Simon Stålenhag – Biografie, Stil und Bildromane

Bei Simon Stålenhag stehen Kinder am Straßenrand, während riesige Maschinen so selbstverständlich über schwedische Felder ragen wie alte Strommasten. Gerade weil der Alltag glaubwürdig bleibt, wirken seine erfundenen Technologien zugleich nah und verstörend. Du erfährst, wie Herkunft, digitaler Malprozess und erzählerische Entscheidungen zusammenfinden und woran du seine Bilder selbst erkennen kannst.

Wer ist Simon Stålenhag?

Simon Stålenhag ist ein schwedischer Autor, Künstler und Illustrator, geboren 1984 in Stockholm. International bekannt wurde er durch Bildromane, in denen beobachtete Landschaften, Erinnerungen an Kindheit und Jugend sowie erfundene Großtechnik eine gemeinsame Wirklichkeit bilden. Seine Maschinen stehen nicht vor neutralen Science-Fiction-Kulissen. Sie tauchen zwischen Wohnhäusern, Feldern, Straßen und Waldrändern auf.

Seine Bücher verbinden gemalte Szenen mit erzählendem Text. Aus den Bildwelten entstanden später ein Rollenspiel sowie freie Fernseh- und Filmadaptionen.

Seine Arbeit reicht über die bekannten Bildromane hinaus. Sie umfasst Auftragsillustrationen, Konzeptkunst, also visuelle Entwürfe für Spiele und andere Produktionen, sowie wissenschaftlich begleitete Paleoart. Damit sind Rekonstruktionen ausgestorbener Tiere und ihrer Lebensräume gemeint. Offizielle Werkverzeichnisse führen seine Buchproduktion bis zur Veröffentlichung von Svenska maskiner, ensligt belägna im Jahr 2025 fort.

Biografie in wenigen Linien

Die entscheidenden Stationen lassen sich als Entwicklung der Bildpraxis lesen: 1987 zog die Familie auf die Insel Färingsö in der Region Mälaröarna. Um 2002 begann Stålenhag, Landschaften mit surrealer Technik zu verbinden. Aus einem privaten Netzprojekt wurde 2014 sein erster Bildroman. Danach wechselten Schauplätze, Themen und Medien, vom schwedischen Inselraum über ein alternatives Amerika bis zur naturwissenschaftlichen Illustration.

Auch die Jahre 2020 und 2025 markieren doppelte Wegpunkte. 2020 erschien The Labyrinth, während zugleich die Fernsehserie Tales from the Loop startete. 2025 kehrte Stålenhags neues Buch zu den Mälaröarna zurück; im selben Jahr veröffentlichte Netflix eine freie Filmadaption von The Electric State.

Kindheit, Einflüsse und der Weg zum eigenen Stil

Seine Entwicklung führt von genauer Naturbeobachtung über ausdrücklich benannte Vorbilder bis zur Arbeit mit Science-Fiction-Design und digitalen Werkzeugen. Färingsö blieb dabei der reale Bezugspunkt, an dem sich die späteren technischen Fremdkörper messen lassen.

Färingsö als Erinnerungslandschaft

Stålenhag wurde am 20. Januar 1984 in Stockholm geboren und verbrachte seine ersten Lebensjahre in Sundbyberg. 1987 zog die Familie nach Färingsö. Die ländliche Insel wurde für ihn zum wichtigsten örtlichen Einfluss und später zur Grundlage vieler früher Bildwelten.

Dort beobachtete er Tiere, wechselndes Wetter und die weiten Landschaften der Mälaröarna. Zugleich begegneten ihm alte oder abgestellte Maschinen. Diese Erfahrungen erklären nicht die fiktive Technik seiner Bücher, liefern ihr aber einen glaubwürdigen Boden. Felder, Wirtschaftswege und Siedlungsränder erscheinen nicht wie nachträglich erfundene Kulissen, sondern wie Orte, die lange betrachtet wurden.

Dieser Ausgangspunkt ist für das Verständnis seiner Kunst wichtiger als das Etikett Science-Fiction. Stålenhag beginnt bei der Landschaft. Erst dann kommt der Fremdkörper hinzu. Weil Gräser, Schnee, Wasser, Asphalt und Licht stimmig wirken, akzeptiert das Auge auch eine Maschine, deren Funktion unbekannt bleibt.

