Rachel Ruysch: Leben, Werk und erfundene Blumenwelten

Rachel Ruysch ließ Blumen so glaubwürdig aufleuchten, obwohl ihre Sträuße in dieser Form nie existiert haben konnten. Ihre Laufbahn erstreckt sich über mehr als sechs Jahrzehnte und verbindet naturkundliche Genauigkeit mit kluger Bildkonstruktion. Wer ihre Gemälde genauer betrachtet, entdeckt neben Pflanzen und Insekten auch die unsichtbaren Linien, mit denen sie den Blick lenkt.

Wer war Rachel Ruysch?

Rachel Ruysch war eine niederländische Stilllebenmalerin, die von 1664 bis 1750 lebte. Sie spezialisierte sich auf Blumen, Früchte und dicht bewachsene Waldböden. Dabei kopierte sie die sichtbare Natur nicht einfach: Sie wählte einzelne Motive aus, kombinierte sie neu und formte daraus in sich glaubwürdige Bildräume.

Ihre Gemälde fanden über die Niederlande hinaus Käufer. Die Aufnahme in eine Künstlervereinigung und ihre Ernennung zur Hofmalerin zeigen, dass sie als professionelle Künstlerin anerkannt war. Zeitlich gehört ihr Werk in die niederländische Malerei des späten 17. und frühen 18. Jahrhunderts; eine Übersicht der Kunstepochen erleichtert die größere Einordnung.

Rachel Ruysch auf einen Blick

Ruysch wurde 1664 in Den Haag geboren. Bereits 1666 zog ihre Familie nach Amsterdam, wo sie den größten Teil ihres Lebens verbrachte und 1750 im Alter von 86 Jahren starb.

Rachel Ruysch and Michiel van Musscher – Rachel Ruysch in her studio. Rachel Ruysch in her studio. Bild: Rachel Ruysch / Michiel van Musscher via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Sie heiratete 1693 den Porträtmaler Juriaen Pool. Das Paar hatte zehn Kinder, doch Ruysch setzte ihre berufliche Arbeit während der Familiengründung fort. Ein Atelierporträt von 1692 macht ihre künstlerische Rolle besonders anschaulich: Michiel van Musscher malte Ruysch in der Atelierszene, während sie selbst das darin gezeigte Blumenarrangement ausführte. Das Bild entstand damit als Zusammenarbeit zweier spezialisierter Maler.

Warum ihre Karriere um 1700 ungewöhnlich war

Ruyschs Laufbahn lässt sich nicht auf eine einzelne glückliche Entdeckung oder einen mächtigen Auftraggeber reduzieren. Sie verfügte über eine fundierte Ausbildung, entwickelte wiedererkennbare Bildlösungen und behauptete sich über Jahrzehnte auf dem Kunstmarkt. 1701 nahm die Haager Künstlervereinigung Confrerie Pictura sie als erstes weibliches Mitglied auf.

1708 ernannte Kurfürst Johann Wilhelm von der Pfalz sie zur Hofmalerin. Bemerkenswert ist die praktische Gestaltung dieses Amts: Ruysch musste nicht dauerhaft nach Düsseldorf ziehen. Sie blieb mit ihrer Familie in Amsterdam und sandte ungefähr ein Gemälde pro Jahr an den Hof. Ihr professioneller Status beruhte somit auf einem Netzwerk, das Werkstatt, Sammler und Hof über größere Entfernung miteinander verband.

Zwischen Naturalienkabinett und Atelier

Ruyschs frühe Umgebung erklärt ihren geschärften Blick für Pflanzen, Insekten und kleinste Oberflächen, aber nicht automatisch ihren späteren Stil. Naturkundliches Wissen lieferte ihr Motive. Wie sie diese Motive auf der Bildfläche ordnete, lernte und erprobte sie als Malerin.

Frederik Ruysch, botanischer Garten und präparierte Natur

Ihr Vater Frederik Ruysch war Anatom und Botaniker. Er besaß eine öffentlich zugängliche Präparatesammlung mit menschlichen Präparaten, Pflanzen und Tieren. Ab 1685 leitete er außerdem den botanischen Garten Amsterdams, den Hortus Botanicus. Rachel Ruysch konnte dort Pflanzen, Tiere und Präparate aus der Nähe studieren.

