Naive Kunst – Entdecke den Stil der naiven Malerei

Was ist naive Kunst und wie lautet die Definition der naiven Kunst? Naive Malerei kann als ein einfacher Kunststil beschrieben werden, der von Künstlern wie Henri Rousseau entwickelt wurde. Naive Kunst wird typischerweise als visuelle Kunst bezeichnet, die von jemandem gemacht wird, der nicht die formale Ausbildung hat, die ein qualifizierter Künstler erhält. Wenn ein professioneller Künstler diesen Stil nachahmt, wird das Produkt häufig als Primitivismus bezeichnet.

Eine Erkundung der naiven Kunst

Anders als die Volkskunst entspringt die Naive Kunst nicht immer einem eigenen, weit verbreiteten kulturellen Hintergrund oder einer Tradition. Tatsächlich ist zumindest in den Industrieländern das Wissen um das lokale Erbe der bildenden Kunst seit der Druckrevolution, als sie sich durch den Massendruck und andere Medien verbreitete, unvermeidlich.

Naive Künstler kennen die Normen der bildenden Kunst, wie z.B. bestimmte Sichtweisen und Kompositionsregeln, sind aber nicht in der Lage oder nicht bereit, sie vollständig anzuwenden.

Henri Rousseaus Das Mahl des Löwen (ca. 1907), ist ein Beispiel für naive Kunst; Metropolitan Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Outsider Art hingegen bezieht sich auf Werke, die aus einem ähnlichen Umfeld stammen, aber wenig Berührung mit der konventionellen Kunstgemeinschaft haben. Die Definition der Naiven Kunst und ihre Abgrenzung zu anderen Kategorien wie der Outsider-Kunst ist immer wieder Gegenstand von Diskussionen. Naive Kunst bezieht sich auf Werke der bildenden Kunst, wie Skulpturen und Gemälde, die von einem Autodidakten geschaffen wurden, während sich Volkskunst auf Produkte mit funktionalem Nutzen bezieht. Diese Unterscheidung ist jedoch in Frage gestellt worden.

Ein anderer Begriff, der vor allem im Zusammenhang mit Gemälden und Bauwerken verwendet wird, ist „provinziell“, was sich auf die Arbeit von Künstlern bezieht, die eine gewisse formale Ausbildung genossen haben, deren Werk aber zufällig hinter den städtischen oder höfischen Normen zurückbleibt.

Charakteristika naiver Gemälde

Außenseiterkunst, die von jemandem ohne professionelle Ausbildung oder Studium geschaffen wird, wird manchmal als naive Kunst bezeichnet. Während dies vor dem 20. Jahrhundert der Fall war, gibt es heute Akademien für naive Malerei. Naive Kunst ist heute eine etablierte Kunstform mit Galerien auf der ganzen Welt. Die formalen Elemente der Malerei haben eine unangenehme Verbindung mit den Merkmalen der naiven Kunst, insbesondere die Nichtbeachtung der drei Prinzipien der Perspektive.

• Die Größe der Dinge schrumpft proportional zu ihrer Entfernung.
• Farben verblassen, wenn du dich von ihnen entfernst.
• Mit der Entfernung nimmt die Schärfe der Details ab.

Zu den Ergebnissen gehört, dass die Auswirkungen der Perspektive geometrisch falsch sind. In allen Plänen der Komposition gibt es keine Entschärfung des Hintergrunds, und es gibt eine Menge Muster. Details, vor allem die im Hintergrund, die abgedunkelt werden sollten, wurden mit der gleichen Aufmerksamkeit behandelt.

Einfachheit statt Nuancen soll ein Kennzeichen der naiven Kunst sein.

Noah’s Ark (vor 1942) von Alfred Wallis; Alfred Wallis, Public domain, via Wikimedia Commons

Da er jedoch zu einem so bekannten und anerkannten Stil geworden ist, können viele Exemplare als Pseudo-Nave oder Primitivismus eingestuft werden. Angesichts des Aufstiegs des Autodidaktismus als Schulmethode in der heutigen Zeit ist strikte Naivität unter zeitgenössischen Künstlern selten zu sehen.

Lebende Künstler mögen naive Kategorisierungen nicht immer akzeptieren, aber das wird sich wahrscheinlich ändern, wenn würdigere Signale verfügbar werden.