Von Naturmalerei zu Science-Fiction-Design

Zu seinen ausdrücklich genannten frühen Vorbildern gehören Gunnar Brusewitz, Lars Jonsson und Bruno Liljefors. Alle drei stehen für eine genaue Auseinandersetzung mit Tieren und nordischer Natur. Liljefors verband beispielsweise Landschaft und Tierdarstellung so eng, dass ein Vogel nicht vor einer austauschbaren Bühne sitzt, sondern Teil von Vegetation, Wetter und Jahreszeit wird.

Bruno Liljefors’ „Winterlandschaft mit Gimpeln“ von 1891 zeigt die Naturmalerei eines von Stålenhag genannten frühen Vorbilds. Bild: Bruno Liljefors via Wikimedia Commons, lizenziert unter Public domain.

Später erweiterte Stålenhag dieses Fundament. Als Jugendlicher entdeckte er die von Storm Thorgerson und dem Designkollektiv Hipgnosis geprägten Plattencover. Danach beschäftigte er sich mit den Science-Fiction-Designern Ralph McQuarrie und Syd Mead. Um sein 18. Lebensjahr begann er, surreale technische Formen in Landschaftsbilder einzubauen.

Die Entwicklung verlief deshalb nicht von „Natur“ zu „Technik“, als hätte das eine das andere ersetzt. Die genaue Naturbeobachtung blieb das Gerüst. Plattencover und Science-Fiction-Design eröffneten Möglichkeiten, dieses Gerüst mit Monumenten, Fahrzeugen und technischen Ruinen zu stören.

Ohne Kunsthochschule ins digitale Atelier

Stålenhag besuchte keine Kunsthochschule. Er eignete sich seine bildnerischen Grundlagen durch die Beschäftigung mit Naturmalern und Illustratoren sowie durch die eigene Praxis an. Dabei arbeitete er zunächst unter anderem mit Aquarell und Gouache. Gouache ist eine wasserlösliche, aber stärker deckende Farbe als klassisches Aquarell.

Seine Erfahrung mit Aquarellmalerei verschwand beim Wechsel an den Bildschirm nicht. In seinen Zwanzigern arbeitete er als Konzeptkünstler in einem Spielestudio und verlagerte seine Bilder zunehmend auf digitale Werkzeuge. Dabei bewahrte er die Wirkung gesetzter Pinselstriche, die er aus Aquarell und Gouache kannte.

Diese Laufbahn macht die Bezeichnung „Autodidakt“ erklärungsbedürftig. Sie stimmt hinsichtlich der fehlenden formalen Kunstausbildung, bedeutet aber nicht, dass Stålenhag ohne Vorbilder, handwerkliche Studien oder Berufserfahrung arbeitete. Sein Lernen fand außerhalb einer Kunsthochschule statt und setzte sich im Spieleatelier fort.

Vom privaten Webprojekt zum ersten Buch

Die Bilder, aus denen später Ur varselklotet beziehungsweise Tales from the Loop hervorging, begannen als privates Nebenprojekt. Stålenhag veröffentlichte Arbeiten online und entwickelte für die sichtbaren Maschinen nach und nach eine fiktive Hintergrundgeschichte. 2013 und 2014 erreichten die Bilder ein internationales Publikum.

Nach seiner eigenen Rückschau beschleunigte ein Beitrag von The Verge die Resonanz und den Weg zum Buch. Entscheidend war nicht nur die Reichweite. Das Netzprojekt zeigte auch, dass einzelne Bilder gemeinsam eine größere Welt andeuten konnten. 2014 wurde daraus der erste veröffentlichte Bildroman.

So malt Simon Stålenhag seine fremd-vertrauten Welten

Stålenhag verbindet einen fotografischen Ausgangspunkt mit einem digital ausgeführten Malprozess. Wer seine Bilder verstehen will, sollte deshalb sowohl auf die glaubwürdige Landschaft als auch auf Maßstab, Farbe und das Verhältnis zwischen Alltag und erfundener Technik achten.

