Damien Hirst – Posterboy der kontroversen zeitgenössischen Kunst

Damien Hirst war einer der größten Subversiven des späten 20. Jahrhunderts und eine umstrittene Figur der zeitgenössischen Kunstgeschichte. Damien Hirsts Kunstwerke stießen die Betrachter sowohl ab als auch begeisterten sie. Auch die Kunstkritiker waren keine großen Fans von Damien Hirsts Gemälden, da sie oft extrem ekelhaft waren. Lass uns in das Leben und die Kunst dieses kontroversen Künstlers eintauchen.

Damien Hirst’s Biografie

Warum genau ist Damien Hirst so berühmt? Hirst schuf eine narrensichere Technik, mit der er von Anfang an die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit und der Kritiker auf sich zog. Verwesende Kadaver erschreckten und zogen Museumsbesucher an, die dies als Herausforderung ansahen. Die Kritiker waren ebenfalls erstaunt, weniger über die Arbeit als über die exorbitanten Beträge, die dafür verlangt wurden.

Damit setzte sich Hirst an die Spitze der Kunstwelt und steigerte den Wert seiner Werke, die bis heute einige der höchsten Preise der Branche erzielen.

Kindheit

Der umstrittene Künstler Damien Hirst wurde 1965 in Bristol, England, geboren. Kurz nach seiner Geburt zog seine Familie nach Leeds um, wo er den Großteil seiner Jugend verbrachte. Er wurde von seiner Mutter allein aufgezogen, nachdem sich seine Eltern scheiden ließen, als er 12 Jahre alt war.

Er war ein wilder Jugendlicher, der zweimal wegen Diebstahls ins Gefängnis kam und kein guter Schüler war, aber er zeigte Potenzial in der Malerei und entschied sich schließlich für ein Studium.

Standbild des englischen Künstlers Damien Hirst aus dem Dokumentarfilm „The Future of Art“ von Erik Niedling und Ingo Niermann aus dem Jahr 2010; Christian Görmer, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Als Teenager in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren fühlte sich Hirst vom Punkrock und dem sozialen Milieu angezogen, das in der britischen Gesellschaft immer mehr an Boden gewann. Er war ein großer Fan der Punkband Sex Pistols, obwohl seine Mutter angeblich eines ihrer Alben in einer Obstschale eingeschmolzen hatte, und er bezog sich in seinen späteren Werken häufig auf sie.

Frühe Ausbildung

Von 1986 bis 1989 studierte Hirst Kunst an der University of London, wurde aber beim ersten Mal, als er sich einschrieb, abgelehnt. Er vertiefte sich in sein Studium und wurde in der Studentengemeinschaft der Goldsmiths schnell bekannt, engagierte sich in verschiedenen Gruppen und organisierte studentische Veranstaltungen.

In seinen Sommerferien arbeitete er Teilzeit in einem Leichenschauhaus in Leeds, eine Begegnung, die seine Ideen und Materialien beeinflusste, die er später als Künstler verwendete. Er skizzierte gelegentlich Proben und Leichen (eine übliche Angewohnheit unter westlichen Malern), und die Arbeit vermittelte ihm auch das technische Know-how, das er später bei der Umwandlung von biologischem Material in Skulpturen einsetzen sollte.

In seinem zweiten Studienjahr an den Goldsmiths war er der Hauptorganisator einer Sammelausstellung namens Freeze. Diese Ausstellung war ein Wendepunkt in seiner Karriere. Neben seinen eigenen Werken waren auch Arbeiten von 16 Mitschülern zu sehen, darunter Sarah Lucas, Fiona Rae und andere junge postmoderne Künstler.

Hymn (1999) von Damien Hirst; Jack at Wikipedia, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Die Gruppe wurde bekannt für ihre kompromisslose Herangehensweise an die Kunst, für die sie erstaunlich unorthodoxe Materialien benutzten und Begriffe kreierten, die die Bedeutung von Kunst in Frage stellten. Freeze wurde in einem preisgünstigen Lagerhaus in den Londoner Docklands veranstaltet, einem damals unbeliebten und abgelegenen Viertel. Hirst kontaktierte zunächst eine Vielzahl von Firmengalerien, aber der Vorschlag stieß auf wenig Begeisterung.

Einer von Hirsts Ausbildern, Michael Craig-Martin, überzeugte eine Reihe von bedeutenden Persönlichkeiten der britischen Kunstszene, die Ausstellung zu besuchen.

