Anselm Kiefer – Entdecke die Kunst des deutschen Malers

Anselm Kiefers Kunstwerke sind massiv und oft aggressiv. Sie galten als revolutionär in einer Zeit, in der das künstlerische Medium der Malerei schon fast als überholt galt. Der deutsche Künstler ist bekannt für seine Werke über die Geschichte und Mythologie seines Landes, insbesondere über den Holocaust. Anselm Kiefers Gemälde verwenden einen starken Impasto und ungewöhnliche Elemente wie Blei, zerbrochenes Glas, Heu und vertrocknete Blumen, und viele von ihnen erinnern an bestimmte Komponenten der deutschen Vergangenheit und ihrer Geschichten.

Das Leben und die Kunst des deutschen Künstlers Anselm Kiefer

Kiefer ist ein klassischer historischer Künstler in dem Sinne, dass er sich in seinen Werken häufig mit Themen beschäftigt, die mit der nationalen Identität und der Geschichte Deutschlands und seines Volkes zu tun haben, wie zum Beispiel die Wagner-Oper, die nordische Sage und der Holocaust. Letzteres war ein Versuch, die Nazi-Zeit in den Mittelpunkt der nationalen Debatte zu rücken, was häufig Empörung auslöste.

Die Bildsprache von Anselm Kiefers Kunstwerken ist vielfältig und integriert figurative und symbolische Themen wie Siegel, okkulte Ikonografie, strukturelle Innenräume und Umgebungsmerkmale, um beim Betrachter eine psychologische und emotionale Reaktion hervorzurufen.

Die meisten von ihnen ziehen klare Parallelen zu Teilen der deutschen Geschichte, wie zum Beispiel die Wälder, die an legendäre Schlachten oder die Volksmärchen der Brüder Grimm erinnern. Kiefer fühlt sich aufgrund ihrer metaphorischen Kraft zu einer breiten Palette von seltsamen Medien hingezogen. Natürliche Elemente wie Stroh, Erde und Baumwurzeln spielen auf die Zeit an sowie auf die Zyklen von Existenz, Sterblichkeit und Zerstörung. Blei hat für den Schöpfer sowohl als Material als auch als Thema eine große Bedeutung. Es war die Grundsubstanz, die in der Alchemie verwendet wurde, und er glaubt, dass es die einzige Substanz ist, die schwer genug ist, um das Gewicht der Vergangenheit zu tragen.

Kindheit und frühes Leben

Der deutsche Künstler Anselm Kiefer wurde am 8. März 1945, in den letzten Monaten des Zweiten Weltkriegs, geboren. Kiefer, das Kind eines Kunstlehrers, war von der Malerei fasziniert und stellte sich vor, Maler zu werden. Er wuchs in einer katholischen Familie in der Nähe des östlichen Rheinufers im Schwarzwald auf – eine Umgebung, die seine Entwicklung als Künstler prägen und Bilder und Bedeutung für seine Werke liefern sollte.

1951 zog seine Familie nach Ottersdorf und er besuchte das Gymnasium in Rastatt. Trotz seiner frühen kreativen Interessen studierte er zwischen 1965 und 1966 Jura und Romanistik an der Albert-Universitat in Freiberg.

Kurz darauf gab er seinen Ehrgeiz, Jurist zu werden, auf, um sich ganz der visuellen Kunst zu widmen, und schrieb sich an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe bei dem bekannten Maler Peter Dreher ein.

Ein Kunstwerk von Anselm Kiefer, das sich im Museum Hamburger Bahnhof in Berlin, Deutschland, befindet; Fred Romero aus Paris, Frankreich, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Im Alter von 24 Jahren reiste er zu dieser Zeit auch viel in Europa herum. Kiefer gehörte zu einer Ära von Deutschen, die die Trauer und Reue über den Holocaust spürten, ihn aber nicht aus erster Hand erlebten. Nach Aussage des Künstlers diente die fehlende Auseinandersetzung mit dem Zweiten Weltkrieg in der Schule als künstlerische Inspirationsquelle für ihn.

