Caravaggio – Meister des Barock und Tenebrismus

Michelangelo Merisi da Caravaggio gilt als einer der bedeutendsten und revolutionärsten italienischen Barockkünstler seiner Zeit. Caravaggios Gemälde brachen mit den Konventionen, die eine Generation von Künstlern geleitet hatten, die sowohl individuelle als auch spirituelle Erfahrungen verherrlichten. Caravaggios Kunstwerke sind weithin bekannt für ihre unglaubliche Darstellung von Maltechniken wie dem Tenebrismus und dem Helldunkel.

Caravaggios Kunstwerke und Leben

Michelangelo Merisi da Caravaggio zog nach Rom, wo er für seine Tenebrismus-Technik bekannt wurde, bei der die Dunkelheit genutzt wurde, um hellere Stellen zu betonen. Caravaggio war der erste der italienischen Barockkünstler, der das Helldunkel als herausragendes ästhetisches Merkmal einsetzte, indem er die Schatten intensivierte und klar umrissene Lichtstrahlen einsetzte, um die Handlung des Gemäldes zu betonen und zu fördern. Dieser Ansatz wurde in seinen späteren Werken deutlich und wird seitdem mit seinen reiferen Bildern in Verbindung gebracht.

Kindheit

Caravaggios biografisches Material ist spärlich, und das, was verfügbar ist, wurde aus Gerichts- und Provinzakten sowie anderen überlieferten Quellen zusammengeschustert. Caravaggios Familie hatte trotz ihres niedrigen sozioökonomischen Ranges aristokratische Verbindungen. Caravaggios Tante war Amme für die Nachkommen des Adelsgeschlechts der Sforza und Verwandten der Sforza-Dynastie gewesen.

Im August 1576 wurde Mailand von einer Beulenpestepidemie heimgesucht, als Caravaggio etwa fünf Jahre alt war. Obwohl seine Familie in die Caravaggio-Hügel flüchtete, starben viele seiner Verwandten bis Oktober 1577 an der Seuche. Caravaggio zog dauerhaft nach Mailand, wo er sich mit seinen Porträtgemälden über Wasser hielt, als der Familienbesitz aufgeteilt und unter den anderen Kindern verkauft wurde.

Frühe Ausbildung und Arbeit

Es ist wahrscheinlich, dass Caravaggio zu Beginn seiner kreativen Karriere mit den Malern der Renaissance vertraut war. Moretto, Savoldo, Lotto, Palma Vecchi, Giorgione, Titian und Leonardo da Vinci hatten alle einen Einfluss auf Caravaggios Kunst. Caravaggio hatte ganz sicher eine klassische Ausbildung und war mit den wichtigen Büchern seiner Zeit vertraut. Caravaggio hat Vasaris Texte gelesen und daraus Inspiration und Motivation für einige seiner Werke geschöpft. Mailand im späten 16. Jahrhundert war eine beängstigende, gewalttätige Stadt und damit ein idealer Ort für den jungen, wurzellosen, beschädigten und vielleicht hitzköpfigen Künstler, um sich verführen und provozieren zu lassen.

Nachdem er in einen Mord verwickelt war, reiste der Künstler etwa 1592 nach Rom, wo er bis etwa 1606 blieb.

Hier war Caravaggio mehrere Monate lang Lehrling bei dem Maler Giuseppe Cesari, einem bekannten Freskenmaler. Während seiner Zeit bei Cesari malte Caravaggio vor allem Früchte und Blumen im Hintergrund. Durch diese Praxis erwarb er ein Auge für Details und ein Verständnis für die Feinheiten der Stilllebenmalerei, was sich in der akribischen Darstellung von Früchten und Pflanzen in seinen späteren Werken zeigt.

