Roy Lichtenstein – Das Leben und Schaffen des Pop Art Künstlers

Roy Lichtensteins Gemälde sprengten die Grenzen und er war einer der ersten amerikanischen Künstler, der sich der Bewegung anschloss und weltweiten Ruhm erlangte. Roy Lichtensteins Kunst war anfangs sowohl thematisch als auch stilistisch sehr vielfältig, und seine Werke zeugten von einer gründlichen Kenntnis der modernistischen Malerei. Doch als Roy Lichtensteins Pop Art in den frühen 1960er Jahren aufkam, wurde ihm Mittelmäßigkeit, mangelnde Innovation und später sogar Plagiat vorgeworfen. In diesem Artikel werden wir Roy Lichtensteins Biografie untersuchen und Fragen wie „Welche kommerzielle Technik hat Roy Lichtenstein in seinen Bildern imitiert?“ beantworten.

Roy Lichtensteins Biografie

Das ganze 20. Jahrhundert hindurch gab es in der Kunst Anspielungen auf die Populärkultur, aber in Roy Lichtensteins Kunstwerken schienen die Techniken, das Ausgangsmaterial und die Reproduktionsprozesse, die in der Populärkultur allgegenwärtig sind, die Kunst vollständig zu durchdringen.

Dies war eine deutliche Abkehr vom Abstrakten Expressionismus, dessen häufig melancholische Motive als der Seele der Maler entsprungen galten; Roy Lichtensteins Pop-Art-Ideen kamen aus der Gesellschaft als Ganzes und spiegelten nichts von den eigenen Gefühlen des Künstlers wider.

Durch die Parodie entwickelten Roy Lichtensteins Bilder den Begriff der Pop Art. Deutlich beeinflusst von den Cartoon Strips, schuf Lichtenstein exakte Entwürfe, die gleichzeitig parodiert wurden, manchmal auf augenzwinkernde Weise.

Roy Lichtenstein, 1966; Kunststiftung Poll, CC BY-SA 3.0 DE, via Wikimedia Commons

Frühe Jahre

Lichtenstein war Jude, auch wenn er versuchte, seine Herkunft herunterzuspielen und nicht oft über seine jüdische Herkunft sprach. Seine Familie gehörte zur oberen Mittelschicht. Sein Vater Milton war ein Immobilienhändler und seine Mutter Beatrice eine Hausfrau. Er wuchs in der Upper West Side von New York City auf und besuchte eine öffentliche Schule, bis er 12 Jahre alt war. Danach studierte er an der Dwight School in New York, wo er 1940 seinen Abschluss machte.

Er entwickelte seine kreativen Talente schon als Jugendlicher, indem er an der Parsons School of Design Aquarellunterricht nahm, und als er die High School besuchte, gründete er eine Jazzband.

Als Schüler interessierte sich Lichtenstein für Malerei und Design als Freizeitbeschäftigung. Er war ein großer Jazz-Fan und besuchte häufig Konzerte im Apollo Theater in Harlem. Er zeichnete regelmäßig Bilder von Bands, die mit ihrem Equipment spielten. Während seines letzten Highschool-Jahres nahm er an den Sommerkursen der Art Students League of New York teil, wo er 1939 bei Reginald Marsh studierte.

Karriere

Lichtenstein verließ New York, um an der Ohio State University zu studieren, wo er sowohl Atelierunterricht als auch einen Bachelor-Abschluss in Fine Arts erhielt. Seine Ausbildung wurde durch einen dreijährigen Einsatz in der Armee von 1943 bis 1946 unterbrochen.

Er arbeitete als Assistent, Zeichner und Illustrator, während er an Lehrgängen für Linguistik, Ingenieurwesen und Flugtraining teilnahm, die alle abgebrochen wurden.

Lichtenstein kam nach Hause, um seinen kranken Vater zu besuchen, und wurde mit Anspruch auf G.I. Bill aus der Armee entlassen. Er kehrte nach Ohio zurück, um unter der Anleitung eines seiner Ausbilder, Hoyt L. Sherman, zu studieren, der einen großen Einfluss auf seine spätere Arbeit hatte. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1951 in der Carlebach Gallery in New York.

