Kunstwerke von Wassily Kandinsky – Seine bekanntesten Bilder

Wassily Kandinskys Werke gehören zu den einflussreichsten Werken der abstrakten Kunst. Kandinskys abstrakte Kunst spiegelt die Überzeugung wider, dass „die Dinge den Bildern schaden“, und so experimentierte er mit Formen und Farben, um Mystik und menschliche Gefühle hervorzurufen. Kandinskys Gemälde vermittelten ein einzigartiges visuelles Vokabular, das über die materielle Realität hinausging, um die menschliche Verfassung darzustellen. Wassily Kandinskys Porträts und seine berühmten Kreiskunstwerke haben ihn zu einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der modernen Kunst gemacht.

Eine Einführung in Wassily Kandinskys Kunstwerke und Leben

Wassily Kandinsky, ein Pionier der abstrakten zeitgenössischen Kunst, nutzte die zwingende Wechselbeziehung zwischen Farben und Formen, um eine ästhetische Sensation zu schaffen, die das Auge, das Gehör und die Gefühle des Publikums fesselte. Er war der Meinung, dass die absolute Abstraktion eine sinnvolle, erhabene Artikulation ermöglicht und dass die Nachahmung der Umwelt diesen Ansatz nur behindert. Er erfand eine grafische Ausdrucksweise, die nur oberflächlich mit der äußeren Welt verbunden war, aber viel über die innere Welt des Künstlers aussagte. Er war sehr darauf bedacht, Werke zu schaffen, die ein verbindendes Gefühl des Geistes vermitteln.

Kandinskys Bildsprache entwickelte sich über drei Stufen, beginnend mit seinen frühen, realistischen Leinwänden und ihrer himmlischen Bedeutung, über seine euphorischen und dramatischen Schöpfungen bis hin zu seinen späten, geometrischen und biomorphen, flachen Pigmentflächen.

Portrait von Wassily Kandinsky; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinskys Bilder und Überzeugungen beeinflussten zahlreiche Jahrzehnte der Malerei, von seinen Bauhaus-Schülern bis hin zu den abstrakten Expressionisten nach dem Zweiten Weltkrieg. Kandinskys Gemälde waren vor allem sehr spirituell. Er wollte tiefe Mystik und die Tiefe menschlicher Gefühle durch ein globales visuelles Medium aus geometrischen Formen und Farbtönen vermitteln, das soziokulturelle Grenzen überschritt.

Kandinskys abstrakte Kunst wurde als die optimale visuelle Methode angesehen, um den „inneren Imperativ“ des Schöpfers auszudrücken und universelle menschliche Gefühle und Konzepte zu vermitteln.

Er sah sich selbst als Bote, dessen Aufgabe es war, dieses Konzept mit dem Rest der Welt zu kommunizieren, um die Gesellschaft zu verbessern. Kandinsky betrachtete Musik als die transzendenteste Art der gegenstandslosen Kreativität, da Musiker allein durch Klänge Bilder in die Vorstellungskraft der Zuhörer zaubern können. Sein Ziel war es, ebenso gegenstandslose, emotional komplexe Kunstwerke zu schaffen, die durch die Vereinigung der Sinne auf Geräusche und Gefühle verweisen.

Unsere Liste wichtiger Gemälde von Wassily Kandinsky

Kandinskys abstrakte Kunstwerke wie seine abstrakten Kreisbilder sind vielleicht seine bekanntesten, aber es war nicht der erste Stil, in dem er malte. Einige seiner früheren Werke zeigen einen eher traditionellen Ansatz. Werfen wir einen genaueren Blick auf die Werke Wassily Kandinskys, die auf seinem künstlerischen Weg eine wichtige Rolle spielten.

Der Blaue Reiter (1903)

Kandinsky, das einzige Kind eines Teehändlers, wurde 1866 in Moskau geboren. Als sich seine Eltern trennten, war er gezwungen, bei einer Tante zu wohnen, und in dieser Zeit lernte er die Kraft der Farben kennen. An der Universität entschied er sich für die Fächer Finanzen und Recht und bestand seine Prüfungen „ohne Schwierigkeiten“.

Nachdem er kurz nach der Hochzeit mit seiner Cousine eines von Monets Heuschobern gesehen hatte, stand er vor der Wahl, Dozent zu werden oder eine Karriere in der Kunst zu starten. Er entschied sich für das Studium der Malerei und so reiste der 32-Jährige 1896 nach München, Deutschland. Es zeigt einen Reiter mit blauem Umhang, der auf einem hellen Pferd durch ein Feld mit einem Wald im Hintergrund rast.