Nach seiner Lehrzeit bei Cesari lernte Caravaggio seinen späteren Förderer, Kardinal Francesco Maria del Monte, kennen. Del Monte gewährte Caravaggio Unterkunft, Unterhalt und kreative Aufträge und brachte ihn mit Sammlern von Gemälden in Kontakt. Andere angesehene Römische Malerei Käufer wie Marchese Vincenzo Giustiniani fühlten sich von den Themen von Caravaggios ersten Werken angezogen, wie z.B. Feste der Musik, Stillleben und verführerische Charakterisierungen junger Männer wie Amor Vincit Omnia (1602), das einen lebensechten, nackten Amor rittlings auf Ikonen des Kampfes, wissenschaftlicher Erkenntnisse, Musik und literarischer Werke zeigt.

Diese religiösen und weltlichen Kompositionen brachten ihm eine bedeutende römische Förderung ein und verhalfen ihm zu kreativem Ruhm.

Amor Vincit Omnia („Amor als Sieger“, 1602) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Reifezeit

Kardinal del Monte verhalf ihm 1599 zu seinem ersten großen offiziellen Projekt, der Ausschmückung der Contarelli-Kapelle. Ein zweiter Auftrag folgte schnell: die Ausschmückung der Seitenwände der Cerasi-Kapelle in Santa Maria del Popolo. Mit diesen Aufträgen begann der Maler mit der dramatischen Neuinterpretation himmlischer Figuren, die zu einem bestimmenden Merkmal seiner Karriere werden sollte.

Caravaggio vermenschlichte himmlische Figuren, indem er sie als gewöhnliche Menschen darstellte.

Caravaggio nutzte diese Technik, um die makellosen, idealistischen Bilder der italienischen Renaissance und der römischen Klassik zu kritisieren und zu stören. Judith enthauptet Holofernes (um 1602) und Tod einer Jungfrau(1606) sind zwei Beispiele für diesen Stil.

Judith enthauptet Holofernes (um 1602) von Caravaggio; Caravaggio, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das letztgenannte Bild hatte einen großen Einfluss auf andere Maler, vor allem auf Artemisia Gentileschi, die mehrere Darstellungen desselben Themas malte. Der Naturalismus von Caravaggios religiösen Werken sowie der Kontrast zwischen den heiligen Wesen und den zeitgenössischen Interieurs des 17. Jahrhunderts erzürnte einige Kritiker. Viele von Caravaggios Kunstwerken wurden von den auftraggebenden Institutionen wegen der profanen oder unmoralischen Darstellungen abgelehnt.

Tod einer Jungfrau(1606) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Caravaggios Aufenthalt in Rom nahm ein tragisches Ende. Aus Gerichtsakten geht hervor, dass Caravaggio in eine Reihe von zunehmend gewalttätigen Auseinandersetzungen und Unfällen verwickelt war und dass er häufig von Zeugen vor Strafe geschützt wurde, die aus Angst vor Konsequenzen seitens der mächtigen und angesehenen Auftraggeber des Künstlers zögerten, die Beteiligung des Künstlers preiszugeben. 1604 begann Caravaggio eine Auseinandersetzung mit einem Kellner wegen seiner Bestellung von Artischocken, bei der der Maler in einem der anschaulichsten Fälle das Gesicht des Opfers mit einer Schüssel schlug.

Caravaggios Wut, seine rechtlichen Probleme und sein gewalttätiges Verhalten erreichten am 28. Mai 1606 einen Höhepunkt, als er seinen alten Weggefährten Ranuccio Tomassoni ermordete, vermutlich im Rahmen eines Streits.

Caravaggio verließ Rom, bevor er offiziell wegen des Mordes angeklagt wurde. Er wurde zu einer dauerhaften Verbannung aus der Stadt verurteilt, als Mörder verurteilt und mit einem Todesurteil belegt, das es jedem in der päpstlichen Macht erlaubte, eine finanzielle Belohnung für den Mord an ihm zu erhalten.

