Berühmte Holzskulpturen – Die 10 bekanntesten Werke

Menschen auf der ganzen Welt haben im Laufe der Geschichte Barrierefreiheit und Materialien wie Holz und Stein genutzt, um ihre grundlegenden Überzeugungen zu vermitteln. Ein kurzer Blick auf einige der besten Auktionshäuser und Kunstgalerien der Welt zeigt, dass holzgeschnitzte Skulpturen nach wie vor weit verbreitet und beliebt sind. Holzskulpturen haben schon lange die Neugier von Künstlern und Designern geweckt, weil sie so einfach zu schnitzen sind. Heute werden wir berühmte Holzskulpturen und ihre Künstler kennenlernen.

Eine Einführung in die Kunst des Schnitzens von Holzskulpturen

Kunstskulpturen aus Holz haben eine lange und abwechslungsreiche Geschichte. Holz war neben Ton, Stein und Tierteilen eines der ersten Materialien, das die Menschen zu nutzen lernten. Es ist auch heute noch wichtig, denn viele Produkte unseres täglichen Lebens werden aus dieser robusten Struktur hergestellt. Es gibt verschiedene Methoden, es zu bearbeiten. Eine davon ist die Holzschnitzerei, die auf das alte Ägypten zurückgeht.

Das Ägyptische Museum in Kairo beherbergt die Holzskulptur eines Mannes, die auf etwa 4.000 v. Chr. zurückgeht. Diese Arbeit war eine der frühesten in einer langen Reihe von Holzskulpturen.

Geschnitzter Baum mit Reliefs eines Dinosauriers, eines Vogels, eines Bären, eines Kaninchens und einer Schildkröte, zu sehen im Garten des buddhistischen Tempels Haw Phra Kaew in Vientiane, Laos; Basile Morin, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Auch heute noch arbeiten Künstler/innen mit diesem zeitlosen Medium. Manche schneiden und bearbeiten das Holz, um eine glatte, stoffähnliche Oberfläche für ihre Holzschnitzereien zu erhalten. Andere schätzen die kantige Form des Holzes und bauen sie sofort in ihre Holzschnitzereien ein.

Auch wenn sich die Techniken der Künstler unterscheiden, ist eines bei ihren Holzskulpturen gleich: Sie verwandeln die harte Form immer in etwas herrlich Unerwartetes.

Unsere Liste berühmter Holzskulpturen

Wer sind die Holzskulpturen-Künstler und was sind ihre berühmtesten Holzskulpturen-Kunstwerke? Die Kunst hat sich Jahrhundert für Jahrhundert weiterentwickelt und zeichnet sich durch die subtilen Gedanken aus, die die Traditionen unserer Vorfahren fortführen.

Mit der Absicht, die Schönheit, das Wissen und das Talent zu teilen, das die außergewöhnlichen Meister der Holzbildhauerei in sich vereinen, haben wir im Folgenden eine Liste der bemerkenswertesten Holzskulpturen der Welt zusammengestellt.

Vor allem ist es schwierig, Kunst in starre Grenzen zu zwängen. Deshalb sind wir der festen Überzeugung, dass unsere sorgfältig ausgewählte Sammlung all jenen als Inspiration dienen wird, die sich auf den Weg der Holzskulpturenkunst begeben und ihre Augen erfreuen wollen. Aber wir können sicher sein, dass diese Sammlung mit der Zeit weiter wachsen und sich entwickeln wird.

Spaghetti Bench (2008) von Pablo Reinoso

Pablo Reinoso nahm öffentliche Sitzgelegenheiten von unauffälligem Design als Ausgangspunkt für sein Werk Spaghetti Bench. Diese Sitzgelegenheiten sind kulturübergreifend und wirken deplatziert und unzeitgemäß. Reinoso entwickelt Bänke und andere Einrichtungsgegenstände, die, nachdem sie ihren Zweck als Möbel erfüllt haben, wieder zu Ästen werden, die wachsen und klettern können. Sie dienen nicht mehr einer Funktion, sondern sollen ihr Leben und ihren Zustand zurückerobern.

Wir können behaupten, dass der Ehrgeiz der Holzbretter offengelegt wurde; dass sie Freude haben, während sie das erfüllen, was von ihnen verlangt wird – Möbel zu werden.

So können sich die Menschen endlich frei mitteilen, indem sie die Architektur verschmelzen, durch die Gegend wandern, Lücken entdecken und ihren Neigungen folgen. Reinoso entwickelt und fertigt skulpturale Sitzgelegenheiten, seit er 15 Jahre alt ist. In seinen fast 50 Jahren als Künstler hat er mit verschiedenen Sitzgelegenheiten und skulpturalen Formen experimentiert.

