Boucher wurde bei seiner Ankunft in Paris legal in die Académie aufgenommen; praktisch sofort wurde er zum Phänomen der französischen Kunstwelt.

Seine Gemälde waren bei der Pariser Elite sehr begehrt, auch bei König Ludwig XV.

Reifezeit

Die akademische Karriere von Boucher, dem Maler, nahm Fahrt auf. Könige und Adelige begehrten seine mythischen Themen, aber auch seine Genrebilder, Landschaftsmalerei und Porträts. Weniger wohlhabende Anhänger seiner Arbeit sammelten relativ billige Kopien und Stiche seiner Werke, die in großem Umfang hergestellt und verkauft wurden. Bouchers Ruhm wuchs in den späten 1730er Jahren noch weiter, als er den Auftrag erhielt, für die Gobelinmanufaktur in Beauvais zu arbeiten. Bouchers Wandteppich-Illustrationen mit pastoralen Themen waren sehr begehrt und wurden nicht nur in ganz Europa, sondern sogar bis nach China verbreitet.

Seine charakteristische Rokoko-Manier eignete sich hervorragend für die Ornamentik, und seine Muster wurden schnell auf Porzellan nachgeahmt. Seine Faszination für das Theater führte zu einer Stelle als Bühnenbildner an der Royal Opera.

Die Toilette der Venus (1751) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Trotz seiner vielfältigen Aktivitäten blieb Boucher vor allem Maler und malte für die Pariser Aristokratie und die ausländischen Eliten. Die offizielle Mätresse von König Ludwig XV. wurde zu Bouchers wichtigstem Gönner und ermöglichte ihm eine Reihe gewaltiger Gemälde sowie eine Vielzahl majestätischer mythologischer Meisterwerke, darunter Die Toilette der Venus (1751), und religiöser Kunstwerke, darunter Das Licht der Welt (1750), ein Krippenbild voller mütterlicher Wärme und Liebe. Dank des Einflusses seiner Mätresse Madame de Pompadour wurde Boucher 1765 zum offiziellen Maler des Königs ernannt.

Das Licht der Welt (1750) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Spätphase

Boucher folgte dem Maler Carle Vanloo als Direktor der Académie Royale im selben Jahr, in dem er zum autorisierten Künstler des Monarchen wurde, und zementierte damit seine Vorherrschaft über die Kunstbewegung in Frankreich und ihre Strukturen. Obwohl er den Zenit seiner offiziellen Leistungen erreicht hatte, begannen sein Status und sein Einfluss angesichts der aufkommenden Moral und Ideen der Aufklärung zu schwinden. Er stellte weniger im Salon aus, was wahrscheinlich auf die scharfen Angriffe namhafter Kritiker wie Denis Diderot zurückzuführen war, die seine Arbeit als unmoralisch, unehrlich und rückständig ansahen.

Im Gegensatz zu den frühen Formen des späteren Neoklassizismus, einer akademisch anspruchsvollen und moralisch hochstehenden Malerei, galten die königlichen Themen und Pastellfarben von Rokokomalern wie Boucher als frivol und skurril.

In Anbetracht dieses Einstellungswandels war Boucher immer noch eine beliebte Option für adlige Aufträge. Trotz des zunehmenden Trends zu einem restriktiveren Neoklassizismus und einer kapitalistischen Ethik setzte er seine öffentlichen Aufgaben an der Académie und im Palast fort. Trotz seines schlechten Gesundheitszustands, zu dem auch Sehprobleme gehörten, arbeitete Boucher noch bis Ende der 1760er Jahre. Er starb 1770 abrupt in seiner Werkstatt im Palais du Louvre, nachdem er (nach seiner eigenen, möglicherweise übertriebenen Schätzung) zu Lebzeiten etwa 10.000 Zeichnungen und 1.000 Gemälde fertiggestellt hatte.

GemäldeJeux d’enfants ou l’Automne („Kinderspiele oder Herbst“) (18. Jahrhundert) von François Boucher;  François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Als Boucher, der Künstler, starb, hatte die Ästhetik des Rokoko sowohl bei den Kritikern als auch bei den Malern an Gunst verloren. Bouchers Name wurde bald mit dem antiquierten und unmoralischen Verhalten des Ancien Régime in Verbindung gebracht. „Von allen Künstlern des 18. Jahrhunderts in Frankreich hat Boucher möglicherweise die größte Tragödie in den Fängen der Zeit erlebt“, bemerkt der Kunstexperte David Wakefield. Er galt als Genie und wurde zu Lebzeiten als „der Künstler der Gnaden“ bezeichnet.