Rachel Ruysch – Still life with flowers on a marble tabletop. Still life with flowers on a marble table top . [ 1 ] Alternative title(s): Still life with flowers on a marble tabletop . [ 2 ]. Bild: Rachel Ruysch via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Dieser Zugang erklärt, warum präzise Pflanzen- und Tiermotive zu ihrem Repertoire gehörten, aber nicht allein deren Ordnung im Bild. Ihre Gemälde sind keine nüchternen Bestandsaufnahmen. Aus beobachteten Einzelheiten entstanden sorgfältig inszenierte Naturräume.

Der Pflanzenbestand Amsterdams war mit Handels- und Kolonialnetzwerken verbunden. Über diese gelangten Pflanzen und naturkundliche Objekte aus Asien, Afrika und Amerika in die Niederlande. Diese historischen Verbindungen erklären den Zugang zu Motiven, sagen jedoch nichts über Ruyschs persönliche Einstellung zur kolonialen Expansion aus.

Die Lehre bei Willem van Aelst

Ungefähr mit 15 Jahren begann Ruysch eine rund dreijährige Ausbildung bei Willem van Aelst. Die Lehre endete spätestens mit seinem Tod im Jahr 1683. Van Aelst war für eine bewegte Art der Komposition bekannt: Statt Objekte gleichmäßig nebeneinanderzustellen, führte er Stiele, Blüten und andere Formen in einer S-förmigen Bewegung von links unten nach rechts oben.

Ruysch übernahm dieses Ordnungsprinzip nicht als starres Rezept. Sie nutzte Diagonalen, Überschneidungen und Lichtwechsel, um selbst umfangreiche Arrangements lesbar zu machen. Eine Blüte kann dabei einen hellen Auftakt setzen, ein gebogener Stängel die Richtung ändern und ein kleines Insekt den Blick an einer entscheidenden Stelle festhalten. So entsteht Bewegung, obwohl jedes Motiv stillsteht.

Vorbilder und eigene Lösungen

Für Ruyschs frühe Girlanden und Waldbodenbilder sind Jan Davidsz. de Heem und Otto Marseus van Schrieck wichtige Bezugspunkte. De Heem hatte prachtvolle Frucht- und Blumengirlanden entwickelt. Marseus van Schrieck machte den dunklen Waldboden mit Pflanzen, Pilzen, Reptilien und Insekten zum eigenen Bildtyp.

Ruysch setzte sich sichtbar mit solchen Lösungen auseinander, ordnete Farbe, Licht und Motive aber neu. Einfluss bedeutet hier deshalb keine bloße Kopie. Er bezeichnet einen Ausgangspunkt, an dem sich ihre Entscheidungen vergleichen lassen.

Vom Waldboden zum höfischen Blumenstück

Ruyschs Stil blieb während ihrer langen Laufbahn nicht unverändert. Eine Betrachtung der datierten Werke zeigt mehrere Verschiebungen: von frühen Experimenten mit Girlanden und Waldböden über aufwendige Blumen- und Fruchtstücke bis zu kleineren, helleren Arbeiten im hohen Alter.

Die experimentellen 1680er-Jahre

Das früheste heute bekannte Gemälde Ruyschs ist die 1681 datierte Blumen- und Fruchtgirlande in einer Nische. Die junge Malerin arbeitete damals bereits selbstständig an einem anspruchsvollen Bildtyp. In den folgenden Jahren erprobte sie Nischen, Girlanden, Vasenstücke und dunkle Waldbodenszenen.

Forest Floor with a Classical Façade Beyond by Rachel Ruysch, c. 1687. Forest Floor with a Classical Façade Beyond by Rachel Ruysch, c. 1687, oil on canvas, private collection. Bild: Hiart via Wikimedia Commons, lizenziert unter CC0.