Im Grunde ist jedes Stück eine Bank, aber ihre Struktur wurde erweitert und zu einem Gegenstand verdreht, der ein wenig Chaos und viel Spaß bedeutet.

Sud (2012) von Aron Demetz

Aron Demetz‘ krude, oft verstörende, lebensgroße Skulpturen aus Holz und Metall verweigern sich den konventionellen, raffinierten Darstellungen der menschlichen Figur. Obwohl Demetz zahlreiche klassische Holzschnitztechniken anwendet, vermeidet er es, seine Werke zu glätten oder zu lackieren, um die ihnen innewohnende raue und brutale Textur darzustellen.

Der Künstler erforscht auch sein Material, indem er es verschiedenen natürlichen Prozessen aussetzt.

Um der Schwere seiner Skulpturen entgegenzuwirken, arbeitet Demetz häufig Pilze, Holzspäne oder Farbe ein. Er studierte Holzschnitzerei in Gröden, Italien, einer Gegend, die für ihre Handwerkskultur bekannt ist, und Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. Demetz‘ Holzskulpturen erforschen die menschliche Form und zeigen außergewöhnliches Schnitztalent.

Er nutzte das Material, um sowohl die Harmonie als auch die Spannung zwischen Mensch und Natur zu betonen.

Amöben-Skulpturen (2012) von Henrique Oliveira

Henrique Oliveira, ein junger brasilianischer Künstler, hat mehrere neue Werke geschaffen, von denen jedes einzelne seine Fähigkeit unterstreicht, dreidimensionale Umgebungen in eine hochoktanige Atmosphäre von frei fließender Vitalität zu verwandeln, die stärker ist als zuvor. Natürliche Materialien werden in den Skulpturen sorgfältig zu typisch großformatigen, biologischen Massen kombiniert, deren Ästhetik in mancher Hinsicht an die Konfrontation mit menschlichen Eigenschaften erinnert.

Die Mixed-Media-Arbeiten kann man sehen, aber auch auf eine zutiefst eindringliche Weise erleben.

Eines seiner jüngsten Werke hat zum Beispiel ein begehbares Innenleben, das provokant, taktil und extrem detailliert ist und den Betrachter in die Tiefen eines ganz anderen Universums eintauchen lässt. Nach seinem Studium der Sozialen Medien nahm Oliveiras Berufswahl eine andere Wendung und er beschloss, mit Holz zu „malen“, einem Material, das in den Skulpturen des Künstlers häufig verwendet wird. Dass er als Kind in der Holzwerkstatt seines Vaters arbeitete, prägte die markanten Konturen, Rinnsale und amöbenartigen Merkmale von Oliveiras Werken.

Oliveira schafft es, das Publikum an seine Schöpfung zu binden, indem er es dazu auffordert, zu forschen, nachzufragen und vor allem weiter fasziniert zu sein.

SEAT (2012) von Yong Ju Lee

SEAT besteht aus rund 300 einfachen Holzstühlen, die in einer sinusförmigen Fläche angeordnet und gestapelt sind, die in einen instabilen Wirbel gezogen wird, der aus dem Boden aufsteigt. Er formalisiert den Wandel der Stühle von separaten Gebrauchsgegenständen zu architektonischen und zeitlichen Bestandteilen einer undurchsichtigen, besetzbaren Struktur. Beim Herantreten erfahren die Besucher, dass das Sitzen auf einem der Stühle einen zielgerichteten Akt der Beschäftigung darstellt, der nicht als normal angesehen werden kann. Ein kurzes soziales Bündnis, um ihre Vorstellung vom Sitzen als Architektur neu zu konfigurieren.

Der Rotationsunterschied in den Gruppen zoniert die Struktur.

Die Stühle am nahen Rand sind so eingestellt, dass sie den Blick nach außen auf die Stadt und ihre Umgebung freigeben. Die Stühle biegen sich an der Basis des Wirbels nach innen, um einen intimen, komprimierten Platz für die Gäste zu schaffen, an dem sie sprechen und beobachten können, wie die Stühle über ihren Zweck hinaus nach oben fließen.

Stühle, die über dem Boden zwischen diesen Zonen aufgehängt sind, stellen die Rolle des sitzenden Objekts als Struktur, Zierde und Einfriedung wieder her.

Die Stühle werden additiv mit einem modifizierten „Corbelling“-Verfahren gebaut, bei dem die Stühle nach und nach von den Ecken und Kanten zur Mitte hin zusammengefügt werden. Manchmal erinnert das Ergebnis an persische Muqarnas. Die Stühle werden mit einfachen Schrauben, Nieten und verdeckten Schrauben zusammengehalten.