Kreideporträt von Caravaggio (um. 1621) von Ottavio Leoni; Ottavio Leoni, Public domain, via Wikimedia Commons

Spätphase

Danach hielt sich der Maler ab September 1606 neun Monate in der Stadt Neapel auf. In dieser Zeit begann Caravaggio, sich mit Farben zu beschäftigen und ließ sich dabei von venezianischen Künstlern wie Tizian inspirieren. Um 1607 zog Caravaggio nach Malta um. Wahrscheinlich wurde ihm von Fabrizio Sforza Colonna, dem Sohn seines Vormunds Costanza Colonna, die sichere Ausreise gewährt. Während seiner Zeit auf Malta erlangte Caravaggio große Erfolge und Berühmtheit. Am 14. Juli 1608 wurde er in den Orden der Malteserritter aufgenommen.

Seine Gemälde aus dieser Zeit sind bemerkenswert, weil er begann, mit immer schnelleren Pinselstrichen zu malen und verstärkt rötlich-braune Farbtöne zu verwenden.

Ein Detail der Rosenkranzmadonna (1607) von Caravaggio in Nahaufnahme, das die Verwendung seiner charakteristischen Farbpalette zeigt; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Caravaggio war einen Monat, nachdem er seinen Titel erhalten hatte, in eine gewalttätige, tödliche Auseinandersetzung in der Wohnung des Organisten der Klosterkirche St. Johannis verwickelt. Caravaggios kriminelle Inhaftierung, sein Ausbruch aus dem Gefängnis und seine Abreise nach Syrakus im Herbst 1608 waren die Folgen dieser Unruhen. Am 1. Dezember 1608 annullierten die Malteserritter die Auszeichnungen des Künstlers in seiner Abwesenheit.

Caravaggio zog von Syrakus nach Palermo und kehrte 1609 nach Neapel zurück. In Neapel schlitzten bewaffnete Schläger dem Künstler aus ungeklärten Gründen das Gesicht auf, so dass Caravaggio fast tödlich verletzt wurde.

Nach diesem Vorfall erholte er sich bis Juli 1610 im Palast von Constanza Colonna. Nachdem er erfahren hatte, dass einer seiner berühmten Wohltäter eine päpstliche Amnestie für ihn erwirkt hatte, versuchte Caravaggio, nach Rom zurückzukehren. Als er in Palo ankam, wurde er gefasst und für zwei Tage in eine Arrestzelle gesteckt. Caravaggio starb kurz nach seiner Entlassung am 18. Juli 1610 an einem Fieber, vielleicht Malaria.

Vermächtnis

Caravaggio wurde entweder als spätes Vorbild des Manierismus oder als Vorläufer des Barocks bezeichnet. Caravaggio hatte sowohl zu seiner Zeit als auch heute einen bedeutenden kreativen Einfluss, obwohl ihm nur einundzwanzig Werke eindeutig zugewiesen wurden. Andere römische Maler begannen 1605, seine charakteristische Technik zu kopieren, und bald darauf verwendeten auch Künstler außerhalb Italiens, darunter Rembrandt und Diego Velázquez, Caravaggios dramatische Lichteffekte in ihren eigenen, ikonischen Werken.

Caravaggios Stil zog sofort engagierte Bewunderer an, die als „Caravaggisti“ bekannt wurden und ihre Werke mit Caravaggios Attributen füllten.

Die Signatur von Michelangelo Merisi da Caravaggio; Michelangelo Merisi, Public domain, via Wikimedia Commons

Caravaggios Gemälde beeinflussten namhafte Dichter seiner Zeit, wie den Kavalier Giambattista Marino. Trotz des Lobes zu Lebzeiten und kurz danach geriet Caravaggios Erbe im 18. Jahrhundert fast in Vergessenheit, abgesehen von der bescheidenen Aufmerksamkeit neoklassischer Künstler wie Jacques-Louis David. Die moderne und zeitgenössische Besessenheit von Caravaggio ist zum Teil der Arbeit von Roberto Longhi zu verdanken, der 1951 in Mailand eine Ausstellung und 1952 eine Monografie über Caravaggio zeigte, die den Künstler wieder bekannt machte und seine Bekanntheit festigte.

