Bauhaus Kunst – Das Erbe der Bauhaus-Schule für Gestaltung

Was genau ist Bauhaus? Die Bauhaus-Kunst wird mit einer bestimmten Institution in Verbindung gebracht. Das Bauhaus war zweifellos die bedeutendste progressive Kunstschule des 20. Jahrhunderts und war für die Entwicklung vieler prominenter Bauhaus-Künstler verantwortlich. Selbst nachdem es 1933 unter extremem Druck des Nazi-Regimes geschlossen wurde, hatte die Haltung der Bauhaus-Designschule zur Bildung und zur Verbindung von Gesellschaft, Kunst und Technologie eine große Wirkung in den Vereinigten Staaten und Europa.

Die Geschichte der Bauhaus-Kunst

Der Bauhaus-Stil wurde von kreativen Tendenzen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts inspiriert, darunter der Art Nouveau und die verschiedenen ausländischen Versionen wie die Wiener Sezession und der Jugendstil sowie die Arts and Crafts-Bewegung. Alle diese Gruppen wollten die Grenzen zwischen angewandter und Schönen Künsten verwischen und Fantasie und Fertigung wieder miteinander verbinden; ihr Erbe wurde in der romantisch-mittelalterlichen Ideologie der Bauhaus-Bewegung während ihrer Gründungszeit repräsentiert, als sie sich selbst als eine Art Handwerkervereinigung bezeichnete.

Mitte der 1920er Jahre wich dieses Ideal jedoch einer Konzentration auf die Integration des industriellen Bauhaus-Grafikdesigns und der Kunst, und diese Konzentration war es, die die innovativsten und bedeutendsten Errungenschaften des Bauhauses begründete.

Die Institution ist auch für ihre herausragenden Lehrer bekannt, die seither die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst – und moderner Ideen – in den Vereinigten Staaten und Europa vorantrieben.

Die frühen Tage der Bauhaus-Bewegung

Das Bauhaus wurde 1919 von dem Architekten Walter Gropius in Weimar, Deutschland, gegründet. Er übernahm 1915 eine bereits bestehende Kunstgewerbeschule und gründete vier Jahre später durch den Zusammenschluss dieser Einrichtung mit der Weimarer Kunstakademie die revolutionäre neue Kunstschule Bauhaus.

Der Bauhaus-Stil entsprang konzeptionell den Impulsen des späten 19. Jahrhunderts, bildende und angewandte Kunst zu verbinden, sich der Industrialisierung der Kreativität zu widersetzen und die Bildung zu verbessern.

Mechanisches Bühnenbild (1925) von Joost Schmidt, Tusche und Tempera auf Papier; Joost Schmidt, Public domain, via Wikimedia Commons

Gleichzeitig lieferte der in den 1910er Jahren aufkommende russische Konstruktivismus einen dringlicheren und ästhetisch angemesseneren Vorläufer für die Verschmelzung von künstlerischem und mechanischem Design am Bauhaus. Als das Bauhaus 1920 offiziell eröffnet wurde, zog es in die alte, im Jugendstil errichtete Bildhauerwerkstatt des Großherzoglich Sächsischen Instituts ein.

Gropius drängte die Schule dazu, eine neue Wertschätzung für handwerkliches Können und funktionale Fähigkeiten zu entwickeln, was eine Rückbesinnung auf mittelalterliche Ideale in Bezug auf Kunst und Handwerk bedeutete. Für ihn umfasste die Bauhaus-Bewegung alle Formen des künstlerischen Ausdrucks: bildende Kunst, Industriedesign, Bauhaus-Grafikdesign, Bauhaus-Innenarchitektur, Typografie und Architektur.

Bauhaus-Stil und -Konzepte

Die Strategie der Schule konzentrierte sich auf ihren innovativen und wirkungsvollen Lehrplan. Gropius beschrieb ihn als ein Rad mit Ringen, wobei der äußere Kreis für den von Johannes Itten ins Leben gerufenen sechsmonatigen Vorbereitungskurs stand, der sich auf die grundlegenden Facetten des Designs konzentrierte, insbesondere auf die unterschiedlichen Eigenschaften von verschiedenen Formen, Farben und Substanzen.

