Flora Yukhnovich – Rokoko zwischen Farbe und Popkultur

Flora Yukhnovich malt Bilder, in denen höfische Üppigkeit, Popsongs und digitale Brüche so dicht zusammenkommen, dass ein Blumenstrauß im nächsten Augenblick zur reinen Farbbewegung wird. Ihr Weg von der klassischen Porträtausbildung zu raumgreifenden Ölbildern zeigt, wie bewusst diese scheinbare Auflösung gebaut ist. Du erfährst, welche Wendepunkte ihre Malerei geprägt haben und wie du ihre offenen Formen Schritt für Schritt lesen kannst.

Wer ist Flora Yukhnovich?

Flora Yukhnovich ist eine britische Gegenwartsmalerin, die 1990 in Norwich geboren wurde. Bekannt ist sie für große Ölgemälde, in denen Körper, Blüten, Landschaften und Farbmassen nur vorübergehend feste Gestalt annehmen. Ihre Bilder bewegen sich zwischen Figuration, also erkennbaren Gegenständen und Figuren, und Abstraktion, bei der Farbe, Rhythmus und Material ein Eigenleben entwickeln.

Yukhnovich greift auf das französische Rokoko, die italienische Barockmalerei und historische Stillleben zurück, setzt diese Quellen aber neben Filme, Musik, Literatur, Werbung und digitale Bilder. Das Ergebnis ist weder eine Wiederbelebung des 18. Jahrhunderts noch reine abstrakte Malerei. Historisch vertraute Figuren, Blüten und Landschaften treffen auf gegenwärtige Bildformen und lösen sich immer wieder in Farbe auf.

Jean-Honoré Fragonards „Die Schaukel“ von 1767 gehört zu den Rokoko-Bildern, an denen Yukhnovich ihre eigene Bildsprache schärfte. Bild: Jean-Honoré Fragonard via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain, zugeschnitten.

Kurzprofil: Herkunft, Ausbildung und heutiger Arbeitsort

Nach einem vorbereitenden Kunststudium, der Foundation in Art and Design an der Kingston University von 2009 bis 2010, studierte Yukhnovich drei Jahre Porträtmalerei an der Heatherley School of Fine Art. Von 2016 bis 2017 absolvierte sie anschließend einen Master in Fine Art an der City & Guilds of London Art School. Diese Abfolge erklärt viel: Auf das genaue Beobachten und handwerklich kontrollierte Malen folgte eine Phase, in der Material, Theorie und Experiment wichtiger wurden.

Lange lebte und arbeitete Yukhnovich in London. Nach einem kurz zuvor erfolgten Umzug lag ihr Lebens- und Arbeitsmittelpunkt im September 2025 in New York. Vertreten wird sie von Victoria Miro und Hauser & Wirth.

Warum ihr Name mit einem neuen Blick auf das Rokoko verbunden ist

Das Rokoko des 18. Jahrhunderts ist für helle Farben, geschwungene Bewegungen und spielerische Sinnlichkeit bekannt. Zu Yukhnovichs dokumentierten Bezugspunkten gehören François Boucher und Jean-Honoré Fragonard. Beim Vergleich ihrer Bilder mit Yukhnovichs Malerei lohnt es sich, auf Bewegung, ineinanderlaufende Formen und die Verteilung heller Farbakzente zu achten. Das ist eine formale Betrachtung, keine Aussage über weitere persönliche Absichten der Künstlerin.

Historische Vorlagen dienen Yukhnovich als Ausgangsmaterial, nicht als feste Baupläne. Eine Wolke kann sich in eine Hautpartie verwandeln, ein Kleid in einen breiten Farbzug und eine Blüte in eine kaum noch benennbare Form. Dadurch wird beim Betrachten spürbar, wie schnell das Auge Bedeutung erzeugt und ebenso schnell wieder verliert.

Von der Porträtmalerei zur eigenen Bildsprache

Yukhnovichs Entwicklung lässt sich nicht allein an Ausstellungsterminen ablesen. Entscheidender sind die Veränderungen ihrer Praxis: vom langen Studium eines Modells über die Auseinandersetzung mit abstrakten Kompositionen bis zum Malen für ganze Museumsräume.