Er begann seine kreative Karriere mit der umstrittenen Bilderserie „Occupations“ (1969), die wegen ihres expliziten Bezugs auf Nazi-Deutschland eine Kontroverse auslöste.

Reifes Werk

Kiefer kam 1970 nach Düsseldorf, um an der Staatlichen Kunstakademie zu studieren und begegnete dem Maler Joseph Beuys, der ihn als Lehrer und inoffizieller Ausbilder nachhaltig prägte. Beuys erkannte in Kiefer ein großes Potenzial und ermutigte ihn, es mit der Malerei zu versuchen, nachdem er von seinem Sarkasmus über die deutsche Geschichte beeindruckt war. In der Folge wechselte Kiefer von der Fotografie zu anderen Medien und schuf 1971 seine ersten großen Landschaftsbilder.

Kiefer begann, seinen eigenen unverwechselbaren visuellen Stil zu entwickeln. Er konzentrierte sich auf dramatische Landschaften und Innenräume und lehnte sich dabei stark an Beuys‘ theoretischen Stil und die Verwendung von Symbolismus an. Er beschäftigte sich weiterhin mit Themen der deutschen Vergangenheit, Tradition und Folklore, indem er die landwirtschaftlichen Wiesen des Landes darstellte und sich mit den kulturellen Traditionen der deutschen Vergangenheit auseinandersetzte, wie Caspar David Friedrich und dem Komponisten Wilhelm Richard Wagner.

Auf den ersten Blick scheinen diese Werke einfache pastorale Landschaften zu sein, doch sie sind von der makabren Vergangenheit Deutschlands geprägt und erinnern an die düsteren Ebenen der Massengräber und Vernichtungslager. Beuys hatte einen großen Einfluss auf Kiefers Arbeit, aber er nahm auch Kontakt zu dem neoexpressionistischen Künstler Georg Baselitz auf, der in dieser Zeit sein erster Förderer und künstlerischer Partner wurde.

Eröffnung der „Ausstellung Anselm Kiefer: SHEVIRAT HA-KELIM“ im Tel Aviv Museum of Art in Tel Aviv, Israel; Yair Talmor  –  יאיר טלמור, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

1974 erwarb Baselitz viele Kiefer-Gemälde und ermöglichte es dem Maler, seine bahnbrechenden frühen Serien ungeachtet ihrer kontroversen Thematik weiterzuführen. In den 1970er und 1980er Jahren reiste Kiefer mehrmals ins Ausland, unter anderem in die Vereinigten Staaten, nach Europa und in den Nahen Osten. Diese Ereignisse hatten einen bedeutenden Einfluss auf seine Weltanschauung und sein Werk. Sie führten dazu, dass er sich von Themen der deutschen Geschichte abwandte und sich allgemeiner mit der Funktion von Kunstwerken und Mythen in gesellschaftlichen und religiösen Situationen beschäftigte.

In seine Werke ließ er Aspekte der jüdischen Mystik und des Kabbala-Glaubens einfließen, vor allem beeinflusst durch die kulturellen Revolutionen in Israel. Angeregt durch eine Reise nach Ägypten stahl Kiefer die reiche grafische Sprache der religiösen Hingabe und der Hieroglyphen-Symbolik aus der umfangreichen Sammlung antiker Kunst und Altertümer des Landes. In dieser Zeit wurden neue Themen wie Siegel und eine Fixierung auf metaphysische und esoterische Symbolik verwendet, aber auch Anselm Kiefers Verwendung einer Vielzahl neuer Materialien war kennzeichnend.