Die theatralischen Züge von Caravaggios Werken sowie seine filmische Beleuchtung ermöglichen einen leichten Übergang zum Film, und Regisseure wie Martin Scorsese und David LaChapelle haben ihn als Inspiration für ihre Arbeit genannt.

Sie haben dabei die Stärke und Direktheit von Caravaggios Fotografien aufgenommen und sich seine Darstellungen von fehlerhaften Körpern und seine Fähigkeit, eine Geschichte vom Standpunkt des Höhepunkts aus zu weben, zunutze gemacht, um die Zuschauer in ihre eigenen Erzählmedien einzubinden. Caravaggio wird heute als einer der großen Meister angesehen, der am offensichtlichsten „modern“ ist. Abgesehen von den kompositorischen Fortschritten wird Caravaggios Erbe auch mit dem angeblich seltsamen Inhalt seiner Werke in Verbindung gebracht, der als Symbol für seine eigene wahrscheinliche Homosexualität gesehen wird.

Christus an der Säule (c. 1607) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Darstellung von Caravaggios androgynen, sinnlichen, teilweise bekleideten oder nackten jungen Männern durch das Prisma des schwulen Begehrens ist ein umstrittenes Thema in der Caravaggio-Forschung. Einige Autoren, wie Graham L. Hammill und Donald Posner, behaupten ausdrücklich, dass diese Werke schwule Sinnlichkeit und Verführung widerspiegeln.

Andere Wissenschaftler, wie David Carrier, argumentieren, dass die zeitgenössischen Interpretationen des homoerotischen Inhalts des Schöpfers diesen eigenwillig dem 16. und 17. Jahrhundert zuschreiben, sowie den Regeln und Vorstellungen des 20.

Michelangelo Merisi da Caravaggio’s Gemälde

Caravaggios populäre Darstellungen religiöser Menschen waren bahnbrechend. Er stellte biblische Figuren auf eine nicht idealisierte Weise dar, indem er Anzeichen des Alterns und der Armut einbezog und moderne Kleidung verwendete. Dies trug dazu bei, das Heilige zu entmystifizieren und es für die breite Bevölkerung zugänglicher zu machen. Caravaggios Kunst verkörperte auf diese Weise eine Art religiösen Egalitarismus.

Selbstbildnis als kranker Bacchus(1594)

Caravaggios Porträt entstand höchstwahrscheinlich unter der Anleitung des Freskenmalers Giuseppe Cesari, und die kunstvoll gearbeiteten Stillleben spiegeln Cesaris Einfluss wider. Die unbequeme Position der Figur, die wie gedreht aussieht, um eine bessere Sicht auf die Spiegelfläche zu gewährleisten, wird von Giovanni Baglione, einem Historiker Caravaggios aus dem 17.

Kranker Bacchus – ein Name, der angesichts des Teints und der dunklen, eingefallenen Augen des Dargestellten angemessen erscheint – wird dem Kunsthistoriker Roberto Longhi zugeschrieben, der behauptet, der Maler habe das Bild geschaffen, nachdem er aus dem Krankenhaus entlassen wurde, nachdem er von einem Pferd getreten worden war und schreckliche Wunden erlitten hatte.

Selbstporträt als kranker Bacchus (1594) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Die grünliche Färbung des Bildes könnte auch auf die nächtliche Umgebung zurückzuführen sein, die zu den bevorstehenden Bacchanalien passen würde. Bacchus war ein passendes Alter Ego für Caravaggio, denn er war der Gott des Weins, des Theaters und der rituellen Demonstrationen der Ekstase, aber auch der Inspiration und der Verwüstung. Das Gemälde steht im Gegensatz zu den typischen Darstellungen von Bacchus, die ihn inmitten wilder Ausschweifungen zeigen, häufig inmitten einer schönen Umgebung.