Sogar Jacques-Louis David, das Oberhaupt der neoklassizistischen Schule, die Bouchers Rokoko in den Schatten stellen sollte, lobte ihn, tadelte seine Schüler dafür, dass sie den verstorbenen Meister verunglimpften und erklärte: „Nicht jeder kann Boucher sein.“

Die formalen Fähigkeiten des Malers Boucher wurden erst lange nach dem Ende der Revolution in Frankreich anerkannt, während einer Renaissance des Rokoko in den 1860er bis 1870er Jahren. Paul Mantz, ein bedeutender Kunstexperte, sieht in Boucher einen echten Künstler seiner Zeit, der seine Zeitgenossen wahrhaftig widerspiegelt und somit den jungen Ideen des Realismus des 19. Jahrhunderts entspricht.

Der impressionistische Künstler Auguste Renoir, dessen kurvenreiche Figuren und Liebe zu Pastellen eindeutig Boucher zu verdanken sind, bezeichnete seinen Vorgänger als „denjenigen, der die weibliche Figur am besten kannte“. Obwohl er mit dem Übermut der Aristokratie in Verbindung gebracht wurde, gilt Boucher heute als einer der fleißigsten und technisch begabtesten Maler des 18. Jahrhunderts.

Boucher’s Kunstwerk und Kunststil

Boucher wurde von Malern wie Antoine Watteau und Peter Paul Rubens beeinflusst. Die frühesten Versionen von Bouchers Kunstwerken zelebrierten die schöne und ruhige Darstellung von Natur und Umwelt mit enormer Eleganz. Bouchers Kunstwerke hingegen verzichten oft auf die klassische ländliche Reinheit, um Situationen mit ausgeprägter Sexualität darzustellen, denn seine mythischen Themen sind eher intensiv und leidenschaftlich romantisch als konventionell episch.

Jupiter im Gewand der Diana und die Nymphe Callisto (1759) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Kunstwerke

Bouchers Kunstwerke eines flirtenden Hirten und einer Hirtin in einer Waldszene, die in An Autumn Pastoral (The Grape Eaters) (1749) und The Enjoyable Lesson (The Flute Players) (1748) erschienen, basierten auf Figuren aus einem 1745 von Bouchers persönlichem Mitarbeiter Charles-Simon Favart geschriebenen Theaterstück. Die Marquise de Pompadour, deren Image mit dem Rokokostil verbunden wurde, war ein großer Fan von ihm.

Die Marquise de Pompadour ist als „Patin des Rokoko“ bekannt, und Bouchers Gemälde waren entscheidend für ihre Selbstdarstellung und die Pflege ihres Rufs.

Skizze für ein Porträt von Madame de Pompadour (ca. 1756) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Bouchers Porträt der Madame de Pompadour (ca. 1756) zum Beispiel ist eine weitere Illustration der Ölbehandlung, die dem heute verlorenen Porträt vorausging. Sie umklammert ihren Hut in einem Arm und ein Perlenarmband mit einem Bild des Königs in dem anderen, um das Band zu symbolisieren, auf dem ihr Rang beruht. Bouchers Kunstwerke wie Das Frühstück (1739), eine Haushaltsszene, zeigen seine Meisterschaft in diesem Genre, in dem er häufig seine eigene Ehefrau und seine Kinder als Modelle verwendete.

Diese persönlichen Familienszenen stehen im krassen Gegensatz zu dem ausschweifenden Ton der Odalisque von Francois Boucher.

Die dunkelhaarige Version der Odaliske von Francois Boucher inspirierte die Kunstkritiker zu der Annahme, dass er „seine eigene Frau aufmotzt“, während die blonde Odaliske ein Gemälde war, das die ehebrecherischen Beziehungen des Königs darstellte. Boucher erlangte durch solche persönlichen Aufträge für wohlhabende Sammler dauerhafte Berühmtheit, und nachdem Diderot seine Unzufriedenheit geäußert hatte, geriet sein Charakter in den letzten Jahren seiner Karriere immer mehr ins Visier der Kritik.