Vom Fotoarchiv zum digitalen Pinsel

Stålenhags dokumentierter Arbeitsprozess beginnt häufig mit eigenen Fotografien oder seinem Fotoarchiv. Ein Foto liefert dabei nicht zwangsläufig das fertige Motiv. Es kann Gelände, Gebäude, Lichtstimmung oder eine Farbverteilung festhalten, auf die er die erfundenen Elemente abstimmt.

Darauf folgt eine erste Skizze für Farbe und Komposition. Komposition bezeichnet die Anordnung der sichtbaren Teile im Bild: Wo liegen Horizont, Figuren, freie Flächen und technische Körper? Anschließend arbeitet Stålenhag das Motiv in hoher Auflösung weiter aus. Geschichtete und strukturierte digitale Pinsel erzeugen Oberflächen, die an gemalte Farbe erinnern.

Er arbeitet nahezu ausschließlich digital, mit Wacom-Stift und Software wie Photoshop. Dennoch behandelt er das Grafiktablett nicht wie ein Werkzeug für sterile, vollkommen glatte Flächen. Seine Erfahrung mit Aquarell und Gouache prägt die gesetzten Kanten, unregelmäßigen Texturen und sichtbaren Pinselspuren. Digital bezeichnet hier das Werkzeug, nicht einen festgelegten Look.

Woran du Stålenhags Bildsprache erkennst

Eine praktische Erkennungshilfe beginnt beim Gewöhnlichen. Prüfe zuerst, ob die Landschaft auch ohne Roboter oder Anlage glaubwürdig wäre. Straßenbreite, Häuser, Vegetation, Jahreszeit und Licht bilden meist einen nachvollziehbaren Alltagsraum. Erst danach fällt auf, wie genau die erfundene Technik in Maßstab und Perspektive eingefügt ist.

Als Nächstes lohnt sich der Blick auf die Größenverhältnisse. Menschen erscheinen häufig klein neben technischen Körpern, bleiben aber wichtige Bezugspunkte. Sie machen die Dimension einer Maschine lesbar, ohne dass eine Bildlegende nötig wäre. Die Technik erhält dadurch Gewicht, doch sie verdrängt das menschliche Geschehen nicht vollständig.

Auch die Farben geben Hinweise. Stålenhag nennt Blau und Violett als bevorzugte Bereiche, meidet bewusst nostalgisches Sepia und setzt gern gelbes Natriumdampflicht ein, also das gelb-orange Licht entsprechender Straßenlampen. Der Gegensatz zwischen kühler Umgebung und einzelnen warmen Lichtquellen lenkt den Blick. Wie solche Beziehungen funktionieren, lässt sich auch über das Zusammenspiel von warmen und kalten Farben nachvollziehen.

Zuletzt bleibt die erzählerische Lücke: Was ist unmittelbar zu sehen, und was ergänzt dein Kopf? Stålenhag erklärt die Wirkung seiner Motive mit dem Kontrast zwischen glaubwürdigem Alltag und stark futuristischen Elementen. Welche Vorgeschichte du daraus ableitest, ist jedoch eine Interpretation und keine automatisch belegte Aussage über seine Absicht.

Fjärrhandske genau betrachtet

Stålenhag bezeichnete Fjärrhandske als das Einzelbild mit der größten Wirkung und als eine besonders treffende Zusammenfassung seiner Arbeit. Das breite Querformat zeigt eine Wiese vor einer dunklen Waldkante unter bedecktem Himmel. Zwei Jungen stehen links im Vordergrund, ein großer orange-weißer Roboter nimmt den mittleren Bildraum ein und ein weißer Polizeibus wartet weiter hinten am Rand des Feldes.

Die Landschaft ist in klar lesbare Tiefen gestaffelt. Hohe Gräser bilden den nahen Bildraum, die Maschine und das Fahrzeug markieren den Mittelgrund, während der Wald den Blick nach hinten abschließt. Obwohl der Roboter weiter von den Betrachtenden entfernt steht als die Kinder, überragt er sie deutlich. Ihre Körper werden so zum Maßstab für seine Größe.

Auch die Farbverteilung ordnet die Szene. Das Grün der Wiese, der dunkle Wald und der graue Himmel bleiben gedämpft. Dagegen zieht das Orange an Roboter und Rucksack den Blick an und verbindet eine alltägliche Kinderausrüstung optisch mit der fremden Maschine. Der grüne Trainingsanzug des zweiten Jungen geht stärker in der Wiese auf. Stålenhag trennt Mensch, Landschaft und Technik also nicht in drei isolierte Zonen, sondern verschränkt sie durch wiederkehrende Farben.