Das Gemälde steht in der Tradition vieler früherer Werke Caravaggios und zeigt die legendäre Figur in einem minimalistischen Interieur.

Außerdem deuten der Teint und die passive Haltung des Künstlers eher auf die Folgen von übermäßigem Konsum hin als auf einen Gott, der in seiner Blütezeit die Vorzüge des Weins und des Feierns feiert. Die Efeublätter, die den Kopf des Künstlers umgeben, sind verwelkt, einige der Früchte in seinen Händen sind geschrumpft und die beiden saftigen Aprikosen im Vordergrund des Gemäldes haben angefangen zu verderben.

Der von einer Eidechse gebissene Junge(um 1594)

Ein Junge zuckt vor Schmerz und Erstaunen zusammen, nachdem er nach einer der Früchte auf dem Tisch gegriffen hat, nur um von einer Eidechse angegriffen zu werden, die sich inmitten des Kirschhaufens versteckt hat – ein Beispiel für den ungepflegten, lockigen Jugendlichen, der viele von Caravaggios frühen weltlichen Gemälden füllt. Trotz Caravaggios Verurteilung der klassischen Bildhauerei könnte die Erregung des Jungen auf dem Ausdruck des blanken Schreckens beruhen, den man im Monument vonLaokoön und seinen Söhnen entdeckt hat, und das Reptil erinnert an das Reptil, das in der alten römischen Statue Eidechse Apollo dargestellt ist, die zu Caravaggios Zeit in Rom gestanden hätte.

Caravaggio zeigt seine Fähigkeit, die Bewegung des Lichts über und durch viele Materialien auf dem Tisch darzustellen.

Knabe von einer Eidechse gebissen (ca. 1594) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Junge befindet sich in einem nüchternen, zeitlosen Raum mit leeren Wänden, die nur durch eine scharfe, diagonale Lichtquelle akzentuiert werden, die links oben und außerhalb des Bildrahmens austritt, ganz im Sinne von Caravaggios größerem Stil. Dadurch wird die nackte rechte Schulter des Jungen hervorgehoben, der sich bei dem Angriff krümmt. Seine gerunzelte Stirn und die sich zu einem Keuchen öffnenden Lippen verstärken den emotionalen Ausdruck des Bildes.

Die betörende sexuelle Unterströmung des Werks ist eines seiner bemerkenswertesten Merkmale.

Abgebissene Finger waren zu Caravaggios Zeit ein Symbol für einen verletzten Phallus, und die Verwendung von Jasmin, einem klassischen Symbol für sexuelles Verlangen, und dem Reptil, das unter den frischen Früchten schmachtet, beides Symbole der Verführung, deutet an, dass das Gemälde die Gefahren des Schwelgens in sexuellen Gelüsten darstellt.

Die Musikanten (1595)

Dieses Gemälde ist ein „Konzert“-Bild, eine venezianische Bildgattung, die durch Tizians früheres Meisterwerk von 1510, Das Pastoralkonzert, repräsentiert wird und in der Künstler die Aufführung von Musik würdigen. Dieses Bild stellt die klassischen Erklärungen für das Subgenre in mehrfacher Hinsicht in Frage: Es zeigt eher eine Übungsstunde als eine Live-Show, und die Einbeziehung der traditionellen Gewänder der Musiker und eines Amors ganz links oben im Bild deutet auf eine symbolische Absicht hin, Musik, Romantik und Alkohol (symbolisiert durch die Früchte in den Fingern des Amors) miteinander zu verbinden.

Die dicht gedrängten Menschen auf dem Bild scheinen einzeln skizziert und dann in die Komposition eingefügt worden zu sein.