Die beiden mittleren Kreise standen für zwei dreijährige Übergangskurse, die sich auf formbezogene Herausforderungen konzentrierten, sowie für einen Lehrplan mit praktischer, werkstattbasierter Ausbildung, in deren Mittelpunkt praktische Berufe und Techniken standen.

Stuhl (1925) von Erich Dieckmann; Sailko, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Seminare betonten den Funktionalismus, insbesondere die Verwendung geometrischer Grundformen, die sich leicht reproduzieren ließen und die in den kommenden Jahrzehnten zum theoretischen Kernstück des modernistischen Designs und der Architektur werden sollten. Die Kurse, die sich auf das Skizzieren von Entwicklungen spezialisierten, waren der Dreh- und Angelpunkt des Rades. Sie vermittelten den Studierenden die Grundlagen der Architektur, des Bauwesens und der Technik, legten aber den Schwerpunkt auf Fähigkeiten und handwerkliche Fertigkeiten, von denen man annahm, dass sie in den zeitgenössischen Bauverfahren verloren gegangen waren.

Eines der Hauptziele der Lehrmethode, die in allen Kursen angewandt wurde, war es, Konkurrenzdenken abzubauen und nicht nur kreative Fähigkeiten, sondern auch ein Gefühl der Zusammenarbeit und gemeinsame Ziele zu fördern.

Die Fakultät des Bauhauses

Die phänomenal fähigen Professoren, die Gropius nach Weimar geholt hatte, waren für die Gestaltung und Durchführung des Lehrplans verantwortlich. Gropius‘ erste Wahl waren die avantgardistischen Künstler Johannes Itten und Lyonel Feininger sowie der Bildhauer Gerhard Marcks.

Itten war besonders entscheidend für die prägende Ideologie der Schule: Mit seiner Erfahrung im Expressionismus stand er hinter einem Großteil des ersten Schwerpunkts auf dem romantischen Mittelalter, der das Bauhaus auszeichnete, vor allem hinter dem von ihm entwickelten Vorbereitungskurs.

Fotografie des Bauhaus-Gründers Walter Gropius (1883 – 1969), aufgenommen ca. 1919; Louis Held, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine expressionistischen und mystischen Neigungen brachten ihn bekanntlich in Konflikt mit Gropius‘ analytischer, soziologischer Einstellung, und die beiden gerieten schnell aneinander. Itten ging 1923 und wurde von László Moholy-Nagy abgelöst, der Gropius viel ähnlicher war. Moholy-Nagy gestaltete den Lehrplan neu, indem er die Technologie und die soziale Rolle der Kunst einbezog.

Allerdings nahm das Bauhaus während seiner kurzen Existenz eine Vielzahl von stilistischen Einflüssen auf.

Obwohl Namen wie Moholy-Nagy heute mit der technischen Philosophie des Konstruktivismus in Verbindung gebracht werden, umfasste die erste Wahl auch expressionistische und vom Expressionismus beeinflusste Künstler wie Paul Klee und Wassily Kandinsky. Es gab auch Künstler, die in vielen verschiedenen Medien arbeiteten, von der Bildhauerei bis zum Tanz, wie Oskar Schlemmer und Georg Muche.

Die Bauhaus-Bewegung in Dessau

1925 zog das Bauhaus in die deutsche Fabrikstadt Dessau um und leitete damit seine produktivste Entwicklungsphase ein. Gropius errichtete für die Schule ein neues Gebäude, das nicht nur als geistiges Wahrzeichen des Bauhauses, sondern auch als Markenzeichen der zeitgenössischen, strukturalistischen Architektur bekannt wurde.

Zu diesem Zeitpunkt führte die Schule auch eine Abteilung für Architektur ein, die in der vorherigen Version noch gefehlt hatte. Gropius hingegen war 1928 von seiner Arbeit und den zunehmenden Auseinandersetzungen mit den Gegnern der Schule, insbesondere den konservativen Kräften in der deutschen Kultur, zermürbt.