Die Blickrichtung und Haltung der Jungen führen zur Maschine. Der Polizeibus erweitert die Begegnung zugleich um eine offizielle Präsenz, ohne zu erklären, was zuvor geschehen ist. Schutz, Kontrolle oder Gefahr wären mögliche Lesarten, aber keine davon ist durch das sichtbare Geschehen eindeutig festgelegt. Die Spannung entsteht gerade aus dieser Grenze zwischen genauer Beobachtung und offener Erzählung.

Für andere Werke lässt sich dieselbe Methode wiederholen: Benenne zuerst Ort und Alltagsdetails, unterscheide Vorder-, Mittel- und Hintergrund, prüfe Maßstab und Farbakzente und trenne zuletzt das Sichtbare von deiner Deutung. Damit wird aus einem spontanen Eindruck eine nachvollziehbare Bildanalyse.

Die Bücher als dokumentierte Wendepunkte

Die Buchfolge zeigt mehr als eine Reihe von Veröffentlichungsdaten: Schauplatz und Aufgabenstellung verändern sich. Auf die schwedischen Bildwelten folgen das eigenständige amerikanische Universum von The Electric State, die wissenschaftlich begleitete Paleoart und schließlich die Rückkehr zu den Mälaröarna im Buch von 2025.

Simon Stålenhag signiert 2016 seine Kunstbücher auf der Göteborger Buchmesse. Bild: LA2 via Wikimedia Commons, lizenziert unter CC BY-SA 4.0.

Tales from the Loop und Things from the Flood

Ur varselklotet beziehungsweise Tales from the Loop erschien 2014. Der Bildroman verband Stålenhags Erinnerungslandschaft mit einer alternativen Technikgeschichte. Kindheit und große Maschinen stehen dabei nicht als getrennte Themen nebeneinander. Die technische Infrastruktur gehört für die Figuren bereits zur Umgebung, auch wenn sie für Leserinnen und Leser fremd bleibt.

2016 folgte Flodskörden beziehungsweise Things from the Flood. Das zweite Buch führte die schwedische Bildwelt in eine spätere Lebensphase und vom Erleben der Kindheit zum Erwachsenwerden. Zusammen bilden die beiden Veröffentlichungen einen zeitlichen Bogen, ohne ihre Welt in eine lückenlose technische Chronik zu verwandeln.

The Electric State: Amerika statt Mälaröarna

Mit Passagen beziehungsweise The Electric State wechselte Stålenhag 2017 in ein separates Universum. Die Geschichte spielt gegen Ende des Jahres 1997 in einem beschädigten Amerika. Eine Jugendliche und ihr Spielzeugroboter reisen nach Westen. Anders als bei den locker verbundenen schwedischen Erinnerungsbildern trägt eine geschlossenere Reisebewegung das Buch.

Stålenhag beschrieb den Band als deutlich düstereren Gegenentwurf zu den ersten beiden Büchern. Der amerikanische Schauplatz ist deshalb mehr als eine neue Tapete. Straße, Bewegung und Ziel geben der Abfolge einen anderen Rhythmus, während verlassene Technik und gestörte Mediennutzung die Umgebung prägen.

Später wurde das Buch zur Grundlage eines Films, dessen Ton und Handlung jedoch nicht mit der Vorlage gleichgesetzt werden sollten.

Paleoart: Wissenschaft als zweites Standbein

Parallel zu den fiktionalen Maschinenwelten arbeitete Stålenhag an wissenschaftlicher Illustration. 2014 schuf er Bilder für die Ausstellung Fossils and Evolution des Naturhistoriska riksmuseet. Dabei musste er ausgestorbene Tiere in nachvollziehbare Körper, Räume und Lichtverhältnisse übersetzen.

Das Naturhistoriska riksmuseet in Stockholm, für dessen Evolutionsausstellung Stålenhag 2014 Paleoart schuf. Bild: Allgau via Wikimedia Commons, lizenziert unter CC BY-SA 4.0.