Die Musikanten (1595) von Caravaggio; Caravaggio, CC0, via Wikimedia Commons

Caravaggios Mitarbeiter Mario Minniti ist der zentrale Musiker, während die andere Person, die dem Betrachter zugewandt ist, vielleicht ein Selbstporträt ist. Die Musiker üben Madrigale, und der Lautenspieler in der Mitte ist wie gebannt von der Musik. Seine trüben Augen und sein verträumter Blick deuten auf Melancholie und unerwiderte Liebe hin.

Die Existenz eines weiteren Musikers wird durch die Anwesenheit einer Geige im Vordergrund angezeigt.

Kardinal del Monte, Caravaggios Mäzen und Auftraggeber dieses Werks, war ein Musiker, der Musiker ausbildete und die musikalische Kreativität förderte. Die Musikanten könnten an die musikalische Umgebung in del Montes Haus erinnern.

Medusa (1598)

Medusa, das Gorgonenmonster aus der griechischen Mythologie, dessen Haar aus Schlangen bestand und dessen Blick Zuschauer in Stein verwandelte, ist auf diesem Bild zu sehen. Medusa wurde schließlich vom Helden Perseus vernichtet, der sie enthauptete, indem er den Spiegel seines Schildes als Führung benutzte. Caravaggio stellt Medusa dar, wie sie kurz nach ihrer Enthauptung ihren letzten Atemzug tut.

Das Gemälde ist ungewöhnlicherweise auf einer kreisförmigen Leinwand gemalt, die auf einem konvexen Holzhintergrund liegt. Dieser ist dem Schild des Perseus nachempfunden und zeigt auf seiner polierten Oberfläche die sterbenden Momente der Medusa.

Medusa (1598) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Er bezieht sich auch auf den Brauch, Medusa vor dem Kampf auf Schilde zu malen, um den Triumph über die Übermacht darzustellen. Es wird angenommen, dass Caravaggio sich selbst als Quelle für das Werk verwendet hat, und Medusa ist als Selbstporträt eine hervorragende Illustration für das Spiel des Künstlers mit Sexualität und Androgynität. Caravaggio verwendete echte Schlangen, gewöhnliche Wasserschlangen aus dem Tiber, um die sich windenden Vipern der Medusa darzustellen, ganz im Sinne seines Ziels, die Welt so zu erfassen, wie sie aussah, und nach dem Leben zu zeichnen. Das Grün der Blätter und des Hintergrunds kontrastiert stark mit dem scharlachroten Blut des abgehackten Kopfes und unterstreicht den brutalen und viszeralen Charakter des Bildes.

Das Kunstwerk wurde vom Mäzen des Schöpfers als Geschenk an Ferdinando I. de‘ Medici, den Großherzog der Toskana, gesandt und von der Medici-Familie wohlwollend aufgenommen und an prominenter Stelle ausgestellt.

Die Berufung des Heiligen Matthäus (1600)

Caravaggios erster großer öffentlicher Auftrag war die Bemalung der Seitenwand der Contarelli-Kapelle in der römischen Kathedrale San Luigi dei Francesi. Es wird von zwei weiteren Werken begleitet, die verschiedene Begebenheiten aus dem Leben des heiligen Matthäus darstellen. Eines davon ist Das Martyrium des heiligen Matthäus. Caravaggio stellt eine Szene aus dem Matthäus-Evangelium dar, in der Christus zusammen mit dem heiligen Petrus den Zöllner Matthäus einlädt, ein Nachfolger von Christus zu werden.

Die Identität von Matthäus ist unterschiedlich bestimmt worden. Die meisten Interpretationen schreiben Matthäus der bärtigen Hauptfigur zu, deren Bewegung, eine Hand mit ausgestrecktem Finger, die in Richtung seiner Brust gestikuliert, zu fragen scheint: „Wer, ich?“ Andere haben spekuliert, dass Matthäus der jüngere Mann mit dem gesenkten Kopf am anderen Ende des Tisches ist, was eine beabsichtigte Zweideutigkeit sein könnte. Diesem Stück wurde auch eine politische Bedeutung zugeschrieben.

