Frühling in der Kunst – Die 11 besten Gemälde zum Thema Frühling

In der kalten Jahreszeit des Winters ist es fast so, als ob die Welt in einen tiefen Schlaf gefallen ist, und im Frühling erwacht sie wieder. Frühlingsgemälde sind eine visuelle Erinnerung an diese Zeit der Wiedergeburt in der Natur. Den Frühling zu malen kann eine wunderbare Erfahrung sein, denn es gibt Künstlern die Möglichkeit, diese wunderbare Jahreszeit und all die herrlichen Farben, die mit ihr verbunden sind, darzustellen. In der folgenden Liste erfährst du mehr über die berühmtesten Frühlingsbilder!

Unsere Liste mit den berühmtesten Frühlingsbildern

Im Frühling scheinen die Bäume vor Blumen zu triefen und die Blätter entfalten sich und kündigen den Sommer und seine lauen Nächte an. Seit der Renaissance ist der Frühling eine Inspirationsquelle für zahlreiche Künstler auf der ganzen Welt.

La Primavera (1482) von Sandro Botticelli

La Primavera gilt als eines der größten Kunstwerke der Renaissance. Es befindet sich heute in den Uffizien in Florenz und wurde von Lorenzo Pierfrancesco de Medici in Auftrag gegeben. Wie in Botticellis berühmtestem Gemälde steht auch hier die Venus im Mittelpunkt. Auf dem Kunstwerk stellt Botticelli sechs Frauen dar, die von zwei Männern flankiert werden und über denen ein Cherub fliegt. Sie stehen in einem Orangengarten, der mit köstlichen Früchten gefüllt ist.

Einige Beobachter interpretieren die Frau im Vordergrund, die Blumen vor sich ausstreut, als Primavera, die Personifizierung des Frühlings.

La Primavera (1482) von Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons

Andere sehen die Personen auf der rechten Seite als Zephyrus, der die Nymphe Chloris umklammert – der Überlieferung nach heiratete er sie und sie wurde in Flora, die Göttin des Frühlings, verwandelt. Manche glauben, dass die Person mit den Rosen Chloris‘ Verwandlung in Flora darstellt. Insgesamt ist es ein Fest der Fruchtbarkeit und Reife, die im Frühling auf den Planeten zurückkehren. Merkur, die Gottheit des Monats Mai, hält einen Stab in der Hand, mit dem er die Wolken des Winters vertreiben könnte. Seine geflügelten Sandalen machen ihn leicht erkennbar.

Frühling (1635) von Pieter Brueghel dem Jüngeren

Viele Gemälde von Brueghel dem Jüngeren zeigen das Leben flämischer Bauern, die ihren täglichen Aufgaben nachgehen. Ein großer Teil seiner Arbeit bestand darin, Gemälde nach den Skizzen seines Vaters, Brueghel dem Älteren, anzufertigen. Das hier ist eine Überarbeitung des Kunstwerks seines Vaters aus dem Jahr 1565 und zeigt eine Gemeinschaft, die sich versammelt, um den Boden für die Aussaat zu bestellen, die Samen zu säen und das Vieh für den Sommer vorzubereiten.

Wir sehen Männer und Frauen, die in den Gemeinschaftsgärten arbeiten, Männer, die Weinstöcke an ein Spalier binden, und Gruppen von Menschen, die in der Ferne tanzen. 

Frühling (1635) von Pieter Brueghel dem Jüngeren; Pieter Brueghel der Jüngere, Public domain, via Wikimedia Commons

Die großen Persönlichkeiten im Vordergrund scheinen unsere Aufmerksamkeit und Anerkennung in diesem inspirierenden Bild der gemeinschaftlichen Arbeit einzufordern, mit hochgekrempelten Ärmeln und Spaten, die sich in den Boden graben. Die Variationen der Komposition von Pieter Breughel dem Jüngeren sind alle spiegelverkehrt zu den Zeichnungen seines Vaters und entsprechen daher höchstwahrscheinlich dem Stich aus der Werkstatt von Hieronymous Cock, für den die Zeichnung angefertigt wurde.