Scholar’s Rock (2013) von Ben Butler

Ben Butler ist ein Bildhauer aus Tennessee, der auch in New York arbeitet. Neben mehreren Ausstellungen in Museen und Galerien hat er Auftragsarbeiten und Installationen in einer Vielzahl von Medien für Gästehäuser, Krankenhäuser, Gärten und andere öffentliche Bereiche im ganzen Land geschaffen, darunter das Crosstown Arts Theater und das Hyatt Regency Chicago. Seine holzgeschnitzten Skulpturen drücken seine Überzeugung aus, dass Objekte nicht dauerhaft und endlich sind, sondern vielmehr das Produkt oder Überbleibsel fortlaufender Prozesse.

Sie sind der Beweis für unsichtbare Einflüsse und zeigen den Kontrast zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Wesen.

Erstaunliche Komplexität entsteht durch grundlegende, dauerhafte Prozesse in der gesamten natürlichen Welt. Wenn die Ordnung der Dinge nicht offensichtlich ist, wird Komplexität manchmal als Chaos missverstanden. In unserer Eile, alles zu wissen, übersehen wir oft die großen unsichtbaren Kräfte, die am Werk sind. Er reagiert darauf, indem er mit den Grenzen zwischen dem Einfachen und dem Komplizierten sowie zwischen dem Komplexen und dem Übermächtigen spielt. Seine Arbeit beginnt selten mit Skizzen oder vorgegebenen Vorstellungen.

Er mag es, sich Materialien direkt zu nähern, lange zu spielen und bisher unbekannte Möglichkeiten für ein Bausystem aufzudecken.

Dumbriës tl ega (2018) von Willy Verginer

Willy Verginer schafft dramatische und respektlose hyperrealistische Holzskulpturen. Diese Holzskulptur zeigt einen Jungen, der im Wasser spielt, umgeben von Müll wie Limonadenflaschen und Blechdosen. Die Skulpturen von Willy Verginer sind losgelöst und bieten dem Besucher eine ganz neue Ebene der magischen Aufhängung.

Verginer schafft eine ganz eigene Bildsprache, die Malerei und Skulptur miteinander verbindet.

Angefangen mit traditionellen Holzarbeiten, wie sie in seiner Heimatstadt Brixen gemacht werden, wich er nach und nach von den Standardmustern ab und entwickelte seinen eigenen Stil. Seine Skulpturen strahlen Majestät aus und wirken gleichzeitig verletzlich. Verginer schafft und verleiht den Holzskulpturen eine hohe emotionale Intensität und ringt ihnen gleichzeitig ihre Anonymität ab, indem er zwischen kraftvollen und subtilen Details wechselt. Auf diese Weise kommuniziert er durch die Holzskulptur und eröffnet eine neue Ebene des Kontakts zwischen dem Kunstwerk und dem Betrachter.

Zu Verginers akribisch gezeichneten Skulpturen gehören Jugendliche, deren Köpfe durch Pappkartons lugen, rotäugige Tiere, deren Hufe sich in Reifen verfangen haben, und bebrillte Geschäftsmänner, die auf Eseln kauern. Ein immer wiederkehrendes Thema in seiner Kunst ist der unaufgeregte Kontrast zwischen zeitgenössischer Industrie und bukolischem Tierleben sowie eine geometrische Abgrenzung in Farbe.

Verginers Werke verweisen auf die aktuelle Umweltverschmutzung und -zerstörung, und ihre menschlichen Subjekte werden als passive Zeugen oder sogar aktive Verursacher dieser Schäden einbezogen.

Matchstickmen (2019) von Wolfgang Stiller

Die fortlaufende Sammlung abgebrannter Streichhölzer von Wolfgang Stiller sind gigantische und bizarre Versionen der buchgebundenen Lookalikes, oft nebeneinander gestapelt oder symbolisch geordnet. Der Deutsche Künstler formt Gesichtsformen in leuchtendem Rot oder Schwarz mit Farbverlauf, die auf eine frühere Verwendung hinweisen und auf den drei Meter hohen quadratischen Säulen thronen.

Die generischen Figuren, die treffend als „Matchstickmen“ bezeichnet werden, decken die ganze Bandbreite menschlicher Emotionen ab, von schmerzhaften Blicken und Trauer bis zu Freude und Frieden.

Stiller begann mit der Sammlung vor mehr als zehn Jahren, als er in China lebte, und die ersten Holzfiguren repräsentierten seine Umgebung. Inzwischen umfassen sie eine größere Bandbreite an Identitäten und werden gelegentlich für größere Außeninstallationen in Bronze gegossen. Die Streichholzmännchen können düster und sogar deprimierend sein, egal ob sie in einer großformatigen Kiste stecken, die einen Sarg nachahmt, oder als Embleme wie der Davidstern an antike Tragödien erinnern.

Allerdings, so Stiller gegenüber Colossal, verweisen sie auch auf die Unbeständigkeit und Vergänglichkeit der Existenz.