Graham-Dixon sieht in dem verzögerten Aufstehen des Matthäus aus dem „göttlichen Schlaf durch die Ankunft Christi“ eine Anspielung auf die Verwandlung des französischen Königs, die um 1600 vollzogen wurde, dem Jahr, in dem der französische Monarch Henri IV. Marie de’Medici heiratete.

Die Berufung des Heiligen Matthäus (1600) von Caravaggio;Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieses Bild veranschaulicht zwei stilistische Merkmale des Künstlers: seine Darstellungen heiliger Menschen im Erscheinungsbild der heutigen Römer und sein ausgeprägter Einsatz von Licht. Die Personen am Tisch sind als Bürger des Bürgertums des frühen 17. Jahrhunderts gekleidet, während Jesus und Petrus bescheidener gekleidet und barfuß sind; die Gesichtszüge sind naturalistisch und nicht idealisiert.

Der einzige ikonografische Hinweis auf den heiligen Hintergrund der Szene ist ein dünner, verkürzter goldener Heiligenschein über dem Haupt Christi, der teilweise von dem diagonalen Strahl des blendenden Lichts verdeckt wird.

Wegen dieser Merkmale waren die Kritiker über das Kunstwerk empört und warfen dem Künstler Gotteslästerung vor. Obwohl Caravaggio ein offenes Fenster an prominenter Stelle in das Gemälde einfügte, spendet es kein Licht; vielmehr strahlt der Glanz über den Bildrahmen hinaus und wird als überirdischer Begleiter von Christus und Petrus‘ himmlischer Anwesenheit angedeutet.

Caravaggio setzte diese dramatische Lichtquelle ein, um den Kapellenbereich in die Atmosphäre des Gemäldes einzubeziehen. Obwohl die Lichtquelle auf dem Bild nicht zu erkennen ist, sollte die Lichtquelle oben rechts eine Verbindung zur natürlichen Beleuchtung der Kapelle herstellen und war eine Erweiterung des Lichts, das aus einem Glas direkt über dem Altar der Kirche kam. Auf diese Weise stellte der Künstler eine Verbindung zwischen dem Szenario der Berufung des Matthäus und der Kirche her, in der es spielt.

Die Grablegung (um 1604)

Die Grablegung wurde für die Oratorianerkathedrale Santa Maria in Vallicella in Rom geschaffen. Trauernde tragen den Leichnam Christi zur Begräbnisstätte, wobei Johannes der Evangelist den Torso Christi hält und Nikodemus die Beine Christi trägt. Eine verstörte Maria von Clopas, eine weinende Maria Magdalena und eine gebeugte Jungfrau Maria begleiten Christus zu seinem Begräbnis.

Die Personen sind mit einem Realismus dargestellt, der ihre religiöse Relevanz herausstellt, wie in Caravaggios früheren Werken, und dies wird durch die Rot- und Brauntöne des Bildes (charakteristisch für Caravaggios Farbpalette zu dieser Zeit) verstärkt, die dazu beitragen, die erdige Normalität der Teilnehmer zu unterstreichen.

Das Design ist wahrscheinlich von Michelangelos Pietá aus dem 15. Jahrhundert im Petersdom beeinflusst, denn der leblose Körper Christi, der herabhängende Arm und der verkürzte Oberkörper und Kopf spiegeln die Haltung Christi wider, die man von der Vorderseite der Statue aus sehen kann. Die Komposition des Kunstwerks ist in einer auffälligen Diagonale aufgebaut, bei der die Menschen von der oberen rechten Ecke bis zur unteren linken Ecke in einem Tropfen angeordnet sind.