Bewegungen

Niemand weiß, wann die ersten naiven Maler auf der Bildfläche erschienen sind, aber von den frühesten Erscheinungsformen der Kunst bis zu den Tagen des „Modernen Meisterwerks“ haben uns naive Künstler unbestreitbare Hinweise auf ihre kreative Tätigkeit hinterlassen. Auf jeden Fall kann man sagen, dass die naive Kunst seit der Veröffentlichung des Almanachs Der Blaue Reiter im Jahr 1912 einen „offiziellen“ Status in den Chroniken der Kunst des 20. Die Herausgeber des Almanachs, Franz Marc und Wassily Kandinsky, zeigten sechs Kopien von Henri Rousseaus Werken und setzten sie in Beziehung zu anderen künstlerischen Beispielen.

Die meisten Experten glauben jedoch, dass die naive Malerei 1885 „entdeckt“ wurde, als der Maler Paul Signac das Potenzial von Henri Rousseau erkannte und begann, Ausstellungen seiner Werke in einer Reihe von berühmten Galerien zu organisieren.

Tiger im Tropensturm (Überrascht! ) (1891) von Henri Rousseau, in der National Gallery in London, England; Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Herz-Jesu-Maler

Wilhelm Uhde, einem deutschen Kunstkritiker und Sammler, wird die Organisation der ersten Ausstellung naiver Kunst zugeschrieben, die 1928 in Paris stattfand. André Bauchant, Camille Bombois, Henri Rouseau, Séraphine Louis und Louis Vivin waren unter den Teilnehmern.

Die Sacred Heart Künstler waren ihr gemeinsamer Name.

Kosovski Boj (die Schlacht im Kosovo) von Janko Brašić; Slobodan Štetić, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Erdgruppe

Die Erdgruppe war eine Gruppe von kroatischen Malern, Architekten und Denkern, die von 1929 bis 1935 in Zagreb arbeitete. Die Gruppe war marxistisch orientiert und wurde teilweise von der „Neuen Sachlichkeit“ inspiriert, was zu stilisierteren Formen und naiven Gemälden führte. Edo Kovaevi, Krsto Hegedui, Omer Mujadi und Oton Postrunik gehörten zu den Malern der Gruppe, ebenso wie der Bildhauer Frano Krini und der Architekt Drago Ibler.

Die Gruppe Erde suchte nach Lösungen für gesellschaftliche Probleme.

Feast of the Malakans von Niko Pirosmani, zu finden im Sighnaghi Museum in Georgien; Orfeus, Public domain, via Wikimedia Commons

Ihr Lehrplan betonte den Wert des autonomen kreativen Ausdrucks und wandte sich gegen die gedankenlose Nachahmung fremder Trends. Sie waren der Meinung, dass Kunst nicht um der Kunst willen geschaffen werden sollte, sondern um die Lebenswirklichkeit und die Bedürfnisse der modernen Gesellschaft darzustellen.

Hiebine Schule

Ein Ausdruck aus der Zeit um 1930, der kroatischen naiven Malern zugeschrieben wird, die in oder um die Region Hlebine nahe der ungarischen Grenze arbeiteten. Die Siedlung hatte damals nur ein paar schlammige, verwinkelte Gassen und einstöckige Gebäude, aber sie brachte eine so wunderbare Ernte von Malern hervor, dass sie fast zum Synonym für jugoslawische naive Malerei wurde.

Hlebine ist eine kleine attraktive Gemeinde im Norden Kroatiens, die in den 1920er Jahren die Kulisse für eine Gruppe von Selbstbauern bildete, die einen unverwechselbaren und ziemlich innovativen Malstil etablierten.

Die Domino-Spieler (Juego de Domino) von José Rodríguez Fuster; Soydcuba, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Führende Intellektuelle der damaligen Zeit, wie der Dichter Antun Gustav Mato und die berühmteste Figur der kroatischen Literatur, Miroslav Krlea, traten für einen eigenen nationalen ästhetischen Stil ein, der frei von westlichen Einflüssen war. Diese Ideen wurden von Krsto Hegedui aufgegriffen, einem bekannten Künstler aus Hlebine, der 1930 auf der Suche nach einem nationalen „ländlichen kreativen Ausdruck“ die Kunstschule von Hlebine gründete. Ivan Generali war der erste Lehrer der Hlebine-Schule und auch der erste, der einen eigenen Stil entwickelte und ein hohes künstlerisches Niveau erreichte.

