Ernst Ludwig Kirchner – Deutscher Künstler des Expressionismus

Ernst Ludwig Kirchner war eine der führenden Persönlichkeiten des Kollektivs „Die Brücke“, das vor dem Ersten Weltkrieg in Berlin und Dresden florierte, und er gilt heute als einer der erfolgreichsten und wichtigsten Vertreter des deutschen Expressionismus. Kirchner hatte widersprüchliche Ansichten über das Alte und das Neue, getrieben von denselben Sorgen, die die Gruppe als Ganzes erfassten – Bedenken über die Rolle der Menschheit in der heutigen Welt, ihre verlorenen Gefühle von Heiligkeit und Aufrichtigkeit. Ernst Ludwig Kirchners Kunstwerke wie die Gruppe der vier Akte drehten sich um den menschlichen Körper. Ernst Ludwig Kirchners Gemälde waren eine dramatische Reaktion auf den Impressionismus, der die deutsche Kunst zur Zeit seines Erscheinens dominierte.

Ernst Ludwig Kirchner’s Biographie

Ernst Ludwig Kirchners Kunstwerke waren eine Reaktion auf die nüchterne Formalität der bürgerlichen Existenz. Er leugnete stets, von anderen Malern beeinflusst worden zu sein, doch Edvard Munch und Henri Matisse hatten definitiv Einfluss auf seine Ästhetik. Der Fauvismus hatte einen starken Einfluss auf seine Farbpalette, die ihn dazu veranlasste, flache Flächen mit ungebrochenen, oft unvermischten Farben und Grundformen zu verwenden.

Kirchner war der Meinung, dass starke Energien – sowohl belebende als auch zerstörerische – unter der Schale der westlichen Zivilisation lauerten und dass Kreativität ein Weg war, sie nutzbar zu machen. Diese Sichtweise beeinflusste die Art und Weise, wie er Männer und Frauen in seinen Fotografien darstellte, als Individuen, die mit sich selbst oder ihrer Umgebung im Zwiespalt zu sein scheinen.

Er interessierte sich auch für den Primitivismus, vor allem für den der pazifischen Inseln, weil er in dieser Arbeit eine direktere Darstellung dieser elementaren Elemente sah. Kirchner wurde auch von der primitiven Kunst in seinem Streben nach einer einfacheren Darstellung der Form beeinflusst. Seine Einstellung zur primitiven Skulptur und seine Wertschätzung für grob behauene, teilweise bemalte Oberflächen wurden eindeutig von ihr beeinflusst.

Frühe Ausbildung

Ernst Ludwig Kirchner wurde am 6. Mai 1880 in Aschaffenburg in Bayern geboren und begann 1901 mit Unterstützung seiner Eltern ein Architekturstudium an der Technischen Hochschule in Dresden. Er machte gute Bekanntschaft mit Fritz Bleyl, der seine extremen Ansichten über Kunst und Umwelt während des Studiums unterstützte. Kirchner zog es in diesem Alter vor, sich auf die bildende Kunst statt auf die Architektur zu konzentrieren.

Kirchner und Bleyl gründeten 1905 mit anderen Architektur-Klassenkameraden, Erich Heckel und Karl Schmidt-Rottluff, die Künstlergruppe Die Brücke.

Eine Selbstporträtfotografie des deutschen Künstlers Ernst Ludwig Kirchner, aufgenommen im Jahr 1919; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Ziel war es, alte akademische Ansätze zugunsten einer neuen Art des kreativen Ausdrucks aufzugeben, die als „Brücke“ zwischen vergangenen klassischen Themen und der aktuellen Avantgarde dienen sollte. Die Brücke verwendete grobe Linien und eine lebhafte, künstliche Farbpalette, um starke Emotionen zu vermitteln. Die neue Gruppe übte das Figurenzeichnen in einer alten Fleischerei, die auch als Kirchners Werkstatt diente. Bei den Treffen im Atelier kam es dagegen häufig zu spontanen Liebesabenteuern und ausgiebiger Nacktheit.