Frühling (1664) von Nicolas Poussin

Nicolas Poussin gilt als einer der großen Meister des französischen Klassizismus, insbesondere der arkadischen Landschaft. Die Serie von Kunstwerken, die unter dem Namen Die vier Jahreszeiten bekannt ist, wurde zwischen 1660 und 1664 für den Duc de Richelieu vollendet und befindet sich heute im Louvre-Museum. Es handelt sich um eine theologische und ästhetische Erzählung, die versucht, über die wichtigsten Perioden des menschlichen Lebens nachzudenken.

Das Thema in diesem Frühlingsgemälde ist die Fruchtbarkeit der Natur.

Frühling (1664) von Nicolas Poussin; Nicolas Poussin, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Interpretation des Frühlings ist von Milton und Virgil inspiriert. Vor dem Sündenfall sehen wir das irdische Paradies Eden, mit Adam und Eva, die nackt auf den Baum der Erkenntnis zeigen. Das Laub, das sie umgibt, ist reich und prächtig und erinnert an die üppige römische Landschaft in Vergils Georgien. Und obwohl sie auf die verbotene Frucht blicken, gibt es in Poussins Eden keine Schlange. Dies ist der Frühling der Welt, lange vor dem herbstlichen Winter.

Gimpel und weinende Kirsche (1834) von Katsushika Hokusai

Apfel-, Kirsch-, Pflaumen- und Pfirsichblüten sind Bilder, die mit der Ankunft des Frühlings in Verbindung gebracht werden. In Japan hat die Blüte eine besondere Bedeutung als Symbol für die Vergänglichkeit aller Dinge, denn sie blüht im Frühling auf und verblüht dann wieder. Katsushiki Hokusai war ein Meister der japanischen Holzschnittmalerei.

Hokusais künstlerischer Weg zeichnete sich durch ein rastloses Temperament aus, und er benutzte während seiner Karriere viele Pseudonyme.

Glühwürmchen und weinende Kirsche (1834) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Er änderte ständig seine Herangehensweise und seine Techniken, um sich weiterzuentwickeln und seine Arbeit zu verbessern. Dieses Gemälde gehört zu seiner 1834 entstandenen Serie Kleine Blumen, die einen Kirschzweig zeigt, der kurz vor der Blüte steht, und einen Vogel, der auf einem Zweig sitzt, vor einem Hintergrund aus tiefem Preußischblau. Der Text auf der einen Seite des Kunstwerks ist ein Setsuman-Haiku, das lautet: „Ein einsamer Vogel taucht, nass vom Tau, aus der morgendlichen Kirschblüte auf“; sie lenken die Aufmerksamkeit auf diesen einen Moment der Ruhe, einen einzelnen Moment, der vom unentrinnbaren Sog der Zeit abgeschnitten ist.

Frühlingsstrauß (1866) von Pierre-Auguste Renoir

Trotz seiner scheinbaren Lockerheit hat dieses berühmte Frühlingskunstgemälde eine strenge Struktur. Mit einer Asymmetrie, die so wild und frei ist wie die Natur selbst, brechen die Blumen in freudiger Fülle in die linke untere Ecke über. Doch der Künstler beginnt sofort damit, dieses Ungleichgewicht zu korrigieren. Renoir hat einen tiefen Schattenbereich auf der rechten Seite des Behälters geschaffen, der reich an violetten Tönen ist, eine zottelige Form hat und in starkem Kontrast zu dem hellen Bereich unter ihm steht. Die Platzierung der geraden Linien in der rechten unteren Ecke des Gemäldes ist besonders wichtig. Als Renoir dieses Gemälde schuf, war der impressionistische Ansatz noch nicht ausgereift.

Die Pinselführung ist kräftig und die Farben sind dick und satt und erinnern an Gustave Courbet. Und anstelle einer allgemeinen Erscheinung von schillernden Farben, die später Blumen eher andeuten als darstellen, sind die Blütenblätter hier individuell und deutlich.

Frühlingsstrauß (1866) von Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Leinwand leuchtet jedoch vor Farbe und Licht und deutet auf den Impressionismus hin; man hat das Gefühl eines Eindrucks von der freien Natur, den Renoir in diesem Bild eingefangen hat. Schwarze Akzente hellen den silbrigen Blauton auf, und die prächtige Streuung der gelben, sternförmigen Blüten ist die reine Freude. Renoir stand erst am Anfang seiner Karriere, als er dieses Frühlingsbild gemalt hat, aber sein Geschmack war bereits außergewöhnlich.