2019 erschienen die Arbeiten als Urtidsbilder beziehungsweise Images from Deep Time. Den wissenschaftlichen Text schrieb Anna Davour. Diese Aufgabenteilung ist wichtig: Stålenhag verantwortete die Bildrekonstruktionen, während der begleitende Text aus wissenschaftlicher Facharbeit hervorging.

Die Paleoart erklärt zugleich eine Grundstärke seiner fiktionalen Arbeiten. In beiden Fällen muss ein nicht direkt beobachtbares Motiv glaubhaft in eine Umwelt eingefügt werden. Bei Dinosauriern begrenzen wissenschaftliche Erkenntnisse die Rekonstruktion; bei erfundenen Maschinen setzt Stålenhag die Regeln selbst. Sorgfältige Landschaftsbeobachtung benötigen beide Aufgaben.

2020 folgte Labyrinten beziehungsweise The Labyrinth als nächster veröffentlichter Bildroman. Im selben Jahr startete die eigenständig entwickelte Amazon-Serie Tales from the Loop.

Svenska maskiner: Rückkehr und neuer Schwerpunkt

Mit Svenska maskiner, ensligt belägna, international als Sunset at Zero Point geführt, kehrte Stålenhag 2025 zu den Mälaröarna zurück. Das Buch erzählt über mehrere Jahrzehnte und rückt Männlichkeit, Freundschaft und Liebe in den Mittelpunkt.

Die Rückkehr ist keine bloße Wiederholung des ersten Erfolgs. Zwischen dem Debüt und diesem Buch liegen der amerikanische Ortswechsel, Paleoart, ein weiterer Bildroman sowie Adaptionen in anderen Medien. Der vertraute Inselraum dient nun einer Geschichte mit längerem Zeitbogen und verändertem thematischem Gewicht.

Wenn Bilder weiterwandern: Rollenspiel, Serie und Film

Rollenspiel, Amazon-Serie und Netflix-Film knüpfen auf unterschiedliche Weise an Stålenhags Bücher an. Beim Rollenspiel bildet die Bildwelt die Grundlage, an der Serie war er als Co-Executive-Producer und mit Key Art beteiligt, beim Film beriet er zu Zeitlinie und Hintergrundgeschichte.

Vom Bildband zum Rollenspiel

Free League veröffentlichte 2017 das Rollenspiel Tales from the Loop. Es überträgt die Bildwelt in eine Form, in der Spielgruppen eigene Geschichten innerhalb des Schauplatzes entwickeln. Die konkreten Spielszenarien und Regeln sind Leistungen des Rollenspielteams und nicht mit der Autorschaft der ursprünglichen Bildromane gleichzusetzen.

Was die Amazon-Serie übernimmt und verändert

Die Fernsehserie Tales from the Loop startete am 3. April 2020. Nathaniel Halpern entwickelte und schrieb die Serie. Stålenhag war als Co-Executive-Producer beteiligt und schuf Key Art, also zentrale Werbebilder für die visuelle Präsentation der Produktion.

Damit bestand eine dokumentierte Verbindung zum Künstler, doch die Serie ist kein von ihm geschriebener Bildroman in bewegter Form. Fernsehen verlangt festgelegte Figuren, Szenenfolgen, Dialoge und Laufzeiten. Wo ein einzelnes Gemälde eine Beziehung nur andeuten kann, muss eine Episode konkrete Handlungen auswählen. Die Serie übernimmt daher die Grundidee und Atmosphäre der Bildwelt, formt daraus aber ein eigenständiges Fernsehwerk.

Warum der Netflix-Film nicht mit dem Buch gleichzusetzen ist

Netflix veröffentlichte The Electric State 2025 als freie Adaption. Stålenhag beriet die Produktion zu Zeitlinie und Hintergrundgeschichte. Die veränderte Genre-Ausrichtung ordnete er jedoch als Entscheidung und Werk der Regisseure Anthony und Joe Russo ein.

Für die Einordnung ist deshalb eine klare Trennung hilfreich: Stålenhag schrieb und illustrierte die Buchvorlage; das Filmteam entwickelte daraus seine eigene Handlung und Tonlage. Gemeinsamkeiten bei Figuren, Motiven oder Ausgangsideen bedeuten nicht, dass jede Entscheidung des Films eine Aussage des Künstlers wiedergibt.