Das Bauhausgebäude in Dessau, Deutschland, wurde von Walter Gropius entworfen. Es war der dienstälteste der drei Bauhaus-Standorte (1925 – 1932); Spyrosdrakopoulos, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Er trat zurück und übergab das Ruder an den Schweizer Architekten Hannes Meyer. Meyer, der die Architekturfakultät leitete, war ein begeisterter Kommunist, der seine politischen Überzeugungen in Studentengruppen und Bildungsinitiativen einbrachte. Die Hochschule wurde immer stärker, aber Meyers Marxismus geriet in die Kritik, und er wurde 1930 als Direktor entlassen. Nachdem die Kommunalwahlen in Dessau 1932 die Nazis an die Macht brachten, wurde die Schule erneut geschlossen und nach Berlin verlegt, wo sie für den Rest ihres Lebens bleiben sollte.

Das Bauhaus wurde in Berlin vorübergehend unter der Leitung des Architekten Ludwig Mies van der Rohe wiederbelebt, einem bekannten Verfechter des funktionalistischen Designs, der wie Gropius später mit der sogenannten Internationalen Ästhetik in Verbindung gebracht wurde.

Mies van der Rohe hingegen musste mit deutlich weniger Einrichtungen auskommen als seine Vorgänger und mit einer Fakultät, in der viele der besten Köpfe fehlten. Er versuchte, die Politik aus dem Programm der Schule zu entfernen, aber diese vorübergehende Umbenennung scheiterte, und als die Nazis 1933 die Macht übernahmen, wurde die Schule aufgrund schwerer politischer Schikanen und Einschüchterungen auf unbestimmte Zeit geschlossen.

Nach der Schließung der Bauhaus Design School

Der Einfluss des Bauhauses sollte in den Jahrzehnten nach seinem Ende genauso weit reichen wie der seiner früheren Lehrer. Viele von ihnen waren gezwungen, Europa zu verlassen, als die erdrückenden Auswirkungen des Faschismus die Kontrolle übernahmen. Gropius zog 1937 in die Vereinigten Staaten und unterrichtete an der Graduate School of Design der Harvard University, wo er als entscheidend für die Verbreitung des internationalen Architekturstils in Amerika angesehen wurde.

Josef Albers war vier Jahre zuvor zum Direktor der Malschule am renommierten Black Mountain College in North Carolina ernannt worden, wo Cy Twombly und Robert Rauschenberg zu seinen Schülern gehörten. 1933, nachdem er aus Deutschland geflohen war, gründete László Moholy-Nagy das Institute of Design in Chicago.

Das nationale Erbe des Bauhauses wurde auch in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg wiederbelebt, als 1953 die Hochschule für Gestaltung in Ulm gegründet wurde. Diese Institution war in vielerlei Hinsicht das ideologische Erbe der Bauhaus-Bewegung. Zu ihrem ersten Leiter wurde der bekannte Bauhaus-Schüler Max Bill gewählt.

Eine Olivetti Studio 42 Schreibmaschine, entworfen von Bauhausler Xanti Schawinsky im Jahr 1936; ChristosV und/oder Christos Vittoratos, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Moholy-Nagy, Bill und Albers waren besonders einflussreich bei der Anpassung des Bauhaus-Ethos an die moderne Zeit: Moholy-Nagy und Albers formten das Bauhaus in eine moderne Forschungseinrichtung um, die in einer marktorientierten Gesellschaft funktioniert, während Bill maßgeblich dazu beitrug, die geometrische Abstraktion in Form der Konkreten Kunst, einer Nachfolgebewegung des Konstruktivismus, auf der ganzen Welt zu verbreiten.

Schlüsselideen des Bauhaus-Designs

Das Bauhaus wurde im späten 19. Jahrhundert gegründet, als Reaktion auf die Besorgnis über die Fadheit der zeitgenössischen Produktion und den Verlust der gesellschaftlichen Bedeutung der Kunst. Die Bauhaus-Künstler versuchten, bildende Kunst und Gebrauchsdesign miteinander zu versöhnen, indem sie praktische Dinge entwickelten, die das Wesen von Kunstwerken hatten.

Trotz seiner Ablehnung vieler Merkmale der traditionellen bildnerischen Erziehung war das Bauhaus stark an philosophischen und konzeptionellen Perspektiven zu seinem Thema interessiert.

Verschiedene Komponenten der künstlerischen und der Bauhaus-Grafikausbildung wurden zusammengelegt und die Hierarchie der Künste aus der Renaissancezeit wurde nivelliert: Das Gebrauchshandwerk – Architektur und Bauhaus Innenarchitektur, Stoffe und Holzarbeiten – wurde den schönen Künsten wie Malerei und Bildhauerei gleichgestellt. Da das Bauhaus sowohl die hohe Kunst als auch das Gebrauchshandwerk in den Mittelpunkt stellte, ist es nicht verwunderlich, dass viele seiner wichtigsten und dauerhaftesten Erfolge in anderen Bereichen als der Bildhauerei und der Malerei zu verzeichnen waren.