Werk von Anselm Kiefer, das zwischen 1984 und 1986 entstand und sich in der Art Gallery of New South Wales in Sydney, Australien befindet; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons

In seiner 1981 entstandenen Serie Margarete and Shulamite verwendete der Künstler zum ersten Mal Stroh, das er wegen seiner greifbaren, flexiblen und vergänglichen Eigenschaften bevorzugte. Während er zuvor mit Glas experimentiert hatte, wurden organische Materialien wie Stroh, Wildblumen und Asche zu einem festen Bestandteil seiner Werke. Auch Blei, das er bereits in früheren Projekten verwendet hatte, wurde in dieser Zeit immer wichtiger, nachdem er in den 1980er Jahren das Bleidach eines Kölner Doms bei dessen Renovierung erworben hatte.

Kiefer erlangte internationale Berühmtheit, als der Neo-Expressionismus in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren aufkam, und er wurde ausgewählt, Deutschland auf der Biennale von Venedig neben Alfred Stieglitz im Jahr 1980 zu vertreten.

Diese Wahl, die vom Direktor des Stadelschen Kunstinstituts Klaus Gallwitz getroffen wurde, bestätigte den Neo-Expressionismus als Bewegung und forderte das Land auf, die deutsche Geschichte aus einer internationalen Perspektive zu betrachten. Die Ausstellung katapultierte auch Kiefers Ruf in die weltweite Kunstszene und sorgte für enormen Beifall.

Späteres Leben

Kiefer ließ sich 1992 von seiner ersten Frau, mit der er rund 20 Jahre verheiratet war, und den drei gemeinsamen Kindern scheiden und zog von einem winzigen Weiler in der Nähe von Frankfurt in eine riesige Anlage in Frankreich, die früher eine stillgelegte Seidenfabrik war. Kiefer verwandelte das Gelände nach und nach in ein Gesamtkunstwerk, komplett mit Türmen, Tunneln und Strukturen.

Zwischen 1995 und 2001 wagte er sich an eine abstrakte Serie, die sich mit dem Universum beschäftigte und sein Repertoire an Themen und Medien erweiterte.

Gleichzeitig entdeckte er sein lang gehegtes Interesse an Skulptur und Text wieder, indem er eine fesselnde Serie über Velimir Khlebnikov, den russischen Futuristen, schuf und die Werke von Paul Celan wiederentdeckte, dessen Texte in Kiefers Karriere immer wieder auftauchen.

Vermächtnis

Während Kiefer in den 1970er und 1980er Jahren durch den Neo-Expressionismus populär wurde, sind seine Werke nach wie vor bei Künstlern und Betrachtern gleichermaßen beliebt. Seine Verwendung von Materialien, die zum Teil von Robert Rauschenbergs Assemblagen und der Seltsamkeit der Arte Povera inspiriert war, weckte das Interesse an der metaphorischen Verwendung von gewöhnlichen, nicht-künstlerischen Elementen in der Malerei neu.

Dieser Teil seiner Technik erneuerte das Interesse an dreidimensionalen, mehrschichtigen Leinwänden und veranlasste nachfolgende Künstler, darunter Dan Colen und Zhang Huan, sich intensiver mit Materialien zu beschäftigen.

Anselm Kiefers Gemälde sind komplexe Kompositionen mit strengen Themen, die einen unauslöschlichen Eindruck bei Künstlern hinterlassen haben, die in einer Vielzahl von Medien arbeiten, darunter die Künstler Stephen Barclay und Christopher Bramham. Anselm Kiefers Kunst bewegt sich zwischen Abstraktion und Figuration, wobei er einen besonders poetischen und emotionalen Ansatz verfolgt, der die harte Ästhetik der Konzeptkunst zugunsten einer suggestiveren, impressionistischen und moralisch-symbolischen Bildsprache aufgibt.

Anselm Kiefers Kunstwerke

Kiefer verwendet häufig Bücher als Sujet, um Wissen und Kultur darzustellen, was auf seine Faszination für Mythologie, Geschichte und Informationen zurückzuführen ist. Ebenso integriert er regelmäßig Texte in seine Werke, wie z.B. Fragmente aus Gedichten, Büchern und nationalistischen Erklärungen, sowie die Namen bedeutender Persönlichkeiten in krakeliger Schrift.