Warum sein Beitrag über Retrofuturismus hinausreicht

Der Begriff Retrofuturismus erfasst die alternativen Technikwelten, aber nicht Stålenhags gesamte Praxis. Seine Bildromane, die Paleoart und Auftragsillustrationen beruhen auf unterschiedlichen Aufgaben; verbunden sind sie durch genaue Landschaftsbeobachtung und eine digital ausgeführte, malerisch wirkende Bildsprache.

Landschaft zuerst, Spektakel danach

Retrofuturismus beschreibt Vorstellungen von Zukunft, die aus der Formensprache oder Technikauffassung einer früheren Zeit entwickelt werden. Der Begriff hilft bei Stålenhags alternativen 1980er- und 1990er-Jahren, sollte aber nicht als von ihm gegründete Schule verstanden werden. Anders als fest umrissene historische Kunstepochen und Kunststile dient er hier vor allem als Orientierung.

Stålenhags Beitrag liegt weniger im bloßen Entwurf großer Roboter als in der Glaubwürdigkeit ihrer Umgebung. Landschaft, Wetter, Alltagsgegenstände und menschlicher Maßstab bereiten das Ungewöhnliche vor. Nimmt man die Technik aus einem Bild, bleibt häufig noch immer eine sorgfältig beobachtete Szene. Fügt man sie wieder ein, verändert sich die Bedeutung des gesamten Ortes.

Auftragsillustrationen und Paleoart zeigen, dass seine beobachtende und erzählerische Arbeitsweise nicht auf eine einzige fiktive Welt begrenzt ist. Je nach Aufgabe entwirft er Technik, rekonstruiert ausgestorbene Tiere oder verdichtet eine Landschaft zum Schauplatz einer offenen Geschichte.

Offene Bilder zwischen Malerei und Erzählung

Stålenhags Bildromane verbinden Illustration und erzählenden Text. Einzelne Szenen lassen sich für sich betrachten, zugleich führt die Buchfolge durch Orte und Ereignisse. Rollenspiel, Serie und Film greifen diese Bildwelten auf, sind jedoch eigenständige Adaptionen mit eigenen Regeln, Szenen und Entscheidungen.

Das 2025 erschienene Svenska maskiner, ensligt belägna führt diese Entwicklung an einen biografisch frühen Ort zurück. Nach wechselnden Universen, wissenschaftlichen Rekonstruktionen und Bildschirmadaptionen bleiben die Mälaröarna ein produktiver Ausgangspunkt. Der entscheidende Wiedererkennungseffekt entsteht weiterhin dort, wo ein präzise beobachteter Alltag genug Halt bietet, um das Unbekannte glaubhaft erscheinen zu lassen.

Häufige Fragen zu Simon Stålenhag

Neben den Büchern gehören auch Auszeichnungen, Auftragsarbeiten und der Museumskontext zu Stålenhags Laufbahn.

Welche Auszeichnungen dokumentieren die Rezeption seiner Bildwelten?

The Electric State stand 2019 auf den Shortlists des Arthur C. Clarke Award und des Locus Award in der Kategorie Art Book. Tales from the Loop erhielt 2021 den Kurd-Laßwitz-Preis als bestes ausländisches Science-Fiction-Werk. Das gleichnamige Rollenspiel gewann fünf Gold ENNIE Awards, darunter die Auszeichnungen für Spiel, Gestaltung, Schauplatz, Text und Produkt des Jahres.

Welche Aufträge übernahm Stålenhag außerhalb seiner Bildromane?

Sein offizielles Werkverzeichnis nennt unter anderem ein Cover für No Man’s Sky von 2015, Arbeiten für das Stockholm Resilience Centre von 2016 und Amazon-Promobilder von 2019. Diese Projekte ergänzen seine Bücher und die wissenschaftliche Illustration um Aufträge aus Spiele-, Forschungs- und Medienkontexten.

Wo ist Stålenhags Paleoart heute institutionell sichtbar?

Das Naturhistoriska riksmuseet weist auf seiner Dinosaurierseite weiterhin mehrere Illustrationen ausdrücklich Simon Stålenhag zu. Seine 2014 für das Museum entstandenen Rekonstruktionen sind damit nicht nur als Buchprojekt dokumentiert, sondern bleiben mit der naturkundlichen Vermittlung der Institution verbunden.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.