Roy Lichtenstein Ausstellung im Stedelijk Museum, mit dem Künstler vor einem seiner Bilder, 1967; Eric Koch, CC0, via Wikimedia Commons

Noch im selben Jahr zog er nach Cleveland, wo er sechs Jahre lang lebte, obwohl er regelmäßig nach New York zurückkehrte. In dieser Zeit arbeitete er zwischen den Malphasen als Zeichner und Fenstergestalter. Roy Lichtensteins Kunst war zu dieser Zeit eine Mischung aus Expressionismus und Kubismus. 1954 wurde sein erstes Kind, David Hoyt Lichtenstein, geboren, der heute Komponist ist. 1956 wurde Mitchell Lichtenstein, sein jüngerer Sohn, geboren. Im Jahr 1957 kehrte er nach New York zurück und nahm seine Lehrtätigkeit wieder auf. In dieser Zeit wandte er sich dem Abstrakten Expressionismus zu und war ein später Anhänger dieser Maltechnik. 1958 begann er, an der State University of New York zu unterrichten.

Um diese Zeit begann er, versteckte Bilder von Zeichentrickfiguren wie Bugs Bunny und Mickey Mouse in seine abstrakten Gemälde einzubauen.

Aufstieg zum Ruhm

1960 begann er an der Rutgers University zu lehren, als er von Allan Kaprow, der damals ebenfalls Professor war, stark inspiriert wurde. Dieses Umfeld entfachte seine Faszination für die Proto-Pop-Ikonografie neu. 1961 schuf Lichtenstein seine ersten Pop-Art-Kunstwerke mit Cartoon-Figuren und Methoden, die vom Aussehen der Drucktechnik inspiriert waren. Diese Periode dauerte bis 1965 und beinhaltete die Verwendung kommerzieller Bilder, die Materialismus und Hausmannskost suggerierten. Look Mickey (1961) war seine erste großflächige Verwendung von hartkantigen Figuren und Ben-Day-Punkten.

Dieses Gemälde wurde durch die Bitte eines seiner Jungen inspiriert, der auf eine Mickey Mouse-Comicserie zeigte und bemerkte: „Ich wette, so kannst du nicht malen, stimmt’s, Vater?“

Im selben Jahr schuf er sechs weitere Gemälde, die Figuren aus Cartoons und Kaugummiverpackungen zeigten. Leo Castelli begann 1961, Roy Lichtensteins Pop Art in seiner New Yorker Galerie auszustellen. 1962 hatte Lichtenstein seine erste Einzelausstellung in der Castelli-Galerie; die gesamte Sammlung wurde noch vor der Eröffnung der Ausstellung von berühmten Sammlern gekauft.

Zwischen 1961 und 1962 entstand eine Reihe von Gemälden, die einsame Haushaltsgegenstände wie Schuhe, Burger und Golfbälle zum Thema hatten.

Im September 1963 nahm er eine Auszeit von seinem Lehrauftrag am Douglass College in Rutgers. Roy Lichtensteins Bilder wurden von Comics beeinflusst, die Schlachten und Romantik darstellen. „Damals“, erklärte Lichtenstein später, „war ich an allem interessiert, was ich als emotional intensives Thema nutzen konnte – im Allgemeinen Liebe, Krieg oder was auch immer ein extrem hitziges und emotionales Thema war, das im Gegensatz zu den distanzierten und zielgerichteten Malansätzen stand.“

Hochkarätige Periode

In dieser Zeit begann Lichtenstein, nicht nur national, sondern auch international bekannt zu werden. Er kehrte nach New York zurück, um in der Kunstszene mitzumischen und zog sich 1964 von der Rutgers University zurück, um sich auf seine Kunst zu konzentrieren. In seinen bekanntesten Werken wie Drowning Girl (1963), das nach der Erzählung in Secret Hearts Nr. 83 von DC Comics entstand, verwendete Lichtenstein Öl- und Magna-Farbe. Drowning Girl hat ebenfalls starke Umrisse, leuchtende Farben und Ben Day-Flecken, als ob sie durch Fotokopieren entstanden wären.

Lichtenstein zählt sein eigenes Werk zu den Abstrakten Expressionisten, die „Dinge auf die Oberfläche legten und auf das reagierten, was sie gemacht hatten, die Farborte und Größen. Mein Stil ist ganz anders, aber der Prozess des Zeichnens von Linien ist sehr ähnlich; meine wirken nur nicht so kalligraphisch wie die von Kline oder Pollock. Anstatt zu versuchen, seine Themen zu reproduzieren, konzentrierte sich Roy Lichtenstein in seiner Pop-Art darauf, wie sie in den Medien dargestellt werden. „Ich glaube, meine Kunst unterscheidet sich von Comics – aber ich würde es nicht Metamorphose nennen; ich glaube nicht, dass das, was damit gemeint ist, für die Kunst entscheidend ist“, sagt er.