Ein Waldbodenbild um 1687 verbindet dichtes Pflanzenleben, Reptilien und Insekten mit einer klassischen Architekturkulisse in der Ferne. Der Boden ist kein zufällig ausgeschnittener Naturwinkel. Vordergrund, Lichtinseln und Hintergrundarchitektur sind so aufeinander abgestimmt, dass der kleine Lebensraum räumliche Tiefe gewinnt. Ruysch nutzt die genaue Beobachtung einzelner Organismen, setzt sie aber in eine erfundene Umgebung.

Gerade diese Bandbreite widerspricht der Vorstellung, sie habe von Beginn an nur luxuriöse Blumensträuße gemalt. Die 1680er-Jahre waren eine Phase des Ausprobierens. Hier entwickelte sie Lösungen für Dunkelheit, räumliche Staffelung und das Zusammenspiel sehr unterschiedlicher Größenordnungen, vom winzigen Insekt bis zur Architektur.

Die Wende der 1690er-Jahre

In den 1690er-Jahren verlagerte Ruysch ihren Schwerpunkt von Waldbodenszenen zu Blumen- und Fruchtstücken. Daneben entstanden kleine Kabinettbilder, also kompakte Werke für die Betrachtung aus geringer Entfernung. Vor 1700 malte sie außerdem erste Pendants, also von Anfang an als Paar geplante Bilder.

Der Wechsel bedeutete keine Abkehr von ihren frühen Erfahrungen. Die dunklen Gründe, geschwungenen Pflanzen und überraschenden Tiermotive blieben wichtige Mittel. Nun konzentrierte Ruysch diese Elemente stärker in Sträußen und Arrangements auf Tischplatten oder Steinbrüstungen. Grundlagen zur Gattung findest du auch im Überblick über die Stilllebenmalerei und ihre Bildmotive.

Die Heirat mit Juriaen Pool im Jahr 1693 beendete ihre Laufbahn nicht. Vielmehr fallen Familiengründung und künstlerische Neuorientierung in dasselbe Jahrzehnt. Die erhaltenen Arbeiten zeigen, dass sie ihre Werkstattpraxis weiterentwickelte, während ihr Haushalt wuchs.

Pictura, Sammler und Hofdienst aus Amsterdam

Um 1700 begann Ruyschs produktivste und wirtschaftlich erfolgreichste Phase. Ihre besonders detailreiche Malweise verlangte viel Zeit. Die begrenzte Stückzahl war daher nicht zwangsläufig ein Zeichen schwacher Nachfrage, sondern hing mit ihrer aufwendigen Arbeitsweise zusammen.

Die Mitgliedschaft in der Confrerie Pictura ab 1701 stärkte ihren öffentlichen Berufsstatus. Sie arbeitete für einen europäischen Kundenkreis und erhielt 1708 mit der Ernennung durch Johann Wilhelm einen höfischen Titel. Gleichwohl blieb Amsterdam ihr Arbeits- und Lebensmittelpunkt. Johann Wilhelm starb 1716; Ruysch setzte ihre Karriere danach fort.

1723 gewannen Ruysch und Pool in einer notariell festgehaltenen Lotterie 75.000 Gulden vor Abzug der Steuer. Aus späteren Jahren sind weniger Gemälde bekannt. Es liegt nahe, beides miteinander zu verbinden, doch ob der Gewinn Ruyschs Arbeitstempo oder ihre Entscheidungen als Malerin veränderte, bleibt offen.

Das Blumenstillleben von 1716

Ruyschs reifes Stillleben von 1716 im Rijksmuseum vermittelt, wie viel sie auf kleiner Fläche organisieren konnte. Es misst 48,5 mal 39,5 Zentimeter und vereint mehr als zehn Blumenarten mit Insekten.

Die unterschiedlichen Blütezeiten sprechen gegen ein einziges reales Vorbildbouquet. Das Gemälde ist vielmehr eine aus vielen Beobachtungen zusammengesetzte Konstruktion, die wie ein mögliches Ganzes erscheint. Auf engem Raum treffen botanische Genauigkeit, farbliche Abstufung und eine bewusst gelenkte Blickbewegung zusammen.