Nach den Lagerausstellungen von Freeze und Hirst wurde Saatchi dazu inspiriert, den Großteil seines beträchtlichen Bestands an moderner amerikanischer Kunst zu verkaufen und in die nächste Welle britischer Künstler zu investieren. Er stöberte Werke aus Studentenausstellungen und experimentellen Galerien auf, was zu einer Reihe von Ausstellungen mit dem Titel Young British Artists führte, die in den 1990er Jahren stattfanden.

Reifezeit

Saatchi wurde 1991 Hirsts Gönner und bot ihm an, alles zu unterstützen, was der Künstler wollte. Der Plan der beiden Männer sollte bald Früchte tragen. Nach Saatchis erster Ausstellung „Young British Artists“ im Jahr 1992 wurde Hirst weltweit beachtet und gelobt.

Seine erste von Saatchi finanzierte Arbeit war eine große Installation mit dem Titel ‚The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living“, die einen mumifizierten Tigerhai in einem großen Glasdisplay zeigte. Hirst war für den Turner-Preis nominiert, der an aufstrebende britische Maler unter 50 Jahren verliehen wird.

Er hat ihn zwar nicht gewonnen, aber er bekam den Preis im Jahr 1995. Fast sofort profilierte er sich als streitbare und provokante Persönlichkeit in der Welt der zeitgenössischen Kunst. Seine Kunstwerke mit mumifizierten Tierkadavern sind seine bekanntesten und umstrittensten Werke.

Foto von Hirsts Werk mit Love’s Paradox (Surrender or Autonomy, Separateness as a Precondition for Connection) (2007) auf der linken Seite und 2-Amino-5-Bromobenzotrifluoride (2011) auf der rechten Seite, zu sehen im Damien Hirst Room im Arken Museum of Modern Art, Dänemark; Jonathan Deamer, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

So verbot die New Yorker Gesundheitsbehörde 1995 Two Fucking and Two Watching, ein Werk, in dem es um eine verwesende Kuh und einen Stier geht, mit der Begründung, dass es den Zuschauern „übel wird“. Er arbeitete weiter an überraschenden und harten Kreationen, die in der Kunstwelt heftige Hassliebe auslösten.

Inspiriert wurde er durch seine Zeit in der Leichenhalle, und er nannte auch Francis Bacon als großen Einfluss. Bacon ist ein britischer Maler, der für seine kompromisslosen, oft grotesken Bilder von Folter, Elend und Missbildungen bekannt ist. Bacon seinerseits sah die Ausstellung und schwärmte in einem Brief an einen Freund von ihr. Später wurde er zu einem der eifrigsten Verteidiger von Hirst. In den späten 1990er Jahren hatte sich Hirst in der britischen Kunst- und Kulturszene etabliert.

Er drehte das Musikvideo zu „Country House“ von Blur und entwickelte und produzierte einen Kurzfilm mit dem Komiker Eddie Izzard. Sein hohes Ansehen in der modernen britischen Kunst wurde durch die Sensation-Ausstellung in der Londoner Royal Academy im Jahr 1997 gefestigt, die Kommentatoren seitdem als offizielle Aufnahme der YBAs in das Establishment betrachten.

Aktuelle Arbeiten

Mehrere der Young British Artists wurden Ende der 1990er Jahre zu populären Superstars, die für ihre Angeberei, ihr Fluchen und ihre Rock’n’Roll-Mentalität bekannt waren. Hirst, der Sid Vicious der Gruppe, war berüchtigt für seine Alkoholexzesse und sein ausgefallenes Verhalten, zu dem auch ein nackter Besuch bei einem Regisseur gehörte.

Hirst erkannte, dass Berühmtheit und Skandal für ihn untrennbar miteinander verbunden waren, und er spielte die Rolle bewundernswert. Als Hirsts kommerzielle Verbindung mit Saatchi im Jahr 2003 endete, löste er noch mehr Kontroversen aus.