Die kleine Wiese im Frühling (1881) von Alfred Sisley

Sisley ist einer der am meisten unterschätzten Maler der Impressionisten. Er war jedoch ein Wegbereiter der Pleinair-Malerei und des impressionistischen Stils und arbeitete von Anfang an mit Monet und Pissaro zusammen. Und im Gegensatz zu einigen der Künstler, die ursprünglich an der Bewegung beteiligt waren, hat er die impressionistische Landschaft nie aufgegeben. 1880 musste Sisley Paris aus finanziellen Gründen verlassen und zog aufs Land, westlich der Hauptstadt. In dieser Zeit nahm sein Werk neuen Schwung an.

Dieses Frühlingsbild, „Kleine Wiesen“, ist ein eher gedämpftes Bild; die Bäume sind kahl und es gibt keine Anzeichen von Kirschblüte.

Die kleinen Wiesen im Frühling (1881) von Alfred Sisley; Alfred Sisley, Public domain, via Wikimedia Commons

Auf der Vorderseite hingegen zeigt er seine neugeborene Tochter als Zeichen der Wiedergeburt, ähnlich wie Botticellis Primavera, und als Symbol des neugeborenen Lebens. Sisley schuf mehrere Versionen dieser Ansicht entlang der Seine. Dieses Kunstwerk stellt den Waldweg dar, der am Ufer der Seine zwischen den Städten By und Veneux auf dem Land in Frankreich, südlich von Paris, verläuft.

Ein Obstgarten im Frühling(1886) von Claude Monet

Kritiker haben bemerkt, dass der Obstgarten im Frühling das beste aller impressionistischen Gemälde des Frühlings ist. Es zeigt die Obstgärten des Giverny-Gartens in der Normandie, der mit dem Haus verbunden ist, das er ab 1883 gemietet und später ganz gekauft hat. Dieselben Gärten mit ihren Bächen und Brücken sollten ihn später zu seinen Seerosenbildern inspirieren.

Im Jahr 1886 schuf er diese Szene im Obstgarten mit dem prächtigen Gewölbe aus Apfelblüten, das das ganze Bild zu erhellen schien.

Ein Obstgarten im Frühling (1886) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Man nimmt an, dass die damalige Geliebte des Künstlers, Suzanne Hoschedé, hinter ihrer Mutter sitzt, die später Monets zweite Frau werden sollte. Es ist ein hervorragendes Beispiel für die sogenannte „Violettomanie“ in dieser Zeit.

Der pinke Pfirsichbaum (1888) von Vincent van Gogh

Anfang 1888 hatte sich die Lage von Van Gogh und seinem Bruder Theo verschlimmert, und ihre Wohnsituation war unhaltbar geworden. Van Gogh empfand das Paris, das ihn einst in seinen Bann gezogen hatte, als erstickend und erdrückend. „Es scheint mir fast schwierig zu sein, in Paris zu arbeiten, wenn man nicht irgendeinen Zufluchtsort hat, an dem man sich ausruhen und seine Ruhe und Gelassenheit zurückgewinnen kann“, bemerkte er in einem Brief an Theo. Am 20. Februar 1888 besuchte Van Gogh mit Theo zum ersten und letzten Mal Seurats Atelier und fuhr dann mit dem Zug nach Arles in Südfrankreich.

Van Gogh schrieb an Gauguin: „Ich werde die Gefühle, die die Reise von Paris nach Arles hervorrief, immer in Erinnerung behalten. Wie oft habe ich nachgesehen, ob ich in Japan angekommen bin!“.

Der pinke Pfirsichbaum (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Als er in Arles ankam, schneite es ironischerweise, aber als der Schnee schmolz, blühten die Bäume auf und seine Vorstellung vom Süden wurde für kurze Zeit Wirklichkeit. Er begann eine Reihe von Gemälden mit blühenden Bäumen, und die Blüte wurde zu einer Metapher für die spirituelle Wiedergeburt, ein Bild der Schönheit, das nach dem strengen Winter entsteht, so wie ein Kunstwerk erst nach viel Qual und Frustration entsteht.

