Berühmte nautische Kunst und Schiffsgemälde

Gemälde von Schiffen auf See gehören zu den kultigsten Kunstwerken der Welt. Jahrhundertelang beherrschten zahlreiche Zivilisationen die Gewässer der Welt und schickten Handels- und Kriegsschiffe auf den blauen Horizont hinaus; in der Folge entstand die Seekunst, um diese Abenteuer und Schlachten darzustellen. Heute werden wir diese berühmten Schiffs- und Bootsmalereien feiern, indem wir sie genauer unter die Lupe nehmen. 

Unsere beliebtesten berühmten Schiffsgemälde

Nautische Gemälde erinnern an die unglaublichen Schiffe, die einst über die Meere segelten, aber auch an bescheidenere Segelbootgemälde. Im Laufe der Zeit wurden diese Schiffe zur Lebensader der Wirtschaft von Nationen wie dem Vereinigten Königreich und Portugal, da ihre Seeleute wertvolle Waren aller Art transportierten und auslieferten. Seit über tausend Jahren befahren Schiffe unterschiedlichster Art und Größe die Weltmeere.

Der Kontrast zwischen den brillanten, von Menschenhand gebauten Schiffen und der Unberechenbarkeit und den Gefahren des Ozeans und der Natur selbst ist ein Teil dessen, was so viele Kunstliebhaber und -interessierte inspiriert, vor allem in Küstenregionen.

Viele Malerinnen und Maler haben sich im Laufe der Geschichte mit nautischen Gemälden und ihren legendären Ausflügen zur See beschäftigt, andere haben sich ganz auf das Thema der Seefahrt spezialisiert. Hier sind unsere Lieblingsbilder von Schiffen auf See.

Der Sturm auf dem See Genezareth (1633) von Rembrandt

Dieses bekannte Schiffskunstwerk wurde 1990 aus dem Isabella Stewart Gardner Museum gestohlen. Der Verbleib des Gemäldes ist immer noch unbekannt, und es könnte sein, dass es nie wieder gefunden wird. Allerdings gibt es einige Diskussionen um das Werk. Seit es verschwunden ist, steht es im Mittelpunkt verschiedener Ermittlungen zum Diebstahl. In den 1630er Jahren, als Rembrandt in Amsterdam ankam, um seine berufliche Laufbahn zu beginnen, schuf er das, was viele für seine dramatischsten Werke halten.

Dieses Kunstwerk ist ein Beispiel für diese Zeit. Rembrandt wählte eine biblische Erzählung, um die Ernsthaftigkeit seiner kreativen Ambitionen zu demonstrieren.

Rembrandt zog nach Amsterdam mit der Absicht, für seine historischen Kunstwerke und Porträts anerkannt zu werden. Anhand einer Erzählung aus dem Neuen Testament zeigte er, wie man ein historisches Bild mit einer Seelandschaft verbindet. Diese neutestamentliche Begebenheit wäre Rembrandts Zeitgenossen bekannt vorgekommen und wurde von ihnen höchstwahrscheinlich bewundert. Die in dem Bild erzeugte Spannung hingegen würde der Erzählung eine völlig neue und überraschende Interpretation geben. Dieses Beispiel für Innovation und Risikobereitschaft von Rembrandt, der damals 27 Jahre alt war, hob ihn von seinen Kollegen ab und wurde zur Grundlage für sein kreatives Wachstum.

Der Sturm auf dem See Genezareth (1633) von Rembrandt; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Heimatflotte grüßt den Staatskahn (1650) von Jan van de Cappelle

Als Mitte des 16. Jahrhunderts zahlreiche Pilger und Reisende über den Atlantischen Ozean in die Neue Welt reisten, prägte die Seefahrt die Menschen und Nationen der Welt. In seinem Seekunstwerk von 1650 hat Jan van de Cappelle ein bedeutendes Ereignis aus dieser Zeit festgehalten. Das Bild zeigt eine Vielzahl von Schiffen, die sich in einem Hafen versammeln, um ein großes Schiff zu ehren, das auf seine Reise geht.