Als Roy Lichtensteins Kunstwerk zum ersten Mal gezeigt wurde, stellten einige Kunstkritiker seine Originalität in Frage. Seine Kunst wurde als schmutzig und nichtssagend verrissen.

1964 titelte die Zeitschrift Life mit der Frage: „Ist er der ärmste Künstler in Amerika?“. Lichtenstein antwortete auf solche Anschuldigungen mit folgenden Worten: „Je mehr meine Arbeit der Quelle ähnelt, desto erschreckender und ernster wird das Thema. Meine Arbeit hat sich jedoch in dem Sinne völlig verändert, dass sich mein Ziel und meine Vision verschoben haben. Ich glaube, dass sich meine Arbeiten kritisch verändert haben, aber eine vernünftige Argumentationslinie wäre unmöglich zu zeigen.“

In einem Gespräch mit Mimi Thompson und April Bernard im Jahr 1986 sprach er über seine Erfahrungen mit harscher Kritik. „Ich hinterfrage nicht, wann ich wirklich male“, sagte Lichtenstein und meinte damit, dass es manchmal hart sei, kritisiert zu werden. „Es ist das Urteil, das dich nachdenklich macht, das ist es.“ Whaam! (1963), eines der ersten bekannten Beispiele für Pop Art, wurde von einer Comic-Szene in einer 1962 erschienenen Ausgabe von All-American Men of War von DC Comics abgeleitet.

Whaam! (1963) von Roy Lichtenstein; GualdimG, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das Bild zeigt ein Kampfflugzeug, das eine Rakete auf ein gegnerisches Flugzeug abschießt, die in einem gelben und roten Blitz explodiert. Whaam! knüpft an die von Comics inspirierten Motive einiger seiner früheren Werke an und ist Teil einer Reihe von Arbeiten über den Krieg, die zwischen 1962 und 1964 entstanden sind. Es ist eines von zwei riesigen Kunstwerken zum Thema Krieg, für die er bekannt ist. Um 1964 begann Lichtenstein, sich mit der Bildhauerei zu beschäftigen und zeigte dabei ein Talent für die Form, das im Gegensatz zu der unerbittlichen Gleichförmigkeit seiner Gemälde stand. Er arbeitete mit einem Keramiker zusammen, der die Form des Kopfes für Kopf mit rotem Schatten (1965) und Kopf eines Mädchens (1964) aus Ton formte.

Danach benutzte Lichtenstein eine Glasur, um die gleichen grafischen Muster zu erzeugen, die er auch auf seinen Leinwänden verwendete; die Behandlung von schwarzen Linien und Ben-Day-Punkten zu 3D-Objekten gipfelte in einer Verflachung der Form. Die meisten von Lichtensteins bekanntesten Gemälden sind nahe, aber nicht exakte Nachbildungen von Comicstrips, ein Thema, das er nach 1965 größtenteils aufgab, obwohl er in den folgenden Jahrzehnten regelmäßig Cartoons auf verschiedene Weise in seine Kunstwerke einbaute. Diese Strips wurden ursprünglich von Jack Kirby und Künstlern von DC Comics wie Tony Abruzzo, Russ Heath, Irv Novick und Jerry Grandenetti entwickelt, die jedoch nur selten gewürdigt wurden.

Nach Jack Cowart war „Roy Lichtensteins Kunstwerk ein Wunder der grafischen Formeln und der Kodierung von Gefühlen, die von jemand anderem erdacht worden waren.“

Die Größe, die Farbgebung, die Darstellung und die Konnotationen der Tafeln wurden verändert. Es gibt keine identische Kopie.“ Einige haben Lichtensteins Verwendung von Comic-Bildern kritisiert, vor allem, weil diese Verwendung als Zustimmung des Kunstmainstreams zu einer herablassenden Sichtweise von Cartoons interpretiert wurde; der Comic-Künstler Art Spiegelman erklärte, dass „Lichtenstein nicht mehr oder weniger für Cartoons getan hat als Andy Warhol für Suppen“. Roy Lichtensteins Gemälde, die auf vergrößerten Comicstrips basieren, lösten einen heftigen Streit über ihre künstlerische Qualität aus.