2009 bis 2017: Handwerk, Theorie und der Abschied vom klassischen Porträt

Die Foundation an der Kingston University vermittelte Yukhnovich von 2009 bis 2010 eine breite künstlerische Grundlage. An der Heatherley School folgten von 2010 bis 2013 ein Diploma und ein Post-Diploma in Portraiture. Sie beschrieb diese Zeit als drei Jahre des Malens nach dem Modell. Proportionen, Volumen, Hauttöne und die genaue Beziehung zwischen Auge und Hand wurden damit zu einem stabilen technischen Fundament.

Während des Masterstudiums an der City & Guilds of London Art School von 2016 bis 2017 verschob sich die Frage. Yukhnovich wollte eine Figur nicht mehr nur überzeugend beschreiben. Sie untersuchte stärker, was Ölfarbe selbst leisten kann, wie kunsthistorische Bilder Bedeutung erzeugen und wann ein gegenständliches Motiv in abstrakte Kunst kippt. Theorie, Materialversuche und offene Bildlösungen lösten die Bindung an das klassische Einzelporträt.

Ende 2017 eröffnete ihre erste Einzelausstellung bei Brocket. Sie markierte den Schritt von der Ausbildung in eine eigenständige Ausstellungspraxis.

2018 bis 2020: Residenzen, Venedig und Tiepolo

2018 arbeitete Yukhnovich während einer Residenz im Palazzo Monti. Ein weiterer Aufenthalt führte sie 2019 mit Unterstützung von Victoria Miro nach Venedig. Dort beschäftigte sie sich intensiv mit Giambattista Tiepolo. Seine großen, bewegten Kompositionen lenkten ihre Aufmerksamkeit stärker auf Tempo, räumlichen Sog und abstrakte Kompositionsfragen.

Tiepolos Deckenfresko „Apollo und die Kontinente“ in der Würzburger Residenz zeigt die raumgreifende Bewegung, die Yukhnovich in ihrer Venedig-Phase untersuchte. Bild: Giovanni Battista Tiepolo via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Damit änderte sich auch ihr Umgang mit kunsthistorischen Quellen. Statt eine einzelne Figur oder Erzählung in den Mittelpunkt zu stellen, konnte sie den gesamten Bildraum als bewegliches Gefüge behandeln. Formen scheinen aufzusteigen, zu stürzen oder ineinanderzufließen. Diese Entwicklung trat in der Ausstellung „Sweet Spot“ von 2019 und anschließend in „The Venice Paintings“ sowie „Barcarole“ von 2020 deutlich hervor.

Venedig war deshalb kein bloßer Themenwechsel. Die Begegnung mit Tiepolo half Yukhnovich, ihre solide gegenständliche Technik in schnellere, offenere Kompositionen zu überführen. Ein historisches Gemälde wurde nun zum Ausgangspunkt für Bewegung und Maßstab, nicht zum Motiv, das sie möglichst genau wiederholen wollte.

2022 bis 2023: Venus, Blumenstillleben und Museen

Nach den Venedig-Bildern erweiterte Yukhnovich ihr Quellenfeld. „Thirst Trap“ von 2022 verband unterschiedliche Darstellungen der Venus aus Mythologie, Kunstgeschichte und Gegenwartskultur. Der Titel holte das traditionsreiche Motiv zugleich in die Sprache digitaler Aufmerksamkeit: Eine Venus konnte als antike Göttin, kunsthistorischer Körper und zeitgenössisch verbreitetes Bild gelesen werden.

Für „Ashmolean NOW“ stellte Yukhnovich 2023 niederländische und flämische Blumenstillleben neben weibliche Figuren aus Horrorfilmen. Gerade dieser scheinbar unpassende Zusammenstoß ist für ihre Methode aufschlussreich. Das Stillleben liefert dichte Blüten, luxuriöse Oberflächen und eine geordnete Komposition; der Horrorfilm bringt körperliche Spannung und die Möglichkeit plötzlicher Verwandlung hinein. In den Gemälden lassen sich beide Quellen erahnen, ohne dass eine von ihnen das Bild vollständig erklärt.

Ebenfalls 2023 entstand „A Taste of a Poison Paradise“ für die NGV Triennial. Damit wurde die Beschäftigung mit Blumen nicht zur Rückkehr in ein abgeschlossenes historisches Genre, sondern zu einer neuen Prüfung der Grenze zwischen Motiv und Farbereignis.