Plakat für die Bauhausaustellung (1923), entworfen von Joost Schmidt; Joost Schmidt, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Einrichtungs- und Gebrauchsgegenstände von Marcel Breuer, Marianne Brandt und anderen bereiteten den Weg für die modische Einfachheit der 1950er und 1960er Jahre, während Baumeister wie Ludwig Mies van der Rohe und Walter Gropius als frühe Pioniere des ebenso stilvollen Internationalen Stils gelten, der heute in der Architektur so bedeutend ist.

Die Bauhaus-Lehrmethode mit ihrem Schwerpunkt auf Experimentieren und Problemlösen hat die heutige Kunstausbildung stark beeinflusst. Sie hat dazu geführt, dass die „schönen Künste“ zu „bildenden Künsten“ umdefiniert wurden und dass die künstlerische Methode eher mit einer wissenschaftlichen Wissenschaft als mit einem humanistischen Fach wie Geschichte oder Literatur verglichen wird.

Bedeutende Bauhaus-Künstler und Kunstwerke

Die Bauhaus-Bewegung ist eine der wichtigsten Design-Philosophien aller Zeiten. Sie verband utilitaristisches Design mit ästhetischem Genuss, um eine neue Kunstform zu schaffen, die Schönheit in alltägliche Produkte und darüber hinaus bringen sollte. Es war ein Wendepunkt im Grafikdesign. Typografie, Layout und der Einsatz von Form und Farbe wurden auf eine Weise neu interpretiert, die das Grafikdesign bis weit ins 21.

Die Bauhaus-Bewegung und ihr zeitgenössischer Stil hatten einen enormen Einfluss auf die Kunst und das Grafikdesign, wobei die Innovationen und ideologischen Umwälzungen dieser Zeit die Art und Weise, wie wir gestalten, bis heute beeinflussen. 

Roter Ballon (1922) von Paul Klee

Paul Klee war ein Visionär, dessen Werk einen bemerkenswerten formalen Erfindungsreichtum mit einer seltsamen Art von ursprünglicher Unschuld verband. Er war einer der erfolgreichsten und faszinierendsten Maler, die mit der Kunst und dem Design des Bauhauses verbunden waren. Auf diesem Gemälde von 1922 werden zerbrechliche, transparente geometrische Figuren – Rechtecke, Quadrate und Kuppeln – in Primärfarbe Abstufungen hervorgehoben. In der oberen Mitte schwebt ein einsamer roter Kreis, der sich bei näherer Betrachtung als der gleichnamige Heißluftballon entpuppt. Diese illustrative Verzierung zeigt Klees spielerischen, korrelativen Umgang mit den berühmten geometrischen Kompositionsstrukturen des Bauhauses.

Der Fokus des unverwechselbaren Stils des Künstlers wechselt zwischen dem Abstrakten und dem Gegenständlichen, zwischen erzählerischem Zusammenhang und mystischer Symbolik. Die leuchtenden Formen, die an Glasmalerei erinnern, sind asymmetrisch angeordnet und erzeugen einen ästhetischen Rhythmus, der von horizontalen, vertikalen und diagonalen Linien bestimmt wird, die sowohl organisiert als auch ungeplant erscheinen.

Klee, der 1879 in der Schweiz geboren wurde, engagierte sich in den 1900er und 1910er Jahren in verschiedenen modernistischen und expressionistischen Gruppen in Nordeuropa, darunter Der Blaue Reiter, bevor er 1921 eine Stelle am Bauhaus annahm, wo er unter anderem Wandmalerei und Buchbinderei lehrte.