Die Brücke ließ sich in ihrer Kunst von den Werken Albrecht Dürers und der lebhaften Farbgebung der Neoimpressionisten inspirieren. Kirchner mochte vor allem Dürers Holzschnitte, die er mit seiner eigenen Ästhetik aus reduzierten Linien und energiegeladenen Kompositionen zu aktualisieren versuchte.

Reifezeit

Die Brücke und Kirchner hatten 1906 ihre erste Gruppenausstellung in einer Lichtfabrik. Das Hauptthema der Ausstellung war weibliche Nacktheit, die durch nächtliche Werkstattgespräche inspiriert wurde. Kirchners Holzschnitt Nackte Tänzerinnen (1909) ist ein Beispiel für die Dynamik der Ausstellung. Nackte Damen, die auf einer Bühne auftreten, werden in groben, grafischen Linien dargestellt.

Die Brücke fand 1913 ihr Ende, als Kirchner die „Chronik der Brücke“ veröffentlichte, ein Buch über die Freiheit des Daseins und der Mobilität im Angesicht der alteingesessenen älteren Einflüsse.

Plakat für die Ausstellung der Künstlergruppe „Die Brücke“ in der Galerie Arnold in Dresden, geschaffen von Ernst Ludwig Kirchner im Jahr 1910; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

Danach wollte Kirchner seine eigene künstlerische Identität aufbauen. Er interessierte sich für die Industrialisierung und die Entfremdung, die die Menschen in den Städten empfinden. Mit der Produktion der Straßenbilder Serie im Jahr 1915 verlagerte er seinen Fokus allmählich weg vom weiblichen Akt und auf die Berliner Straßen.

Da er die sich verändernden politischen Umstände des Ersten Weltkriegs und ihren Einfluss auf die deutsche Kultur sah, konzentrieren sich diese Werke auf das pulsierende Leben im modernen Berlin.

Kirchner verwendete kräftige, ausdrucksstarke Pinselstriche und helle Farben wie Blau, Grün, Orange und Rosa, um Menschengruppen darzustellen. In Abkehr von den akademischen Traditionen, die er in seinen Architekturkursen gelernt hatte, war seine Perspektive oft verzerrt: Die Menschen ragten in die Höhe und lehnten sich entweder zur Bildebene hin oder von ihr weg.

Spätere Jahre

Kirchner meldete sich 1915 freiwillig zum Militär, wurde aber bald darauf wegen eines psychischen Zusammenbruchs entlassen. In den Jahren 1916 und 1917 erholte er sich in verschiedenen Schweizer Anstalten. Von seinen Kriegserlebnissen traumatisiert, zog er 1918 auf einen Bauernhof in den Alpen bei Davos, wo er eine Reihe von Alpenlandschaften schuf.

Mit Ausstellungen in Deutschland und der Schweiz in den 1920er Jahren wuchs sein Ansehen als bedeutender Künstler des deutschen Expressionismus noch weiter.

Davos im Sommer (Davos im Sommer) (1925) von Ernst Ludwig Kirchner, zu finden im Kirchner Museum Davos in Davos, Schweiz; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

1926 veröffentlichte er seine erste Monografie und ein Inventar seiner grafischen Werke. 1927 wurde er beauftragt, Wandbilder für das Folkwang Museum zu malen, und 1928 wurde er zur Biennale in Venedig eingeladen. Kirchner wurde 1931, als sein Ruhm wuchs, in die Preußische Akademie der Künste gewählt.

Kirchner wurde 1933 gezwungen, aus der Berliner Akademie der Künste auszutreten, nachdem die deutschen Nazis ihn als „abweichenden Maler“ bezeichneten. Die Nazidiktatur sperrte über 600 seiner Gemälde ein oder zerstörte sie. Diese Vorfälle hatten eine so schreckliche Wirkung auf ihn, dass er am 15. Juli 1938 Selbstmord beging.