„Ich dupliziere technisch gesehen, aber in Wirklichkeit wiederhole ich die kopierte Idee mit anderen Worten“, sagte Lichtenstein. Das Ergebnis ist, dass das Original eine ganz eigene Textur hat. Es geht nicht um dicke oder dünne Pinselstriche; es geht um Punkte, flache Farben und starre Linien. „Lichtenstein nahm ein kleines Bild, kleiner als ein Handrücken, das mit vierfarbiger Tinte auf Zeitungspapier reproduziert wurde, vergrößerte es auf die normale Größe, in der ‚Kunst‘ geschaffen und gezeigt wird, und vollendete es mit Farbe auf Leinwand“, so Eddie Campbell in seinem Blog.

In Bezug auf Lichtenstein sagte Bill Griffith einmal: „Es gibt große Kunst und schlechte Kunst. Und dann gibt es die hohe Kunst, die niedrige Kunst nimmt und sie in einen hohen Kunstrahmen stellt, sie an sich reißt und sie in etwas Neues verwandelt.“

Spätere Arbeiten

Das Los Angeles County Museum of Art beauftragte Lichtenstein 1970 mit der Erstellung eines Videos. Three Landscapes, ein Video, das Meereslandschaften zeigt, wurde vom Künstler mit Unterstützung der Universal Film Studios geplant und produziert und steht in engem Zusammenhang mit einer Reihe von Collagen mit Umweltthemen, die er zwischen 1964 und 1966 produzierte. Lichtenstein hatte gehofft, 15 Videos zu drehen, aber die drei Bildschirme, die in Zusammenarbeit mit dem New Yorker Filmemacher Joel Freedman entstanden sind, waren der einzige Ausflug des Künstlers in dieses Genre.

Little Big Painting (1965) von Roy Lichtenstein; Tim Evanson aus Cleveland Heights, Ohio, USA, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Gegen 1970 kaufte Lichtenstein ein altes Kutschenhaus in Southampton, Long Island, richtete sich dort ein Atelier ein und verbrachte den Rest des Jahrzehnts in relativer Abgeschiedenheit. Seine Technik begann sich zu entspannen und er baute auf dem auf, was er in den 1970er und 1980er Jahren bereits getan hatte. 1969 begann Lichtenstein mit dem Prozess der Spiegel-Gemälde.

1970 begann er, sich mit dem Thema der Entablatures zu beschäftigen, während er noch an der Mirrors-Serie arbeitete. Die Entablatures begannen mit einer Reihe von Leinwänden von 1971 bis 1972, dann die zweite Serie von 1974 bis 1976 und die Herstellung einer Reihe von Reliefdrucken im Jahr 1976. Er schuf eine Reihe von „Künstler-Workshops“, die Teile seiner früheren Arbeiten enthielten. Von 1979 bis 1981 schuf er eine große Serie von surrealistisch-poppigen Gemälden, die auf indianischen Motiven basieren.

Amerind Figure (1981), eine stilisierte lebensgroße Statue aus schwarz-patinierter Bronze, die an einen schlanken Totempfahl erinnert, bis hin zu dem massiven Wollstoff Amerind Landscape (1979). Die „Indianer“-Gemälde, wie auch der Rest der surrealistischen Sammlung, ließen sich für ihre Themen von moderner Kunst und anderen Einflüssen inspirieren, insbesondere von Büchern über indianische Designs aus Lichtensteins kleiner Sammlung.

Von 1972 bis in die frühen 1980er Jahre umfassen Roy Lichtensteins Gemälde von Stillleben, seine Skulpturen und Skizzen eine breite Palette von Motiven und Themen, darunter auch die konventionellsten, wie Früchte, Blumen und Vasen.

Aufstellung der Gemälde in der Roy Lichtenstein Ausstellung im Stedelijk Museum, 1967; Ron Kroon / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

1983 schuf Lichtenstein zwei Anti-Apartheid-Plakate mit dem einfachen Titel „Against Apartheid“. In seiner Reflection-Serie, die zwischen 1988 und 1990 entstand, verwendete Lichtenstein Elemente aus früheren Gemälden wieder. Interiors (1991-1992) ist eine Serie von Gemälden, die alltägliche Wohnsituationen darstellen und von Möbelanzeigen in Telefonbüchern oder auf Plakaten beeinflusst sind.