So kannst du ein Blumenstillleben von Ruysch lesen

Bei Ruysch lohnt es sich, nicht sofort jede Pflanzenart bestimmen zu wollen. Beginne mit der Bewegung des Blicks: Wo liegt die hellste Stelle, welche Formen überschneiden sich und wohin zeigen Stiele oder Blätter? Erst danach wird sichtbar, wie naturkundliche Einzelheiten und Bildordnung zusammenarbeiten.

Blumen in einer Vase um 1685: Licht und Diagonalen

Das Gemälde Blumen in einer Vase aus der Zeit um 1685 eignet sich besonders gut für eine solche Nahsicht. Suche zunächst die hellen unteren Blüten. Von ihnen steigt eine leicht diagonale Lichtbewegung nach oben. Sie verbindet nicht einfach die größten Blumen, sondern führt durch unterschiedliche Helligkeiten und Abstände.

Das Künstlerehepaar Juriaen Pool und Rachel Ruysch mit Sohn, 1708–1716. Das Künstlerehepaar Juriaen Pool (1665–1745) und Rachel Ruysch (1664–1750) mit Sohn, 1708–1716. Pool hielt in dem Gemälde seine Familie und sich fes. Bild: Juriaen Pool / Rachel Ruysch via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Eine weitere Linie lässt sich zwischen Akelei, Schneeball, Pfingstrose, Weißdorn und einer Heuschrecke verfolgen. Diese Verbindung ist nicht gemalt wie ein sichtbarer Strich. Sie entsteht im Kopf, weil Formen, Richtungen und Lichtpunkte einander antworten. Ruysch baut auf diese Weise einen Weg durch das scheinbare Gewirr.

Betrachte anschließend die Zwischenräume. Dunklere Zonen trennen einige Blüten voneinander, während Überschneidungen andere eng zusammenrücken lassen. So gewinnt der Strauß Tiefe. Die Komposition wirkt üppig, ohne in eine gleichförmige Fläche zu zerfallen.

Eine praktische Reihenfolge für die Bildbetrachtung lautet daher:

1. Finde den stärksten Hell-Dunkel-Kontrast.
2. Verfolge die Richtung der längsten Stiele und Blätter.
3. Achte auf wiederkehrende Farben und Formen.
4. Prüfe, an welchen Stellen Tiere, geknickte Stängel oder kleine Blüten den Blick umlenken.

Mit dieser Methode wird aus einem vermeintlich dekorativen Strauß eine präzise gebaute Blickbewegung.

Blütezeiten, Insekten und erfundene Wirklichkeit

Das Vasenbild verbindet Frühlingsblüten wie Pfingstrose und Weißdorn mit sommerlichen Motiven wie Türkenbund und Weizen. Weshalb Ruysch gerade diese jahreszeitliche Mischung wählte, ist nicht überliefert. Sicher ist: Der Strauß hält keinen beiläufig vorgefundenen Augenblick fest.

Das Stillleben von 1716 bestätigt diese Arbeitsweise. Auch dort stehen Pflanzen verschiedener Blütezeiten gemeinsam in einer Vase. Das Arrangement ist daher eine bildnerische Konstruktion aus einzelnen Beobachtungen, keine Wiedergabe eines gleichzeitig blühenden Straußes. Ihre Wirklichkeit ist erfunden, aber nicht beliebig: Jede einzelne Blüte erscheint glaubwürdig, während das vollständige Arrangement die Grenzen eines realen Bouquets überschreitet.

Insekten verstärken diesen Eindruck. Sie führen eine andere Größenordnung ein und lenken die Aufmerksamkeit auf Blütenränder, Blätter oder Früchte. Zugleich erinnern Fraßspuren und braune Stellen daran, dass Natur nicht nur aus makellosen Exemplaren besteht. Bevor du nach Symbolen suchst, lohnt sich deshalb die einfache Frage: Welche Aufgabe übernimmt das sichtbare Detail innerhalb der Komposition?