Hirst war unzufrieden mit der Art und Weise, wie Saatchi seine Werke in seiner neuen Galerie ausstellte, und war besonders empört darüber, dass ein Mini Cooper, der in der Art eines seiner Spot-Gemälde verziert war, als ernsthaftes Kunstwerk gezeigt wurde. Er zog alle seine Bilder aus der Ausstellung zurück, woraufhin Saatchi eine große Hirst-Ausstellung in der Tate Modern absagte. Der Künstler beendete die Beziehungen zu seinem langjährigen Sponsor, kaufte einige frühe Werke für eine hohe Summe und teilte den britischen Reportern mit: „Ich bin nicht Charles Saatchis Affe – er nimmt Kunst nur mit seinem Geld wahr.“

Damien Hirst bei seiner Ausstellung, Damien Hirst: The Complete Spot Paintings 1986-2011, die 2012 in der Gagosian Gallery in New York City stattfand; Andrew Russeth aus New York, New York, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Nach der Trennung von Saatchi hatte Hirst wenig Probleme, Kunden und Betrachter für seine Arbeiten zu finden. Obwohl er die Bedeutung des öffentlichen Spektakels schätzt, war er klug genug, um zu erkennen, dass die Technik des provokativen Schocks nicht praktikabel ist. Obwohl seine Arbeit nach wie vor äußerst umstritten ist, passt er sich an und erfindet sich neu, um den Bedürfnissen des Publikums gerecht zu werden, das von ihm verlangt, ein Risiko einzugehen.

Heute gibt es bei Hirst keine Anzeichen für ein Nachlassen.

Er hat sich in der britischen Gastronomie einen Namen gemacht, indem er eine Reihe von Restaurants unterstützt und skizziert hat, von denen viele erfolgreicher waren als andere. Außerdem gründete er Other Criteria, einen Laden, der günstige Sammlerstücke in limitierter Auflage verkauft.

Vermächtnis

Für Hirst sind Konflikte und Wohlstand untrennbar miteinander verbunden, was die Frage nach dem Zusammenhang zwischen Kunstwerken und Reichtum aufwirft, die in absehbarer Zeit kaum zu beantworten sein wird. Hirst, ein gewiefter Geschäftsmann, hat sich selbst zu einem Markenzeichen gemacht. Er kann praktisch alles an jeden verkaufen. Für diejenigen, die sich nicht mit einem toten Hai abgeben wollen, hat er „Spot Paintings“ im Angebot, einfache abstrakte Gemälde, die auf den molekularen Mustern von regulierten Medikamenten basieren. Verbraucherinnen und Verbraucher können Repliken des berüchtigten diamantenbesetzten Schädels in verschiedenen Budgets und Größen kaufen.

Er hat auch seine eigene Skateboard-Linie entwickelt. Hirsts Werdegang ist eng mit dem des zeitgenössischen Kunststars Jeff Koons verbunden, der ihn als Inspiration für seinen rücksichtslos ehrgeizigen, schamlos kommerziellen Ansatz in der Kunst genannt hat.

Hirsts Einfluss auf die Arbeiten von Sarah Lucas, Cindy Sherman und Tracey Emin wurde ebenfalls hervorgehoben. Hirst, der zweifelsohne einer der anerkanntesten Künstler seiner Zeit ist, trug dazu bei, dass im Jahr 2000 die Tate Contemporary gegründet wurde, die inzwischen das meistbesuchte Museum für moderne Kunst der Welt ist.

Kritiker haben auch Hirsts unverhohlene Absicht kritisiert, aus seinem Talent Kapital zu schlagen, und dass er bei der Schaffung seiner Werke, insbesondere seiner ‚Spot Paintings‘, auf Hilfe angewiesen ist.“

In einem Interview sagte er: „Rachel Howard war die beste Person, die je Spots für mich gemalt hat. Sie ist ein Genie. Das ist einfach großartig. Rachels Spots sind die schönsten, die du von mir bekommen kannst.“ Seine Techniken und Themen sind umstritten, doch der Einfluss von Hirsts Einfallsreichtum als Maler, Kurator und Geschäftsmann wird in der Kunstwelt sicherlich noch viele Jahre zu spüren sein.

Damien Hirsts Kunstwerke

Hirsts Methode, so umstritten sie auch sein mag, ist solide auf historischem und aktuellem Material aufgebaut. Seine Betonung des Todes geht auf memento mori Motive im europäischen Stillleben zurück. Mit der Verwendung biologischer Substanzen schließt er sich anderen Künstlern des späten 20. Jahrhunderts an, wie Robert Rauschenberg, der taxidermisierte Kreaturen verwendete, Carolee Schneemann, die sich selbst mit Fleisch überzog, und Joseph Beuys, der Fat Chair und andere fette Kreationen baute.

Hirst unterscheidet sich von seinen historischen und aktuellen Zeitgenossen, indem er ganze Körper als visuelle Spektakel zur Schau stellt. Hirst ist ein fantastischer Darsteller. Man muss kein Kunstexperte sein, um den Nervenkitzel zu genießen, einen toten Hai aus der Nähe zu betrachten.