Die Themen seiner Szenerien in der Sequenz „Chinesischer Stil“ werden mit virtuellen Benday-Punkten in kräftigen, leuchtenden Farben gemalt, wobei alle Reste der Hand entfernt werden, nachdem er sich von den monochromen Reproduktionen von Edgar Degas inspirieren ließ, die 1994 in einer Ausstellung im Metropolitan Museum of Art in New York gezeigt wurden. Der Akt taucht häufig in Lichtensteins Kunst der 1990er Jahre auf, unter anderem in der Collage für Akt mit rotem Hemd (1995).

Roy Lichtensteins Kunststil

Die Kunst hat das ganze 20. Jahrhundert hindurch Anspielungen auf die Populärkultur gemacht, aber in Roy Lichtensteins Werken schienen die Methoden, das Ausgangsmaterial und die Replikationsprozesse, die in der Populärkultur weit verbreitet sind, die Kunst vollständig zu durchdringen. Das war ein bemerkenswerter Bruch mit dem Abstrakten Expressionismus, dessen manchmal traurige Themen angeblich aus der Seele der Künstler stammten; Roy Lichtensteins Pop-Art-Konzepte wurden aus der Gesellschaft als Ganzes abgeleitet und stellten nicht die persönlichen Gedanken des Künstlers dar.

Trotz der Tatsache, dass Lichtenstein in den frühen 1960er Jahren manchmal beschuldigt wurde, einfach nur Cartoons zu kopieren, beinhaltete sein Prozess eine erhebliche Überarbeitung der ursprünglichen Bildsprache.

Aufstellen der Gemälde in der Roy Lichtenstein Ausstellung im Stedelijk Museum, 1967;  Ron Kroon / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Das Ausmaß dieser Veränderungen und die Gründe des Künstlers dafür sind seit langem ein Streitpunkt in Diskussionen über sein Werk, da sie darauf hindeuten, ob es ihm mehr darum ging, angenehme, kreative Kompositionen zu schaffen oder sein Publikum mit dem kitschig wirkenden Einfluss der Popkultur zu schockieren. Eine der wichtigsten Lehren der Pop Art ist, dass alle Kommunikationsmethoden, alle Signale, durch Sprachen oder Codes verarbeitet werden. Lichtensteins Fokus auf taktile Reproduktionsmethoden – insbesondere sein Markenzeichen, die Ben-Day-Punkte – veranschaulichten diese Kernlektion. Es wird angenommen, dass er durch seine ersten Arbeiten, die sich auf eine eklektische Vielfalt moderner Kunst stützten, die Bedeutung von Codes gelernt hat.

Diese Bewunderung mag ihn schließlich dazu gebracht haben, Werke zu schaffen, die von Meisterwerken der modernen Kunst beeinflusst waren; in diesen Werken behauptete er, dass hohe Kunst und Mainstream-Kunst dasselbe sind, da sie beide auf Codes beruhen.

Roy Lichtensteins Kunstwerke

Lichtenstein trug entscheidend dazu bei, die misstrauische Haltung der Abstrakten Expressionisten gegenüber kommerziellen Formen und Anliegen zu untergraben. Indem er sich „niedere“ Kunstformen wie Comics und populäre Grafiken zu eigen machte, etablierte sich Lichtenstein als zentraler Akteur in der Welt der Pop Art.

Während seine Comicbilder seine bekanntesten Werke sind, hatte er eine produktive und ziemlich vielfältige Karriere, die auch den Surrealismus, Kubismus und Expressionismus umfasste.

Seine Neuinterpretation der Mainstream-Kultur aus der Perspektive der konventionellen Kunstgeschichte hatte jedoch einen entscheidenden Einfluss auf nachfolgende Künstlergenerationen, denn die Pop Art hat die Postmoderne maßgeblich geprägt. Hier ist eine Auswahl seiner berühmtesten Kunstwerke.

Popeye (1961)

Popeye war eines von Roy Lichtensteins allerersten Pop-Bildern, die im Sommer 1961 entstanden. Später kehrte er zu den allgemeinen menschlichen Formen zurück, die man in den damaligen Zeichentrickfilmen sah, aber anfangs wählte er sofort bekannte Figuren wie Popeye und Mickey Mouse.