Wie Flora Yukhnovich Bilder baut

Yukhnovichs Gemälde wirken spontan, entstehen jedoch aus einer mehrstufigen Arbeit mit sehr verschiedenen Vorlagen. Entscheidend ist nicht, ob ein Ausgangsbild alt oder neu, angesehen oder alltäglich ist. Entscheidend ist, welche Beziehung zwischen den Bildern entsteht und wie sie sich durch Ölfarbe verändern lässt.

Rokoko, Popkultur und digitale Collage

Zu Yukhnovichs dokumentierten kunsthistorischen Bezugspunkten gehören Boucher, Fragonard und Tiepolo. Hinzu kommen niederländische Stillleben und die italienische Barockmalerei. Filme, Popsongs, Literatur, Werbung und Konsumkultur stehen daneben, ohne einer Rangordnung zu folgen.

In Moodboards sammelt Yukhnovich Bilder aus unterschiedlichen Zeiten. Auf dem iPad und dem Smartphone kombiniert sie anschließend Ausschnitte, verschiebt Größenverhältnisse und sucht nach unerwarteten Anschlüssen. Ein kleines Detail kann stark vergrößert werden, während Fragmente verschiedener Räume nicht ganz zusammenpassen. Dieser bewusst erzeugte Bruch erinnert an einen digitalen Glitch, also einen sichtbaren Bildfehler, der die gewohnte Ordnung kurz aussetzt.

Die Collage ist jedoch nur eine Zwischenstufe. Beim Malen müssen die Fragmente ihre eindeutigen Ränder verlieren. Ein Farbzug kann zugleich an einen Arm, eine Blüte oder eine Wolke erinnern. Deshalb wäre es irreführend, aus einer bloßen Ähnlichkeit auf einen weiteren Einfluss zu schließen. Nachweisbare Bezugspunkte und das, was Betrachter persönlich wiederzuerkennen glauben, bleiben zwei verschiedene Dinge.

Ölfarbe als Material: Schichten, Tempo und offene Formen

Ölfarbe kann bei Yukhnovich dünn und durchsichtig, aber auch deckend und körperhaft erscheinen. Frühere Partien bleiben unter transparenten Schichten sichtbar und verändern den Ton der darüberliegenden Farbe. Durch Übermalungen, fließende Übergänge und verdichtete Stellen entsteht ein Bild, das nicht auf einen einzigen Arbeitsmoment festgelegt wirkt.

Der belegte Ablauf lässt sich in fünf Bewegungen verstehen:

1. Quellen sammeln: Kunstgeschichte, Film, Musik, Literatur und Konsumbilder bilden ein offenes Ausgangsfeld.
2. Beziehungen suchen: Auf Moodboards treffen Bilder aufeinander, die ursprünglich weder dieselbe Zeit noch denselben Zweck teilen.
3. Digital erproben: Collagen verändern Ausschnitte und Maßstäbe. Nicht ganz passende Fragmente bleiben bewusst sichtbar.
4. In Ölfarbe übersetzen: Transparente und deckende Schichten werden überarbeitet, bis sich die digitale Vorlage in malerische Bewegung verwandelt.
5. Die Form offenhalten: Blüten, Körper oder Landschaften erscheinen kurz und entziehen sich wieder einer eindeutigen Benennung.

Diese Schritte sind kein starres Rezept. Sie erklären vielmehr, warum Spuren sehr unterschiedlicher Bildwelten gleichzeitig vorhanden sein können. Yukhnovich überarbeitet ihre Gemälde über längere Zeit. Bei „A Taste of a Poison Paradise“ erstreckte sich dieser Prozess über mehrere Monate.

Nahsicht: „A Taste of a Poison Paradise“ von 2023

„A Taste of a Poison Paradise“ ist ein Ölgemälde auf Leinwand und misst 160 × 275 Zentimeter. Es gehört zur Sammlung der National Gallery of Victoria. Schon das breite Format verändert die Begegnung mit dem Motiv: Die Blütenform lässt sich nicht mit einem einzigen Blick erfassen, sondern breitet sich als Folge nahezu transparenter Schichten und lockerer Farbbewegungen vor dem Auge aus.

Rachel Ruyschs Blumenstillleben von 1710 zeigt die niederländische Tradition, die Yukhnovich für ihre Werkgruppe von 2023 neu befragte. Bild: Rachel Ruysch via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Für eine Nahsicht lohnt sich ein Wechsel zwischen Entfernung und Nähe. Aus einigen Schritten Abstand bündelt das Auge die offenen Partien zu etwas Blumenartigem. Beim Herantreten verlieren vermeintliche Blütenblätter jedoch ihre sicheren Umrisse. Sie werden zu überlagerter Farbe, Zwischenräumen und Richtungswechseln. Gehst du wieder zurück, setzt sich das Motiv neu zusammen. Das Gemälde ist daher nicht einfach halb abstrakt und halb gegenständlich; es lässt den Übergang selbst zum eigentlichen Ereignis werden.