Liste der Gemälde von Ernst Ludwig Kirchner

Im Mittelpunkt von Ernst Ludwig Kirchners Gemälden stand die menschliche Gestalt. Sie war ausschlaggebend für die Fotografien, die sein Atelier als Kulisse nutzten – Fotografien, auf denen er Modelle in Pose setzte, aber auch Teile seines Bohème-Lebens zeigte.

Für Kirchner war das Atelier ein wichtiger Knotenpunkt, an dem sich Kunst und Wirklichkeit kreuzten.

Aber die Figur beeinflusste auch seine Fotografien von Berlin, in denen die Stimmung der Menschen auf der Straße wichtiger zu sein schien als das dazugehörige Stadtbild. Und meistens zeigte er die Figur in Bewegung, weil er glaubte, dass dies die Vollständigkeit und Energie der menschlichen Form besser darstellt.

Nackte Tänzerinnen (1909)

Dieser Holzschnitt zeigt eine Gruppe von sinnlichen, nackten Darstellerinnen. Das Werk, das in der Zeit von Die Brucke entstanden ist, zeigt die intensive Stimmung einer Versammlung in Kirchners Werkstatt, ein wiederkehrendes Szenario in seinen Fotografien. Kirchner entwickelte ausdrucksstarke, dynamische schwarze Linien, indem er den Holzblock in einem Versuch, die traditionelle Druckgrafik wiederzubeleben, kräftig wegschnitt; die weiten Hell-Dunkel-Bereiche vermitteln ein ungewisses Gefühl von körperlicher Tiefe auf einer zweidimensionalen Oberfläche.

Kirchner erreicht eine stimmige Komposition, indem er eine Harmonie zwischen den beiden Extremen (Licht und Dunkelheit, kraftvoll und zart) schafft.

Die bewusste Entscheidung, weiße Partien ungeschliffen zu lassen und so die Schnitzarbeiten freizulegen, ist eine Absage an die typische akademische Ausbildung, wie Die Brucke zeigt. „Der Holzschnitt war das visuellste aller grafischen Verfahren“, bemerkte Kirchner.

Er und seine Mitstreiter von der Brücke kultivierten das Potenzial des Mediums für starke, raue Strukturen und förderten eine Rohheit, die zu ihrem Ziel der emotionalen Direktheit passte.

Kirchner benutzte grobe Schnitte im Holzschnitt, um seine seltsam platzierten Figuren zu schaffen, die durch die flache, schwarze Oberfläche eines riesigen Hutes hervorgehoben werden. Die Nacktheit seiner Figuren impliziert eine Offenheit, eine Abkehr von Konventionen auf der Suche nach der grundlegenden Realität.

Marzella (1909 – 1910)

Kirchners Stil ist in diesem Bild offensichtlich, von der hellen, kontrastreichen Farbpalette bis zu den schwarzen Linien, die die Form definieren. Anstatt sich zu bemühen, alles miteinander zu vermischen, besteht das Gesicht ebenfalls aus Farbblöcken. Das Mädchen hat eine faszinierende Mischung aus Unschuld und Jugend, aber auch attraktive Augen und glänzende Lippen. Sie nimmt eine verletzliche Haltung ein, indem sie sich mit verschränkten Armen und angezogenen Knien vorbeugt. Sie sitzt auf einer kleinen gestreiften Matte oder einem Handtuch, und die Farben, die den Raum hinter ihr ausfüllen, sind lebhaft und angenehm, wobei auch hier nur wenige Details zu sehen sind.

Das Gemälde ist unverkennbar im Expressionismus angesiedelt, bei dem sich die Künstler auf Gefühle und Emotionen konzentrieren, anstatt die Realität direkt wiederzugeben.