Der deutsche Künstler hat totemistische Landschaftsszenerien und Grabstatuen mit einer reichen Materialität geschaffen, die auf eine historische Entstehung hinweist.

Berufe(1969)

Kiefers berüchtigte erste Werksammlung bestand aus einer Reihe von fotografischen Selbstporträts, die sich frontal mit der Vergangenheit Nazideutschlands auseinandersetzten. Kiefer ließ sein Porträt an zahlreichen historisch relevanten Orten in Frankreich, der Schweiz und Italien schießen, darunter staatliche Wahrzeichen und antike Ruinen, während er die Armeeuniform seines Vaters trug und den Hitlergruß zeigte. Auf diesem Bild nähert sich der Maler dem Wasser mit dem Rücken zum Betrachter, in einer romantischen Pose, die von David Caspar Friedrich beeinflusst ist.

Anselm Kiefers Kunstwerk zeigt, wie Friedrichs Gemälde „Wanderer über dem Nebelmeer“ (1818), einen Mann mit nach außen gerichteten Augen, der die Umgebung vor sich beherrscht, während er von ihr verschluckt wird.

Kiefer verbindet diese beiden scheinbar so unterschiedlichen Epochen der deutschen Geschichte, indem er in einer historisch-romantischen Haltung posiert und seinen Arm zum Hitlergruß ausstreckt und damit andeutet, dass die Liebe der Deutschen zur Nation mindestens seit dem frühen 19. Die imperialistischen und patriotischen Ansichten der Romantik, die durch die napoleonischen Eroberungen beflügelt wurden, wurden von den Funktionären des Dritten Reiches genutzt und gipfelten in den Schrecken des Holocaust.

Dieses Werk unterscheidet sich zwar ästhetisch von seinen späteren Arbeiten, aber es führt Themen ein, die für Kiefers Studien über das deutsche Erbe und den nationalen Schmerz grundlegend wurden.

Occupations war Kiefers erste Einzelausstellung in Karlsruhe im Jahr 1969, Deutschland. Obwohl Kiefers Ausbilder, Rainer Kuchenmeister, die Arbeit lobte, wurde die Ausstellung von Kiefers Kollegen und dem allgemeinen deutschen Publikum schlecht aufgenommen.

Deutsche Geisteshelden (1973)

Dieses riesige Kunstwerk, das 1980 im deutschen Pavillon auf der Biennale in Venedig ausgestellt wurde, löste eine Debatte aus und rief sehr unterschiedliche Reaktionen hervor. Das Kunstwerk zeigt ein riesiges, leeres Holzgebäude, das an einen mittelalterlichen Bau erinnert und an dessen Wand in regelmäßigen Abständen Lichter brennen. Die trostlose Weite lässt Zweifel an der Existenz der deutschen Helden aufkommen, auf die im Titel Bezug genommen wird, und deutet vielleicht an, dass die nationale Identität nach den katastrophalen Ereignissen des Holocaust von Grund auf neu aufgebaut werden muss.

Einige Kommentatoren missverstanden das Paradoxon des Titels „German Spiritual Heroes“ und behaupteten, das Stück fördere eine weit verbreitete Verliebtheit in das deutsche Erbe, während es die Härte der Nation ignoriere. Andere interpretierten es als einen nachdenklichen Blick zurück auf die deutsche Kultur und die Reaktion des Landes auf seine jüngste Zeit.

Dieses innere Muster zog sich durch Ansel Kiefers Kunstwerke bis in die 1970er Jahre, zum Beispiel in seiner Serie Attic Paintings. Diese Interieurs repräsentieren, wie Vincent van Goghs Darstellungen seines Schlafzimmers, die Mentalität des Künstlers und der Nation und rufen beim Betrachter eine bestimmte emotionale Reaktion hervor.