Der Schmetterlingsabdruck als Materialspur

Ruyschs Schmetterlinge sind nicht ausschließlich das Ergebnis feinster Pinselarbeit. Für bestimmte Exemplare drückte sie echte Flügel in eine noch klebrige, helle Farbschicht. Dabei übertrugen sich die winzigen Schuppen. Körper, Umrisse und weitere Details ergänzte sie anschließend mit dem Pinsel.

Im Blumenstrauß von 1708 ist der Abdruck eines Roten Admirals außergewöhnlich gut erhalten. Auf dem Gemälde blieb nicht der ganze Flügel zurück, sondern seine Schuppenspur. Diese Technik verband ein reales Naturmaterial direkt mit malerischer Ergänzung. Sie zeigt, dass Ruyschs Illusion nicht allein auf geduldigem Abmalen beruhte, sondern auch auf experimentellem Umgang mit Material.

Der Befund verändert den Blick auf ihre detailreiche Malweise. Ein Schmetterling kann zugleich Naturabdruck und gemaltes Bild sein. Gerade an dieser Grenze zwischen direkter Übertragung und künstlerischer Konstruktion wird Ruyschs Arbeitsweise besonders deutlich.

Vanitas oder genaue Naturbeobachtung?

Welke Blätter, Insekten und überreife Früchte werden bei niederländischen Stillleben häufig vorschnell als Zeichen der Vergänglichkeit gelesen. Eine solche Deutung kann bei einem Vanitas-Stillleben sinnvoll sein, wenn das konkrete Werk das Vergehen von Zeit und Leben erkennbar ins Zentrum rückt. Bei Ruysch lässt sich diese Bedeutung aber nicht automatisch auf jedes braune Blatt und jedes Tier übertragen.

Dieselben Motive können auch genaue Lebensbeobachtung oder eine kompositorische Aufgabe zeigen. Ein beschädigtes Blatt erweitert die Palette der Oberflächen. Ein Insekt schafft einen kleinen Haltepunkt. Ein dunkler Pflanzenrand kann eine helle Blüte deutlicher hervortreten lassen.

Eine vorsichtige Lesart trennt deshalb drei Ebenen. Zuerst steht der sichtbare Befund: Was ist tatsächlich dargestellt? Danach folgt die formale Funktion: Wie beeinflusst das Motiv Farbe, Raum oder Blickrichtung? Erst an dritter Stelle steht eine mögliche symbolische Bedeutung. Diese Reihenfolge verhindert nicht die Deutung, macht sie aber nachvollziehbarer.

Spätwerk, Nachwirkung und neue Aufmerksamkeit

Ruysch arbeitete bis ins hohe Alter. Ihre späten Bilder wiederholten nicht bloß die erfolgreichen Muster der Hofphase. Format, Licht und Dichte veränderten sich, während die präzise Beobachtung kleiner Naturformen wichtig blieb.

Ab 1735: heller, kleiner, lockerer

Ab etwa 1735 wurden Ruyschs Arrangements häufig kleiner, luftiger und heller. Rund 15 Gemälde aus dieser späten Phase sind bekannt. Statt immer neue monumentale Sträuße zu verdichten, konzentrierte sie sich stärker auf wenige Motive und ließ mehr Raum zwischen ihnen.

Auch ihre Signaturen veränderten sich: Ruysch ergänzte ihren Namen zunehmend um ihr Alter. Ein 1742 vollendetes Blumenstillleben im Museum of Fine Arts Boston nennt neben ihrem Namen und dem Jahr ihr Alter von 79 Jahren. Die Angabe hält fest, dass das Werk aus einer sehr späten, weiterhin aktiven Schaffensphase stammt.

Ein Rosenzweig mit Käfer und Biene von 1741 verdeutlicht die motivische Konzentration dieser Jahre. Im Vergleich zu den üppigen Sträußen der Hauptphase lässt sich der einzelne Zweig leichter als verzweigtes System aus Blüten, Blättern und kleinen Tieren erfassen. Das Spätwerk schärft damit einen Gedanken, der schon früher angelegt war: Wenige sorgfältig gesetzte Beziehungen können einen vollständigen Naturraum andeuten.