Red Balloon (1922) von Paul Klee, ausgestellt im Solomon R. Guggenheim Museum in New York City; Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Sein Kunstunterricht wurde in der Reihe Bauhausbücher in seinen Pädagogischen Skizzenbüchern (1925) veröffentlicht. Dieses Werk, das mit der Zeile „eine wirksame Linie auf einem Spaziergang, ständig in Bewegung, ohne Ziel“ begann, wurde enorm einflussreich und begründete seinen Ruf als einer der herausragenden Theoretiker der zeitgenössischen Kunst, da er versuchte, jede letzte mögliche Kombination seiner rastlosen Linien zu bewerten. Für Klee war die Linie, die aus einer einzigen Position heraus entstand, ein unabhängiger, impulsiver Akteur, dessen Bewegung die Entstehung der Fläche prägte.

Diese Analogie für die Entstehung der kreativen Form wurde zu einem zentralen Element der Bauhaus-Designtheorie und inspirierte viele von Klees Kollegen, insbesondere Anni Albers und Klees langjährigen Freund Wassily Kandinsky. Klees Teilnahme am Bauhaus von 1921 bis zu seiner Pensionierung im Jahr 1931 widerlegt das Vorurteil, die Schule sei zu sehr auf Logik und formale, starre Verfahren ausgerichtet.

Klees Werk beeinflusste andere Maler in Europa und Amerika, vor allem Adolph Gottlieb, Robert Motherwell, Kenneth Nolan, Norman Lewis und William Baziotes, die es gleichzeitig als anspruchsvoll und ursprünglich, realistisch und jenseitig ansahen. „Fast jeder, egal ob bewusst oder unbewusst, studierte Klee“, schrieb Clement Greenburg 1957.

Gelb-Rot-Blau (1925) von Wassily Kandinsky

Dieses komplizierte Werk ist um drei primäre visuelle Abschnitte herum organisiert, die durch rote, gelbe und blaue Formen hervorgehoben werden. Diese wiederum bilden zwei Hauptbereiche des visuellen Fokus, einen auf der rechten Seite der Tafel, der durch den blauen Kreis und das rote Kreuz gebildet wird, und einen auf der linken Seite, der durch das gelbe Rechteck in einem dunkleren Ockerton gebildet wird. Die Farb- und Schattierungseffekte implizieren eine Variation des Wahrnehmungsgewichts und der Position im Raum, da die Leichtigkeit des Gelbs mit den tieferen Rottönen kontrastiert und sich weiter ins Blau und Violett ausdehnt.

Ein Geflecht aus linearen und geschwungenen Linien zieht sich über die gesamte Leinwand, als würde es den Energiekampf zwischen den vielen Grundtönen nachspielen. Wassily Kandinsky wurde 1866 in Moskau geboren und zog noch vor Ende des 19. Jahrhunderts nach Deutschland, wo er in den nächsten Jahren eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung des nordeuropäischen Expressionismus spielte; sein Gemälde Der Blaue Reiter von 1903 inspirierte die gleichnamige expressionistische Künstlergruppe.

Kandinsky zog nach einem sechsjährigen Aufenthalt in Sowjetrussland zwischen der Revolution (1914 – 1920) nach Deutschland und begann 1922, am Bauhaus zu unterrichten, wo er seine Kunst zu einer verfeinerten Form der Abstraktion weiterentwickelte. Als Tutor auf der vorbereitenden Ebene brachte er seinen Schülern die Untersuchung der Grundfarben und die Struktur ihrer Beziehung nahe.

1923 erstellte er eine Umfrage, in der die Befragten aufgefordert wurden, ein Dreieck, ein Quadrat oder einen Kreis mit der am besten geeigneten Grundfarbe auszufüllen, um eine inhärente qualitative Verbindung zwischen bestimmten Formen und Farben zu entdecken. Das daraus resultierende rote Quadrat, das gelbe Dreieck und der blaue Kreis wurden zu einem typischen Bauhaus-Muster, das Kandinsky in diesem bekannten Werk untersuchte und manipulierte, um es in eine poetische Darstellung der Verbindung zwischen ästhetischem und melodischem Ausdruck zu verwandeln.

Die gleichen Konzepte beeinflussten seinen berühmten Aufsatz „Point and Line to Plane“ (1926), der durch die jüngsten Forschungen zur Gestaltpsychologie motiviert war, die zu dieser Zeit ein wichtiges Thema am Bauhaus war.