Cappelles Kunstwerk gilt als eines der berühmtesten Schiffsgemälde, weil er die Fähigkeit des Wassers, die Ereignisse über seiner Oberfläche zu reflektieren, in exquisiter Klarheit einfängt.

Jan van de Cappelle war ein Maler von Winterlandschaften und Gemälden von Schiffen auf See aus dem Goldenen Zeitalter der Niederlande, aber auch ein Unternehmer und Kunstsammler. Er gilt als der größte Marinemaler des 17. Jahrhunderts in Holland.

Die Heimatflotte grüßt die Staatsbarke (1650) von Jan van de Cappelle; Jan van de Cappelle, Public domain, via Wikimedia Commons

Nelson’s Inshore Blockading Squadron at Cadiz (1797) von Thomas Buttersworth

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts war die britische Royal Navy auf dem Höhepunkt ihrer nautischen Macht in fast ganz Europa und dem Rest der Welt. In dieser Zeit kämpfte die gewaltige Marine der Nation in mehreren Konflikten vor der Küste Portugals, als die beiden Länder um die Vorherrschaft über die Wasserstraßen an der europäischen Küste und in anderen Regionen des Atlantiks wetteiferten. Im Jahr 1797 fertigte Thomas Buttersworth dieses Bild an, das an eine entscheidende Seeschlacht für die britischen Streitkräfte vor der Küste Portugals erinnert.

Nach der historischen Schlacht von St. Vincent führten Nelson und zehn Binnenschiffer einen Nachtangriff gegen spanische Kanonenboote durch.

Nelson’s Inshore Blockading Squadron at Cadiz (1797) von Thomas Buttersworth; Thomas Buttersworth, Public domain, via Wikimedia Commons

Schlacht von Trafalgar(1805) von Louis Philippe Crepin

Einige der berühmtesten Schiffsgemälde stellen blutige Seekonflikte zwischen gewaltigen Seestreitkräften dar. Das gilt auch für das Werk von Louis Phillipe Crepin aus dem Jahr 1805. Dieses Bild zeigt eine der bekanntesten Seeschlachten, die in dem Jahr stattfand, in dem das Kunstwerk entstand. In diesem Kampf stand die gewaltige britische Royal Navy zwei anderen würdigen Gegnern gegenüber – den französischen und spanischen Seestreitkräften -, die sich zusammengetan hatten, um die überwältigende Macht zu stürzen, die zu dieser Zeit die Wasserstraßen rund um Europa und den größten Teil der Welt kontrolliert hatte.

Crepins Bild stellt den Nahkampf, der in Seekonflikten üblich war, mit außergewöhnlicher Präzision dar.

Schlacht von Trafalgar (1805) von Louis Philippe Crepin; Louis-Philippe Crépin (1772-1851), Public domain, via Wikimedia Commons

A First Rate Man-of-War Driven Onto a Reef of Rocks, Floundering in a Gale (1826) von George Philip Reinagle

Die frühen 1800er Jahre waren wahrscheinlich der Höhepunkt der legendären Ära der Schiffsmalerei. George Philip Reinagle war ein bekannter Marinekünstler, der für seine Fähigkeit bekannt war, den Charakter der oft gewalttätigen Natur des Meeres darzustellen, die im Laufe der Geschichte so viele große, starke Schiffe zum Wrack gemacht hat.

Sein Meisterwerk aus dem Jahr 1826 trägt den passenden Titel, denn es zeigt ein Schiff, das in den Fängen der wogenden See gefangen ist.

Einer der aufregendsten Aspekte der Seefahrt war das Risiko, dass Seeleute in einem tobenden Sturm, auch bekannt als Orkan, untergehen konnten. Dieses Werk ist berühmt für Reinagles Fähigkeit, die gewaltige, erdrückende Kraft der Wellen und die von den heftigen Winden aufgepeitschte Gischt einzufangen. Das Werk ist eine ernüchternde Erinnerung daran, dass nicht alle Erkundungen und Abenteuer auf See sicher sind.