Pflaumenbäume in Blüte Éragny (1894) von Camille Pissarro

Pissarro konzentrierte sich auf seine unmittelbare Umgebung. Es zog ihn an, das alltägliche Leben im Haus der Familie, im Dorf oder auf den Feldern darzustellen. Seine Kunstwerke sind meist szenisch und in einem von Millet und Corot beeinflussten Stil gehalten. Pissarro und seine Familie zogen 1884 nach Éragny, nordwestlich von Paris, um. Diese Szene stammt aus dem Garten des Hauses und zeigt ihn im gleißenden Frühlingslicht.

Der Fokus liegt auf der Bewegung des Lichts in den blühenden Obstbäumen, und Pissarro hat sich die Techniken des Impressionismus vollständig zu eigen gemacht.

Pflaumenbäume in Blüte Éragny (1894) von Camille Pissarro; Camille Pissarro, Public domain, via Wikimedia Commons

Pissarro war der älteste der impressionistischen Maler. Er nahm an allen acht ikonischen Ausstellungen des Impressionismus teil und wurde als eine Art kreative Vaterfigur für Künstler wie Paul Gauguin bekannt. Die konsequente Auseinandersetzung mit dem, was man als klassischen Impressionismus bezeichnen kann, ist ein herausragendes Merkmal seines Werks, das nur durch eine kurze Zeit Ende der 1880er Jahre unterbrochen wurde, als er sich den Pointillisten anschloss.

Kirschblütenbetrachtung (1894) von Toyohara Chikanobu

Die Tradition des Hanami, des Kirschenguckens, bei dem man die Blüten bewundert und zwischen den Bäumen speist, zeigt, welche Bedeutung die Blüten in der japanischen Gesellschaft haben. Yoshu Chikanobu war ein bekannter Künstler während der Meiji-Zeit, die von 1868 bis 1912 dauerte. In seinem Triptychon von Farbholzschnitten zeigt er die Frauen des Kaiserpalastes in Chiyoda in Tokio, wie sie den Palast verlassen, um die blühenden Kirschblüten zu betrachten – ein Ritual, das in Japan mindestens seit dem 8.

Zwischen März und Mai wandern die Kirschblüten in Japan entlang der Länge der Inseln nach Norden, und ihr Fortschreiten wird eifrig verfolgt.

Frühling (1924) von Georgia O’Keeffe

Georgia O’Keeffe war zusammen mit ihrem Mann Alfred Stieglitz eine der Hauptakteure der amerikanischen Moderne. Viele ihrer Landschafts- und Blumenbilder, vor allem ihr Werk Frühling von 1924, sind im Art Institute of Chicago zu sehen. Georgia O’Keeffe malte das kleine Haus am Lake George, New York, in dem sich Stieglitz‘ Dunkelkammer befand, im Frühling. Stieglitz fotografierte dieses Gebäude im selben Jahr an einem verschneiten Tag, und die beiden beschäftigten sich in ihren Werken regelmäßig mit denselben Themen.

O’Keeffe wählte eine frühlingshafte Szene und verwendete satte Pastellfarben für die vielen blühenden Bäume.

Sie nahm auch Veränderungen vor, die ihre ästhetischen Entscheidungen als Malerin verdeutlichen: Sie verkleinerte das Gebäude, indem sie das Fenster, den Schornstein und die horizontale Verkleidung des Hauses entfernte; und sie erweiterte und krümmte den Fahnenmast, um das vertikale Format des Bildes zu betonen. Sie stellte das Gebäude mit einer unglaublichen Masse an Vegetation dar, voller violetter, grüner und mauvefarbener Farben, die zu bersten scheinen und sich in die Höhe strecken, um mit den Wolken eins zu werden.

Alle berühmten Frühlingsbilder in der obigen Liste sind Beispiele für die unzähligen Möglichkeiten, wie der Frühling dargestellt werden kann. Den Frühling zu malen ist ein beliebtes Thema für viele Künstler, denn die Jahreszeit strotzt nur so vor Farben und Leben. Frühlingsbilder bringen auch denjenigen, die sie betrachten, viel Freude, denn sie geben den Betrachtern das Gefühl, sich in einer wunderschön beleuchteten und warmen Umgebung zu befinden, egal wo sie sind.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.