Marzella (1909 – 1910) von Ernst Ludwig Kirchner, zu finden im Moderna Museet in Stockholm, Schweden; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine verblüffende Parallele gibt es zwischen Marzella und Puberty, beides Gemälde von Edvard Munch aus dem Jahr 1895. Beide Maler setzten in ihren Werken gefühlsbetonte Techniken ein und konzentrierten sich weniger auf Details als vielmehr auf die Kommunikation. Kirchners Kunstwerk ist in diesem Fall beschnitten, sodass wir das Modell nicht in seiner Gesamtheit sehen können. Im Gegensatz zu dem norwegischen Kunstwerk ist ihre Haltung neutraler und schwer zu erkennen.&nbsp

Die Gruppe Die Brücke war zum Zeitpunkt dieses Bildes seit etwa 5 Jahren aktiv, und diese Gruppe von Malern hatte bereits einen ausgeprägten Charakter, vom Nebeneinander von hellen und dunklen Farben bis hin zu den zackigen Porträts.

Diese fortschrittlich denkenden Maler stießen auf den heftigen Widerstand deutscher Beamter, die ihren zeitgenössischen Ansatz ablehnten und eher konventionelle Kunststile bevorzugten. Diese Art von Konflikten ist üblich, aber was diesen Fall besonders außergewöhnlich machte, war, dass die Regierung die Kunst nicht nur kritisierte, sondern so weit ging, dass sie einige Werke beschlagnahmte und sogar zerstörte.

Maler und Modell (1910)

Der Mantel des Künstlers ist das erste, was dir ins Auge fällt, mit seinen schrillen Farben, die uns aus den Tiefen der Seele des Schöpfers ansprechen. Abgesehen von den Streifen gibt es nur ein paar Knöpfe und eine Tasche, die nicht sehr kompliziert sind. Der Künstler nimmt mit einer schwarzen Pfeife Haltung an und richtet seinen Blick auf den Betrachter. Er scheint nackt oder in Unterwäsche unter seinem Mantel zu sein, was darauf schließen lässt, dass er an einem besonders informellen und bequemen Arbeitsplatz arbeitet.

Im Hintergrund hockt ein Modell auf einem kleinen Werkzeug und sorgt für Interesse, ohne von der Arbeit des Künstlers abzulenken.

Sie trägt ein schlichtes bläuliches Kleid oder Unterwäsche und braune Schnallenschuhe. Das Dekor dieses Zimmers ist hell, aber es verwendet auch die gleichen Farbpaletten wie Kirchners Jacke. Auch hier gibt es nur wenige Informationen, gerade genug, um Elemente auf dem Bild anzudeuten und um die allgemeine Struktur des Raumes zu schaffen, um die kleinsten Blickwinkel zu bieten.

Maler und Modell (1910) von Ernst Ludwig Kirchner, in der Hamburger Kunsthalle in Hamburg, Deutschland; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Maler scheint besonders kühl zu sein, während das Modell ihn sehnsüchtig anzustarren scheint. Er hat Material in der rechten Hand, vielleicht eine Staffelei, während er an einer Leinwand arbeitet. Er scheint barfuß zu sein, und der Boden ist etwas strukturiert, obwohl es schwer zu erkennen ist. Kirchner hat das Bild sorgfältig so geschnitten, dass weder der Kopf noch die Zehenspitzen ganz im Bild sind. Einige der Elemente in diesem Bild wurden verwendet, um die Gruppe Die Brück zu klassifizieren, in der dieser Maler eine wichtige Schlüsselfigur war.

Die Verwendung leuchtender Farben gegen schwarze Linien, um Formen zu schaffen, sowie gezackte Kanten und minimale Details entsprachen ganz der allgemeinen Ausrichtung der Expressionisten und beeinflussten viele spätere Maler, nicht nur die in Deutschland.

Die Methode des Ausschnitts wurde von den japanischen Malern der vergangenen Jahrhunderte inspiriert, während die Farben an die Postimpressionisten und Fauvisten erinnern, die beide daran glaubten, dass sich der kreative Geist wirklich entfalten kann.