A First Rate Man-of-War Driven Onto a Reef of Rocks, Floundering in a Gale (1826) von George Philip Reinagle; George Philip Reinagle, Public domain, via Wikimedia Commons

The Fighting Temeraire (1839) von J. M. W. Turner

Die frühe industrielle Revolution wird durch die Umgebung des Meereskunstwerks angedeutet. Obwohl der Himmel beleuchtet ist, eilt ein Schlepper zu Hilfe. Der Schlepper steht für die neue Ära von Dampf, Kohle und Feuer. Turners eigene Emotionen und Fantasie kommen in dem Bild zum Vorschein, das faszinierend und romantisch ist. Obwohl es schwierig ist, die Botschaft des Gemäldes zu bestimmen, ist es zweifelsohne ein wichtiges Symbol seiner Zeit.

Turners Bootsgemälde weist gegensätzliche Farbtöne auf, die ihm ein magisches oder ätherisches Aussehen verleihen. Im Kontrast zum düsteren Himmel sticht der Schlepper hervor.

Ein kleiner Teil des Bildbodens wird vom Wasser eingenommen, wodurch ein Gleichgewicht zwischen Himmel und Wasser entsteht. Der kämpfende Temeraire war zu seiner Zeit nicht sehr beliebt, hat aber im Laufe der Zeit an Popularität gewonnen. Eine bedeutende Persönlichkeit der britischen Kunstgeschichte, John Ruskin, äußerte sich wohlwollend über das Werk. Obwohl das Kunstwerk schließlich von der Auktionsbörse genommen wurde, lobten es viele Kritiker, darunter auch Turner selbst, als Meisterwerk. Trotz der zahlreichen negativen Kritiken warb Turner weiterhin für sein Werk.

The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up, 1838 (1839) von J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Public domain, via Wikimedia Commons

Becalmed off Halfway Rock (1860) von Fitz Hugh Lane

Einige der berühmtesten Schiffsgemälde, die je gemalt wurden, zeigen Kriegsschiffe, die in heftige Kämpfe verwickelt sind oder in gewaltigen Stürmen auf dem weiten Meer feststecken. Es gibt jedoch auch einige bedeutende nautische Gemälde, die den ruhigen, friedlichen Charakter des Ozeans oder der Küstenregionen widerspiegeln. Dieses Gemälde zeigt Schiffe, die sich um den Halfway Rock scharen, ein markantes maritimes Wahrzeichen auf halbem Weg zwischen Cape Ann und Boston.

Dieser Ort war ein beliebter Haltepunkt für Handels- und Versorgungsschiffe, denn hier konnten sie sich mit anderen Schiffen verbinden und viele Formen des maritimen Handels an einem bestimmten Ort abwickeln.

Becalmed off Halfway Rock (1860) von Fitz Hugh Lane; National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Rote Boote, Argenteuil (1875) von Claude Monet

Monet malte in den 1870er Jahren die Stadt und die umliegenden Gebiete von Argenteuil und schuf Bilder von Harmonie und Schönheit, die manchmal im Widerspruch zu den Realitäten der Zeit standen. Trotz seines Glaubens an die Plein air-Malerei wählte Monet die Komponenten, die er einbauen wollte, sorgfältig aus und vollendete seine Werke oft im Atelier.

In seinen Werken gibt es keine Hinweise auf die Verschmutzung des Flusses in Argenteuil oder das Chaos einer Gemeinschaft, die alle in ihre Industrie drängt.

Monet schuf die Komposition dieses Gemäldes mit Hilfe von Booten, insbesondere mit den vertikalen Masten. Auch hier verwendete er kontrastreiche Farben in Form von Orangen, Blau, Grün und Rot. Das Gemälde ist sehr farbenfroh, und die blauen und violetten Töne stellen die Tiefe des Meeres dar.