Das Kunstwerk erweckt beim Betrachter durch das düstere Bild der leeren Kammer einen unbehaglichen Eindruck, der andeutet, dass etwas nicht stimmt. Kiefer wollte, wie schon mit der Serie Besetzungen, das Schweigen über den Holocaust brechen, um die Regeneration und die Expansion darüber hinaus anzuregen, daher die Darstellung einer leeren Kammer, die bereit ist, mit neuen Helden gefüllt zu werden.

Während Kiefer als einer der prominentesten Maler gilt, die sich mit diesem verbotenen Thema auseinandersetzten, war er Teil eines größeren Milieus deutscher Nachkriegsintellektueller, die darum kämpften, der traurigen Vergangenheit ihres Landes zu entkommen.

Kiefers Neigung, unverhohlen Anleihen bei nationalsozialistischen Ideen, Überzeugungen und Parolen zu machen, erwies sich dagegen als spaltend.
Laut dem Wissenschaftler Andreas Huyssen war Kiefers gezieltes Vorgehen, die Büchse der Pandora mit faschistischer und patriotischer Ikonografie zu öffnen, für die deutschen Kritiker eine Art Erbsünde der Post-Auschwitz-Ära. Infolgedessen wurde seine Kunst häufig als Förderung der Nazi-Ideologie missverstanden, anstatt sie in Frage zu stellen, was bei seinen Betrachtern Abscheu und Verachtung hervorrief.

Varus (1976)

Kiefer hat behauptet, dass „unsere Erzählungen im Wald beginnen“, und so ist es keine Überraschung, dass der Wald in seiner Kunst häufig vorkommt. Für den Künstler hat das Motiv eine große Resonanz, vor allem als Darstellung der deutschen nationalen Identität, die auf die germanische Zeit zurückgeht. Varus bezieht sich auf einen Kampf im Teutoburger Wald im Jahr 9 v. Chr., in dem Hermann Arminius, ein Flüchtling aus dem römischen Heer, zusammen mit seinen einheimischen Germanen die Römer unter der Führung von Varus auslöschte, der durch sein Schwert starb, nachdem er gesehen hatte, wie seine Soldaten getötet wurden.

Tacitus hielt den verheerenden Verlust in den Annales fest, die im 15. Jahrhundert wieder aufgegriffen wurden und zu einer Säule der Identifikation der Deutschen als ein Volk von größerer einfacher Tugend mit einer fast mythologischen Bindung an ihr Territorium wurden, ein Volk, das die vom Kosmopolitismus Verdorbenen besiegte.

Die Namen einiger an dem Konflikt beteiligter Personen, vor allem Arminius und seine Frau Thusnelda, sind auf der Leinwand eingraviert, zusammen mit anderen Figuren aus der deutschen Vergangenheit und Kultur, die alle eine Rolle bei der Entstehung des deutschen Nationalcharakters spielten.

Die Namen von Friedrich Klopstock, Friedrich Holderlin, Johann Gottlieb Fichte und Friedrich Schleiermacher sind in die Äste der Bäume eingeschrieben, als ob sie eine Ruhmeshalle bilden würden. Otto von Bismarck, Martin Luther, Adolf Hitler und andere schauten auf Hermann als Vorbild.

Das Scharlachrot im Schnee spiegelt das Blut der Römer und anderer Menschen wider, die im Laufe der Jahre von den Deutschen im Wald abgeschlachtet wurden. Der Weg durch den Wald endet und signalisiert, dass ein neuer und weniger gewalttätiger Weg gefunden werden muss.