Straße, Berlin (1913)

Die Darstellungen des Künstlers vom Stadtleben schaffen eine Aura des Aufruhrs und der Aktivität, die wunderbar zum lebhaften und expressionistischen Schaffensstil des Künstlers passt. Kirchner verwendet einen starken Kontrast zwischen Dunkelheit und Licht sowie leuchtende rosa und lila Farbtöne, die sofort ins Auge fallen.

Die meisten Männer sind in schlichte schwarze Anzüge gekleidet, um nicht zu viel Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen, während die prominenten Figuren in verschiedenen Farben gekleidet sind, um den Blick zu fokussieren, wie Kirchner es geplant hat. Die beiden Damen in der Mitte sind Prostituierte, wenn auch glamourös gekleidet.

Sie sind in blaue und lila Kostüme gekleidet, die sowohl hübsch als auch raffiniert sind, denn der Künstler präsentiert diese Damen in einem ehrlichen, aber positiven Licht. Sie wirken fröhlich und bequem, was im Widerspruch zu dem Klischee steht, das vielen Frauen in dieser Branche anhaftet. Es sind die Männer, die größtenteils charakterlos sind, als ob sie für zehn Pfennig zu haben wären.

Straße, Berlin (1913) von Ernst Ludwig Kirchner, im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

Es erweckt den Eindruck, dass die Damen sehr begehrt sind und verfolgt werden, während die Männer um ihre Interessen konkurrieren. Dieser Blickwinkel auf das Thema Prostitution findet sich auch in Kirchners anderen Werken aus dieser Zeit wieder.

Kirchners „Streetwalker“-Sequenz, von der dies ein berühmtes Beispiel ist, gehört zu seinen meist bewunderten Werken.

Die Darstellerin Gerda Schilling und ihre Geschwister Edna, die später die Geliebte des Schöpfers wurde, könnten als Inspiration für die Serie gedient haben. Er beschrieb die beiden Damen einmal als „prächtige, architektonisch gestaltete, steif gemachte Körper“, und ihr Zusammentreffen hat diese Reihe von Figurenkompositionen sicherlich beeinflusst.

Selbstbildnis als Soldat(1915)

Eines von Kirchners bekanntesten Gemälden, Selbstbildnis als Soldat, hat symbolische Aspekte, indem es den Maler mit einer abgetrennten Hand zeigt. Die Bedeutung seiner Behinderung in diesem Bild soll darstellen, wie der Krieg seinem Erfindungsreichtum schadet, als ob er physisch eine Hand verlieren würde. Die emotionale und körperliche Erschütterung, die ein Kriegseinsatz mit sich bringt, kann man nur schwer nachvollziehen, wenn man sie nicht selbst erlebt hat, und da die Künstler des Expressionismus so sehr mit ihren Gefühlen verbunden sind, wäre der Effekt für sie noch viel größer.

Der Anblick dieses Kunstwerks kann diese Gräueltaten besser vermitteln als die Sprache selbst des größten Kriegsdichters.

Das Kunstwerk entstand 1915 inmitten des Ersten Weltkriegs, einem Konflikt, von dem manche sagen, er sei der blutigste von allen gewesen, was die Zahl der Betroffenen und die angewandten Kampfmethoden angeht. Kirchner meldete sich freiwillig als Artilleriefahrer, in der Hoffnung, einigen der wirklich abscheulichen Aufgaben zu entgehen.

Selbstporträt als Soldat (1915) von Ernst Ludwig Kirchner, zu finden im Allen Memorial Museum in Ohio, Vereinigte Staaten; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

Aufgrund einer Reihe von gesundheitlichen Problemen wurde er bald für dienstunfähig erklärt und erhielt zu seiner offensichtlichen Erleichterung einen Aufschub. Trotz seiner kurzen Dienstzeit prägte der Einfluss seiner Umgebung seine Persönlichkeit für den Rest seines Lebens, und dieses Kunstwerk ist ein Hinweis auf seinen inneren Konflikt. Er war sich dieses Einflusses auch bewusst und war besorgt darüber, wie er seine zukünftigen künstlerischen Bemühungen beeinträchtigen würde, die stark von seinen emotionalen Bindungen abhingen.