Brown Odalisque (1745) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Boucher entwarf auch Theaterkostüme und Kulissen, und die leidenschaftlichen Intrigen in den komischen Opern von Charles Simon Favart ähnelten seiner eigenen Maltechnik sehr. Auch die Gestaltung des Wandteppichs spielte eine Rolle. Für die Gobelinstudios in Beauvais entwarf er 1736 zunächst eine Serie mit italienischen Festen, die sich großer Beliebtheit erfreute und im Laufe der Jahrzehnte immer wieder neu gewebt wurde, und dann eine Folge mit der Erzählung von Amor und Psyche, die 1737 in Auftrag gegeben wurde.

Cupid Wounding Psyche (1741) von François Boucher; Los Angeles County Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Während seiner 20-jährigen Zusammenarbeit mit den Gobelinstudios in Beauvais schuf Boucher Entwürfe für sechs verschiedene Serien von Wandbehängen, darunter die Tapisserie von 1742, die Psyche und den Korbmacher darstellt. Er war ein produktiver und vielseitiger Zeichner. Seine Skizzen dienten nicht nur als Vorarbeiten für seine Leinwände und als Vorlagen für Grafiker, sondern auch als fertige Kunstwerke, die bei den Käufern sehr gefragt waren. Boucher folgte den üblichen Atelierverfahren der Zeit, indem er zunächst die allgemeine Komposition seiner großen Gemälde mit Kreide festlegte und dann Kreideskizzen für einzelne Figuren oder Figurengruppen anfertigte.

Er benutzte häufig Öl- und Gouache-Studien, um sich auf wichtige Projekte vorzubereiten.

Nach und nach fertigte er immer mehr Zeichnungen als eigenständige Werke für den Markt an. Die Anbetung der Hirten (um 1758), eine lockere und impressionistische Gouachestudie, wurde lange Zeit für eine Vorstudie zu Madame de Pompadours persönlichem Altarbild gehalten. Eine neuere Studie kommt jedoch zu dem Schluss, dass es mindestens zehn Jahre später als eigenständiges Werk entstanden ist.

Die Anbetung der Hirten (c. 1758) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Gegen Ende seiner Karriere begann der Maler, braune Kreide zu bevorzugen, ein künstliches Medium. Boucher war ein geschickter Radierer und Kupferstecher; er stach 180 einzigartige Kupferplatten. Nach dem Vorbild von Watteau schuf er eine ganze Reihe von Radierungen. Damit trug er dazu bei, dass sich eine Vorliebe für zeichnerische Repliken verbreitete. Als sich seine eigenen Bilder zu verkaufen begannen, stach Gilles Demarteau 266 von ihnen als Stippelersatz. Diese wurden mit roter Tinte hergestellt, um wie Rötelzeichnungen auszusehen, die als kleine Bilder gerahmt werden konnten. Sie konnten dann in den kleinen leeren Bereichen zwischen den üppig verzierten Vertäfelungen von Luxuswohnungen aufgehängt werden.

Bouchers einzigartigste Innovationen waren ornamental, und nachdem er 12 chinesische Bilder von Watteau radiert hatte, fügte er der beliebten Form der Chinoiserie etwas hinzu.

Kunststil

Der französische Adel bewunderte die Gemälde von François Boucher für ihre weichen Pastelltöne, die schönen Oberflächen und die verführerischen Figuren. Sogar seine Auftragsporträts wurden häufig verherrlicht und wurden zu allegorischen Interpretationen oder legendären Helden und Heldinnen. Kurz nach dem Untergang des autoritären Ludwig XIV. erhielt der Adel mehr Freiheit von der Krone als je zuvor, wodurch ein ganz neuer Markt für die Kunst des Rokoko entstand.

Boucher war frei, phantasievolle, persönliche, abenteuerliche und pastorale Themen zu verfolgen, im Gegensatz zu den schwerfälligen religiösen und historischen Themen, die der diktatorische Barock, der die vorangegangene Generation geprägt hatte, vorschrieb und die durch die Anforderungen des Staates und der Religion eingeschränkt worden waren.

Der Triumph der Venus (1740) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Während die barocke Schule darauf abzielte, den Betrachter mit Übertreibung und Pracht zu beeindrucken, war der Ansatz des Rokoko viel persönlicher und skurriler – und genau darin zeichnete sich Boucher aus. Der Rokoko-Stil ersetzte die klassischen Linien und die Strenge des Barockstils durch eine asymmetrische und natürliche Ikonografie, die häufig von einem idealisierten Bild der natürlichen Welt ausging.