Rote Boote, Argenteuil (1875) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Breezing Up (A Fair Wind) (1876) von Winslow Homer

Nach einem Besuch in Massachusetts, wo er zum ersten Mal mit Aquarellfarben malte, begann Homer dieses Gemälde 1873 in New York. Die Skizzen, die er dort anfertigte, nutzte er, um ein Ölgemälde zu schaffen, an dem er drei Jahre lang arbeitete. Die Infrarot-Reflektographie hat gezeigt, dass er in dieser Zeit mehrere Änderungen an der Komposition vorgenommen hat, darunter die Auslöschung eines vierten Jungen in der Nähe des Mastes und eines zweiten Schiffes in der Ferne.

Das Thema des Gemäldes ist fröhlich; trotz der stürmischen See scheinen die Segler entspannt zu sein. Der Anker, der die Person am Bug ersetzt, soll die Hoffnung darstellen.

Der junge Mann am Ruder blickt zum Horizont, ein Ausdruck der Hoffnung für seine Zukunft und die der entstehenden Vereinigten Staaten. Das letzte Stück zeigt, dass Homer von dem großen Einfluss der japanischen Kunst auf westliche Künstler im 19. Jahrhundert beeinflusst wurde, vor allem in der kompositorischen Balance zwischen den dynamischen und den kargen Teilen. Im Jahr 1866 besuchte Homer Frankreich und der Einfluss der nautischen Gemälde der französischen Künstler Claude Monet und Gustave Courbet ist ebenfalls sichtbar.

Breezing Up (A Fair Wind) (1876) von Winslow Homer; Winslow Homer, Public domain, via Wikimedia Commons

Fischerboote am Strand von Saintes-Maries (1888) von Vincent van Gogh

Dieses Segelbootgemälde ist eine Überarbeitung der Zeichnung des Künstlers und einer seiner beeindruckendsten Versuche, Gleichgewicht und Harmonie herzustellen. Die Fischerboote stehen in scharfem Kontrast zu seinem Zustand und dienten dem Maler als Quelle des Optimismus, als er sich dem Ende seines Lebens näherte. Vincent van Gogh trug seine Farben mit einem Spachtel auf, und die kontrastreichen blauen und weißen Teile des Wassers wurden mit Grün- und Blautönen gefüllt, um die Wellen zu bilden. Auch die Boote fertigte er mit einer Rohrfeder an und fügte die weißen und blauen Farben mit großen Kritzeleien hinzu.

Als Ergebnis hat das Bild eine fließende Bewegung und eine Mischung aus impressionistischen und realistischen Elementen.

Fischerboote am Strand von Saintes-Maries (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Gemälde von Kriegsschiffen und Segelbooten waren schon immer beliebte Motive. Das liegt wahrscheinlich daran, dass Schiffe eine so wichtige Rolle bei der Entwicklung der Zivilisation gespielt haben. Dank der Künstler, die von diesen unglaublichen Schiffen fasziniert sind, gibt es heute viele berühmte Schiffsgemälde zu bewundern.

Häufig gestellte Fragen

Warum sind Gemälde von Schiffen auf See so ein beliebtes Thema?

Schiffe haben in der Vergangenheit eine wichtige Rolle für die Menschen gespielt und uns geholfen, neue Länder und Völker zu erkunden. Vielleicht ist es dieses Gefühl von Abenteuer und Freigeist, das die Künstler persönlich anspricht. Vielleicht ist es aber auch die Möglichkeit, sowohl die Natur als auch die Schöpfung des Menschen darzustellen, wenn sie Bilder von Schiffen malen.

Was stellen berühmte Schiffsgemälde dar?

Manche Künstlerinnen und Künstler stellen intensive Schlachtszenen aus der Geschichte der Menschheit dar. Andere ziehen es vor, Segelbootgemälde zu schaffen, die eine gedämpfte und friedliche Atmosphäre haben. In anderen Fällen ist das Kunstwerk mit einer biblischen oder mythologischen Geschichte verknüpft. Gemälde von Schiffen auf See sind nicht nur zahlreich, sondern auch vielfältig in ihren Themen und Stilen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.