Die nackte Frau hinter ihm könnte ein Zeichen für seine früheren Projekte sein, die er aufgrund seiner jüngsten Erfahrungen, die nicht rückgängig gemacht werden können, nun der Vergangenheit überlassen hat.

Ernst Ludwig Kirchners Vermächtnis

Ernst Ludwig Kirchner war eine treibende Kraft hinter der Bewegung des deutschen Expressionismus. Seit 1913 erlangte seine Kunst internationale Anerkennung und fand auch in den Vereinigten Staaten Anklang. Seine Malerei steht für die deutsche Kultur in einer entscheidenden Phase der Geschichte vor dem Ersten Weltkrieg.

Auch wenn sein Werk kulturell sehr unterschiedlich ist, hat seine Ausdrucksfähigkeit als Künstler und Drucker Generationen beeinflusst.

Sertigtal im Herbst (1925 – 1926) von Ernst Ludwig Kirchner, zu finden im Kirchner Museum Davos in Davos, Schweiz; Ernst Ludwig Kirchner, CC0, via Wikimedia Commons

Viele Menschen versuchen, Kirchners verzerrten Sinn für Perspektive zu imitieren. Die geometrischen, wilden Linien und die kräftigen Farben des Künstlers sind zeitlos und unverwechselbar. Kirchners Kunst wird immer noch auf der ganzen Welt gezeigt und verkauft. Sie hatte auch einen tiefgreifenden Einfluss auf spätere Generationen von expressionistischen Malern, vor allem auf die Werke von Jörg Immendorf und Georg Baselitz.

Ernst Ludwig Kirchner war eine Schlüsselfigur des Kollektivs „Die Brücke“, das vor dem Ersten Weltkrieg in Berlin und Dresden florierte, und gilt heute als eine der talentiertesten und bedeutendsten Figuren des deutschen Expressionismus. Kirchner vertrat gegensätzliche Ansichten über das Alte und das Neue, motiviert durch die gleichen Sorgen, die die Gruppe als Ganzes bewegten: Zweifel an der Bestimmung der Menschheit in der modernen Welt sowie an ihren verlorenen Vorstellungen von Heiligkeit und Aufrichtigkeit. Der menschliche Körper stand im Mittelpunkt von Ernst Ludwig Kirchners Kunstwerken, wie zum Beispiel der Gruppe von vier Akten. Ernst Ludwig Kirchners Gemälde waren eine starke Reaktion auf den Impressionismus, der die deutsche Kunst zu dieser Zeit dominierte.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Ernst Kirchner?

Ernst Ludwig Kirchner war eine wichtige Figur in der deutschen Expressionismus-Bewegung. Seine Malerei wird seit 1913 international geschätzt und seine Popularität ist auch in die Vereinigten Staaten übergesprungen. Sein Bild fängt die deutsche Gesellschaft an einem Wendepunkt in der Geschichte vor dem Ersten Weltkrieg ein.

Was war das Besondere an Ernst Ludwig Kirchners Kunstwerk?

Trotz der Tatsache, dass sein Werk kulturell anders ist, hat sein ausdrucksstarkes Können als Künstler und Drucker Generationen von Menschen beeinflusst. Viele Menschen versuchen, Kirchners verzerrten Sinn für Perspektive zu imitieren. Die geometrischen und wilden Linien des Künstlers sowie seine stark getönte Farbgebung sind zeitlos und einzigartig. Kirchners Werke werden auf der ganzen Welt ausgestellt und verkauft. Er hatte auch einen bedeutenden Einfluss auf nachfolgende Generationen von Künstlern des Expressionismus, vor allem auf Jörg Immendorf und George Baselitz.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.