Nach dem Zweiten Weltkrieg konzentrierte sich die nachfolgende Generation der Hlebiner Künstler lieber auf stilisierte Darstellungen des Landlebens, die auf der Fantasie beruhten. Generali blieb die dominierende Figur und ermutigte neue Maler, wie seinen Sohn Josip Generali.

Berühmte naive Gemälde

Die kindliche Einfachheit der Technik und der Vision charakterisiert die naive Kunst. Deshalb wird sie von Modernisten gelobt, die sich von dem abwenden wollen, was sie für die falsche Raffinesse der im konventionellen System produzierten Werke halten.

Henri Rousseau ist der bekannteste zeitgenössische naive Künstler; deshalb beginnen wir mit einem seiner Werke.

Der Traum (1910) von Henri Rousseau

Das junge Mädchen wurde in einen Dschungel gebracht, wo sie von einem einheimischen Musiker, der ein Blasinstrument bläst, ein Ständchen bekommt. Yadwigha, die halb im Schatten des Dschungels verborgen ist, streckt die Hand nach dem Musiker aus und blickt auf eine wunderschöne grüne Dschungelwelt mit Lotusblüten, Papageien, Primaten, einem Elefanten, zwei Löwen und einer Schlange. Die Schlange, die sich in der unteren rechten Ecke des Bildes nähert, erinnert an den Garten Eden. Eine rosafarbene Schlange schlängelt sich durch die Büsche und ahmt mit ihrer schlangenartigen Form die Bein- und Hüftkonturen der Frau nach.

In diesem Kunstwerk sitzt das nackte Model auf einem Sofa und verbindet das Heimische mit dem Exotischen. „Der Traum“ zeigt, warum die Surrealisten Rousseaus Gemälde wegen seiner erstaunlichen Detailtreue, der brillanten Farben und der absurden Mischung von Bildern schätzten.

Der Traum (1910) von Henri Rousseau, im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Dschungelvegetation wurde in mindestens 22 verschiedenen Grüntönen gemalt. Guillaume Apollinaire, ein Dichter und Kritiker, war von dem Kunstwerk fasziniert. „Das Gemälde strahlt Schönheit aus, das ist sicher“, sagte er. Ich glaube nicht, dass dieses Jahr jemand lachen wird.“

Aufgrund der Monotonie des Motivs – eine Dame, die nackt auf einem Sofa in den Tropen liegt – ist dieses Bild eindeutig ein Traum.

Es ist jedoch unklar, ob das Kunstwerk den Traum von Yadwigha oder von Rousseau darstellt. Ein Teil der Freude an dem Bild ist jedoch, wie frei es zu interpretieren ist. Rousseau ließ sich von seinen Ausflügen ins Pariser Naturkundemuseum und in den Jardin des Plantes inspirieren, was zu dem üppigen Dschungel, den wilden Tieren und dem geheimnisvollen Hornspieler führte, die in diesem Bild zu sehen sind. „Wenn ich in diesen Gewächshäusern bin und die ungewöhnliche Flora von anderen Orten sehe, kommt es mir vor, als würde ich in einen Traum eintreten“, sagte der Künstler über seine Besuche.

Todesschiff(1942) von Alfred Wallis

Der Hauptpunkt von Alfred Wallis‘ Death Ship ist ein gigantisches schwarzes Schiff mit wogendem dunkelgrauem Dampf. Während sich das Schiff über das eiskalte weiße Wasser bewegt, sind fünf Seeleute in schwarzen Anzügen und Mützen zu sehen. Dieses Bild mit dem passenden Titel ist ein hervorragendes Beispiel für die Art von Werken, die Wallis am Ende seines Lebens schuf. Sie drücken die intensive Melancholie des Künstlers zu dieser Zeit aus.

Wallis schuf diese Gemälde inmitten seiner Einsamkeit und litt unter nachlassender Sehkraft und schwerem geistigen Verfall.

St Ives (um 1928) von Alfred Wallis; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Das genaue Datum, an dem Wallis diese letzten Verbesserungen vorgenommen hat, ist unbekannt. Sie entstanden entweder, als Wallis im Armenhaus von Madron lebte oder kurz bevor er dort eingewiesen wurde, ein Schicksal, das er schon lange gefürchtet hatte. Das Todesschiff widerlegt die Vorstellung, dass Wallis als „naiver“ Künstler nicht in der Lage war, eine tiefgründige und komplexe Symbolik zu erzeugen. Das Schiff ist ein Vorbote von Tod und Verwüstung, eine eher metaphorische als wörtliche Darstellung der Themen in Wallis‘ Kunst.