Das Werk ist auch deshalb bemerkenswert, weil es eines der letzten ist, bei dem er seinen Namen auf der Oberfläche des Bildes unterschrieben hat. Der Kritiker Michael Lobel hat eingeräumt, dass er dies bei diesem Werk im Wesentlichen mit wachsender Unsicherheit tat, indem er es mit einem Copyright-Logo versah, das in der Form der offenen Blechdose darüber wiederholt wird. Einige haben spekuliert, dass Popeye’s Streik als subtile Erwiderung auf eine der vorherrschenden Überzeugungen in der modernen Kunstkritik gedacht war, dass das Design eines Bildes eine unmittelbare visuelle Wirkung haben sollte.

Während die meisten Leute dachten, dass dies nur durch abstrakte Kunst erreicht werden kann, bewies Lichtenstein, dass es auch durch die Aneignung von niederen Kulturen erreicht werden kann.

Drowning Girl (1963)

Lichtenstein wurde in den frühen 1960er Jahren als renommierter Pop-Art-Künstler durch Werke bekannt, die auf Comic-Büchern basieren, vor allem auf DC Comics. Obwohl Künstler wie Jasper Johns und Robert Rauschenberg schon früher populäre Ikonografie in ihre Kunstwerke aufgenommen hatten, hatte sich niemand zuvor so sehr auf Comic-Bilder konzentriert wie Lichtenstein. Zusammen mit Andy Warhol leitete er mit seinen Werken den Beginn des Pop-Art-Stils ein und damit den Niedergang des Abstrakten Expressionismus als vorherrschende Form.

Lichtenstein kopierte nicht einfach nur Comicseiten, sondern wandte einen komplizierten Ansatz an, bei dem er Bilder ausschnitt, um völlig neue, dramatische Kompositionen zu schaffen, wie z. B. das Drowning Girl, bei dessen Originalbild der Liebhaber der Frau auf einem Boot über ihr stand.

Lichtenstein komprimierte auch den Wortlaut der Comicstrips und positionierte die Sprache als die andere, entscheidende visuelle Komponente; die Wiederaneignung dieses symbolischen Teils kommerzieller Kunstwerke für seine Leinwände stellte die vorherrschenden Vorstellungen von „hoher“ Kunst in Frage.

Gelbe Landschaft (1965)

Lichtensteins Verwendung von leuchtenden Farben und Ben-Day-Punkten ging über die gegenständliche Ikonografie von Comic-Panels hinaus, da er mit einer breiten Palette von Elementen experimentierte; seine Landschaftsbilder sind ein besonders gutes Beispiel für diesen Ansatz. Lichtenstein schuf eine Vielzahl von Collagen und Multimediastücken, bei denen er Motoren, Metall und typischerweise eine schimmernde Plastikfolie namens Rowlux verwendete, die Bewegung simulierte. Lichtenstein stellte sein tiefes Wissen über die Kunstgeschichte unter Beweis und betonte die Nähe von niederen und hohen Kunstformen, indem er sich das klassische künstlerische Thema der Landschaft neu aneignete und es in seiner Pop-Idiom darstellte.

Aufgrund seiner Leidenschaft für moderne Kunst schuf Lichtenstein mehrere Werke, die sich ausdrücklich auf Maler wie Picasso, Cézanne und Matisse bezogen.

Haus I (1966)

Angefangen mit einem Fresko, das er für die Weltausstellung 1964 in Queens, New York, anfertigte, machen Kunstwerke für den öffentlichen Raum und für den Außenbereich, darunter Malerei und Skulpturen, einen großen Teil von Lichtensteins Oeuvre aus. House I, eine großformatige Skulptur, experimentiert mit der Wahrnehmung und dem Unwirklichen: Je nachdem, wo der Betrachter steht, scheint sich die Ecke des Gebäudes im Raum vorwärts oder rückwärts zu bewegen.

House III (2002) von Roy Lichtenstein befindet sich außerhalb des High Museum of Art in Atlanta, GA; Greysanatomylabtech, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Trotz Lichtensteins üblicher Verwendung von flachen Farben und der Tatsache, dass es sich bei diesem Kunstwerk eigentlich um ein flaches Blech handelt, vermittelt die Form des Rahmens ein Gefühl von Dimension. Er schuf mehrere Haus-Skulpturen, die alle mit Lichtensteins Faszination für Gebäudeinnenräume in Verbindung gebracht werden können, ein Thema, das er in seinem späteren Werk am deutlichsten erforschte.