Kandinsky interessierte sich dafür, wie bestimmte Linien-, Farb- und Tonmischungen psychologische und spirituelle Auswirkungen haben können, die dann mit bestimmten musikalischen Melodien in Verbindung gebracht wurden. Die Kunstexpertin Annagret Hoberg weist jedoch darauf hin, dass die Auswirkungen des Kunstwerks darüber hinausgehen und mehr in den Bereich der Repräsentation reichen: „Die beiden Zentren erinnern an anthropologische Obertöne. Während die Anordnung der Kreise und Linien im gelben Feld ein menschliches Profil andeutet, erinnert die Verflechtung der blauen und roten Formen mit der schwarzen Diagonale an das Thema von Sankt Georg und dem Drachen.“

Vielleicht sind es diese menschlicheren Verbindungen, die den legendären Status von Kandinskys abstrakten Werken in der zeitgenössischen Kunstgeschichte erklären: Wie Hoberg betont, hat Gelb-Rot-Blau „einen Einfluss auf die nachfolgende Moderne ausgeübt, zu der zum Beispiel Barnett Newmans Serie Who’s Afraid of Yellow, Red, and Blue (1969) gehört.“

Club Chair (1925) von Marcel Breuer

Marcel Breuers berühmter Stuhl ist eine neuartige Variante des klassischen gepolsterten „Clubsessels“ des Salons aus dem 19. Jahrhundert, eine elegante Verschmelzung von gebogenen, sich überlagernden Edelstahlrohren und eng anliegenden rechteckigen Stoffbahnen, die wie geometrische Objekte im Raum schweben. Der Künstler bezeichnete den Stuhl als „mein strengstes Stück, das am wenigsten künstlerisch, rational, gemütlich und mechanistisch ist.“

Es war jedoch sein bedeutendstes Werk, das die bahnbrechenden Innovationen im funktionalen Design demonstrierte, die das Bauhaus Mitte der 1920er Jahre auszeichneten. Es erfüllte alle Kriterien des Designethos der Schule: Es war leicht, leicht beweglich und wurde in Massenproduktion hergestellt, und seine Komponenten waren so einfach angeordnet, dass ihre Struktur und Funktion klar erkennbar waren.

Breuer, der 1902 in Ungarn geboren wurde, war einer der jüngsten Teilnehmer der ersten Bauhaus-Generation. Er verließ seine Heimatstadt Pécs im Alter von achtzehn Jahren und schrieb sich 1920 als einer der ersten Schüler an Gropius‘ revolutionärer neuer Einrichtung ein. Er wurde als Wunderkind ausgewählt und mit der Leitung der Holzwerkstatt betraut. Nach einem kurzen Aufenthalt in Paris kehrte er 1925 als Lehrer an das Bauhaus zurück.

Breuer, ein begeisterter Radfahrer, betrachtete das Fahrrad als Inbegriff des zeitgenössischen Designs und war fasziniert von dem geschwungenen Lenker seines Fahrrads, der aus einem neuartigen Stahlrohr der Firma Mannesmann gefertigt war. Er erkannte, dass die gleiche Substanz, die sich verdrehen lässt, ohne zu brechen, auch im Möbeldesign eingesetzt werden könnte, und der „Clubsessel“ war die Folge dieser Erleuchtung. Breuer gründete 1927 das Unternehmen Standard Möbel, um seine Möbel in Serie zu produzieren.

Der umgangssprachliche Name des Stuhls ist eine Hommage an den Künstler Wassily Kandinsky, der den Stuhl bewunderte, als er ihn zum ersten Mal in Breuers Werkstatt sah. Breuers Stuhl war „der erste Stuhl mit einem gebogenen Stahlrahmen und läutete eine revolutionäre Ära in der zeitgenössischen Möbelwelt ein, mit einer Form, die auch heute noch futuristisch aussieht“, so der Kunsthistoriker Seamus Payne.

Nach dem Zweiten Weltkrieg begann der italienische Hersteller Gavina mit der Produktion des Stuhls, was seine langfristige Wirkung auf die Designgeschichte bestätigte und ihn als „Wassily Chair“ verkaufte. Im Jahr 1968 übernahm der amerikanische Hersteller Knoll Gavina und begann mit der Produktion des Modells B3, das noch heute erhältlich ist.