Die unklare Form des Mannes auf dem Pferd, die in einer Mischung aus Farbtönen dargestellt ist, die fast miteinander verschmelzen, deutet auf seine Beschäftigung mit der Abstraktion hin.

Der Blaue Reiter (The Blue Rider) (1903) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Motiv des Pferdes und des Reiters tauchte in mehreren seiner späteren Gemälde wieder auf. Dieses Muster stand für Kandinskys Ablehnung etablierter ästhetischer Ideale und für die Aussicht auf ein verfeinertes, spirituelleres Leben durch die Kunst. Das Bild selbst ist unscheinbar, aber es markiert einen bedeutenden Wendepunkt in Kandinskys ästhetischer Bewegung vom Impressionismus zur zeitgenössischen abstrakten Kunst, für die er ein Vorreiter war. Es war eines seiner letzten impressionistischen Gemälde und zeigt schon früh den Stil, der seine Spezialität werden sollte. Vor allem das Blau sollte für den Maler eine tiefe Bedeutung haben.

Ein weiterer wichtiger Aspekt des Werks ist, dass es seinen deutschen Namen mit dem Namen von Kandinskys Organisation progressiver Maler teilt, die 1911 eine periodische Zeitschrift herausgab und Ausstellungen ihrer Werke organisierte.

Blauer Berg (1909)

Der Einfluss der Fauves auf Kandinskys Farbpalette ist in diesem Werk sichtbar, da er die Farbtöne verdrehte und sich von der organischen Umgebung entfernte. Er zeigte einen leuchtend blauen Berg, der an beiden Enden von einem gelben und roten Busch begrenzt wird. Im Vordergrund galoppieren Reiter auf Pferden durch die Gegend. Das Buch der Offenbarung des Johannes wurde zu einem wichtigen Textbezug für Kandinskys Malerei in dieser Phase seiner Karriere, und die Reiter stellen die vier Reiter der Apokalypse dar.

Obwohl die Reiter die gewaltige Zerstörung der Apokalypse darstellen, repräsentieren sie auch die Möglichkeit der späteren Erlösung.

Blauer Berg (1908-1909) von Wassily Kandinsky; Dr. Alexey Yakovlev, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Kandinskys leuchtende Farben und sein dynamischer Pinselstrich vermitteln dem Betrachter eher ein Gefühl von Optimismus als von Traurigkeit. Außerdem gehen die leuchtenden Farben und schwarzen Konturen auf seine Wertschätzung der russischen Volkskunst zurück. Diese Inspirationen sollten Kandinskys Herangehensweise für den Rest seiner Karriere prägen: Lebendige Farben beherrschen sowohl realistische als auch ungegenständliche Werke. Kandinsky wandte sich von der realistischen und weitgehend symbolischen Kunst ab und suchte die absolute Abstraktion.

In diesem Gemälde sind die Formen deutlich von ihrer sichtbaren Präsenz in der äußeren Umgebung modelliert, und seine Abstraktionen entwickelten sich erst, als Kandinsky seine Überzeugungen über die Kunst perfektionierte.

Komposition IV (1911)

Komposition IV wurde 1911 als Teil einer zehnteiligen Serie fertiggestellt. Kandinsky verwendete leuchtende, gegensätzliche Farben, um einen ästhetischen, metaphysischen und psychologischen Eindruck auf den Betrachter zu machen. In der oberen linken Ecke des Bildes schwingen zwei Invaders ein Entermesser. Auf der rechten Seite stehen fünf Eindringlinge mit Speeren und einer mit einem Schwert vor einem blauen Hügel, auf dem ein Gebäude steht.

Ein Regenbogen in der Mitte des Bildes stellt einen Steg dar. Schwarze Linien heben die gelben und roten Farbtöne hervor. Kasimir Malewitschs Kunst zeichnet sich durch gemeinsame Ideen aus. Scharfe, unterschiedlich dicke Linien stehen den sanfteren Farben des Bildes gegenüber, und zwei vertikale Linien scheinen das Arrangement zu teilen.

Die Aufmerksamkeit des Publikums wird schnell auf den blauen Fleck in einem Hintergrund gelenkt, der überwiegend in sanften Pastelltönen gehalten ist.

Komposition IV (1911) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Farben gehen harmonisch ineinander über, ebenso wie die Linien und Formen, die auf die kommende Harmonie und Erlösung anspielen. Kandinsky wurde stark von der Verwendung von Farben in Monets Kunstwerk Heuschober und der Orchesterkomposition von Richard Wagners Lohengrin beeinflusst. Er war auch von Madame Blavatskys metaphysischen Vorstellungen vom Okkultismus fasziniert. In der Komposition IV verwendete er ein Durcheinander von chaotischen Formen und Farben, um spirituelle und emotionale Themen zu vermitteln. Mit Ausnahme seiner Werke Reitendes Paar (1906) und Sonntag, altes Russland (1904), hat Kandinsky nie Menschen in seinen Werken dargestellt.