Es ist eine Verschmelzung dessen, was Wallis während seiner Zeit auf See und an den Küsten von St. Ives erlebt hatte.

Die zerbrochene Säule(1944) von Frida Kahlo

Frida Kahlos Selbstporträts thematisieren in der Regel körperliche und seelische Schmerzen, nachdem sie im Alter von achtzehn Jahren bei einem Verkehrsunfall schwer verletzt wurde. Als sich ihr Gesundheitszustand verschlechterte, tauchte dieses Thema wieder auf und wurde am Ende ihres Lebens noch viel intensiver. Ihre grafischen Bilder von sich selbst im Todeskampf geben einen erschreckenden Einblick in ihre Kämpfe mit körperlichen Schwierigkeiten und Ängsten.

Kahlos Kunstwerk, „Die gebrochene Säule“, entstand kurz nach einer Wirbelsäulenoperation. Dies war nur eine von mehreren medizinischen Behandlungen, die sie im Laufe ihres Lebens über sich ergehen lassen musste, um Probleme zu beheben, die durch ihre früheren Verletzungen verursacht worden waren.

Im Gegensatz zu den Gipsverbänden, die sie zuvor getragen hatte, war Kahlo gezwungen, beim Malen ein Stahlkorsett zu tragen. Kahlo ist auf dem Bild vor einer trostlosen und zersplitterten Umgebung zu sehen, die genauso viel Aufruhr und Tragödien durchgemacht zu haben scheint wie die Künstlerin. Ihre Wirbelsäule ist als zerbrochene und zersplitterte ionische Steinsäule dargestellt, da sich ein tiefer und zackiger Riss über die Länge ihres fast nackten Körpers zieht.

Ihre Wirbelsäule scheint kurz vor dem Zusammenbruch zu stehen, besonders an der Basis. Nägel unterschiedlicher Größe durchdringen ihren ganzen Körper und ihr Gesicht und verschlimmern ihre Schmerzen. Tränen fließen in Strömen über ihre Wangen.

Neben dem elastischen medizinischen Stützgürtel, den sie trägt, malte sich Kahlo zunächst nackt, fügte dann aber eine weiße, chirurgisch aussehende Abdeckung hinzu, um ihre untere Hälfte zu bedecken. Ihre Brüste sind unbedeckt und ihre Sinnlichkeit schimmert trotz der Verstümmelung ihres Körpers durch. Die Darstellung von Nägeln und Laken hat auch starke Anklänge an das christliche Märtyrer-Symbol. Kahlos Gesicht strahlt trotz der Schmerzen, die sie erleidet, eine gewisse Kraft und Widerstandsfähigkeit aus. Obwohl ihr Körper verstümmelt und gefoltert wurde, ist es klar, dass ihr Geist nicht verletzt wurde.

Damit ist unser Blick auf den kindlichen und anspruchslosen Stil, der als Naive Kunst bekannt ist, beendet. Der Begriff wird verwendet, um Gemälde zu beschreiben, die in mehr oder weniger fortgeschrittenen Kulturen entstanden sind und denen es an traditionellen Darstellungsfähigkeiten fehlt. Die Farben sind leuchtend und unnatürlich, die Perspektive ist unwissenschaftlich und die Wahrnehmung ist kindlich oder buchstäblich.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Naive Kunst?

Der Begriff „Naive Kunst“ wurde im neunzehnten Jahrhundert geprägt (davor wurden Bilder mit einem naiven Aspekt eher als Volkskunst oder einfach als unprofessionelle Werke eingestuft), und der erste große Vertreter war wahrscheinlich der Amerikaner Edward Hicks. Doch erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts kam die naive Malerei in Mode. Henri Rousseau war der erste naive Maler, der von der Kritik hoch gelobt wurde, und er ist immer noch der einzige, der als großer Meister gilt, aber viele andere haben sich in der zeitgenössischen Kunst Respekt verschafft.

Was ist Primitivismus?

Der Begriff wird häufig gleichbedeutend mit „naiv“ verwendet, aber das kann irreführend sein, denn Primitivismus kann sich sowohl auf Gemälde aus der Zeit vor der Renaissance als auch auf Kunst von unzivilisierten Stämmen beziehen. Volkskunst und Sonntagsmaler sind zwei weitere Begriffe, die gelegentlich synonym verwendet werden. Viele Neulinge malen nicht auf naive Art und Weise; daher haben diese ihre eigenen Probleme.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.