Sie sprechen nicht nur Insider der Kunstbranche an, sondern auch viele Museumsbesucher, die zum ersten Mal ein Museum besuchen, und führen sie auf ansprechende und direkte Weise in die Thematik der modernen Kunst ein. Ob du ihn nun magst oder verachtest, Hirst war ein Vorreiter bei der Vorhersage der Anforderungen des modernen Kunstmarktes. Man kann argumentieren, dass dies eine Kunstart an sich ist.

Mit totem Kopf (1991)

Mit einem breiten Grinsen im Gesicht posiert der Künstler neben einem enthaupteten Kopf in einer Leichenhalle. Hirst wählte das Bild für eine seiner ersten Einzelausstellungen im Jahr 1991 aus und vergrößerte es, obwohl es einige Jahre zuvor aufgenommen wurde. Er sagte über die Fotos: „Ich wollte sie meinen Freunden zeigen, aber ich konnte nicht alle in die Leichenhalle in Leeds mitnehmen. Ich bin zu Tode erschrocken. Ich lächle, aber ich erwarte, dass sich die Augen öffnen und die Worte herauskommen: „Argh!“ Dieses frühe Werk ist brutal, sarkastisch und erschreckend und drückt die gemischten Gefühle von Ekel und Anziehung aus, die viele Menschen haben, wenn sie mit der physischen Realität des Todes konfrontiert werden.

In diesem Sinne ist Hirsts Arbeit eine Hommage an die Kuriositätenkabinette des 17. Jahrhunderts (Exemplare aus der Natur, darunter auch Leichenteile, die öffentlich ausgestellt wurden), während er gleichzeitig die zeitlose Anziehungskraft unangenehmer, ja sogar ekelerregender biologischer Themen anerkennt.

In and Out of Love (1991)

Hirsts erste Einzelausstellung, die 1991 in London stattfand, baute auf seinem bereits etablierten Ruf auf, echte Tiere in seinen Arbeiten zu verwenden. Der Künstler setzte Puppen auf weiße Leinwände, woraufhin sie sich in Schmetterlinge verwandelten, Obstschalen fraßen, sich verbanden und verendeten.

Auf die Frage, worum es bei dem Projekt geht, antwortete er: ‚Liebe und Realität, Sehnsüchte, Ambitionen, Symbolik, Tod und Leben‘ sowie „die Art und Weise, wie das Symbol neben der realen Sache lebt. Oder die Schmetterlinge, die noch wunderschön sind, wenn sie schon längst gestorben sind“. Er gab zu, dass es „eine lächerliche Sache ist, wenn es am Ende nur um Kunst geht.“

Im Jahr zuvor hatte Hirst A Thousand Years (1990) gezeigt, eine Vitrine mit Larven, die sich an einem blutigen Kuhkopf gütlich taten, und damit Charles Saatchi auf sich aufmerksam gemacht, der daraufhin sein wichtigster Geldgeber wurde. Obwohl A Thousand Years Hirsts Namen festigte, spürten er und sein Geldgeber wohl, dass das Publikum noch nicht bereit für ein solches Werk war. Hirst kehrte 2012 in einer Ausstellung in der Tate Modern zur Idee der Schmetterlinge zurück.

Zwei fensterlose Kammern wurden mit lebenden Schmetterlingen bestückt, die täglich von einem Schmetterlingsspezialisten des Natural History Museum in London herangeschafft und von Museumsmitarbeitern weggefegt wurden, sobald sie starben. Während sich einige Betrachter darüber aufregten, dass die Schmetterlinge nicht in ihrer natürlichen Umgebung waren, und Tierschützer empört waren, begrüßten andere die Gelegenheit, über die Zerbrechlichkeit des Lebens nachzudenken. „Sie sind sehr ergreifend, weil ihr Leben so kurz ist und sie so empfindlich und zart sind“, sagte ein Beobachter.

Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines Lebenden(1991)

Dieses Werk hat Hirsts Platz in der Kunstwelt zementiert. Diese Installation mit einem 14 Fuß großen Tigerhai, der in Formaldehyd konserviert wurde, ähnelt der Variante der Kunstwelt zum Film Jaws aus dem Jahr 1975, denn sie lebt von der starken Reaktion des Betrachters, einem prickelnden Adrenalinstoß, den man in Gegenwart eines großartigen Horrorfilms erlebt, wenn man weiß, dass man von der Gefahr sicher ausgeschlossen ist.