Auch der Titel arbeitet mit diesem Schwebezustand. Er verweist auf Britney Spears’ Song „Toxic“ und bringt die Vorstellung eines verführerischen, aber giftigen Paradieses ins Spiel. So trifft die Tradition des kostbaren Blumenstilllebens auf Popmusik. Der Zusammenhang wird nicht illustriert, sondern über Stimmung, Überfülle und die instabile Blütenform hergestellt.

Gerade daran lässt sich Yukhnovichs Bildsprache gut erkennen: Das historische Motiv liefert einen ersten Halt, doch die Farbe verhindert, dass dieser Halt endgültig wird. Wer nur nach dem dargestellten Gegenstand fragt, übersieht die entscheidende zweite Ebene: wie das Sehen zwischen Wiedererkennen und Auflösen hin- und herspringt.

Räume, Museen und die Entwicklung bis 2026

Seit 2024 reagieren mehrere Projekte nicht nur auf einzelne historische Gemälde, sondern auch auf deren architektonische Umgebung. Diese Entwicklung erweitert Yukhnovichs Praxis: Farbe bleibt nicht länger allein innerhalb einer rechteckigen Leinwand, sondern tritt in Beziehung zu Treppen, Wandflächen und historischen Kabinetten.

Wallace Collection und Frick: Wenn Gemälde zu Räumen werden

Für „The Language of the Rococo“ schuf Yukhnovich 2024 zwei Gemälde als Antworten auf Boucher. In der Wallace Collection ersetzten sie vorübergehend zwei seiner Pastoralen am oberen Treppenabsatz. Eine Pastorale zeigt eine idealisierte ländliche Szene. Durch den Austausch änderte sich nicht nur, was an der Wand hing: Yukhnovichs Gegenwartsbilder übernahmen zeitweise den konkreten Platz historischer Werke, auf die sie reagierten.

François Bouchers „Der Frühling“ aus dem Zyklus „Die vier Jahreszeiten“ von 1755 war ein Ausgangspunkt für Yukhnovichs Frick-Installation. Bild: François Boucher via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

2025 ging sie in der Frick Collection einen Schritt weiter. Für das Cabinet übertrug sie Bouchers „Four Seasons“ in eine eigens für diesen Raum geschaffene Wandarbeit. Die vier Jahreszeiten wurden als zusammenhängende Umgebung entworfen und mit der Architektur verbunden. Das einzelne Bild verwandelte sich damit in einen Bildraum, den Besucher körperlich betreten.

Solche Aufträge verändern auch die Rolle des Formats. Auf einer Leinwand kann der Rahmen eine Komposition abschließen. In einem historischen Innenraum müssen Türen, Ecken, vorhandene Verzierungen und die Bewegung der Besucher mitgedacht werden. Yukhnovichs Beschäftigung mit raumgreifenden Rokoko- und Barockbildern findet hier eine zeitgenössische Konsequenz.

„Egg“ 2026: Mythen, Märchen und Wandmalerei

Die Ausstellung „Egg“ war vom 5. Mai bis 4. Juli 2026 bei Victoria Miro in Venedig zu sehen. Neue Gemälde wurden dort mit einer für die Räume geschaffenen Wandmalerei verbunden. Inhaltlich kreiste die Werkgruppe um Mythen und Märchen von fantastischen Empfängnissen und Geburten. Der konkrete Entstehungskontext war Yukhnovichs eigene Schwangerschaft; weitergehende biografische Deutungen sind daraus nicht abzuleiten.

Die Werkgruppe verschob damit erneut das Quellenfeld. Nach Venusdarstellungen, Blumenstillleben und Rokoko-Szenen rückten nun wandelbare Erzählungen über Geburt in den Mittelpunkt. Zugleich führte die Wandmalerei die jüngere Arbeit mit vorhandener Architektur fort. Das Verhältnis von Leinwand, Wand und Raum wurde damit selbst zu einem Teil der Komposition.