Loredana (2019) von Bruno Walpoth

Der Künstler betont, dass sein Gemälde keine Botschaften vermitteln soll, sondern vielmehr eine Zeit in der Menschheitsgeschichte festhalten will. Die sitzende Haltung der nackten Holzfigur mit den vor ihr ausgebreiteten Armen und den geschlossenen Augen lässt den Betrachter über ihren geistigen Zustand nachdenken und vermittelt den Eindruck, dass sie eine Seele hat. Bruno Walpoth stellt interessante menschliche Holzskulpturen her. Die strukturellen Unregelmäßigkeiten der Skulpturen verleihen den Bäumen, von denen sie stammen, eine figurative Lebendigkeit.

Walpoth überzieht seine Skulpturen mit halbtransparenter Farbe, damit die Holzmaserung sichtbar bleibt.

Atelier III Holzskulptur von Bruno Walpoth; ManfredK, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die Figuren wirken lebendig und menschlich, auch wenn sie nachdenklich und tief in Gedanken versunken erscheinen. Walpoth wuchs in einer Familie prominenter Holzschnitzer auf und hat mit Freude beschlossen, in ihre Fußstapfen zu treten und seine eigenen aktuellen Gedanken in die Technik einfließen zu lassen. Walpoth lässt sich von allen Kunstarten außer der Holzschnitzerei und der Bildhauerei inspirieren und geht mit einem kreativen Auge an massive Holzplatten heran.

Er verwandelt sie in fein detaillierte Figuren in Form von Männern und Frauen.

Nr. 177 Mädchen mit Schuhen (2019) von Mario Dilitz

Diese Holzschnitzerei ist aus Walnussholz gefertigt. Sie stellt ein nacktes Mädchen dar, das Schuhe in den Händen hält. Die Fähigkeit, den menschlichen Körper darzustellen, seine Sprache zu vermitteln und zu übersetzen, ist etwas, das der Bildhauer Mario Dilitz eindeutig besitzt. Er schafft Skulpturen von bemerkenswerter Intensität und Anziehungskraft, indem er bildhauerisches Fachwissen und technische Fähigkeiten mit zeitgenössischen Themen verbindet.

Seine holzgeschnitzten Skulpturen, von denen die meisten lebensgroß sind, sind aus hochwertigem Leimholz gefertigt.

Das Holz erhält durch einen Prozess der Zerstörung und des Wiederaufbaus eine neue Festigkeit. Er stellt die visuelle Schönheit seiner Holzskulpturen den Inhalten aktueller Anliegen gegenüber und setzt sich dabei intensiv mit den Unwägbarkeiten der menschlichen Existenz auseinander.

Einerseits legt Mario Dilitz die Konflikte der menschlichen Natur offen, andererseits vereint er sie auf wunderbare Weise in seiner Kunst.

Löwe der Hoffnung (2021) von Jurgen Lingl-Rebetz

Diese prächtige Holzschnitzerei stellt einen majestätischen Löwen dar. Jürgen Lingl-Rebetez ist ein Bildhauer, der dafür bekannt ist, mit einer Kettensäge lebensechte Tierbüsten aus einem einzigen Stück Holz zu schnitzen. Seit Lingl-Rebetez als Jugendlicher zu malen begann, hat er eine Leidenschaft für die Natur entwickelt.

Früh in seinen 20ern begann er mit der Malerei, wurde aber später Holzbildhauerlehrling unter der Anleitung des berühmten deutschen Holzschnitzers Hans-Joachim Seitfudem.

Lingl-Rebetez zog 1996 in die Schweiz, wo er begann, sein unverwechselbares Elektrowerkzeug in einer Methode einzusetzen, die mit dem dreidimensionalen Skizzieren verglichen wird. Mit Messer, Hammer und Meißel verfeinert er seine Schnitzereien von riesigen Katzen, Pferden, Eulen und anderen Tieren, aber das Holz bleibt grob behauen, was den Skulpturen ihren lebensechten Charakter verleiht. Durch die Bemalung bestimmter Körperteile verleiht Lingl-Rebetez seinen Kreaturen noch mehr Leben.

Damit ist unser Blick auf berühmte Holzskulpturen und die Holzskulpturenkünstler, die sie geschaffen haben, beendet. Skulpturen aus Holz haben eine lange und reiche Geschichte. Holz war neben Ton, Stein und Tierteilen eines der ersten Materialien, das die Menschen schon früh zu nutzen wussten. Es ist auch heute noch von Bedeutung, da viele Dinge in unserem Alltag aus dieser starken Struktur hergestellt werden. Auch heute ist Holzskulpturenkunst so beliebt wie eh und je, also geh raus und entdecke die wunderbare Welt der Holzskulpturen!

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.