Zeitgenössischer Ruhm und spätere Wiederentdeckung

Ruyschs Anerkennung begann nicht erst lange nach ihrem Tod. Kurz vor ihrem Tod im Jahr 1750 erschien eine Sammlung von Lobgedichten auf die 86-jährige Malerin. Eine solche Ehrung hatte zuvor weder eine niederländische Künstlerin noch ein niederländischer Künstler erhalten. Das zeigt, wie hoch ihr Ansehen bereits zu Lebzeiten war.

Eine neue Phase der musealen Aufmerksamkeit markierte die Ausstellung Rachel Ruysch: Nature into Art. Sie war die erste große Einzelausstellung zu ihrem Werk und wurde 2024 und 2025 in München, Toledo und Boston gezeigt. Die Bostoner Station versammelte 35 Gemälde.

Die Ausstellung betrachtete Ruyschs Bilder gemeinsam mit Naturwissenschaft, globalem Pflanzenhandel und ihrer beruflichen Stellung. Dieser erweiterte Rahmen hilft, ihre Kunst weder als reine Blumendekoration noch als botanische Illustration zu verkürzen. Er zeigt vielmehr, welche Wissensbestände, Handelswege und professionellen Beziehungen hinter den gemalten Arrangements standen.

Was ihr Beitrag zur Stilllebenmalerei ausmacht

Ruyschs besondere Leistung liegt in der Verbindung dreier Arbeitsschritte: genau beobachten, bewusst auswählen und überzeugend neu ordnen. Eine einzelne Blüte kann botanisch plausibel erscheinen, obwohl der gesamte Strauß Pflanzen verschiedener Jahreszeiten vereint. Ein Insekt kann naturkundliches Detail, Blickpunkt und möglicherweise Symbol zugleich sein, ohne auf eine einzige Bedeutung festgelegt zu werden.

Ihre Werkentwicklung bietet außerdem eine nützliche Erkennungshilfe. Dunkle Waldböden, Girlanden und erfundene Landschaftsräume weisen häufig in die experimentellen frühen Jahre. Üppige, diagonal organisierte Blumen- und Fruchtstücke prägen die erfolgreiche Hauptphase. Kleinere, luftigere und hellere Arrangements sowie Altersangaben in der Signatur sprechen oft für das Spätwerk ab etwa 1735.

Diese Merkmale ersetzen keine fachliche Zuschreibung. Sie helfen jedoch, ein Bild genauer anzusehen und begründete Fragen zu stellen. Ruyschs Kunst gewinnt gerade dann an Tiefe, wenn Naturtreue und Erfindung nicht als Gegensätze behandelt werden: Die genaue Einzelbeobachtung machte ihre unmöglichen Blumenwelten erst glaubwürdig.

Häufige Fragen zu Rachel Ruysch

Zum Abschluss lassen sich drei praktische Fragen knapp klären. Sie betreffen Ruyschs Namensformen, ihr Arbeitstempo und Orte, an denen du ausgewählte Werke betrachten kannst.

Unter welchen Namen ist Rachel Ruysch bekannt?

Der bevorzugte Name lautet Rachel Ruysch. In historischen Dokumenten begegnen auch die Schreibweisen Rachel Ruijsch und Rachel Ruisch. Nach ihrer Heirat erscheint sie außerdem als Rachel Pool oder Rachel Ruysch Pool.

Wie viele Gemälde malte Rachel Ruysch pro Jahr?

Während ihrer produktivsten Phase vollendete Ruysch gewöhnlich nur drei oder vier Gemälde pro Jahr. Ihre besonders detailreiche und zeitaufwendige Arbeitsweise begrenzte die Stückzahl, obwohl ihre Werke stark nachgefragt waren.

Wo kann man Werke von Rachel Ruysch sehen?

Zu den zugänglichen Standorten gehören die National Gallery in London mit Blumen in einer Vase, das Rijksmuseum in Amsterdam mit dem Stillleben von 1716 und das Museum of Fine Arts Boston mit einem späten Blumenstück von 1742. Diese Werke eignen sich gut, um frühe Bildkonstruktion, reife Vielfalt und konzentriertes Spätwerk miteinander zu vergleichen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.