Bereits „Into the Woods“ im Ordrupgaard von 2024 bis 2025 hatte ihre institutionelle Reichweite erweitert: Es war ihre erste Museumsausstellung außerhalb des Vereinigten Königreichs. Die jüngeren Museumsprojekte bilden daher nicht nur eine Reihe von Terminen. Sie dokumentieren eine praktische Veränderung vom autonomen Gemälde zur architektonisch gedachten Malerei.

Dekorativ bedeutet nicht belanglos

Bei Yukhnovich verführen Farbe, Fülle und geschwungene Bewegung zunächst zum schnellen Genuss. Gerade diese dekorative Wirkung verlangt jedoch genaues Hinsehen. Sie steuert, welche Teile eines Bildes sofort attraktiv erscheinen, wo der Blick beschleunigt wird und wann sich ein vermeintlich klares Motiv entzieht.

Ihre institutionelle Rezeption lässt sich unabhängig von wechselnden Marktpreisen beschreiben. Werke befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Brooklyn Museum, des Dallas Museum of Art, der Government Art Collection, des Hirshhorn Museum, des Montreal Museum of Fine Arts und der National Gallery of Victoria. Hinzu kommen die Arbeiten für die Wallace Collection und die Frick Collection, bei denen die Auseinandersetzung mit historischen Räumen selbst Teil des Werks wurde.

Yukhnovichs Beitrag liegt somit nicht bloß darin, alte Motive zeitgemäß aussehen zu lassen. Sie verbindet historisch geladene Bildformen mit der sprunghaften Logik digitaler Collagen und nutzt die Eigenschaften der Ölfarbe, um Brüche nicht zu glätten. Das Dekorative wird zu einem Werkzeug, das Aufmerksamkeit bündelt und anschließend wieder verunsichert.

Drei Schritte, mit denen du ihre Bilder lesen kannst

1. Suche nach Resten von Gegenständlichkeit. Beginne mit einer Blüte, einem Körperfragment, einer Wolke oder einer landschaftlichen Form. Entscheide noch nicht, was das ganze Bild darstellt.
2. Verfolge die Bewegung der Farbe. Achte darauf, wo Schichten durchsichtig bleiben, wo sie sich verdichten und welche Richtungen deinen Blick über die Fläche führen.
3. Beobachte den Moment des Entgleitens. Prüfe, an welcher Stelle das erkannte Motiv wieder unsicher wird. Häufig liegt genau dort die produktive Spannung des Gemäldes.

Diese Methode macht auch Veränderungen zwischen Werkgruppen vergleichbar. Du kannst prüfen, welche Motive zunächst Halt geben, wie dicht die Farbe sie umgibt und an welcher Stelle Leinwand oder Architektur ihre Wirkung verändern. So wird die Bewegung zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion genauer erfassbar als durch ein starres Etikett.

Häufige Fragen zu Flora Yukhnovich

Einige Begriffe helfen dabei, Yukhnovichs Malerei genauer zu betrachten und Museumsangaben richtig einzuordnen.

Was bedeutet „Fête galante“?

Der Begriff bezeichnet eine im französischen Rokoko verbreitete Bildform mit elegant gekleideten Menschen bei geselligen oder verliebten Begegnungen in einer parkähnlichen Landschaft. Solche Szenen gehören zu dem historischen Bildfeld, auf das Yukhnovich zurückgreift, ohne es einfach zu kopieren.

Was ist eine Lasur in der Ölmalerei?

Eine Lasur ist eine dünne, transparente Farbschicht. Darunterliegende Partien bleiben sichtbar und verändern den Farbton der neuen Schicht. Bei Yukhnovich hilft der Begriff zu verstehen, warum Formen räumlich wirken können, obwohl ihre Umrisse offenbleiben.

Was bedeutet „ortsspezifisch“ bei der Arbeit für die Frick Collection?

Die Wandarbeit wurde für das Cabinet der Frick Collection und dessen Architektur entworfen. Sie besteht deshalb nicht nur aus einem transportablen Einzelbild: Die vier Jahreszeiten bilden eine zusammenhängende Umgebung, deren Wirkung an den Raum gebunden ist.

Ist „A Taste of a Poison Paradise“ dauerhaft ausgestellt?

Das Gemälde gehört zur Sammlung der National Gallery of Victoria. Ein Werk im Museumsbestand muss jedoch nicht jederzeit in den Ausstellungsräumen hängen. Wenn du es sehen möchtest, solltest du vor dem Besuch das aktuelle Programm des Museums prüfen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.