Universal Bayer (1925) von Herbert Bayer

Die Schrift Universal Bayer von Herbert Bayer, ein Klassiker der Typografie des Internationalen Stils, greift den schlichten Stil der Bauhaus-Schrift auf. Gleichzeitig zeigt die Einfachheit des Stils, dass Bayer auf eine bessere Lesbarkeit bedacht war, denn im Gegensatz zu den engen kalligrafischen Schriften der konventionellen deutschen Typografie gibt es eine beträchtliche Anzahl negativer Abstände zwischen den Buchstaben.

Bayer wollte, dass die Schriftsprache die Einfachheit der Sprache widerspiegelt, und wählte für diese Gestaltung nur Kleinbuchstaben, da es keinen phonetischen Unterschied zwischen Klein- und Großbuchstaben gab. Da jeder Buchstabe die gleiche Größe hat, definierten sie übertragbare Stellen auf der Seite.

Dadurch war die Schrift relativ einfach zu verwenden und konnte auf Schreibmaschinentastaturen und Setzmaschinen übertragen werden. Diese Designelemente verkörpern auf wunderbare Weise den Schwerpunkt des Bauhauses auf Nützlichkeit und Massenproduktion. Wie Breuer war auch Bayer ein junger Vertreter der goldenen Generation des Bauhauses, denn er wurde 1900 in Österreich geboren. Er begann seine Karriere als Architekt und war in den späten 1910er Jahren Mitglied der Darmstädter Künstlerkolonie, wo er von den Jugendstil-Ideen dieser Gruppe beeinflusst wurde und sich auf das Konzept des „Gesamtkunstwerks“ konzentrierte.

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1920 interessierte sich Bayer jedoch für Gropius‘ neues Projekt und trat 1921 in die Schule ein, wo er bei Kandinsky, Klee und Moholy-Nagy lernte. Nachdem er 1925 als Lehrer an das Bauhaus zurückgekehrt war, wurde er in der Dessauer Zeit zum Leiter der Druckerei und Werbung ernannt. Nachdem Gropius ihn beauftragt hatte, eine Schriftart zu entwickeln, die in allen Bauhaus-Publikationen verwendet werden konnte, schuf er die Universal-Bayer-Schrift. Damals benutzten die meisten deutschen Druckereien noch die Fraktur, eine markante gotische Schrift, die im 16. Jahrhundert für Albrecht Dürers Holzschnitt Triumphbogen (1526) entwickelt wurde.

Bayer vermittelte den Geist eines neuen kulturellen Phänomens, das den rückwärtsgewandten Nationalismus zugunsten der internationalen Moderne ablehnte, eine Bewegung, die vom Bauhaus gefördert und schließlich von den Nazis ausgelöscht wurde, indem er die Ornamente aus den deutschen Buchstaben entfernte.

Sein Entwurf sollte sich auch an ein berühmtes Kompositionsprinzip des Bauhauses halten, bei dem die Buchstaben in diagonalen Linien angeordnet waren, die sich über die Seite nach oben schoben, Objekte umschlangen und in hellen Farben hervorgehoben wurden.

Obwohl Bayers Schrift nie in Metall gegossen wurde, war ihre Wirkung weitreichend und lang anhaltend. Sie war nicht nur führend bei der Weiterentwicklung der Typografie des Internationalen Stils von den 1920er bis zu den 1950er Jahren und beeinflusste Schriften wie die Architype Schwitters, sondern ist auch die Inspiration für die Google-Schrift. Die Schrift ist auch auf mehreren Bauhaus-Plakaten zu sehen. Herbert Bayers Bauhaus-Plakat für die Kandinsky-Ausstellung im Jahr 1926 ist ein Beispiel dafür.

Fotogramm (1926) von László Moholy-Nagy

Die Hand des Künstlers scheint sich aus der Dunkelheit zu erheben und in diesem kameralosen Schnappschuss, oder „Fotogramm“, hinter einem Gitter aus flammenden weißen Linien, die sich mit seinen Fingerspitzen kreuzen, im Raum zu schweben. Die Figuren erscheinen auf dem Papier nicht nur so, als würden sie durch das Zusammenspiel von Schatten und Licht Form annehmen, sondern auch als entmaterialisierte Echos greifbarer Objekte: Sie werden zu Spuren physischer Berührung.

Verschiedene europäische Designer, wie Christian Schad und Man Ray, versuchten sich in den 1910er und 1920er Jahren unter anderen Titeln am Fotogramm – einem von Moholy-Nagy erfundenen Begriff -, aber durch Moholys Bemühungen wurden diese Bemühungen der Abstrakten Fotografie untrennbar mit der bahnbrechenden Ideologie des Bauhauses verbunden.