Das Arrangement wurde von Friedrichs Gemälde Der Jäger im Wald aus dem Jahr 1814 inspiriert, in dem ein napoleonischer Soldat seinem Schicksal in den deutschen Wäldern entgegengeht und wieder einmal einen militärischen Erfolg feiert, der mit dem Wald verbunden ist. Wälder spielten in mehreren der von den Gebrüdern Grimm dokumentierten deutschen Märchen wie „Hänsel und Gretel“ in Verbindung mit der römischen und Romantischen Zeit eine wichtige Rolle.

Margarete (1981)

Margarete, eines von Kiefers bekanntesten Werken, beschäftigt sich mit Themen wie Erinnerung, Trauer und deutscher Geschichte. Das Kunstwerk ist der Höhepunkt einer Serie, die von dem rumänischen Dichter Paul Celan inspiriert ist und seine Gefangenschaft in einem Konzentrationslager der Nazis schildert. Celan entwirft eine dramatische Darstellung des Holocausts, in deren Mittelpunkt zwei Frauenfiguren stehen, die deutsche Margarete und die jüdische Shulamite, deren Schicksale miteinander verbunden sind.

Kiefer überträgt Celans literarische Themen in die visuelle Kunst, um das Publikum zum Nachdenken über den Schrecken des Holocaust anzuregen, und setzt damit seine Faszination für die Poesie und die Verwendung von Text in seinen Werken fort. Margarete ist blond in dem Gedicht, das im Kunstwerk durch Stroh dargestellt wird, das für Kiefer zu einem wiederkehrenden Material wurde, aber hier zum ersten Mal verwendet wurde.

Kiefer entschied sich für Stroh, weil es sich verdrehen und verbrennen lässt und eine symbolische Anspielung auf Lebensrhythmen, rassische Überlegenheit und die deutsche Wertschätzung des Landes ist. Außerdem verweist die biegsame, gewundene und zarte Beschaffenheit des Strohs auf die unsichere Natur des Lebens und seine endgültige Auflösung. Stroh ist auch eine Anspielung auf Rumpelstilzchen, das in der deutschen Mythologie Stroh wie ein Alchemist in Gold verwandelt.

Wir hoffen, dir hat dieser Artikel über Anselm Kiefer gefallen. Kiefers enorme Produktion hat zu einem Werk geführt, das Malerei, Installationen, Skulpturen, Drucke und Fotografien umfasst, die alle symbolische, ursprüngliche Elemente wie Ton, Blei und Asche verwenden. Er ist einer der bedeutendsten europäischen Maler seiner Zeit, der sich unverblümt mit historischen Themen und den Auswirkungen aktueller europäischer Ereignisse auseinandersetzt. Kiefer greift häufig bestimmte Themen oder Bilder auf und schafft Werke, die mit dem Konzept der Geschichte als ständigem Kreislauf verbunden sind und die Poesie, Geschichte, Theologie und Psychologie berühren.

Häufig gestellte Fragen

Wer ist Anselm Kiefer?

Kiefer schuf seine eigene, bewusst einheimische Sammlung von Themen und Symbolen, um das heikle Gebiet der deutschen Vergangenheit und nationalen Identität zu untersuchen. Die physische Beschaffenheit und die visuelle Komplexität seiner künstlerischen Herangehensweise verleihen dem Gegenstand und dem Thema eine reiche, lebendige Taktilität. Seine Themen reichen von der germanischen Mythologie über die Alchemie bis hin zum Wesen der Religion, und er erforscht sie mit einer schwindelerregenden Vielfalt an Materialien, die alle Arten von organischen Stoffen einbeziehen.

Für was ist Anselm Kiefer bekannt?

Kiefer ist ein deutscher Künstler, der sich in seiner Karriere mit dem Bild, der Vergangenheit und der Mythologie seines Landes in der Nachkriegszeit auseinandergesetzt hat. Kiefers Schaffen als Maler, Bildhauer und Installationskünstler ist stark von der Materialität geprägt. Seine großformatigen Gemälde haben eine unverwechselbare Textur, da er viel Farbe verwendet, die mit gefundenen organischen Überresten vermischt ist.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.