Brushstrokes (1967)

Lichtenstein war während seiner Karriere ein hervorragender Drucker, und seine Drucke waren wichtig für die Entwicklung des Drucks als bedeutende Kunstform in den 1960er Jahren. Brushstrokes zum Beispiel zeigt seine Faszination für die Bedeutung der Pinselführung im Abstrakten Expressionismus. Der Pinselstrich war für die Künstler des Abstrakten Expressionismus zu einem Mittel geworden, um Emotionen direkt zu vermitteln. Lichtensteins Pinselstrich machte sich über diesen Ehrgeiz lustig und deutete an, dass sie die Kommerzialisierung zwar verabscheuten, ihr aber nicht schutzlos ausgeliefert waren; schließlich entstanden viele ihrer Kunstwerke in Serien und wiederholten immer wieder die gleichen Motive.

„Die echten Pinselstriche sind genauso vorbestimmt wie die Comic-Pinselstriche“, stellte Lichtenstein fest.

Spiegel I (1977)

Die abstrakte Art und Weise, in der Karikaturisten Spiegel darstellten, indem sie diagonale Linien verwendeten, um eine reflektierende Oberfläche zu zeigen, faszinierte Lichtenstein. Er sagte einmal: „Man sieht diese Linien und weiß, dass sie für einen Spiegel stehen, obwohl es in Wirklichkeit keine solchen Linien gibt. Es ist eine Gewohnheit, der wir unbewusst folgen.“ Der Spiegel wurde in den 1970er Jahren zu einem immer wiederkehrenden Thema für Lichtenstein, aber der Künstler hatte bereits in früheren Werken mit der visuellen Darstellung von Reflexionen experimentiert, was zum Teil durch die Betonung der Beziehung zwischen Spiegeln und Damen motiviert war – sowohl in historischen Kunstwerken als auch in der populären Gesellschaft.

Trotz der Tatsache, dass die Serie durch die Präsenz von Spiegeln in Cartoons inspiriert wurde, wollte sich Lichtenstein offensichtlich mit Fragen der Replikation und Reflexion auseinandersetzen, die die Fantasie von Künstlern seit der Renaissance beflügelt haben.

Roy Lichtensteins Gemälde widersetzten sich den Konventionen, und er war einer der ersten amerikanischen Maler, die den Trend aufgriffen und internationale Anerkennung erlangten. Roy Lichtensteins Kunst war anfangs sehr vielfältig in Bezug auf Thema und Technik, und seine Werke zeigten ein tiefes Verständnis der modernistischen Malerei. Als Roy Lichtensteins Pop Art jedoch Anfang der 1960er Jahre erstmals auftauchte, wurde er der Mittelmäßigkeit, des mangelnden Erfindungsreichtums und später des Plagiats bezichtigt.

Häufig gestellte Fragen

Welche kommerzielle Technik hat Roy Lichtenstein in seinen Gemälden imitiert?

Das ganze 20. Jahrhundert hindurch hat die Kunst Anspielungen auf die Populärkultur gemacht, aber in Roy Lichtensteins Werken schienen die Methoden, das Ausgangsmaterial und die Reproduktionsprozesse, die in der Populärkultur allgegenwärtig sind, die Kunst vollständig zu infizieren. Das war eine deutliche Abkehr vom Abstrakten Expressionismus, dessen manchmal düstere Themen angeblich aus der Seele der Künstler stammten; Roy Lichtensteins Pop-Art-Konzepte kamen aus der Gesellschaft als Ganzes und repräsentierten nicht die persönlichen Ansichten des Künstlers. Obwohl Lichtenstein in den frühen 1960er Jahren häufig beschuldigt wurde, einfach nur Cartoons zu reproduzieren, erforderte sein Ansatz eine umfassende Überarbeitung der Ausgangsbilder.

Wer war Roy Lichtenstein?

Lichtenstein trug entscheidend dazu bei, die Skepsis der Abstrakten Expressionisten gegenüber kommerziellen Formen und Anliegen zu untergraben. Lichtenstein etablierte sich als wichtiger Akteur im Bereich der Pop Art, indem er so genannte „Low Art“-Genres wie Comics und populäre Grafiken aufgriff. Seine Comic-Bilder sind zwar seine bekanntesten Werke, aber er hatte eine lange und vielfältige Karriere, die auch den Surrealismus, Kubismus und Expressionismus umfasst. Seine Neuinterpretation der gewöhnlichen Gesellschaft durch die Linse der traditionellen Kunstgeschichte hatte hingegen einen nachhaltigen Einfluss auf nachfolgende Künstlergenerationen, da die Pop Art die Postmoderne prägte;

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.