Die Verwendung von Farbe hat in beiden Werken Vorrang vor der Darstellung des Motivs.

Komposition VII (1913)

Die Komposition VII, die oft als Kandinskys Höhepunkt vor dem Ersten Weltkrieg angesehen wird, demonstriert die Abkehr des Künstlers von der grafischen Darstellung durch einen wirbelnden Strudel aus Farben und Mustern. Kandinskys Überzeugung, dass Kunstwerke Klänge hervorrufen können, so wie Musik bestimmte Farbtöne und Muster hervorruft, wird durch das theatralische und chaotische Wirbeln von Formen um das Gemälde herum veranschaulicht. Sogar der Name Komposition VII spiegelt seinen Ehrgeiz wider, das Melodische und das Ästhetische zu vereinen, und unterstreicht Kandinskys ungegenständlichen Ansatz in diesem Werk.

Kandinsky löschte konventionelle Anspielungen auf die Perspektive aus und legte die vielen stilisierten Figuren bloß, während die verschiedenen Farbtöne und Muster umeinander wirbeln, um die zugrunde liegenden Konzepte und Gefühle zu enthüllen, die alle Zivilisationen und Betrachter teilen.

Composition VII (1913) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

In den 1910er Jahren beschäftigte sich Kandinsky mit dem Konzept des Weltuntergangs und der Erlösung, und er brachte die sich drehende Anordnung des Kunstwerks offiziell mit dem Konzept der zyklischen Zyklen von Vernichtung und Rettung in Verbindung. Trotz der scheinbar fehlenden Objektivität des Kunstwerks hat Kandinsky verschiedene symbolische Verbindungen hergestellt. Kandinsky schuf Glyphen von Schiffen mit Rudern, Hügeln und Personen unter den vielen Formen, die sein visuelles Lexikon umfasste.

Er wollte nicht, dass das Publikum diese Embleme wörtlich nimmt, stattdessen versah er seine Werke mit vielen Anspielungen auf das Jüngste Gericht, die Sintflut und das Paradies von Eden, vermutlich gleichzeitig.

Moskau I (Roter Platz) (1916)

Die Versetzung nach Moskau im Jahr 1914 löste zunächst eine Phase der Verzweiflung aus, und Kandinsky schuf in seinem ersten Jahr dort kaum etwas. Als er 1916 seinen Pinsel wieder in die Hand nahm, erklärte er in einem Brief an seinen engen Kollegen Munter, dass er ein Gemälde von Moskau malen wolle. Obwohl er seine Abstraktion weiter perfektionierte, stellte er die Wahrzeichen der Stadt dar und fing das Wesen der Stadt in diesem Kunstwerk ein. Moskau I (Roter Platz) ist eine einzigartige städtische Umgebung, die weit davon entfernt ist, das Aussehen des Platzes nachzubilden.

Kandinsky stellt das Herz Moskaus dar, einen seiner Lieblingsorte. Er dreht sich in der Mitte des Platzes und zeigt seine wichtigsten Wahrzeichen, wobei er teilweise eine zukünftige Art und Weise verwendet, den Fluss der Formen auszudrücken.

Moskau I (Roter Platz) (1916) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Künstler beschrieb seine Lieblings-Tageszeit als „Verschmelzung von ganz Moskau, reduziert auf einen bestimmten Punkt, der wie eine verrückte Tuba die ganze Seele und den ganzen Geist zum Summen bringt“. Dieser Moment der Dämmerung ist „der Schlussakkord eines Konzerts, das jede Farbe auf den Gipfel der Existenz bringt und wie das Crescendo einer großen Symphonie von Moskau sowohl gezwungen als auch zugelassen wird.“

„Die Stadt bedeutet Dualismus, Vielschichtigkeit und ein größeres Maß an Bewegung, Konflikt und Unordnung der verschiedenen ästhetischen Teile… Dieses innere und äußere Moskau ist für mich der Ausgangspunkt meines Hungers. „Moskau ist eine grafische Stimmgabel für mich“, sagte er.