Boucher zeigte die Entartung des Adels, als Aufklärungsgegner wie Denis Diderot an Bedeutung gewannen und die Exzesse der königlichen Kultur mehr Kritik erhielten.

Bouchers Kunstwerk wurde schnell als frivol und protzig wie der typische Rokokokünstler kritisiert; es wurde auch in der Geschichte als eine launische und kurzlebige Bewegung abgetan. Bouchers Können und seine Anerkennung des visuellen Vergnügens bewahrten sein Erbe unter den Malern, schafften es aber, ihn für Historiker und Forscher verdächtig zu machen; erst in den letzten Jahren haben Akademiker diese Etiketten neu bewertet, um subtilere Ideen – und sogar Transzendenzprinzipien – in seinem Werk wiederzufinden.

Aurora und Cephalus (18. Jahrhundert) von François Boucher; François Boucher, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Boucher’s Porzellankunst

Frankreichs Porzellankunst hat Boucher und natürlich Madame Pompadour viel zu verdanken. Die Mätresse des Königs interessierte sich seit den 1740er Jahren für die Porzellanfabrik in Vincennes. Ihr Wunsch war so stark, dass Ludwig XV. ihr 1751 diese bescheidene Fabrik überließ. Und Madame machte sich an die Arbeit und krempelte die Ärmel hoch. Die Porzellanherstellung wurde schließlich auf ihre Initiative hin nach Sèvres „verlagert“.

In der Zwischenzeit ließ sich die Marquise de Pompadour dazu hinreißen, neue Entwürfe für ihren Schöpfer, François Boucher, zu entwerfen.

Der Künstler verbrachte ein Jahrzehnt damit, unzählige Entwürfe zu erstellen, aus denen der Hersteller Statuetten und Service anfertigte. Die Reproduktionen von tapferen Hirten und Hirtinnen als Weichplastikfiguren wurden zu Klassikern für die Porzellanmanufakturen in Sèvres. Darüber hinaus schuf Boucher eine Reihe von Drucksätzen, die chinesische Bilder in den Geschmack des Rokoko übersetzten und so die Begeisterung für die Chinoiserie anheizten.

Figur der Liebe, getragen von den drei Grazien (1768) von François Boucher; Cleveland Museum of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Bedeutende Gemälde von François Boucher

François Boucher wird mehr als jeder andere Maler mit der Reifung des Rokoko-Stils und seiner Verbreitung in Europa in Verbindung gebracht. Er war einer der produktivsten Künstler seiner Zeit, der in fast allen Medien und Genres arbeitete und einen unverwechselbaren Stil entwickelte, der in gedruckter Form vielfach reproduziert wurde.

Er war ein Experte darin, seine Arbeit zu vermarkten, indem er Entwürfe für alles von Wandteppichen bis zu Porzellan schuf.

Bouchers Vertrauen in eine malerische Oberfläche und die Verwendung einer kräftigen, von Blau- und Rosatönen geprägten Farbpalette war ideal für Rokoko-Interieurs, aber er musste sich gegen Ende seiner Amtszeit Kritik gefallen lassen, als das Genre in Ungnade fiel. Hier sind ein paar seiner wichtigsten Werke.

• Tod von Meleager (1727)
• Monument für Mignard (1735)
• Dummer, der Psyche verwundet (1741)
• Arion auf dem Delphin (1748)
• Der Vogel ist geflogen (1765)
• Der Liebesbrief (1750)
• Die Toilette der Venus(1751)
• Liebespaar im Park(1758)
• Angelika und Medoro (1763)
• Halt an der Quelle (1765)
• Wasserfrauen (1768)

Liebhaber im Park (1758) von François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Damit ist unser Blick auf François Boucher, den Maler, beendet. Als Paris am Rande der Revolution stand, begeisterten sich König Ludwig XV. und seine Geliebte für die Ideen des Malers François Boucher über eine utopische Gesellschaft. Die Liebe des Künstlers François Boucher zu königlicher Eleganz und Raffinesse sowie seine sinnlichen und sexualisierten Studien der Schönheit bereicherten das prunkvolle Umfeld des aristokratischen Lebens. François Bouchers Gemälde stellten die aufkommende Philosophie der Aufklärung sowie die adligen Salons dar, die diese Denker zur gleichen Zeit unterstützten. Bouchers Werk ist ein bemerkenswertes Beispiel für eine verfeinerte Rokokoästhetik, voller Kontraste, die Tradition, Eleganz und Erfindungsreichtum vereinen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.