1895 wurde László Moholy-Nagy in Ungarn geboren. Er kam 1920 nach Deutschland und wurde 1923 von Gropius gebeten, den Grundlehrplan der Institution von Johannes Itten zu übernehmen, dessen künstlerisches Renommee bereits feststand. Moholy-Fotogramme wurden zum Sinnbild der Bauhaus-Innovation, obwohl er in verschiedenen Medien arbeitete. Diese Werke, die dadurch entstanden, dass er Dinge auf lichtempfindliches Papier legte, das dem Umgebungslicht ausgesetzt war, machen das Licht zum „Material des plastischen Ausdrucks“, wie es der Künstler ausdrückte.

Trotz der Tatsache, dass die Fotografie formell nicht zum Lehrplan des Bauhauses gehörte, arbeitete Moholy-Nagy in einer Ein-Mann-Fotoabteilung, und sein eifriger Enthusiasmus brachte viele Lehrer und Schüler der Schule dazu, mit der Fotografie zu experimentieren.

Moholgy-Nagy, der vom Licht fasziniert war, erforschte während seiner gesamten Karriere das Potenzial des Fotogramms, vor allem an der Chicago School of Design, die er 1939 nach seiner Übersiedlung in die USA gründete.

Hier waren „Lichtlabor“-Kurse obligatorisch, und die Moholy-Arbeiten Nagys beeinflussten viele zukünftige nordamerikanische Künstler, darunter Arthur Siegel. Die Moholy-Fotogramme Nagys sind Zeugnisse des bahnbrechenden technologischen und kreativen Ethos des Bauhauses, insbesondere der Hingabe an die Erforschung der grundlegenden Eigenschaften und Fähigkeiten vieler künstlerischer Medien. Im Wesentlichen handelt es sich dabei um die Erforschung der Prinzipien der Lichtempfindlichkeit in ihrer reinsten, unverfälschten Form und damit um die „Form folgt der Funktion“-Mentalität, die heute mit dem Bauhaus und dem Konstruktivismus in Verbindung gebracht wird.

Damit schließen wir unsere Untersuchung des Bauhaus-Designs ab. Die Bauhaus-Schule hat viele Aspekte der angewandten Kunst beeinflusst, zum Beispiel die Bauhaus-Innenarchitektur und das Bauhaus-Grafikdesign. Die Bauhaus-Künstler und ihre Arbeiten veränderten nicht nur die Kunstlandschaft ihrer Zeit, sondern auch für viele Jahre danach.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Bauhaus?

Das Bauhaus war zweifellos die wichtigste fortschrittliche Kunstschule des 20. Jahrhunderts und war für die Entwicklung vieler bekannter Bauhaus-Künstler/innen verantwortlich. Die Sichtweise des Bauhauses in Bezug auf Bildung und die Beziehung zwischen Gesellschaft, Kunst und Technologie hatte einen enormen Einfluss in den Vereinigten Staaten und Europa, selbst nachdem es 1933 unter dem Druck der Nazis aufgelöst wurde. Die Strategie der Schule beruhte auf ihrem hochmodernen und effektiven Lehrplan. Der äußere Kreis wurde ausgewählt, um die von Johannes Itten gegründete sechsmonatige Vorbereitungsschule zu repräsentieren, die sich laut Gropius auf die grundlegenden Komponenten des Designs konzentrierte, insbesondere auf die unterschiedlichen Merkmale verschiedener Formen, Farben und Materialien.

Was macht den Bauhaus-Stil aus?

Der Jugendstil und seine zahlreichen ausländischen Varianten wie die Wiener Sezession und der Jugendstil sowie die Arts and Crafts Bewegung beeinflussten den Bauhaus-Stil im 19. und frühen 20. Jahrhundert. Alle diese Organisationen wollten die Grenzen zwischen praktischer und bildender Kunst verwischen und Fantasie und Produktion miteinander verbinden. Diese Geschichte spiegelte sich in der romantisch-mittelalterlichen Philosophie der Bauhaus-Bewegung in ihren Anfangsjahren wider, als sie sich als Handwerkervereinigung verstand.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.