Beide, die Skulptur und die Ausstellung, wurden von Charles Saatchi gesponsert, der von den Puristen der Kunstindustrie von London bis Fresh York angeprangert wurde, während er von den Menschen, die bereit für etwas Neues waren, bejubelt wurde.

Hirst behauptete, dass die Vitrinen „ursprünglich aus der Angst heraus entstanden, dass alles im Leben so zerbrechlich ist“, und dass er „eine Skulptur schaffen wollte, in der die Verletzlichkeit eingedämmt ist und in ihrem eigenen Reich existiert“. Obwohl einige Kritiker sie als „eingelegten Hai“ verspotteten, wurde sie zu einem Symbol der britischen Kunst der 1990er Jahre.&nbsp

Der Hai wurde 2006 ersetzt, weil das vorherige Exemplar verrottet war.

Abalone Acetone Powder (1991)

Damien Hirst schafft seit 1988 sogenannte „Spot Paintings“, die auch als The Pharmaceutical Paintings bekannt sind. Neben seinen Tierskulpturen ist diese Serie sein berühmtestes und ikonischstes Werk. Niemand weiß, wie viele es sind, aber Schätzungen gehen in die Tausende.

Während der Künstler die ersten Exemplare schuf, werden spätere Fleckenbilder immer noch von Assistenten unter seiner Aufsicht angefertigt, was Bedenken hinsichtlich ihres Wertes weckt. Die fröhliche Wirkung dieser Werke mag auf den ersten Blick im Widerspruch zu Hirsts Besessenheit von der Sterblichkeit stehen.

In Wirklichkeit sind sie ziemlich konsequent. Hirsts Punktkompositionen bilden jeweils die Molekularstruktur eines berauschenden, vielleicht gefährlichen Rauschmittels nach, das man nur mit ärztlicher Erlaubnis bekommen kann. Damit sind diese Kunstwerke eine witzige, bissige Kritik an einer milliardenschweren Pharmabranche, die Medikamente wie Bonbons vertreibt.

Sie sind auch eine Hommage an frühere Koloristen, die Hirst bewundert, wie Gerhard Richter und Mark Rothko.

Hirst sagt: „Ich war schon immer ein Kolorist, der die Farbe einfach von sich aus bewegt. Daher kamen die Fleckenbilder: Ich wollte diese Struktur aufbauen, um diese Farben zu erzeugen, ohne etwas zu tun. Plötzlich bekam ich, was ich wollte. Es war einfach eine Möglichkeit, die Freude an der Farbe einzufangen.“

Apotheke (1992)

Dieses Werk, das zum ersten Mal 1992 in der Cohen Gallery zu sehen war und jetzt dauerhaft in der Tate Modern ausgestellt ist, ist eine realistische Nachbildung einer Apotheke. Die Kunst ähnelt den Spot Paintings, die nach Medikamenten benannt sind, aber die Wirkung ist ganz anders.

Hirst wurde zu diesem Werk inspiriert, nachdem er einen Drugstore betreten und sich über dessen Fähigkeit gewundert hatte, ‚eine Vorstellung von Vertrauen zu erwecken‘. Der Künstler ist sich sehr wohl bewusst, dass die gefälschte Apotheke das übliche Gefühl des Vertrauens an diesem vertrauten Ort stört und eine Art frei schwebendes Unbehagen erzeugt.

Mit allem Drum und Dran, aber ohne Angestellte, wirkt der Raum potenziell bedrohlich. Diese Wirkung wurde noch verstärkt, als 1992 eine neue Dimension in die ursprüngliche Ausstellung eingebaut wurde. Insekten konnten durch in die Wände geschnittene Löcher in den Raum eindringen und sich von den im Raum verteilten Waben ernähren. Der Insekto-cuter schockierte sie, als sie ins Licht flogen.

Ihr Auftritt war ein Symbol für die Gewissheit des Todes – das unvermeidliche Ende, zu dem wir alle irgendwann kommen müssen – und das letztendliche Scheitern der Versuche der modernen Medizin, ihn abzuwenden.

Mutter und Kind (1993)

Dieses Bodenkunstwerk besteht aus vier Glasbehältern, die jeweils eine Hälfte einer Kuh und eines Kalbes enthalten. Die weißen Holzrahmen der Behälter erinnern an die klaren, sauberen Formen der klassischen minimalistischen Skulptur. Ihr Inhalt hingegen ist weder elegant noch minimalistisch. Jedes Tier ist über den Boden des Tanks gehängt, die Vorderbeine hängen schlaff herunter und verstärken das Gefühl des Todes. Dem Kalb hängt die Zunge aus dem Maul.