Komposition VIII (1923)

Das Bild besteht aus einer Vielzahl von geometrischen Formen, Farben, geraden und geschwungenen Linien auf einem cremefarbenen Hintergrund, der an verschiedenen Stellen in pastellblaue Flecken übergeht. Die Verwendung von Ringen, Quadraten, rechteckigen Formen, Bögen, Pyramiden und anderen geometrischen Formen in dem Werk spiegelt die Überzeugung des Künstlers von den metaphysischen Eigenschaften geometrischer Formen wider, während die ausgestellten Farben aufgrund ihrer psychologischen Wirkung ausgewählt wurden.

Kandinsky, der seit seiner Jugend von der Farbe fasziniert war und glaubte, dass sie mystische Eigenschaften hat, wollte eine Wechselbeziehung zwischen Geräusch und Farbe erforschen, die es einem Künstler ermöglichen würde, ein Werk auf die gleiche Weise zu schaffen, wie Musiker Lieder konstruieren.

Komposition VIII (1923) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Zur Zeit der Entstehung des Bildes war Kandinsky von der aufstrebenden Sowjetunion in die Weimarer Republik gezogen, eine Zeit, die als Bauhaus-Periode bekannt ist, weil das marxistisch-leninistische Regierungssystem die kreative Ausdrucksfähigkeit immer mehr einschränkte. Die Jahre im alten russischen Reich und seinem Nachfolgestaat, die er hauptsächlich mit der Renovierung von Museen und dem Verfechten seiner kreativen Ansichten verbracht hatte, waren in Bezug auf das künstlerische Schaffen nicht sehr fruchtbar gewesen, aber der Maler verließ diese Phase seines Lebens gestärkt und bereit, wieder zu produzieren.

Das Deutschland der 1920er Jahre, in dem dieses Gemälde entstand, war eine der fortschrittlichsten Epochen und Orte in Europa, da es den Übergang von einer Aristokratie zu einer echten Demokratie vollzogen hatte und eine gesunde Atmosphäre für die Avantgarde-Bewegung bot, die Kandinsky in seinen frühen Jahren so sehr motivierte;

Das Bild ist jetzt im Guggenheim Museum in New York ausgestellt.

Auf Weiß II (1923)

Kandinsky verwendete eine Vielzahl geometrischer Formen und Linien in einer farbenfrohen und krawalligen modernen Darstellung und inspirierte viele Maler, ihm nachzueifern. On White II ist im Centre Georges Pompidou in Paris, Frankreich, zu sehen. Wie der Titel schon sagt, dominiert die Farbe Weiß dieses Bild, einschließlich des Hintergrunds. Weiß wurde von Kandinsky verwendet, um Leben, Ruhe und Stille zu symbolisieren.

Die Begeisterung des Künstlers für das freie Ausleben innerer Gefühle spiegelt sich in der Masse der geometrischen Muster wider, die in einer Reihe von Farben dargestellt sind.

On White II (1923) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Kühne, stachelige Stacheln in Schwarz durchbohren das Spektrum der Formen und Farben und deuten auf Nicht-Existenz und Sterblichkeit hin. Die Komplexität eines musikalischen Arrangements kann mit der komplexen und vielleicht hypnotisierenden Darstellung von Formen und Farben verglichen werden. Kandinsky, einer der Pioniere der abstrakten, zeitgenössischen Malerei, nutzte die grafische Wechselbeziehung zwischen Farbe, Form und Gestalt, um den Intellekt des Publikums anzuregen und die Tür zu einem tiefgründigen spirituellen Ausdruck zu öffnen.

Kunst, so Kandinsky, war eine Methode, um ein tiefes Gefühl der Seele und der menschlichen Empfindungen durch die Verwendung hoch abstrakter Formen zu vermitteln, die alle traditionellen Grenzen überschreiten.

Kreise im Kreis (1923)

Es wird vermutet, dass sich bei Kandinsky die Synästhesie entwickelt hat. Diese zeigte sich bei ihm durch die Kombination von Sehen und Hören. Er gilt auch als ein zutiefst intellektueller Mensch und Maler, der sich in seinen Werken häufig mit dem Gleichgewicht des Kosmos und dem Begriff der Spiritualität auseinandersetzte.

Trotz der Tatsache, dass Kandinsky zahlreiche abstrakte Kreisbilder malte, nutzte er die Form eines Dreiecks, um die Erleuchtung und den Aufstieg der Menschheit darzustellen.

Kreise im Kreis (1923) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Farben und Muster von Kreise im Kreis machen einen verwirrenden Eindruck. Die inneren Elemente scheinen vor Lebendigkeit zu schwirren oder an der Spitze eines geheimnisvollen Pools zu schweben, da sie von einem dicken, schwarzen äußeren Ring umgeben sind. Die Kunst hat ein natürliches Element – so etwas wie Sterne oder Sonnenstrahlen – aber auch eine visuelle Intensität, die von seinen Erfahrungen als Dozent am Bauhaus von 1922 bis 1933 herrührt.