Die Grablegung (um 1604) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Jede Figur zeigt die Entwicklung der Gefühle im Verhältnis zu ihrem Platz im Kunstwerk. Die ausgebreiteten Arme und die breiten Handflächen von Maria von Clopas befinden sich an der Spitze der Diagonale und drücken ihre unmittelbare Emotion des Unglaubens und der Angst über die Tötung Christi aus. Die Komposition geht dann hinunter zu einer schluchzenden Maria Magdalena, deren Gesicht nicht zu sehen ist, zum resignierten, gesenkten Haupt der Jungfrau Maria und zu Nikodemus, der sich unter der Last Christi abmüht. Er wendet sich dem Publikum zu, als wolle er fragen: „Was kommt jetzt?“

Die Frage wurde vom Evangelisten Johannes beantwortet, der sich auf Christus selbst konzentriert, dessen Gesichtsausdruck von Ruhe, Gelassenheit und der Unausweichlichkeit des Todes den emotionalen Bogen des Bildes vollendet.

Das Bild sollte über einem Altar aufgehängt werden, und das steinerne Grab in der Szene ist so geformt, dass es wie ein Altar aussieht. So dehnt Caravaggio die Begräbnisszene in den Bereich der Anbeter aus, und die frontale Lichtquelle weit jenseits der Bildebene scheint vom Altar selbst auszugehen – ein himmlisches Licht der Auferstehung, das die Begräbnisszene darüber belebt und Hoffnung bringt.

Die Enthauptung des Heiligen Johannes(1608)

Dieses Altarbild für das Oratorium von San Giovanni Decollato wird oft als Caravaggios bestes Werk angesehen. Caravaggios „Passaggio“, ein Geschenk, das üblicherweise bei der Aufnahme in den Malteserritterorden überreicht wird, gilt weithin als eines seiner größten Werke. Dieses Bild ist bemerkenswert, da es das einzige signierte Werk Caravaggios ist. Die Signatur des Künstlers als „Fra Michael Angelo“, eine zentrierte Signatur, die den neuen sozialen Rang des Künstlers als Michelangelo, Ritter von Malta, bezeichnet, sickert in das Blut, das aus Johannes‘ Schädel fließt.

Wissenschaftler haben Caravaggios Blutspur als Akt der Reue interpretiert, mit dem der Künstler seine Schuld bekennt und seine Rolle beim Tod seines Gefährten anerkennt, dem Vorfall, der seine Flucht und Verbannung aus Rom auslöste.

Die Enthauptung des Heiligen Johannes (1608) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Figuren sind eng gruppiert, wie in anderen Gemälden aus seiner Malta-Zeit, und lassen weite Bereiche über und nahe dem Zentrum der Handlung unbesetzt oder weniger gefüllt. Auch wenn der Künstler jedem Darsteller ein bestimmtes Gefühl oder eine bestimmte Reaktion verleiht, wird die Individualität der kollektiven Darstellung des Höhepunkts untergeordnet. Die alte Frau ist die einzige Figur auf dem Foto, die eine bedeutende Emotion zum Ausdruck bringt. Der Tenebrismus des Künstlers wirft einen Großteil ihres Gesichts in den Schatten, aber Caravaggio hebt ihre Hände hervor, die sich vor Angst an ihren Kopf klammern.

Das emotionale Gegenstück zu dem friedlichen, verstorbenen Johannes und stellvertretend für die Ruhe der Zeugenschaft, die den Rest der Figuren kennzeichnet, ist die ältere Frau.

Caravaggios kolossale künstlerische Leistungen haben das Publikum jahrhundertelang in ihren Bann gezogen, aber sein turbulentes Privatleben – die Ermordung von Ranuccio Tomasini, die Debatte über Caravaggios sexuelle Orientierung, die Abfolge von Ereignissen, die mit seiner Inhaftierung auf Malta begann und mit seinem frühen Tod endete – hat die Historiker lange Zeit verblüfft. Nur wenige Maler hatten eine kriminelle Vergangenheit wie er, und noch weniger wurden mit der Todesstrafe konfrontiert – aber er wurde ein Mystiker, als er malte. Seine Jungfrauen und Heiligen wurden von Prostituierten modelliert, doch seine Bilder sind höchst spirituell.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.