Die Tanks sind paarweise angeordnet, mit dem Kalb vor der Mutter, mit genug Platz zwischen jedem Paar, damit ein Gast direkt durch das Innere jedes Tieres gehen kann, wie durch einen Korridor. Die Wirkung ist, gelinde gesagt, verstörend und verwandelt ein heiliges Motiv in der Kunst – das der Mutter und des Kindes – in eine schreckliche, grausame, buchstäbliche Autopsie. Dies war Hirsts erste internationale Ausstellung, die auf der Biennale in Venedig gezeigt wurde.

Der Einfluss von Hirsts Freund und wichtigem Förderer Francis Bacon zeigt sich in der Wahl des Themas und der schonungslosen Aufmerksamkeit für grausige Details, wenn man die blassen und detaillierten inneren Organe und das Skelettsystem auf beiden Seiten betrachtet. Das Gemälde erinnert an ein anderes altehrwürdiges Motiv in der westlichen Kunst: das Memento mori, eine Klasse von Bildern, die das Publikum über die Realität des Todes informieren sollen. Hirsts Kunst weist beide Merkmale auf.

Die Körper sind zwar ein Symbol für den Tod, aber sie schweben in einer Flüssigkeit, die sie schwerelos macht. Von der Seite betrachtet ist die Unterteilung unsichtbar und die Mutter und der Säugling scheinen im Profil nebeneinander zu klettern.

Die Wirkung der Skulptur hängt, wie bei allen Installationen von Hirst, von der Position des Zuschauers im Raum und seiner Fähigkeit ab, sich darin zu bewegen.

Aubade, Crown of Glory (2006)

Geflügelte Käfer haben in Damien Hirsts Kunstwerken von Anfang an eine wichtige Rolle gespielt. Das letzte Jahrzehnt hat er sich auf Schmetterlinge konzentriert, sowohl als Symbole als auch als reale Materialien. Dieses Gemälde hat die Größe und die Proportionen eines riesigen Kirchenfensters und besteht aus hunderten wunderschön gefärbten Schmetterlingen.

Die Figur streckt sich physisch nach dem Himmel aus, was auf eine religiöse Symbolik hindeutet.

Schmetterlinge, die historisch gesehen ein Symbol für die Auferstehung Christi sind, erhalten in Hirsts Werk eine größere Bedeutung: Sie stehen für den Aufstieg, ein Motiv, das auch in den Tierinstallationen auftaucht, in denen Körper in der Luft zu schweben scheinen. Hirsts konservierte Leichen machen uns die Vergänglichkeit des Lebens und das Potenzial von allem, was darüber hinausgeht, bewusster. Durch die Betonung der Schönheit unterscheidet sich das Werk von Hirsts umstritteneren frühen Arbeiten, die offen und brutal präsentiert wurden, während es viele seiner wesentlichen Prozesse und Konzepte beibehält;

Damien Hirst, der meistgefeierte Künstler, den Großbritannien seit Jahren hervorgebracht hat, wurde sofort als junger Künstler mit einer hellen, schmutzigen und kompromisslosen Fantasie erkannt. Er ist der unbestrittene Anführer und Erfinder des vorherrschenden Trends in der bildenden Kunst, und seine berühmten Haifische und eingelegten Schafe sind inzwischen so tief im Bewusstsein der Menschen verankert, dass selbst Menschen mit nur gelegentlichem Interesse an Kunst mit ihnen vertraut sind.

Häufig gestellte Fragen

Warum ist Damien Hirst berühmt?

Hirsts Technik, so problematisch sie auch ist, ist fest in historischen und zeitgenössischen Quellen verwurzelt. Die Betonung des Todes erinnert an Memento-Mori-Elemente aus dem europäischen Stillleben. Wie viele andere Innovatoren des 20. Jahrhunderts verwendet auch er biologische Zutaten.

Welche Kunst macht Damien Hirst?

Seine Werke konzentrieren sich hauptsächlich auf zwei Arten. Spot Paintings sind eine Anordnung von Farbpunkten mit Titeln, die sich auf medizinische Substanzen beziehen. Hirsts Spin-Gemälde hingegen entstehen durch die Zentrifugalkraft, indem er seine Leinwände auf eine Spinnmaschine legt und Farbe darüber gießt, während sie sich drehen. Er schafft auch Kunst aus organischen und biologischen Komponenten.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.