Andere haben dieses komplexe Arrangement von einem metaphorischen Standpunkt aus untersucht und sich mit den Interpretationen der Farbtöne und der genauen Anzahl der Kreise und Linien beschäftigt.

Sehr viele Kreise (1926)

Kandinsky schuf dieses abstrakte Kreisgemälde in seinen sechziger Jahren und es ist ein Beispiel für seine ständige Suche nach dem optimalen Ausdruck von Emotionen in der Kunst. Dieses berühmte Kreiskunstwerk, das im Rahmen seiner Auseinandersetzung mit einem linearen Malansatz entstand, zeigt seine Faszination für die Form des Kreises.

„Der Kreis“, argumentierte Kandinsky, „ist die Vereinigung der stärksten Gegner. Er verschmilzt das Kreisförmige und das Unregelmäßige in einer einzigen Form, die ausgeglichen ist. Er ist die offensichtlichste der drei Hauptformen, die auf die vierte Dimension hinweist.“

Several Circles (1926) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

In diesem Werk konzentrierte er sich auf die verschiedenen Interpretationsmöglichkeiten des Kreises, um ein Gefühl des emotionalen und spirituellen Gleichgewichts zu erzeugen. Die unterschiedliche Größe und die leuchtenden Farben der Kreise ragen aus dem Bild heraus und werden durch Kandinskys feine Dissonanzen in Größe und Farbe gemildert.

Die fließende Bewegung der Kreisformen spiegelt ihre Inklusivität wider – von den Planeten in der Galaxie bis zu den Tautropfen; der Kreis ist eine Form, die für die Existenz wesentlich ist.

Komposition X (1939)

Kandinsky glaubte, dass ein echter Künstler, der Kunst aus „innerer Notwendigkeit“ schafft, an der Spitze einer aufsteigenden Pyramide lebt. Diese aufsteigende Pyramide erforscht und bewegt sich vorwärts. Was gestern noch seltsam oder undenkbar war, ist heute alltäglich; was heute noch Avantgarde ist (und nur von einigen wenigen verstanden wird), wird eines Tages allgemein bekannt sein. Der moderne Maler steht allein an der Spitze der Pyramide, entdeckt neue Durchbrüche und bringt die Realitäten der Zukunft ein.

Kandinsky war sich der aktuellen technologischen Durchbrüche ebenso bewusst wie der Fortschritte zeitgenössischer Künstler, die zu völlig neuen Methoden des Sehens und Lernens über die Welt beigetragen hatten.

Komposition X und die nachfolgenden Werke zielen vor allem darauf ab, eine spirituelle Verbindung sowohl beim Betrachter als auch beim Schöpfer zu erzeugen. Kandinsky versetzt den Betrachter, wie in diesem Bild des Armageddon am Wasser (Composition X), in die Perspektive der Begegnung mit diesen großen Erzählungen, indem er sie mit einem Gefühl von Angst, Aufregung, Verwirrung und Dringlichkeit in moderne Begriffe übersetzt.

Komposition X (1939) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese spirituelle Verbindung von Betrachter, Kunstwerk und Prophet lässt sich in Worten und Bildern ausdrücken. Kandinsky verglich das Malen von Farbtönen und Bildern auf der Leinwand häufig mit dem Arrangement wunderbarer Musik, weshalb er viele seiner Werke als Variationen der Komposition X betitelte.

Seine Metapher des Kunstwerks ist ein Musikstück, das sich um die Tastatur dreht, wobei die Augen die Hämmer, die Farben die Tasten und die Seele die Musikinstrumente und Saiten darstellen. Kandinskys Kompositionen sind, wie die Musik, nicht einfach nur ein Durcheinander von Tönen. Sie sind bewusst gesetzte musikalische Teile, die genau kalibriert sind, um die größte ästhetische und psychologische Reaktion beim Betrachter hervorzurufen.

Wassily Kandinskys Bilder gehören zu den bedeutendsten im Bereich der abstrakten Kunst. Kandinskys abstrakte Kunstwerke spiegeln seine Idee wider, dass „Gegenstände Bilder verletzen“. Deshalb experimentierte er mit Formen und Farben, um Mystik und menschliche Emotionen hervorzurufen. Kandinskys Gemälde vermittelten ein eigenes visuelles Lexikon, das über die materielle Realität hinausging, um das menschliche Dilemma auszudrücken. Wassily Kandinskys Porträts und seine ikonischen Kreisbilder machten ihn zu einer der bedeutendsten Figuren der modernen Kunst.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.